Kunst - Art


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Im Uhrzeigersinn von oben links: ein Selbstporträt von Vincent van Gogh ; eine weibliche Ahnenfigur von einem Chokwe Künstler; Details aus der Geburt von Venus durch Sandro Botticelli ; und ein Okinawa Shisa Löwen .

Kunst ist ein breites Spektrum von menschlichen Aktivitäten bei der Schaffung von Seh-, Hör- oder Artefakte (darstellende Kunstwerke ), mit dem Ausdruck des Autor einfallsreich , konzeptionelle Idee oder technische Fähigkeiten, die für ihre Schönheit oder emotionale Kraft geschätzt zu werden. In ihrer allgemeinsten Form umfassen diese Maßnahmen im Bereich der Fertigung von Kunstwerken, die Kritik der Kunst, das Studium der Kunstgeschichte, und die ästhetische Verbreitung von Kunst.

Die drei klassischen Kunstgattungen sind Malerei , Skulptur und Architektur . Musik , Theater , Film , Tanz und andere darstellende Künste , ebenso wie Literatur und andere Medien wie interaktive Medien werden in einer breiteren Definition enthält die Künste . Bis zum 17. Jahrhundert, Kunst bezeichnete jede Fertigkeit oder Meisterschaft und wurde nicht von differenzierten crafts oder Wissenschaften . Im modernen Sprachgebrauch nach dem 17. Jahrhundert, wo ästhetische Überlegungen im Vordergrund stehen, werden die feinen Künste getrennt und unterscheiden von erworbenen Fähigkeiten im Allgemeinen, wie die dekorative oder angewandte Kunst .

Obwohl die Definition des Begriffs der Technik bildet streitig und hat sich im Laufe der Zeit verändert, erwähnen allgemeine Beschreibungen einen Eindruck von phantasievollen oder Geschick technischen aus stamm menschlichen Handelns und der Schöpfung. Das Wesen der Kunst und damit verbundenen Konzepte, wie Kreativität und Auslegung, in einem Zweig der Philosophie , als bekannt erforscht Ästhetik .

Kreative Kunst und bildende Kunst

Kunstwerke können Geschichten erzählen oder einfach nur eine ästhetische Wahrheit oder Gefühl auszudrücken. Panorama eines Abschnitts A Thousand Li von Berge und Flüsse , einem aus dem 12. Jahrhundert Gemälde von Song - Dynastie Künstlers Wang Ximeng .

In der Sicht der Kunstgeschichte, haben künstlerische Arbeiten für fast so lange wie die Menschheit existieren: von den frühen prähistorischer Kunst zu zeitgenössischer Kunst ; jedoch beschränken einige Theorien das Konzept der „Kunstwerke“ zu modernen westlichen Gesellschaften. Ein früher Sinn der Definition von Kunst ist eng mit der älteren lateinischen Bedeutung, die übersetzt in etwa „Fähigkeit“ oder „Handwerk“ , wie sie mit Begriffen wie zugeordnet „Manns.“ Englisch Worte aus dieser Bedeutung abgeleitet sind Artefakt , künstlich , Kunstgriff , medizinische Kunst und Kriegskunst . Es gibt jedoch auch vielen anderen umgangssprachlichen Gebrauch des Wortes, alle mit einem gewissen Verhältnis zu seiner Etymologie .

20. Jahrhundert ruandischen Flasche. Künstlerische Arbeiten können praktische Funktionen erfüllen, neben ihren dekorativen Wert.

Im Laufe der Zeit Philosophen wie Platon , Aristoteles , Sokrates und Kant , unter anderem in Frage gestellt , die Bedeutung der Kunst. Mehrere Dialoge Platons angehen Fragen über Kunst: Sokrates sagt , daß die Dichtung durch die inspiriert ist Musen , und ist nicht rational. Er spricht anerkennend von diesem und anderen Formen des göttlichen Wahnsinns (Trunkenheit, Erotik, und träumt) im Phaidros (265a-c), und doch in der Republik will Homers große Dichtkunst ächten, und ebenso Lache. In Ion , gibt Sokrates keinen Hinweis auf die Ablehnung von Homer , dass er in der zum Ausdruck bringt Republik . Der Dialog Ion legt nahe , dass Homer ‚s Ilias in der antiken griechischen Welt funktionierte wie die Bibel heute in der modernen christlichen Welt tut: als göttlich literarische Kunst inspiriert , die moralische Führung zur Verfügung stellen kann, wenn nur kann es richtig interpretiert werden.

Mit Blick auf die literarische Kunst und die Tonkunst, als Aristoteles Epik , Tragödie, Komödie, dithyrambischen Poesie und Musik sein mimetischen oder nachahmende Kunst, das jeweils in der Nachfolge Variation von Medium, Objekt und Weise. Zum Beispiel imitiert Musik mit den Medien von Rhythmus und Harmonie, während Tanz mit Rhythmus imitiert allein, und Poesie mit der Sprache. Die Formen unterscheiden sich auch in ihrem Objekt der Nachahmung. Comedy, zum Beispiel, ist eine dramatische Nachahmung der Menschen schlechter als der Durchschnitt; während Tragödie Männer etwas besser als der Durchschnitt imitiert. Schließlich unterscheiden sich die Formen in ihrer Art von Nachahmung Durch Erzählung oder Charakter, durch Veränderung oder gar keine Veränderung, und durch Drama oder ohne Drama. Aristoteles glaubte , dass Nachahmung die Menschheit natürlich und stellt eines der Vorteile des Menschen über Tiere.

