Adolph Gottlieb- Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb in East Hampton.jpg
Adolph Gottlieb in East Hampton
Geboren ( 1903-03-14 )14. März 1903
New York City , New York, USA
Ist gestorben 4. März 1974 (1974-03-04)(70 Jahre)
New York City , New York, USA
Staatsangehörigkeit amerikanisch
Bildung Art Students League of New York , Académie de la Grande Chaumière , Parsons School of Design , Cooper Union
Bekannt für Malerei , Skulptur
Bewegung Abstrakter Expressionist

Adolph Gottlieb (14. März 1903 - 4. März 1974) war ein amerikanischer Maler , Bildhauer und Grafiker des abstrakten Expressionismus .

Frühes Leben und Ausbildung

Adolph Gottlieb, einer der "ersten Generation" der Abstrakten Expressionisten , wurde 1903 in New York als Sohn jüdischer Eltern geboren. Von 1920 bis 1921 studierte er an der Art Students League of New York . Nachdem er sich entschlossen hatte, Künstler zu werden, verließ er im Alter von 17 Jahren die High School und arbeitete sich auf einem Handelsschiff nach Europa. Er reiste ein Jahr lang in Frankreich und Deutschland. Er lebte 6 Monate in Paris, während dieser Zeit besuchte er täglich das Louvre-Museum und besuchte Kurse an der Académie de la Grande Chaumière . Im nächsten Jahr reiste er durch Deutschland, Österreich, die Tschechoslowakei und andere Teile Mitteleuropas, besuchte Museen und Kunstgalerien. Als er zurückkehrte, war er einer der meistgereisten New Yorker Künstler. Nach seiner Rückkehr nach New York studierte er an der Art Students League of New York, der Parsons School of Design , der Cooper Union und der Educational Alliance .

1920er und 1930er Jahre

1930 hatte Gottlieb seine erste Einzelausstellung in den Dudensing Galleries in New York City. In den 1920er und frühen 1930er Jahren schloss er lebenslange Freundschaften mit anderen Künstlern wie Barnett Newman , Mark Rothko, David Smith, Milton Avery und John Graham . 1935 stellten er und eine Gruppe von Künstlern, darunter Ben-Zion , Joseph Solman , Ilya Bolotowsky , Ralph Rosenborg , Louis Harris, Mark Rothko und Louis Schanker , bekannt als „ The Ten “, ihre Werke bis 1940 gemeinsam aus.

Von September 1937 bis Juni 1938 lebte Gottlieb in der Wüste von Arizona , außerhalb von Tucson. In diesen 9 Monaten änderte er seine Herangehensweise an die Malerei radikal. Er wechselte von einem expressionistisch-realistischen Stil zu einem Ansatz, der Elemente des Surrealismus und der formalistischen Abstraktion kombinierte, indem er Objekte und Szenen aus der lokalen Umgebung als Symbole verwendete, um die Zeitlichkeit aus seiner Arbeit zu entfernen. Er ging davon in surrealistischere Werke wie The Sea Chest über , die mysteriöse Unstimmigkeiten in einer ansonsten normalen Landschaft zeigt. Dann vermittelt er dem Betrachter die Weite, die er beim Blick auf den Wüstenhimmel von Arizona gefühlt haben muss, obwohl er diese Weite in eine grundlegendere abstrakte Form destilliert. „Ich glaube, das emotionale Gefühl, das ich hatte, war, dass ich auf See war … Dann ist da noch die enorme Klarheit – draußen in Arizona gibt es eine enorme Klarheit des Lichts und nachts scheinen die Wolken ganz nah.“ Als diese Arizona-Werke nach Gottliebs Rückkehr in New York ausgestellt wurden, brachen sie mit Gottliebs ehemaligem Kollegenkreis, der sein neues Werk mehrfach als „zu abstrakt“ verurteilte.

