Afroamerikanische Musik - African-American music

Afroamerikanische Musik ist ein Überbegriff für eine Vielzahl von Musik und Musikgenres, die größtenteils von Afroamerikanern entwickelt wurden . Ihre Ursprünge liegen in musikalischen Formen, die aus dem historischen Zustand der Sklaverei entstanden, der das Leben der Afroamerikaner vor dem amerikanischen Bürgerkrieg prägte . Einige der beliebtesten Musikarten wie Rock and Roll, Rock, Funk, Jazz, Blues, Rhythm und Rhythm and Blues sind afroamerikanische Musik.

Weiße Versklavte versuchten, ihre Sklaven durch Brutalität und erniedrigende Handlungen physisch, mental und spirituell vollständig zu unterwerfen. Afroamerikaner setzten Musik ein, um dieser Entmenschlichung entgegenzuwirken. Weiße Amerikaner hielten Afroamerikaner jahrhundertelang für getrennt und ungleich und unternahmen außergewöhnliche Anstrengungen, um die Schwarzen unterdrückt zu halten. Afroamerikaner haben eine unverwechselbare Musik geschaffen, die ihre Wurzeln tief in ihrer Erfahrung verankert hat.

Nach dem Bürgerkrieg entwickelten schwarze Amerikaner durch ihre Anstellung als Musiker, die europäische Musik in Militärbands spielten, einen neuen Musikstil namens Ragtime, der sich allmählich zum Jazz entwickelte . Bei der Entwicklung dieser letztgenannten Musikform trugen Afroamerikaner zum Wissen über die ausgeklügelte polyrhythmische Struktur der Tanz- und Volksmusik von Völkern in West- und Subsahara-Afrika bei . Diese musikalischen Formen hatten im 20. Jahrhundert einen weitreichenden Einfluss auf die Entwicklung der Musik in den Vereinigten Staaten und auf der ganzen Welt.

Die modernen Genres Blues und Ragtime wurden durch Verschmelzen während des Ende des 19. Jahrhunderts entwickelte westafrikanischen vocalizations - , die die verwendeten Naturtonskala und blauen Noten . Zum Beispiel: „Wenn man die fünf Kriterien von Waterman als Clustermerkmale für westafrikanische Musik betrachtet, stellt man fest, dass drei als charakteristisch für afroamerikanische Musik gut dokumentiert sind Herangehensweise an Musik und ausgefallene Phrasierung melodischer Akzente wurden in praktisch jeder Studie über jede Art von afroamerikanischer Musik, von Arbeitsliedern, Feld- oder Straßenrufen, Shouts und Spirituals bis hin zu Blues und Jazz."

Die ersten Jazz- und Blues-Aufnahmen entstanden in den 1920er Jahren. Afroamerikanische Musiker entwickelten in den 1940er Jahren verwandte Stile wie Rhythm and Blues . In den 1960er Jahren hatten Soul- Performer einen großen Einfluss auf weiße US- und britische Sänger. Mitte der 1960er Jahre entwickelten schwarze Musiker den Funk und sie waren viele der führenden Persönlichkeiten des Genres der Jazz-Rock-Fusion der späten 1960er und 1970er Jahre . In den 1970er und 1980er Jahren, Schwarz Künstler entwickelt Hip-Hop , und in den 1980er Jahren eingeführt , um die Disco -infused Tanzstil bekannt als Hausmusik . Viele der heutigen Musikgenres sind stark von traditioneller afroamerikanischer Musik beeinflusst. Am 18. Januar 2021 wurde in Nashville, Tennessee, ein neues Museum mit dem Namen National Museum of African American Music eröffnet, das den Beitrag der Afroamerikaner bei der Schaffung neuer Musikgenres hervorhebt, die die amerikanische Musik und die populäre Musik auf der ganzen Welt beeinflusst haben. Das neue Museum hat eine Geschichte der afroamerikanischen Musik von Afrika bis heute.

Historische Merkmale

Neben harmonischen und rhythmischen Merkmalen aus West- und Subsahara-Afrika, die auf europäische Musikinstrumente trafen, war es der historische Zustand der Sklaverei , der schwarzen Amerikanern innerhalb der amerikanischen Gesellschaft aufgezwungen wurde, der die Bedingungen beitrug, die ihre Musik definieren würden.

Viele der charakteristischen musikalischen Formen, die afroamerikanische Musik definieren, haben historische Präzedenzfälle. Diese früheren Formen sind: Feld hollers , Beat - Boxen , Arbeitslied , gesprochenes Wort , rappen , scatting , Call and Response , Vokalität (oder eine speziellen Gesangseffekt: guttural Effekte, interpolierte Vokalität, Falsett , Melisma , vocal Rhythmisierung), Improvisation , blue note , Polyrhythmen ( Synkopen , Konkreszenz , Spannung , Improvisation , Percussion , geschwungene Note ), Textur ( Antiphonie , Homophonie , Polyphonie , Heterophonie ) und Harmonie ( volkssprachliche Progressionen ; komplexe, mehrstimmige Harmonien , wie in Spirituals , Doo Wop und Barbershop - Musik ).