Der zweite und neuerer, Sinn der Wort Kunst als Abkürzung für kreative Kunst oder Kunst entstand im frühen 17. Jahrhundert. Bebilderten bezieht sich auf eine Fertigkeit verwendet , um die Kreativität des Künstlers auszudrücken, oder das Publikums ästhetisches Empfinden zu greifen, oder die Zuschauer in Richtung Berücksichtigung verfeinert oder zu zeichnen feines Kunstwerk.

In diesem letzteren Sinne wird das Wort Kunst kann sich auf mehrere Dinge vorzulegen: (i) eine Studie eines kreativen Fähigkeiten, (ii) ein Verfahren zur Herstellung des kreativen Fähigkeiten mit, (iii) ein Produkt der kreativen Fähigkeiten, oder (iv) die Publikum Erfahrung mit den kreativen Fähigkeiten. Die Kultur ( Kunst als Disziplin) ist eine Sammlung von Disziplinen , die produzieren Kunstwerke ( Kunst als Objekte) , die von einem persönlichen Antrieb (Kunst als Tätigkeit) gezwungen werden und eine Botschaft vermitteln, Stimmung oder Symbolik für die Wahrnehmende zu interpretieren (Kunst als Erfahrung). Kunst ist etwas , das ein individuellen Gedanken, Emotionen, Überzeugungen oder Ideen durch den Sinn stimuliert. Kunstwerke können für diesen Zweck oder interpretiert auf der Basis von Bildern oder Objekten explizit gemacht. Für einige Gelehrte, wie Kant , die Wissenschaften und die Künste könnten wissenschaftlich Aufnahme zu unterscheiden , wie die Domain Kenntnisse darstellen und die Kunst als die Domain der Freiheit des künstlerischen Ausdrucks repräsentiert.

Oftmals , wenn die Fähigkeit in einer gemeinsamen oder praktischen Art und Weise verwendet wird, betrachten die Leute es eine Fertigkeit anstelle von Kunst. Ebenso, wenn die Fertigkeit in einer kommerziellen oder industriellen Art und Weise verwendet wird, kann es in Betracht gezogen wird Werbegraphik anstelle von bebildert. Auf der anderen Seite wird Handwerk und Design manchmal als angewandte Kunst . Einige Kunst Anhänger haben argumentiert , dass der Unterschied zwischen Kunst und angewandter Kunst mehr mit Werturteilen gemacht über die Kunst als eine klare definitorische Unterschied zu tun. Aber selbst bebilderte hat oft Ziele über die reine Kreativität und Selbstverwirklichung. Der Zweck der Kunstwerke können Ideen zu kommunizieren, wie politisch in, geistig oder philosophisch motiviert Kunst; ein Gefühl der Schönheit (siehe erzeugen Ästhetik ); die Art der Wahrnehmung zu untersuchen; zum Vergnügen; oder stark zu erzeugen Emotionen . Der Zweck kann auch scheinbar nicht vorhanden sein.

Das Wesen der Kunst wird von Weisen beschrieben worden ist Richard Wollheim als „eines der am schwersten von den traditionellen Problemen der menschlichen Kultur“. Kunst wurde als Vehikel für den Ausdruck oder die Kommunikation von Emotionen und Ideen definiert, ein Mittel für die Erforschung und schätzen Formelemente um ihrer selbst willen, und als Mimesis oder Darstellung . Kunst als Mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie des Aristoteles . Lew Tolstoi ermittelt Kunst als Verwendung von indirektem Wege von einer Person zur anderen zu kommunizieren. Benedetto Croce und RG Collingwood erweiterten die idealistische Ansicht , dass Kunst Gefühle zum Ausdruck bringt, und dass das Kunstwerk besteht daher im Wesentlichen im Geist des Schöpfers. Die Theorie der Kunst als Form hat ihre Wurzeln in der Philosophie von Kant , und wurde in den frühen zwanzigsten Jahrhunderts entwickelten sich Roger Fry und Clive Bell . In neuerer Zeit durch beeinflussten Denker Martin Heideggers haben für sich ein Medium für die Selbstdarstellung und Auslegung der Technik , wie , mit welchen Mitteln interpretieren eine Community entwickelt. George Dickie hat eine angebotene institutionelle Theorie der Kunst , die ein Kunstwerk wie jeder Artefakt definiert , auf das eine qualifizierte Person oder Personen im Namen der sozialen Einrichtung wirkenden gemeinhin als „die Kunstwelt “ hat verliehenen „der Status eines Kandidaten für eine Aufwertung “. Larry Shiner beschrieben Kunst als „nicht ein Wesen oder ein Schicksal , sondern etwas , das wir gemacht haben. Art , wie wir allgemein verstanden haben , es eine europäische Erfindung ist kaum 200 Jahre alt.“

Kunst kann in Form charakterisiert werden Mimesis (seine Darstellung der Realität), Erzählung (Storytelling), Ausdruck, Vermittlung von Emotionen oder anderen Eigenschaften. Während der Romantik , trat die Technik , wie zu sehen ist „eine besondere Fähigkeit des menschlichen Geistes mit der Religion und Wissenschaft zu klassifizierenden“.