1940er – 1950er Jahre

Gottlieb und ein kleiner Freundeskreis schätzten die Arbeiten der surrealistischen Gruppe, die sie in den 1930er Jahren in New York ausgestellt sahen. Sie tauschten auch Exemplare der Zeitschrift „ Cahiers d'art “ aus und waren mit aktuellen Vorstellungen über automatisches Schreiben und unbewusste Bilderwelten bestens vertraut. In den Jahren 1940 und 1941 malte Gottlieb einige wenige Werke im surrealistischen Stil. Die Ergebnisse seiner Experimente manifestierten sich in seiner 1941–1950 umspannenden Serie „ Piktogramme “. In seinem Gemälde Voyager's Return [1] stellt er diese Bilder in unterteilten Räumen gegenüber. Seine Bilder erscheinen denen der indigenen Bevölkerung Nordamerikas und des Alten Orients ähnlich . Wenn er herausfand, dass eines seiner Symbole nicht original war, benutzte er es nicht mehr. Er wollte, dass seine Kunst auf alle seine Betrachter die gleiche Wirkung hat, nicht weil sie sie vorher gesehen hatten, sondern weil sie so elementar und elementar war, dass sie in ihnen widerhallte.

1941, enttäuscht von der ihn umgebenden Kunst, entwickelte er den Ansatz, den er Piktogramme nannte. Gottliebs Piktogramme, die er von 1941 bis 1954 schuf, sind das erste zusammenhängende Werk reifer Malerei eines Amerikaners seiner Generation. Gottlieb sprach in einer Erklärung von 1947 über seine Bedenken:

„Die Rolle des Künstlers war schon immer die des Bildermachers. Unterschiedliche Zeiten erfordern unterschiedliche Bilder. Heute, wo unser Streben auf einen verzweifelten Versuch reduziert wurde, dem Bösen zu entkommen, und die Zeiten aus den Fugen geraten, sind unsere obsessiven, unterirdischen und bildhaften Bilder sind der Ausdruck der Neurose, die unsere Realität ist. Meiner Meinung nach ist gewisse sogenannte Abstraktion überhaupt keine Abstraktion. Im Gegenteil, es ist der Realismus unserer Zeit."

Im Mai 1942 wurde sein erstes "Piktogramm" auf der zweiten Jahresausstellung der Federation of Modern Painters and Sculptors in den Wildenstein Galleries in New York gezeigt sein Unterbewusstsein, das aber deutlich von der Idee der Erzählung abwich. Um dieses Ziel zu erreichen, präsentierte Gottlieb Bilder, die in Abschnitte eines locker gezeichneten Rasters eingefügt wurden. Jedes Bild existierte unabhängig von den anderen, doch ihre Anordnung auf derselben Ebene zusammen mit den Beziehungen von Farbe, Textur und Form zwingen den Betrachter, sie zu assoziieren. Bedeutung ist also sehr persönlich – eine weitere Innovation von Gottliebs Gemälden Der surrealistische Biomorphismus war eine Quelle für seine Piktogramme. Für Gottlieb war Biomorphismus eine Möglichkeit, sein Unbewusstes, das ihn durch [John] Graham, Freud und den Surrealismus fasziniert hatte, frei auszudrücken. Gottlieb integrierte auch den Automatismus – die malerische Technik der Freudschen freien Assoziation – und war die Methode, mit der Gottlieb biomorphe Formen erzeugte, die spontan in seinem Unbewussten konzipiert wurden [2] . Getrennt wurden diese biomorphen Formen durch das durchgehende Gittermuster, das als Gesamtstruktur der Serie „Piktogramme“ diente.

Gottlieb sagte einmal: "Wenn ich eine schlangenförmige Linie oder eine Schlangenlinie machte, war es, weil ich eine Schlangenlinie wollte. Danach würde sie eine Schlange suggerieren, aber als ich sie machte, deutete sie nichts an. Es war reine Form ... " . Diese von Gottlieb verwendeten Linien und Formen wurden von verschiedenen Menschen leicht als verschiedene Bedeutungen interpretiert.