Geschichte

18. Jahrhundert

Im späten 18. Jahrhundert entstanden Folk- Spirituals unter den im Süden versklavten Menschen nach ihrer Bekehrung zum Christentum. Die Bekehrung führte jedoch nicht dazu, dass versklavte Menschen die Traditionen übernahmen, die mit der Praxis des Christentums verbunden sind. Stattdessen interpretierten sie sie in einer Weise neu, die für sie als Afrikaner in Amerika eine Bedeutung hatte. Sie sangen oft die Spirituals in Gruppen, während sie auf den Plantagenfeldern arbeiteten.

Folk-Spirituals waren im Gegensatz zu vielen anderen weißen Gospels oft temperamentvoll: versklavte Menschen fügten dem Gesang Tanz (später bekannt als " der Schrei ") und andere Formen von Körperbewegungen hinzu. Sie änderten auch die Melodien und Rhythmen von Psalmen und Hymnen , z. B. beschleunigten sie das Tempo, fügten wiederholte Refrains und Refrains hinzu und ersetzten Texte durch neue, die oft englische und afrikanische Wörter und Phrasen kombinierten. Ursprünglich mündlich überliefert, spielen Folk Spirituals seit mehr als drei Jahrhunderten eine zentrale Rolle im Leben der Afroamerikaner und erfüllen religiöse, kulturelle, soziale, politische und historische Funktionen.

Folk-Spirituals wurden spontan kreiert und in einem sich wiederholenden, improvisierten Stil aufgeführt. Die gängigsten Songstrukturen sind Call-and-Response ("Blow, Gabriel") und sich wiederholende Refrains ("He Rose from the Dead"). Der Call-and-Response ist ein alternierender Austausch zwischen dem Solisten und den anderen Sängern. Der Solist improvisiert normalerweise eine Zeile, auf die die anderen Sänger antworten, indem er dieselbe Phrase wiederholt. Die Songinterpretation beinhaltet die Interjektionen von Stöhnen, Schreien, Rufen usw. und wechselnde Stimmfarben. Das Singen wird auch von Handklatschen und Fußstampfen begleitet.

Die Smithsonian Institution Folkways Recordings haben Samples von afroamerikanischen Sklaven-Shout-Songs .

19. Jahrhundert

Der Einfluss der Afroamerikaner auf die amerikanische Mainstream-Musik begann im 19. Jahrhundert mit dem Aufkommen der Blackface- Minstrelsy . Das Banjo afrikanischer Herkunft wurde zu einem beliebten Instrument, und seine aus Afrika stammenden Rhythmen wurden von Stephen Foster und anderen Songwritern in populäre Lieder integriert . In den 1830er Jahren führte das Zweite Große Erwachen zu einem Anstieg der christlichen Erweckung und des Pietismus , insbesondere unter Afroamerikanern. Ausgehend von traditionellen Arbeitsliedern entstanden versklavte Afroamerikaner und begannen, eine Vielzahl von Spirituals und anderer christlicher Musik aufzuführen . Einige dieser Lieder waren verschlüsselte Botschaften der Subversion gegen Versklavte oder signalisierten Flucht.

In der Zeit nach dem Bürgerkrieg setzte sich die Verbreitung der afroamerikanischen Musik fort. Die Fisk University Jubilee Singers tourten erstmals 1871. Künstler wie Jack Delaney trugen dazu bei, die afroamerikanische Musik der Nachkriegszeit im Zentralosten der Vereinigten Staaten zu revolutionieren. In den folgenden Jahren bildeten sich professionelle "Jubiläums"-Truppen und tourten. Die erste schwarze Musical-Comedy-Truppe, Hyers Sisters Comic Opera Co., wurde 1876 gegründet. In der letzten Hälfte des 19. Jahrhunderts dienten US-Barbershops oft als Gemeindezentren, in denen sich die meisten Männer versammelten. Barbershop- Quartette haben ihren Ursprung in afroamerikanischen Männern, die in Barbershops verkehren; sie harmonierten, während sie warteten, bis sie an der Reihe waren, und sangen in Spirituals, Volksliedern und populären Liedern. Daraus entstand ein neuer Stil, bestehend aus unbegleitetem, vierstimmigem Gesang in enger Harmonie. Später übernahmen weiße Minnesänger den Stil, und in den frühen Tagen der Plattenindustrie wurden ihre Auftritte aufgezeichnet und verkauft. Am Ende des 19. Jahrhunderts war afroamerikanische Musik ein wesentlicher Bestandteil der amerikanischen Mainstream-Kultur.