Geschichte

Venus von Willendorf , ca. 24,000-22,000  BP

Die älteste dokumentierten Kunstformen sind bildende Kunst , die Schaffung von Bildern oder Objekten in Bereichen wie heute Malerei, Skulptur, umfasst Druckgrafik , Fotografie und andere optische Medien. Skulpturen, Höhlenmalerei , Felsmalereien und Felszeichnungen aus der Altsteinzeit aus dem Jahr ca. 40.000 Jahre alt gefunden worden, aber die genaue Bedeutung dieses Stand der Technik oft umstritten , weil so wenig über die Kulturen bekannt ist , dass sie produziert. Die ältesten Kunstgegenstände in der Welt einer Reihe von kleinen, gebohrt Schneckenhäuser etwa 75.000 Jahre alten wurden in einer südafrikanischen Höhle entdeckt. Container , die verwendet wurden , können Lacke zu halten haben, die so weit zurück , als 100.000 Jahre gefunden. Geätzten Schalen von Homo erectus von 430.000 und 540.000 Jahren her wurden im Jahr 2014 entdeckt.

Höhlenmalerei eines Pferdes von den Lascaux Höhlen, circa 16.000 BP

Viele große Traditionen in der Kunst haben eine Stiftung im Stand der Technik von einer der großen alten Kulturen: Das alte Ägypten , Mesopotamien , Persien , Indien, China, Ancient Greece, Rom, sowie Inca , Maya und Olmeken . Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation entwickelte einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst. Wegen der Größe und Dauer dieser Zivilisation, mehr von ihren Kunstwerken überlebt haben und mehr ihres Einflusses hat sich auf andere Kulturen und späteren Zeiten übertragen worden. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen zur Verfügung gestellt , wie Künstler arbeiteten. Zum Beispiel sah diese Periode der griechischen Kunst eine Verehrung der menschlichen physischen Form und die Entwicklung gleichwertiger Fähigkeiten Muskulatur zu zeigen, Haltung, Schönheit und anatomisch korrekte Verhältnisse.

In byzantinischer und mittelalterlicher Kunst des westlichen Mittelalters, konzentrierte sich viel Kunst auf die Expression von Probanden über biblische und religiöse Kultur, und verwendet Stile , die die höhere Ehre einer himmlischen Welt, wie zum Beispiel die Verwendung von Gold im Hintergrund von Gemälden zeigte, oder Glas in Mosaiken oder Fenster, die auch in Figuren idealisiert, gemustert (flat) Formen dargestellt. Allerdings blieb eine klassische Realist Tradition in kleinen byzantinischen Werken und Realismus kontinuierlich in der Kunst des wuchs katholisches Europas .

Renaissance hatte einen stark erhöhten Wert auf der realistischen Darstellung der materiellen Welt, und an der Stelle des Menschen darin, was sich in der Leiblichkeit des menschlichen Körpers und die Entwicklung einer systematischen Methode der grafischen Perspektive darstellt Rezession in dreidimensionalem Bildraum.

Die stilisierte Unterschrift von Sultan Mahmud II des Osmanischen Reiches wurde geschrieben islamische Kalligraphie . Er liest „Mahmud Khan Sohn Abdülhamid für immer siegreich ist“.
Die Große Moschee von Kairouan in Tunesien, auch genannt die Moschee von Uqba, ist eines der schönsten, bedeutendsten und am besten künstlerischen und architektonischen Beispiele der frühen großer Moscheen beibehalten. Datiert in seinem aktuellen Zustand aus dem 9. Jahrhundert ist es die Vorfahren und Modell aller Moscheen in den westlichen islamischen Ländern.

Im Osten der islamischen Kunst ‚Ablehnung der Ikonographie führte zu Betonung auf geometrischen Mustern , Kalligraphie und Architektur . Ferner Osten, Religion zu künstlerische Stile und Formen geprägt. Indien und Tibet sahen Schwerpunkt auf bemalten Skulpturen und Tanz, während religiöse Malerei viele Konventionen von Skulptur und neigte zu hell kontrastierenden Farben mit Schwerpunkt auf Konturen entlehnt. China sah die blühend von vielen Kunstformen: Jade, bronzework, Keramik (einschließlich der beeindruckenden Terrakotta - Armee des Kaisers Qin), Poesie, Kalligraphie, Musik, Malerei, Theater, Fiktion etc. Chinesisch Arten stark von Epoche zu Epoche variieren und jeweils man wird traditionell nach dem Herrschergeschlecht benannt. So zum Beispiel, Tang - Bilder sind monochrom und spärlich, betont idealisierte Landschaften, aber Ming - Zeit Gemälden sind beschäftigt und bunt, und konzentrieren sich auf Geschichten über Einstellung und Komposition zu erzählen. Japan Namen seine Stile nach Kaiserdynastien zu und sahen auch viel Zusammenspiel zwischen den Arten von Kalligraphie und Malerei. Holzschnitt wurde in Japan nach dem 17. Jahrhundert wichtiger.