1950 stellte Gottlieb fest, dass der Ansatz der „ All-Over-Malerei “ zu einem Klischee für die amerikanische abstrakte Malerei geworden war. Er begann seine neue Serie Imaginary Landscapes, behielt seine Verwendung einer "Pseudosprache" bei, fügte jedoch das neue Element des Raums hinzu. Er malte keine Landschaften im herkömmlichen Sinne, sondern modifizierte dieses Genre, um es seinem eigenen Malstil anzupassen. Imaginäre Landschaften sind horizontale Leinwände, die in 2 Register unterteilt sind, eines sehr aktiv unter einem kontemplativen oberen, das einen anderen Ansatz zur Abstraktion darstellt Mitte des Jahrhunderts. 1955 bemerkte Gottlieb:

Ich höre oft die Frage „Was bedeuten diese Bilder?“ Das ist einfach die falsche Frage. Visuelle Bilder müssen weder dem verbalen Denken noch den optischen Tatsachen entsprechen. Eine bessere Frage wäre: „Vermitteln diese Bilder irgendeine emotionale Wahrheit?“

Ende 1956 formulierte Gottlieb das als „Burst“ bekannt gewordene Bild und verbrachte die nächsten 2 Jahre damit, an diesem Ansatz zu arbeiten. Er vereinfacht seine Darstellung auf zwei Scheibenformen und gewundene Massen. Seine Bilder sind Variationen mit diesen Elementen, die auf unterschiedliche Weise angeordnet sind. Diese Serie suggeriert im Gegensatz zur Serie Imaginary Landscape eine Grundlandschaft mit Sonne und Erde. Auf einer anderen Ebene sind die Formen so rudimentär; sie sind nicht auf diese eine Interpretation beschränkt. Gottlieb war auch ein meisterhafter Kolorist und in der Burst-Serie ist seine Verwendung von Farbe besonders wichtig. Er gilt als einer der ersten Farbfeldmaler und ist einer der Vorläufer der Lyrischen Abstraktion . Gottliebs Karriere war geprägt von der Entwicklung von Raum und Universalität.

1960er-1970er Jahre

Bis 1960 ermöglichten Gottliebs Bemühungen an seiner "Burst" -Serie es ihm, seine Bildsprache stark zu vereinfachen. Gottlieb schuf für den Rest seiner Karriere Gemälde vom Typ "Burst" und "Imaginary Landscape", aber im Gegensatz zu einigen seiner Kollegen beschränkte er sich nicht auf ein oder zwei Bilder. Die Diskussion über Gottliebs Kunst beschränkt sich normalerweise auf die Erwähnung von "Bursts". oder „Imaginary Landscapes“, die von der breiten Palette der von diesem Künstler untersuchten Ideen ablenken. In einem Interview von 1967 fasste Gottlieb seine Ziele zusammen:

Aber für mich ist alles Natur, auch alle Gefühle, die ich habe – oder Träume. Alles ist Teil der Natur. Auch die Malerei ist Teil der Natur geworden. Zur weiteren Klarstellung: Ich habe keinen ideologischen oder doktrinären Zugang zu meiner Arbeit. Ich male nur aus meinen persönlichen Gefühlen, meinen Reflexen und Instinkten. Diesen muss ich vertrauen.

Ein repräsentatives Gemälde aus dieser Zeit befindet sich in der Empire State Plaza Art Collection des Gouverneurs Nelson A. Rockefeller in Albany, NY.