Anfang des 20. Jahrhunderts (1900-1930er Jahre)

Die Slayton Jubilee Singers unterhalten Mitarbeiter der Old Trusty Incubator Factory, Clay Center , um 1910

Im amerikanischen Musiktheater des frühen 20. Jahrhunderts debütierten die ersten Musicals, die von Afroamerikanern geschrieben und produziert wurden, 1898 am Broadway mit einem Musical von Bob Cole und Billy Johnson. Im Jahr 1901 war die erste Aufnahme schwarzer Musiker von Bert Williams und George Walker mit Musik aus Broadway-Musicals. Theodore Drury half schwarzen Künstlern, sich im Opernbereich zu entwickeln. Er gründete 1900 die Drury Opera Company und spielte, obwohl er ein weißes Orchester verwendete, schwarze Sänger in Hauptrollen und Chören. Obwohl diese Kompanie nur von 1900 bis 1908 aktiv war, markierten die Chancen schwarzer Sänger bei Drury die erste schwarze Beteiligung an Opernkompanien. Bedeutend ist auch Scott Joplins Oper Treemonisha , die als Ragtime-Folk-Oper einzigartig ist; es wurde 1911 uraufgeführt.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde der afroamerikanische Blues und Jazz immer beliebter . Afroamerikanische Musik wurde zu dieser Zeit als "Rennmusik" eingestuft. Dieser Begriff gewann an Bedeutung durch Ralph Peer , Musikdirektor bei Okeh Records , der Platten "ausländischer" Gruppen unter dieses Label stellte. Zu dieser Zeit war "Rasse" ein von der afroamerikanischen Presse gebräuchlicher Begriff, um die Gemeinschaft als Ganzes mit einem ermächtigenden Standpunkt zu beschreiben, da eine Person der "Rasse" eine Person war, die für gleiche Rechte kämpfte. Auch Entwicklungen in den Bereichen der bildenden Kunst und der Harlem Renaissance führten zu Entwicklungen in der Musik. Ragtime- Darsteller wie Scott Joplin wurden populär und einige wurden mit der Harlem Renaissance und frühen Bürgerrechtlern in Verbindung gebracht . Darüber hinaus waren weiße und lateinamerikanische Interpreten afroamerikanischer Musik zu sehen, die in der Geschichte der interkulturellen Kommunikation zwischen den Rassen der Vereinigten Staaten verwurzelt sind. Afroamerikanische Musik wurde oft für ein weißes Publikum adaptiert, das nicht so gerne schwarze Künstler akzeptiert hätte, was zu Genres wie Swing-Musik führte , einem Pop-basierten Auswuchs des Jazz.

Darüber hinaus wurden Afroamerikaner um die Jahrhundertwende zum Teil der klassischen Musik. Ursprünglich von großen Sinfonieorchestern ausgeschlossen, konnten schwarze Musiker in den 1860er Jahren gegründeten Musikkonservatorien wie der Oberlin School of Music , dem National Conservatory of Music und dem New England Conservatory studieren . Auch Schwarze gründeten um die Jahrhundertwende in Großstädten wie Chicago, New Orleans und Philadelphia eigene Symphonieorchester. Ende der 1890er und Anfang des 20. Jahrhunderts traten verschiedene schwarze Orchester regelmäßig auf. 1906 wurde in Philadelphia das erste eingetragene schwarze Orchester gegründet. In den frühen 1910er Jahren wurden in New York ausschließlich schwarze Musikschulen wie die Music School Settlement for Coloured und die Martin-Smith School of Music gegründet.

The Music School Settlement for Coloured wurde Sponsor des Clef Club Orchesters in New York. Das Clef Club Symphony Orchestra zog von 1912 bis 1915 sowohl schwarzes als auch weißes Publikum zu Konzerten in der Carnegie Hall an. Unter der Leitung von James Reese Europe und William H. Tyers umfasste das Orchester Banjos, Mandolinen und Baritonhörner. Die Konzerte beinhalteten Musik von schwarzen Komponisten, insbesondere Harry T. Burleigh und Will Marion Cook . Andere jährliche schwarze Konzertreihen umfassen die "All-Colored Composers"-Konzerte von William Hackney in Chicago und die Atlanta Colored Music Festivals.

Die Rückkehr des schwarzen Musical Broadway aufgetreten im Jahr 1921 mit Sissle und Eubie Blake ‚s Shuffle Along . Im Jahr 1927 wurde in der Carnegie Hall ein Konzertüberblick über schwarze Musik aufgeführt, einschließlich Jazz, Spirituals und der symphonischen Musik von WC Handy 's Orchestra und den Jubilee Singers. Der erste große Filmmusical mit einem schwarzen Besetzung war King Vidor ‚s Hallelujah von 1929. African-American Darstellern wurden in der musikalischen gekennzeichnet Show Boat (die einen Teil für geschrieben hatte Paul Robeson und einem Chor von Jubilee Singers) und vor allem Nur- schwarze Opern wie Porgy and Bess und Virgil Thomson ‚s Vier Heilige in drei Akten von 1934.

Die erste Symphonie von einem schwarzen Komponisten von einem großen Orchester durchgeführt wird , war William Grant Still ‚s Afro-American Symphony (1930) von der New York Philharmonic . Die Symphonie e-Moll von Florence Beatrice Price wurde 1933 vom Chicago Symphony Orchestra aufgeführt. Im Jahr 1934 William Dawson ‚s Negro Folk Symphony wurde vom Philadelphia Orchestra.