Malerei von Song - Dynastie Künstler Ma Lin, circa 1250. 24,8 x 25,2 cm

Das westliche Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert sah künstlerische Darstellungen von physischen und rational Gewissheiten des Uhrwerks Universums, wie politisch revolutionäre Visionen einer post Monarchist Welt, wie Blake ‚s Darstellung von Newton als göttlichem Geometer oder David s propagandistische Gemälde. Dies führte zu Romantic Ablehnungen dafür zugunsten Bilder von der emotionalen Seite und Individualität des Menschen, in den Romanen von Beispiel Goethe . Das Ende des 19. Jahrhunderts sah dann eine Vielzahl von künstlerischen Bewegungen, wie akademische Kunst , Symbolismus , Impressionismus und Fauvismus unter anderen.

Die Geschichte des zwanzigsten Jahrhunderts Kunst eine Erzählung der unbegrenzten Möglichkeiten ist und die Suche nach neuen Standards, die jeweils durch die folgenden nacheinander abgerissen. Somit können die Parameter des Impressionismus , Expressionismus , Fauvismus , Kubismus , Dadaismus , Surrealismus , etc. nicht sehr viel über die Zeit ihrer Erfindung beibehalten werden. Steigende globale während dieser Zeit Interaktion sah einen gleichwertigen Einfluss anderer Kulturen in der westlichen Kunst. So japanische Holzschnitte (selbst von westlicher Renaissance draftsmanship beeinflusst) hatte einen immensen Einfluss auf Impressionismus und spätere Entwicklung. Später, afrikanische Skulpturen wurden von Picasso und in gewissem Maße durch aufgegriffen Matisse . Ebenso in den 19. und 20. Jahrhundert hat der Westen auf Ostkunst riesigen wirkten mit ursprünglichen westlichen Ideen wie Kommunismus und Postmoderne einen starken Einfluss ausübt.

Moderne , die idealistische Suche nach der Wahrheit, wich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einer Verwirklichung seiner Unerreichbarkeit. Theodor W. Adornos sagte 1970 : „Es ist jetzt , dass nichts für selbstverständlich gehalten wird , die Kunst betrifft selbstverständlich jeder mehr genommen werden kann. Weder die Kunst selbst, noch die Kunst in Beziehung zum Ganzen, nicht einmal das Recht der Kunst zu existieren“ Relativismus wurde als unvermeidliche Wahrheit akzeptiert, die in der Zeit der führte zeitgenössischer Kunst und postmoderner Kritik , wo Kulturen der Welt und der Geschichte als wechselnde Formen gesehen, die geschätzt werden können und aus nur mit gezogenem Skepsis und Ironie. Darüber hinaus ist die Trennung der Kulturen zunehmend verwischt und einige argumentieren , es jetzt besser geeignet im Sinne einer globalen Kultur zu denken, anstatt von der Gegend.

In Der Ursprung des Kunstwerkes , Martin Heidegger , ein deutscher Philosoph und ein bahnbrechenden Denker, beschreibt das Wesen der Kunst in Bezug auf die Begriffe des Seins und der Wahrheit. Er macht geltend , dass Kunst nicht nur eine Art und Weise ist in einer Kultur des Wahrheits auszudrücken, aber die Mittel , es zu schaffen und ein Sprungbrett , die aus der „was ist“ aufgedeckt werden kann. Kunstwerke sind nicht nur Darstellungen der Art und Weise die Dinge sind, sondern produzieren eigentlich ein gemeinsames Verständnis der Gemeinschaft. Jedes Mal , wenn ein neues Kunstwerk zu jeder Kultur hinzugefügt wird, die Bedeutung dessen , was es ist , zu existieren ist von Natur verändert.

Forms, Genre, Medien und Designs

Napoleon I auf seinem Kaiserthron von Ingres (Französisch, 1806), Öl auf Leinwand

Die kreative Kunst wird häufig in spezifischen Kategorien unterteilt, die typischerweise entlang wahrnehmbar unterscheidbar Kategorien wie Medien , Genre, Stil und bildet. Kunstart bezieht sich auf die Elemente der Kunst , die von der Auslegung oder Bedeutung unabhängig sind. Es deckt die vom Künstler angenommen Verfahren und die physikalischen Zusammensetzung des Kunstwerkes, in erster Linie nicht-semantische Aspekte der Arbeit (dh figurae ), wie Farbe , Kontur , Abmessung , Medium , Melodie , Raum , Textur und Wert . Form kann auch optische Design - Prinzipien , wie Anordnung, Balance , Kontrast , Betonung , Harmonie , Proportion , Nähe und Rhythmus.

Im Allgemeinen gibt es drei Schulen der Philosophie in Bezug auf Technik, die sich jeweils auf Form, Inhalt und Kontext. Extreme Formalismus ist die Ansicht , dass alle ästhetischen Eigenschaften von Kunst formal sind (das heißt, einen Teil der Kunstform). Philosophen lehnen fast überall diese Ansicht und halten , dass die Eigenschaften und Ästhetik der Kunst über Materialien, Techniken und Form erstrecken. Leider gibt es wenig Konsens über die Terminologie für diese informellen Eigenschaften. Einige Autoren verweisen auf Gegenstand und Inhalt - das heißt, Denotationen und Konnotationen - während andere Begriffe wie bevorzugt Sinn und Bedeutung .