Im Jahr 1967, während Gottlieb sich auf die Ausstellung im Whitney and Guggenheim Museum vorbereitete, begann er, kleine Modelle für Skulpturen aus geschnittenem und bemaltem Karton herzustellen, die ihm das Gefühl gaben, „ein junger Bildhauer, der gerade erst beginnt“. Diese kleinen Skulpturen entwickelten sich zu größeren Werken aus geschnittenem, geschweißtem und lackiertem Stahl und Aluminium. Gottliebs Streifzug in die Bildhauerei dauerte nur etwa eineinhalb Jahre, aber in dieser kurzen Zeit schuf er ein Werk, das die Abgrenzung zwischen Malerei und Skulptur in Frage stellte. Ähnlich wie bei seinem Freund, dem Bildhauer David Smith, machte es Gottliebs Hintergrund als Maler unmöglich, Objekte ohne Farbe zu visualisieren. Als er dies akzeptierte, war Gottlieb gezwungen, alle Werkzeuge zu verwenden, die er in seiner langen Karriere als Maler entwickelt hatte – Berührung, visuelle Balance, Oberflächenqualität und mehr –, um seine Skulpturen wie seine Gemälde zu einem "Vehikel für den Ausdruck von" zu machen Gefühl… Ich habe das Bedürfnis, dass die besonderen Farben, die ich verwende, oder die besonderen Formen die Last von allem tragen, was ich ausdrücken möchte, und alles muss auf diese wenigen Elemente konzentriert werden.“ Insgesamt hat Gottlieb 42 Skulpturen geschaffen, darunter drei große Outdoor-Stücke, die sich derzeit in den Sammlungen der National Gallery of Art in Washington, DC, des Storm King Art Center in New Windsor, NY, und des Metropolitan Museum of Art in New York befinden Stadt.

Gottlieb blieb während der 1960er Jahre aktiv. 1963 erhielt er als erster amerikanischer Künstler den Gran Premio der São Paulo Bienale in Brasilien. 1968 arbeiteten das Guggenheim Museum und das Whitney Museum in New York an einer Retrospektive seiner Kunst, die beide Museen füllte. Dies ist bis heute das einzige Kooperationsprojekt dieser beiden großen Institutionen.

Karrierehöhepunkte

Im Laufe seiner Karriere hatte Adolph Gottlieb 56 Einzelausstellungen und war in über 200 Gruppenausstellungen vertreten. Seine Kunstwerke befinden sich in den Sammlungen von mehr als 140 bedeutenden Museen auf der ganzen Welt. Gottlieb war als Maler, Zeichner, Grafiker und Bildhauer versiert. Er entwarf und beaufsichtigte den Bau einer 1500 Quadratmeter großen Buntglasfassade für das Milton Steinberg Center in New York City im Jahr 1954 und er entwarf eine Suite von 18 Buntglasfenstern für das Kingsway Jewish Center in Brooklyn. Er war der erste seiner Generation, der seine Kunst vom Museum of Modern Art (1946) und dem Guggenheim Museum (1948) sammeln ließ.

Tod und Vermächtnis

Gottlieb erlitt 1970 einen schweren Schlaganfall, der ihn bis auf seinen rechten Arm und seine Hand gelähmt zurückließ. Er malte und stellte seine Kunst bis zu seinem Tod im März 1974 aus. Seine Trauerfeier fand am Mittwoch, den 6. März 1974, im Frank E. Campbell Funeral Home statt und er wurde auf dem Mt. Angenehmer Friedhof, Hawthorne, NY. 1972 wurde er in die American Academy of Arts and Letters gewählt.

Neben seinen Beiträgen als Künstler setzte sich Gottlieb zeitlebens für den professionellen Status von Künstlern ein. In den 1940er und 1950er Jahren half er bei der Organisation des „Forum 49“ und anderer von Künstlern geleiteter Veranstaltungen und Symposien in New York und Provincetown. 1950 war er der Hauptorganisator des Protests gegen das Metropolitan Museum of Art, der ihm und seinen Kollegen die Anerkennung als „ The Irascibles “ einbrachte . Nach den Anweisungen Gottliebs in seinem Testament wurde 1976 die Adolph und Esther Gottlieb Foundation gegründet, die Stipendien für bildende Künstler vergab.

Siehe auch

Verweise

Quellen

Weiterlesen

  • Die Piktogramme von Adolph Gottlieb , Aufsätze von Lawrence Alloway et al. New York: Hudson Hills Press in Zusammenarbeit mit der Adolph & Esther Gottlieb Foundation, 1994.
  • " Adolph Gottlieb : una retrospectiva = eine Übersichtsausstellung." Valencia: Generalitat Valenciana, Conselleria de Cultura, Educació i Ciència, 2001. In Zusammenarbeit mit Adolph & Esther Gottlieb Foundation und IVAM Centre Julio Gonzalez

Externe Links