Afroamerikaner waren die Pioniere der Jazzmusik, durch Meister wie Jelly Roll Morton , James P. Johnson , Louis Armstrong , Count Basie , Fletcher Henderson und Duke Ellington .

Mitte des 20. Jahrhunderts (1940er-1960er Jahre)

Billboard begann im Oktober 1942 mit der "Harlem Hit Parade", die 1945 in " Race Records " und dann 1949 in "Rhythm and Blues Records"geändert wurde, eine separate Liste von Hit-Platten für afroamerikanische Musikzu erstellen.

In den 1940er Jahren waren Coverversionen afroamerikanischer Songs an der Tagesordnung und führten häufig die Charts an, während die ursprünglichen Musiker bei ihrem afroamerikanischen Publikum Erfolg hatten, aber nicht im Mainstream. Im Jahr 1955 überredete Thurman Ruth eine Gospelgruppe, in einem weltlichen Rahmen, dem Apollo Theatre , zu singen , mit einem solchen Erfolg, dass er anschließend Gospelkarawanen arrangierte, die durch das Land reisten und dieselben Veranstaltungsorte spielten, die Rhythm-and-Blues- Sänger populär gemacht hatten. In der Zwischenzeit begannen Jazz-Interpreten, den Jazz weg von Swing , tanzbarer Popmusik hin zu komplizierteren Arrangements, Improvisationen und technisch anspruchsvollen Formen zu drängen , was im Bebop von Charlie Parker und Dizzy Gillespie , den coolen Sounds und dem modalen Jazz von Miles Davis gipfelte , und der Free Jazz von Ornette Coleman und John Coltrane .

Afroamerikanische Musiker in den 1940er und 1950er Jahren entwickelten Rhythm and Blues zu einem Genre namens Rock and Roll , das einen starken Backbeat aufwies und zu dessen prominenten Vertretern Louis Jordan und Wynonie Harris gehörten . Mit weißen Musikern wie Bill Haley und Elvis Presley , die eine gitarrenbasierte Fusion von Black Rock'n'Roll mit Country-Musik namens Rockabilly spielten, wurde Rock'n'Roll-Musik jedoch kommerziell erfolgreich. Rockmusik wurde danach mehr mit Weißen in Verbindung gebracht, obwohl einige schwarze Künstler wie Chuck Berry und Bo Diddley kommerziellen Erfolg hatten.

Schwester Rosetta Tharpe bei einem Auftritt im Cafe Zanzibar

Im Jahr 2017 schrieb National Public Radio über die Karriere von Schwester Rosetta Tharpe und schloss mit diesen Kommentaren: Tharpe „war im Herzen eine Gospelsängerin, die zu einer Berühmtheit wurde, indem sie musikalisch einen neuen Weg einschlug … Durch ihre unvergessliche Stimme und ihren Gospel-Swing-Crossover-Stil , Tharpe beeinflusste eine Generation von Musikern wie Aretha Franklin, Chuck Berry und unzählige andere ... Sie war und ist eine unübertroffene Künstlerin."

Da die 1940er Jahre zu Ende gegangen, andere Afro-Amerikaner bemüht als professionell ausgebildete klassische Musiker in dem Bemühen, konzertieren zu Rassen und nationalistischen Barrieren in der Post zu transzendieren dem Zweiten Weltkrieg Ära. Zu dieser Gruppe gehörte Henry Lewis , der 1948 als erster afroamerikanischer Instrumentalist in einem führenden amerikanischen Sinfonieorchester auftrat, ein früher "musikalischer Botschafter" zur Unterstützung der Kulturdiplomatie in Europa und der erste afroamerikanische Dirigent eines bedeutenden Amerikaners sinfonisches Ensemble 1968.

Der Begriff "Rock and Roll" hatte im Jump Blues und R&B eine starke sexuelle Konnotation , aber als DJ Alan Freed Mitte der 50er Jahre im Mainstream-Radio auf Rock and Roll bezog, "war die sexuelle Komponente so weit heruntergeschraubt, dass sie einfach zu einem akzeptabler Begriff für das Tanzen".

R&B hatte laut vielen Quellen einen starken Einfluss auf Rock'n'Roll , darunter ein Artikel im Wall Street Journal von 1985 mit dem Titel "Rock! It's Still Rhythm and Blues". Tatsächlich erklärte der Autor, dass die beiden Begriffe bis etwa 1957 austauschbar verwendet wurden.