Extreme Intentionalismus hält , dass Intention eine entscheidende Rolle in der Bedeutung eines Kunstwerks spielt, den Inhalt oder wesentliche Grundidee Förder, während alle anderen Interpretationen verworfen werden können. Es definiert das Subjekt als die Personen oder die Idee vertreten, und die Inhalte als die Erfahrung des Künstlers von diesem Thema. Zum Beispiel kann die Zusammensetzung von Napoleon I auf seinem Kaiserthron ist teilweise aus der geliehenen Statue des Zeus in Olympia . Wie der Titel hervorgeht, ist das Motiv Napoleon und der Gehalt ist Ingres ‚s Darstellung von Napoleon als‚Kaiser-Gott jenseits von Zeit und Raum‘. Ähnlich Extrem Formalismus, weisen Philosophen typischerweise Extrem Intentionalismus, weil der Technik mehrere mehrdeutige Bedeutungen und Intention haben können unerkennbar und somit unerheblich. Seine enge Auslegung ist „gesellschaftlich ungesunde, philosophisch unwirklich und politisch unklug“.

Schließlich ist die Entwicklung der Theorie von Poststrukturalismus Studium Signifikanz Kunst in einem kulturellen Kontext, wie die Ideen, Emotionen und durch eine Arbeit aufgefordert Reaktionen. Der kulturelle Kontext oft reduziert auf den Künstler Techniken und Absichten, wobei Analyse schreitet entlang der Linien ähneln Formalismus und Intentionalismus. Jedoch können in anderen Fällen historische und materielle Bedingungen vorherrschen, wie religiöse und philosophische Überzeugungen, gesellschaftspolitischen und wirtschaftliche Strukturen oder auch Klima und Geographie. Kunstkritik setzt neben der Technik wachsen und sich zu entwickeln.

Geschick und Handwerk

Adam . Detail aus Michelangelo ‚s Fresko in der Sixtina (1511)

Kunst kann ein Gefühl von geschulter Fähigkeit oder Beherrschung eines mitbezeichnen Medium . Kunst kann auch einfach verweisen auf die entwickelten und die effiziente Nutzung einer Sprache mit Unmittelbarkeit zu vermitteln Sinn und oder Tiefe. Die Kunst kann als ein Akt der Ausdruck von Gefühlen, Gedanken und Beobachtungen definiert werden.

Es gibt ein Verständnis , dass es mit dem Material als Folge der Behandlung erreicht wird, welche Prozesse eines Denkens erleichtert. Eine gemeinsame Ansicht ist , dass der Beiname „Kunst“, insbesondere in seiner erhöhten Sinn, ein gewisses Maß an kreativer Kompetenz des Künstlers erfordert, ob dies eine Demonstration der technischen Fähigkeit sein, eine Originalität in stilistische Ansatz oder eine Kombination dieser beiden. Traditionell wurde Fähigkeit der Ausführung als Qualitäts untrennbar von Kunst angeschaut und damit für den Erfolg notwendig ist ; für Leonardo da Vinci , Kunst, nicht mehr und nicht weniger als seine andere Bemühungen, war eine Manifestation der Fähigkeit. Rembrandt ‚s Arbeit, jetzt für seine kurzlebigen Tugenden gepriesen, wurde am meisten bewundert von seinen Zeitgenossen für seine Virtuosität. An der Wende des 20. Jahrhunderts, die geschickten Performance von John Singer Sargent wurden abwechselnd bewundert und mit Skepsis für ihre manuelle Geläufigkeit schauten, aber bei fast gleichzeitig der Künstler, der die Ära der bekanntesten und peripatetic iconoclast werden würde, Pablo Picasso , war Abschluss eine traditionelle akademische Ausbildung an die er brillierte.

Detail von Leonardo da Vinci ‚s Mona Lisa , zeigt die Malweise von sfumato

Eine gängige zeitgenössische Kritik von einiger modernen Kunst tritt auf den scheinbaren Mangel an Fähigkeiten oder die Fähigkeit , in der Herstellung des künstlerischen Objekts benötigte nach dem Vorbild der Einwand. In der Konzeptkunst, Marcel Duchamp ‚s‚ Springbrunnen ‘gehört zu den ersten Beispielen für Stücke , worin die Künstler Objekte gefunden (‚ready-made‘) und übte keine traditionell anerkannten Reihe von Fähigkeiten. Tracey Emin ‚s My Bed oder Damien Hirst ‘ s Die physische Unmöglichkeit des Todes in der Vorstellung eines Lebenden diesem Beispiel folgen und auch die Massenmedien manipulieren. Emin schlief (und in anderen Bereichen tätig) in ihrem Bett , bevor das Ergebnis in einer Galerie als Kunstwerk platzieren. Hirst kam mit der Konzeption für das Kunstwerk, sondern hat die meisten der schließliche Schaffung vieler Werke beschäftigt Handwerker überlassen. Hirsts Prominenten beruht ganz auf seine Fähigkeit schockierend Konzepte zu erzeugen. Die tatsächliche Produktion in vielen konzeptionellen und zeitgenössischen Kunstwerken ist eine Frage der Montage von Fundstücken. Es gibt jedoch auch viele modernistischen und zeitgenössische Künstler , die sich weiterhin in den Fähigkeiten von Zeichnen und Malen und bei der Schaffung von auszuzeichnen Mitmach- Kunstwerken.