Fats Domino war nicht davon überzeugt, dass es ein neues Genre gibt. 1957 sagte er: "Was man heute Rock 'n' Roll nennt, ist Rhythm and Blues. Ich spiele es seit 15 Jahren in New Orleans." Laut Rolling Stone "ist dies eine gültige Aussage ... alle Rocker der Fifties, schwarz und weiß, auf dem Land geboren und in der Stadt aufgewachsen, wurden grundlegend von R&B, der schwarzen Popmusik der späten 40er und frühen 50er Jahre, beeinflusst". Elvis Presleys Anerkennung der Bedeutung von Künstlern wie Fats Domino war laut einem Artikel aus dem Jahr 2017 bedeutend: die „Meisterschaft schwarzer Musiker als Teil einer Erzählung, die das wachsende Interesse junger Weißer an afroamerikanischen Musikstilen positiv beeinflusst hat“. Bei einer Presseveranstaltung im Jahr 1969 stellte Presley Fats Domino vor und sagte: "Das ist der wahre King of Rock 'n' Roll" ... ein großer Einfluss auf mich, als ich anfing".

Mitte der 1950er Jahre wurden viele R&B-Songs von weißen Künstlern "gecovert" und die Aufnahmen wurden mehr auf den Mainstream-Radiosendern ausgestrahlt. Zum Beispiel "Presley hat schnell "Tutti Frutti" gecovert ... Genauso wie Pat Boone", so New Yorker (Magazin) . „1956 schafften es 76 Prozent der Top-R. & B.-Songs auch in die Pop-Charts, 1957 schafften es 77 Prozent in die Pop-Charts, 1958 waren es 94 Prozent zum Hauptmarkt geworden, und die Majors waren aktiv geworden."

Die 1950er Jahre erlebten auch eine zunehmende Popularität des Hard Blues im Stil der ersten Hälfte des Jahrhunderts, sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Großbritannien. In den 1950er Jahren wurde auch der Doo-Wop- Stil populär. Doo-Wop wurde durch Stimmgruppenharmonie mit den musikalischen Qualitäten verschiedener Gesangsstimmen, unsinnigen Silben, wenig oder gar keiner Instrumentierung und einfachen Texten entwickelt. Es handelte sich normalerweise um Ensembles einzelner Künstler, die mit einer Begleitgruppe auftraten . Solo-Abrechnungen wurden Leadsängern gegeben, die im musikalischen Arrangement prominenter waren. Mitte der 1950er Jahre entwickelte sich auch eine säkularisierte Form der amerikanischen Gospelmusik namens Soul , wobei Pioniere wie Ray Charles , Jackie Wilson und Sam Cooke die Welle anführten. Soul und R&B wurden zu einem großen Einfluss auf das Surfen , ebenso wie auf die Chart-Top-Girlgroups wie The Angels und The Shangri-Las , von denen nur einige weiß waren. Im Jahr 1959 veröffentlicht Hank Ballard einen Song für den neuen Tanzstil "The Twist", der von den frühen 60er bis in die 70er Jahre zum neuen Dance-Cave wurde.

1959 gründete Berry Gordy Motown Records , das erste Plattenlabel, das hauptsächlich afroamerikanische Künstler präsentierte, um Crossover-Erfolge zu erzielen. Das Label entwickelte einen innovativen – und kommerziell erfolgreichen – Stil der Soulmusik mit markanten Pop-Elementen. Seine frühe Liste umfasste The Miracles , Martha and the Vandellas , Marvin Gaye , The Temptations , The Supremes und andere. Schwarze Diven wie Aretha Franklin wurden zu Crossover-Stars der 60er Jahre. In Großbritannien wurde der britische Blues allmählich zu einem Mainstream-Phänomen und kehrte in Form der British Invasion in die USA zurück , einer Gruppe von Bands unter der Leitung von The Beatles und The Rolling Stones , die Blues- und R&B-inspirierten Pop sowohl mit traditionellen als auch mit modernisierten Aspekte. WGIV in Charlotte, North Carolina, gehörte zu den wenigen Radiosendern, die sich der afroamerikanischen Musik widmeten, die in dieser Zeit begannen.

Die britische Invasion hat viele schwarze Künstler aus den US-Pop-Charts geworfen, obwohl einige, darunter Otis Redding , Wilson Pickett und Aretha Franklin und eine Reihe von Motown-Künstlern, weiterhin gut abgeschnitten haben. Soulmusik blieb jedoch bei Schwarzen durch hochentwickelte Formen wie Funk , die aus den Innovationen von James Brown entwickelt wurden , beliebt . 1961 nahm ein kleiner Junge namens Stevland Hardaway Morris im Alter von 11 Jahren als Stevie Wonder seine erste Platte unter Motowns Tamla-Rekord auf und das war der Beginn seiner großen Karriere.

1964 verbot der Civil Rights Act große Formen der Diskriminierung von Afroamerikanern und Frauen. Als die Spannungen nachließen, wechselten mehr afroamerikanische Musiker in den Mainstream-Geschmack. Einige Künstler, die erfolgreich überquerten, waren Aretha Franklin , James Brown und Ella Fitzgerald in der Pop- und Jazzwelt sowie Leontyne Price und Kathleen Battle im Bereich der klassischen Musik.