Zweck

Ein Navajo - Teppich aus circa 1880
Mozarabic Beatus Miniatur . Spanien, Ende des 10. Jahrhunderts

Die Kunst hat im Laufe ihrer Geschichte, was sein Zweck schwer zu abstrakt oder quantifizieren, um jedes einzelnen Konzept eine große Anzahl verschiedener Funktionen hat. Dies bedeutet nicht, dass der Zweck der Kunst ist „vage“, aber das war es für geschaffen werden viele einzigartige, unterschiedlichen Gründen mußte. Einige dieser Funktionen von Kunst sind in der folgenden Gliederung zur Verfügung gestellt. Die verschiedenen Zwecke der Kunst kann nach denen gruppiert werden, die nicht motiviert sind, und diejenigen, die (Lévi-Strauss) motiviert sind.

Nicht motivierte Funktionen

Die nicht-motivierte Zweck der Technik sind solche, die mensch integralen sind, überschreiten die einzelnen oder keinen spezifischen externen Zweck erfüllen. In diesem Sinne, Kunst, Kreativität, ist etwas, Menschen von ihrem Wesen tun müssen (dh keine andere Spezies schafft Kunst), und ist daher jenseits Dienstprogramm.

  1. Basic - menschlicher Instinkt für Harmonie, Balance, Rhythmus . Kunst auf diesem Niveau ist keine Aktion oder ein Objekt, sondern eine innere Anerkennung der Balance und Harmonie (Schönheit) und daher ein Aspekt der menschliche jenseits Dienstprogrammsein.

    Imitation, dann ist ein Instinkt der Natur. Als nächstes gibt es den Instinkt für ‚Harmonie‘ und Rhythmus, m offensichtlich Abschnitte des Rhythmus zu sein. Personen, also mit dieser natürlichen Gabe nach und nach ihren besonderen Fähigkeiten, bis ihre unhöflich Improvisationen gebaren Lyrik entwickelt starten. - Aristoteles

  2. Die Erfahrung der mysteriös. Kunst bietet eine Möglichkeit , sich selbst im Verhältnis zum Universum zu erleben. Diese Erfahrung kann kommt oft unmotiviert, als eine Kunst, Musik oder Poesie zu schätzen weiß.

    Das Schönste, was wir erleben können, ist das Geheimnisvolle. Es ist die Quelle aller wahren Kunst und Wissenschaft. - Albert Einstein

  3. Die Expression der Fantasie. Kunst stellt eine Einrichtung , die Phantasie in nicht-matischen Art und Weise auszudrücken , die nicht auf die Formalität der gesprochenen oder geschriebenen Sprache gebunden sind. Anders als Worte, die in Sequenzen sind und von denen jede eine bestimmte Bedeutung, stellt der Technik eine Reihe von Formen, Zeichen und Ideen mit Bedeutungen, formbar sind.

    Jupiters Adler [als Beispiel Kunst] sind nicht, wie logisch (ästhetische) Attribute eines Objekts, das Konzept der Erhabenheit und Erhabenheit der Schöpfung, sondern etwas anderes, etwas, das der Fantasie einen Anreiz gibt seinen Flug über eine verbreiten ganz Reihe verwandter Darstellungen, die mehr Gedanken als zugibt des Ausdrucks in einem Konzept von Worten bestimmt provozieren. Sie liefern eine ästhetische Idee, die die obige rationale Idee als Ersatz für die logische Darstellung, jedoch mit der korrekten Funktion jedoch von der Animation des Geistes durch Öffnen heraus für eine Aussicht auf ein Feld verwandter Vorstellungen Strecken jenseits seinem ken dient. - Immanuel Kant

  4. Rituelle und symbolische Funktionen. In vielen Kulturen ist, Kunst in Ritualen, Performances und Tänzen als Dekoration oder Symbol benutzt. Während diese oft keinen spezifischen utilitaristischen (motivierte) Zweck haben, wissen Anthropologen , dass sie oft einen Zweck auf der Ebene der Bedeutung innerhalb einer bestimmten Kultur dienen. Diese Bedeutung wird von einer einzelnen nicht eingerichtet, aber ist oft das Ergebnis vielen Generationen von Veränderung und eine kosmologischen Beziehung innerhalb der Kultur.

    Die meisten Wissenschaftler, die mit Felszeichnungen oder Gegenständen aus prähistorischen Kontexten erholte befassen, die nicht in nützlichen Begriffen erklärt werden können und daher als dekoratives, Ritual oder symbolischen eingestuft, sind mir der durch den Begriff ‚Kunst‘ gestellt abzufangen. - Silva Tomášková

motivierte Funktionen

Motivierte Zwecke der Kunst verweisen auf Vorsatz, bewusste Aktionen seitens des Künstlers bzw. Erstellers. Diese können über politische Veränderungen herbeizuführen sein, auf einem Aspekte der Gesellschaft zu kommentieren, eine bestimmte Emotion oder Stimmung zu vermitteln, persönliche Psychologie zu begegnen, eine andere Disziplin zu veranschaulichen, um (mit kommerzieller Kunst) verkauft ein Produkt oder einfach als eine Form der Kommunikation.

  1. Kommunikation. Kunst, in ihrer einfachsten Form ist eine Form der Kommunikation. Da die meisten Formen der Kommunikation haben einen Vorsatz oder Ziel , auf eine andere Person gerichtet ist , ist dies eine motivierte Zweck. Illustrative Kunst, wie wissenschaftliche Illustration, ist eine Form von Kunst als Kommunikation. Karten sind ein weiteres Beispiel. Jedoch muss der Inhalt nicht wissenschaftlich sein. Emotionen, Stimmungen und Gefühle werden auch durch die Kunst kommuniziert.

    [Art ist ein Satz von] Artefakte oder Bildern mit symbolischen Bedeutungen als Mittel der Kommunikation. - Steve Mithen

  2. Kunst als Unterhaltung . Kunst kann versuchen über eine bestimmte Emotion oder Stimmung, zum Zweck der Entspannung und Unterhaltung der Zuschauer zu bringen. Dies ist oft die Funktion der Kunst - Industrie von Motion Pictures und Video - Spiele.
  3. Die Avantgarde. Kunst für politische Veränderung. Eines der bestimmenden Funktionen der frühen zwanzigsten Jahrhundert Kunst hat sichtbare Bilder zu nutzen , um politische Veränderungen hervorrufen. Kunstbewegungen , die diese ziel- hatten Dadaismus , Surrealismus , russischer Konstruktivismus und Abstrakten Expressionismus , unter anderem-kollektiv bezeichnet als die avantgardistischen Kunst.

    Im Gegensatz dazu die realistische Haltung, die von Positivismus inspiriert, von Thomas von Aquin zu Anatole France, scheint klar zu mir zu geistigem oder moralischen Fortschritt feindlich zu sein. Ich hasse es, für sie von Mittelmäßigkeit, Hass und stumpf Eitelkeit gemacht wird. Es ist diese Haltung, die heute geboren diese lächerlichen Bücher, diese Beleidigung Stücke gibt. Er ernährt sich ständig auf und leitet Kraft aus den Zeitungen und stultifies sowohl Wissenschaft und Kunst durch emsig das niedrigste Geschmack schmeicheln; Klarheit grenzt an Dummheit, ein Hundeleben. - André Breton (Surrealism)

  4. Kunst als „Freizone“ , von der Aktion der sozialen Zensur entfernt. Im Gegensatz zu den avantgardistischen Bewegungen, die kulturellen Unterschiede zu erzeugen , um neue universelle Werte, löschen wollten zeitgenössische Kunst wird erweitert seine Toleranz gegenüber kulturellen Unterschieden sowie seine kritischen und befreiende Funktionen (soziale Untersuchung, Aktivismus, Subversion Dekonstruktion ... ), ein offener Ort für Forschung und Experimente werden.
  5. Kunst für soziale Untersuchung, Umsturz und / oder Anarchie. Während ähnlich wie Kunst für einen politischen Wandel, subversiv oder dekonstruktivistische Kunst suchen können Aspekte der Gesellschaft ohne besondere politische Ziel in Frage zu stellen. In diesem Fall kann die Funktion der Kunst sein , nur einige Aspekte der Gesellschaft zu kritisieren.
    Sprühfarbe Graffiti an einer Wand in Rom
    Graffiti - Kunst und andere Arten von Street Art sind Grafiken und Bilder, die gesprüht oder mittels Schablone auf öffentlich einsehbaren Mauern, Gebäude, Bussen, Zügen und Brücken, in der Regel ohne Genehmigung. Bestimmte Kunstformen, wie Graffiti, können auch illegal sein , wenn sie Gesetze brechen (in diesem Fall Vandalismus).
  6. Kunst für soziale Zwecke. Kunst kann verwendet werden , das Bewusstsein für eine Vielzahl von Gründen zu erhöhen. Eine Reihe von Kunst - Aktivitäten wurden bewusst auf der Steigerung gerichtet Autismus , Krebs, Menschenhandel , und eine Vielzahl von anderen Themen wie Meeresschutz, Menschenrechte in Darfur , ermordet und fehlenden Aboriginal Frauen, Gewalt gegen ältere Menschen und Verunreinigung. Trashion , trash mit Art und Weise zu machen, von Künstlern wie praktiziert Marina DeBris ist ein Beispiel für Technik unter Verwendung von Bewusstsein über Verunreinigung zu erhöhen.
  7. Kunst für psychologische und Heilzwecke. Kunst wird auch von Kunsttherapeuten, Psychotherapeuten und klinischen Psychologen als verwendet Male . Die Diagnose - Drawing - Reihe , zum Beispiel verwendet , um die Persönlichkeit und emotionales Funktionieren eines Patienten zu bestimmen. Das Endprodukt nicht das Hauptziel in diesem Fall ist, sondern ein Prozess der Heilung, durch kreative Taten wird gesucht. Die sich ergebende Stück Grafik bieten auch einen Einblick in die Probleme , die durch den Gegenstand erfahren und können geeignete Ansätze schlagen vor, in konventionellere Formen psychiatrischer Therapie eingesetzt werden.
  8. Kunst für Propaganda oder Kommerz. Kunst wird oft als eine Form der Propaganda genutzt, und daher verwendet werden kann , auf subtile Weise populäre Vorstellungen oder Stimmung zu beeinflussen. In ähnlicher Weise, Kunst , die auch ein Produkt zu verkaufen versucht , Einfluss auf Stimmung und Emotion. In beiden Fällen ist der Zweck der Kunst hier , um auf subtile Weise den Betrachter in eine bestimmte emotionale oder psychologische Reaktion auf eine bestimmte Idee oder ein Objekt zu manipulieren.
  9. Kunst als Fitness - Anzeiger. Es wurde argumentiert , dass die Fähigkeit des menschlichen Gehirns bei weitem übertrifft , was für das Überleben in dem angestammten Umfeld benötigt wurde. Eine evolutionäre Psychologie Erklärung dafür ist , dass die menschliche Gehirn und damit verbundenen Merkmale (wie künstlerische Fähigkeit und Kreativität) sind die menschliche Äquivalent des Pfau des Schwanzes. Der Zweck des extravaganten Schwanz männlichen Pfaus wurde geltend gemacht , um Weibchen anzulocken (siehe auch Fisherian runaway und Handicap-Prinzip ). Nach dieser Theorie überlegen Ausführung der Kunst war evolutionär wichtig , weil es Kollegen angezogen.