Am Ende des Jahrzehnts waren Schwarze Teil der Psychedelia- und frühen Heavy Metal- Trends, insbesondere durch den allgegenwärtigen Einfluss der Beatles und die E-Gitarren-Innovationen von Jimi Hendrix . Hendrix war einer der ersten Gitarristen, der Audio-Feedback , Fuzz und andere Effektpedale wie das Wah-Wah-Pedal einsetzte , um einen einzigartigen Gitarrensolo- Sound zu erzeugen . Psychedelic Soul , eine Mischung aus psychedelischem Rock und Soul, begann mit der Kultur der 1960er Jahre zu blühen. Noch beliebter bei Schwarzen und mit mehr Crossover-Appeal war der Album-orientierte Soul in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren, der die afroamerikanische Musik revolutionierte. Die intelligenten und introspektiven Texte des Genres, oft mit einem sozial bewussten Ton, wurden von Künstlern wie Marvin Gaye in What's Going On und Stevie Wonder in Songs in the Key of Life geschaffen .

1970er

Die 1970er Jahre waren ein großartiges Jahrzehnt für schwarze Bands, die melodische Musik spielten. Albumorientierter Soul setzte seine Popularität fort, während Musiker wie Smokey Robinson dazu beitrugen, ihn in Quiet Storm- Musik zu verwandeln . Funk entwickelte sich zu zwei Strängen, einer von Sly & the Family Stone entwickelten Pop-Soul-Jazz-Bass-Fusion und einer eher psychedelischen Fusion, die von George Clinton und seinem P-Funk- Ensemble verkörpert wurde. Der Sound von Disco entstand aus schwarzen Musikern, die Soul-Musik mit einer Up-Tempo-Melodie kreierten. Isaac Hayes , Barry White , Donna Summer und andere tragen zur Popularisierung der Discomusik bei . Diese Musik wurde jedoch in die populäre Musik integriert und erreichte den Mainstream-Erfolg.

Schwarze Musiker erreichten einige Mainstream-Erfolge, obwohl einige afroamerikanische Künstler wie The Jackson 5 , Roberta Flack , Teddy Pendergrass , Dionne Warwick , Stevie Wonder , The O'Jays , Gladys Knight & the Pips ein Crossover-Publikum fanden. Weiße Hörer bevorzugten Country Rock , Singer-Songwriter, Stadionrock , Soft Rock , Glam Rock und in einigen Subkulturen Heavy Metal und Punk Rock . In den 1970er Jahren, die Dutzende , eine städtische afroamerikanischen Tradition mit spielerischen Reimen Spott , in die Straße Jive in den frühen 70er Jahren entwickelt, was wiederum eine neue Form der Musik von den späten 1970er Jahren inspiriert: Hip-Hop. Spoken-Word- Künstler wie The Last Poets , Gil Scott-Heron und Melvin Van Peebles werden auch als die wichtigsten Innovatoren des frühen Hip-Hop genannt. Angefangen bei Blockpartys in der Bronx entstand Hip-Hop als eine Facette einer großen Subkultur mit rebellischen und progressiven Elementen. DJs legten Platten auf, meist Funk, während MCs dem tanzenden Publikum Tracks vorstellten. Im Laufe der Zeit begannen DJs, insbesondere der jamaikanische Einwanderer DJ Kool Herc , die Percussion-Breaks zu isolieren und zu wiederholen , wodurch ein konstanter, hervorragend tanzbarer Beat entstand, über den sie oder MCs durch Reime und schließlich anhaltende Texte zu rappen begannen. Hip Hop wurde im jungen schwarzen Amerika zu einer multikulturellen Bewegung, angeführt von Künstlern wie Kurtis Blow und Run-DMC .

1980er Jahre

In den 1980er Jahren hatte Michael Jackson mit seinen Alben Off the Wall , Bad und Thriller – letzteres blieb das meistverkaufte Album aller Zeiten – rekordverdächtige Erfolge bis hin zu erfolgreichen schwarzen Crossover-Solokünstlern, darunter Prince , Lionel Richie , Luther Vandross , Tina Turner , Whitney Houston und Janet Jackson . Pop und Dance-Soul dieser Ära inspirierten Ende des Jahrzehnts zu neuen Jack Swings .

Hip-Hop verbreitete sich im ganzen Land und abwechslungsreich. Techno , Dance, Miami Bass , Post-Disco , Chicago House , Los Angeles Hardcore und Washington, DC Go-Go entwickelten sich in dieser Zeit, wobei nur Miami Bass Mainstream-Erfolge erzielte. Aber bald wurde Miami Bass hauptsächlich in den Südosten der USA verbannt , während Chicago House auf College-Campus und Tanzarenen (zB der Warehouse-Sound, der Rave ) starke Fortschritte gemacht hatte . Der DC-Go-Go-Sound des Miami-Bass war im Wesentlichen ein regionaler Sound, der nicht viel Anklang fand. Der Chicago-House- Sound hatte sich in die Musikumgebung von Detroit ausgedehnt und mutierte zu mehr elektronischen und industriellen Klängen, die Detroit Techno , Acid, Jungle hervorbrachten . Durch die Verbindung dieser experimentellen, normalerweise DJ-orientierten Klänge mit der Prävalenz des multiethnischen New Yorker Disco-Sounds aus den 1970er und 1980er Jahren entstand eine Musikmarke, die in den riesigen Diskotheken in Städten wie Chicago, New, am meisten geschätzt wurde York, Los Angeles, Detroit, Boston usw. Das europäische Publikum nahm diese Art von elektronischer Tanzmusik schließlich mit mehr Enthusiasmus an als ihre nordamerikanischen Kollegen. Diese variablen Klänge ermöglichen es den Zuhörern, neue Musik und Rhythmen zu priorisieren und gleichzeitig ein gigantisches Tanzerlebnis zu genießen.

In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts von etwa 1986 nahm Rap in den Mainstream mit Off Run-DMC 's Raising Hell und die Beastie Boys ' Licensed to Ill , werden letztere das erste Rap - Album No.1 Spot geben auf das Billboard 200 und hilft, die Türen für weiße Künstler einzureißen, um Rap zu machen. Beide Gruppen mischten Rap und Rock zusammen, was das Rock- und Rap-Publikum ansprach. Hip-Hop begann von seinen Wurzeln und das goldene Zeitalter des Hip-Hop blühte mit Künstlern wie Eric B. & Rakim , Public Enemy , LL Cool J , Queen Latifah , Big Daddy Kane und Salt-N-Pepa auf . Hip Hop wurde in Amerika bis in die späten 1990er Jahre populär und dann weltweit verbreitet. Die Szene des goldenen Zeitalters würde in den frühen 1990er Jahren aussterben, als Gangsta-Rap und G-Funk die Macht übernahmen, mit den Westküstenkünstlern Dr. Dre , Snoop Dogg , Warren G und Ice Cube , den Ostküstenkünstlern Notorious BIG , Wu-Tang Clan , und Mobb Deep , und die Klänge urbaner schwarzer männlicher Tapferkeit, Mitgefühl und sozialem Bewusstsein, die am besten durch den Rapper Tupac Shakur repräsentiert werden .

Während Heavy Metal-Musik in den 1970er und 1980er Jahren fast ausschließlich von weißen Künstlern kreiert wurde, gab es einige Ausnahmen. 1988 erreichte die All-Black-Heavy-Metal-Band Living Color mit ihrem Debütalbum Vivid Mainstream-Erfolge und erreichte dank ihrer Top-20-Single " Cult of Personality " Platz 6 der Billboard 200 . Die Musik der Band enthielt Texte, die das angreifen, was sie als Eurozentrismus und Rassismus Amerikas wahrnahmen. Ein Jahrzehnt später begannen weitere schwarze Künstler wie Lenny Kravitz , Body Count , Ben Harper und unzählige andere wieder Rock zu spielen.

1990er, 2000er und 2010er

Lil Wayne ist einer der meistverkauften schwarzen amerikanischen Musiker der modernen Geschichte. 2008 verkaufte sich sein Album in der ersten Woche eine Million.

Zeitgenössischer R&B , wie in der Post-Disco-Version der Soulmusik , blieb während der 1980er und 1990er Jahre populär. Besonders beliebt waren männliche Gesangsgruppen im Stil von Soulgruppen wie The Temptations und The O'Jays , darunter New Edition , Boyz II Men , Jodeci , Dru Hill , Blackstreet und Jagged Edge . Auch Girlgroups wie TLC , Destiny's Child , SWV und En Vogue waren sehr erfolgreich.

Singer-Songwriter wie R. Kelly , Mariah Carey , Montell Jordan , D'Angelo , Aaliyah und Raphael Saadiq von Tony! Toni! Ton! waren auch in den 1990er Jahren sehr beliebt, und Künstler wie Mary J. Blige , Faith Evans und BLACKstreet machten eine Fusionsmischung bekannt, die als Hip-Hop-Soul bekannt ist . Die neo Seele Bewegung der 1990er Jahre sah zurück auf mehr klassische Seele Einflüsse und wurde in den späten 1990er Jahren / Anfang der 2000er Jahre von Künstlern wie D'Angelo, populär Erykah Badu , Maxwell , Lauryn Hill , India.Arie , Alicia Keys , Jill Scott , Angie Stone , Bilal und Musiq Soulchild . Laut einem Musikschriftsteller repräsentiert D'Angelos von der Kritik gefeiertes Album Voodoo (2000) "die afroamerikanische Musik an einem Scheideweg ... Einfach neoklassischen Soul zu nennen ... würde bedeuten, die Elemente zu ignorieren". von Vaudeville-Jazz , Memphis-Hörnern , Ragtime-Blues , Funk- und Bass-Grooves, ganz zu schweigen von Hip-Hop, die aus jeder Pore dieser gespenstischen Songs schlüpfen." Blue-eyed Soul ist ein Einfluss der afroamerikanischen Musik, die von kaukasischen Künstlern gespielt wird, darunter Michael McDonald , Christina Aguilera , Amy Winehouse , Robin Thicke , Michael Bolton , Jon B. , Lisa Stansfield , Teena Marie , Justin Timberlake , Joss Stone , George Michael und Anastacia .

Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts hatte sich R&B zu einem Schwerpunkt auf Solokünstler mit Pop-Appeal verlagert, wobei Usher , Rihanna und Beyoncé die bekanntesten Beispiele waren. Außerdem wurde die Musik von ästhetisch kreativen und einzigartigen Musikvideos untermalt. Beispiele für diese Arten von Musikvideos sind unter anderem: Beyoncés "Crazy in Love", Rihannas "Pon de Replay" und Ushers "Caught Up". Diese Musikvideos halfen R&B, profitabler und beliebter zu werden als in den 1990er Jahren. Die Grenze zwischen Hip-Hop und R&B und Pop wurde von Produzenten wie Timbaland und Lil Jon und Künstlern wie Missy Elliott , T-Pain , Nelly , Akon und OutKast deutlich verwischt .

In den frühen 2000er Jahren war 50 Cent einer der beliebtesten afroamerikanischen Künstler.

"Urban Music" und "Urban Radio" sind heute weitgehend rassenneutral, Begriffe, die gleichbedeutend mit Hip Hop und R&B und der damit verbundenen Hip-Hop-Kultur sind , die ihren Ursprung in New York City hat. Der Begriff spiegelt auch die Tatsache wider, dass sie in städtischen Gebieten sowohl in schwarzen Bevölkerungszentren als auch in der allgemeinen Bevölkerung (insbesondere bei jüngeren Zielgruppen) beliebt sind.

Edward Ray bei Capitol Records

Die Hip-Hop-Bewegung ist immer mehr zum Mainstream geworden, da die Musikindustrie die Kontrolle über sie übernommen hat. Im Wesentlichen, "seit dem Moment, als 'Rapper's Delight' Platin erhielt, wurde HipHop, die Volkskultur, zu HipHop, dem Nebenschauspiel der amerikanischen Unterhaltungsindustrie."

Im Jahr 2005 verkaufte sich das Album The Massacre des afroamerikanischen Rappers 50 Cent in der ersten Woche mehr als eine Million Albumkopien. 2008 verkaufte sich Lil Waynes Album Tha Carter III in der ersten Woche ebenfalls mehr als eine Million Mal.

Im Juni 2009 starb Michael Jackson unerwartet an einem Herzstillstand, was weltweite Trauer auslöste. Innerhalb eines Jahres nach seinem Tod hatte sein Nachlass Einnahmen in Höhe von 1,4 Milliarden US-Dollar erzielt. Ein Dokumentarfilm bestehend aus Probenmaterial für Jacksons geplante This Is It Tour mit dem Titel Michael Jacksons This Is It wurde am 28. Oktober 2009 veröffentlicht und wurde zum umsatzstärksten Konzertfilm der Geschichte.

Im Jahr 2013 hatte kein afroamerikanischer Musiker eine Nummer eins der Billboard Hot 100. Dies war das erste Mal, dass ein Afroamerikaner in der 55-jährigen Geschichte der Charts seit einem Jahr keine Nummer eins hatte.

Pläne für den Bau eines Smithsonian- nahen Museums für afroamerikanische Musik in Newark, New Jersey , und eines R&B-Museums / einer Ruhmeshalle wurden diskutiert.

Schwarze Protestmusik wurde in den 2010er Jahren zum Mainstream. Beyoncé, Solange, Kanye West, Frank Ocean und Rihanna haben während der Kandidatur von Donald Trump schwarze Protestalben veröffentlicht . Beyoncé veröffentlichte 2016 ihr erstes schwarzes Protestalbum Lemonade .

In den späten 2010er Jahren wurde Mumble Rap, der aus dem afroamerikanischen Vernacular English stammt, bei Künstlern wie Playboi Carti populär .

2020er

Ökonomische Auswirkung

Plattenläden spielten viele Jahrzehnte lang eine wichtige Rolle in afroamerikanischen Gemeinschaften. In den 1960er und 1970er Jahren gab es im amerikanischen Süden zwischen 500 und 1.000 Plattenläden in schwarzem Besitz, und in den Vereinigten Staaten insgesamt wahrscheinlich doppelt so viele. Afroamerikanische Unternehmer begrüßten Plattenläden als wichtige Mittel für die wirtschaftliche Stärkung und als kritische öffentliche Räume für schwarze Verbraucher zu einer Zeit, in der viele Unternehmen in Schwarzbesitz inmitten der Aufhebung der Rassentrennung schlossen. Darüber hinaus haben unzählige Afroamerikaner ihren Lebensunterhalt als Musicaldarsteller, Clubbesitzer, Radio-DJs, Konzertveranstalter und Plattenlabel-Besitzer verdient.

Siehe auch

Verweise

Quellen

Weiterlesen

Externe Links