Die Funktionen der oben beschriebenen Art schließen einander nicht aus, da viele von ihnen überlappen. ZB Kunst zum Zweck der Unterhaltung suchen kann auch ein Produkt, nämlich die Filme oder Videospiele zu verkaufen.

Öffentlicher Zugang

Versailles: Louis Le Vau geöffnet , um den Innenhof , um den expansiven Eingang zu erzeugen Ehrenhof , später in ganz Europa kopiert.

Seit der Antike der feinsten Kunst, viel hat sich eine bewusste Zurschaustellung von Reichtum oder Macht repräsentiert, oft erreicht, indem massiv und teure Materialien. Viel Kunst hat von den politischen Machthabern oder religiöse Einrichtungen, mit bescheideneren Versionen nur für die Reichsten in der Gesellschaft in Auftrag gegeben.

Dennoch gibt es viele Perioden, in denen Art von sehr hohen Qualität in Bezug auf Besitz vorhanden war, über weite Teile der Gesellschaft, vor allem in billigen Medien wie Keramik, die im Boden bestehen bleibt, und verderbliche Medien wie Textilien und Holz . In vielen Kulturen, die Keramiken von Indianer sind in einer solchen Vielzahl von Gräber gefunden , dass sie auf eine eindeutig nicht beschränkt waren gesellschaftlichen Elite , obwohl andere Formen der Kunst gewesen sein mag. Reproduktionsverfahren wie Formen aus Massenproduktion leichter und wurden verwendet , qualitativ hochwertige zu bringen Antike römische Keramik und griechische Tanagra - Figuren zu einem sehr großen Markt. Rollsiegel waren sowohl künstlerisch und praktisch und sehr weit verbreitet , was kann locker die Mittelschicht in dem heißen Alten Orient . Sobald Münzen häufig benutzt wurden, wurden diese auch eine Kunstform, die breiteste Palette von Gesellschaft erreichte.

Eine weitere wichtige Neuerung kam im 15. Jahrhundert in Europa, wenn printmaking mit kleinem begannen Holzschnitt , meist religiösem, die oft sehr klein und handkoloriert und erschwinglich auch von Bauern , die sie an die Wände ihrer Häuser geklebt. Gedruckte Bücher waren anfangs sehr teuer, aber fielen stetig im Preis , bis im 19. Jahrhundert auch die Ärmste einig mit gedruckten Illustrationen leisten konnte. Beliebter Druck von vielen verschiedenen Sorten haben Häuser geschmückt und andere Orte seit Jahrhunderten.

Öffentliche Gebäude und Bauwerke , säkulare und religiöse, die naturgemäß Adresse normalerweise die gesamte Gesellschaft, und die Besucher als Zuschauer und Display für die Allgemeinheit ist ein wichtiger Faktor in ihrem Design lange her. Ägyptischen Tempel sind typisch, dass die größten und aufwendigsten Dekoration wurde auf die Teile gelegt , die von der Öffentlichkeit gesehen werden könnte, anstatt die Bereiche nur von den Priestern gesehen. Viele Bereiche der Königsschlösser, Schlösser und die Häuser der gesellschaftlichen Elite waren oft allgemein zugänglich, und große Teile der Kunstsammlungen dieser Menschen oft zu sehen sind, entweder von jedermann oder durch die in der Lage einen kleinen Preis zu zahlen, oder solche , die korrekten Kleidung tragen, unabhängig davon , wer sie waren, wie am Schloss von Versailles , wo die entsprechenden Extra - Zubehör (Silber Schuhschnallen und ein Schwert) von den Geschäften entfernt außen eingestellt werden konnte.

Besondere Vorkehrungen wurden aus der Öffentlichkeit zu ermöglichen , viele königlichen oder private Sammlungen in Galerien platziert , um zu sehen, wie bei der Orleans - Sammlung meist in einem Flügel des beherbergte Palais Royal in Paris, die für die meisten aus dem 18. Jahrhundert besichtigt werden kann. In Italien ist die Kunst Tourismus der Grand Tour wurde zu einer großen Industrie seit der Renaissance, und die Regierungen und Städte Bemühungen ihrer Schlüsselwerke zugänglich zu machen. Die britische Royal Collection bleibt deutlich, aber große Spenden wie die Old Royal Bibliothek wurden von ihm auf das gemacht British Museum , gegründet in 1753. Die Uffizien in Florenz eröffneten gänzlich als Galerie im Jahr 1765, obwohl diese Funktion nach und nach dem Gebäude genommen hatte mehr als von den Original - Beamten Niederlassungen für eine lange Zeit bevor. Das Gebäude , das heute von dem besetzten Prado in Madrid wurde für die öffentliche Darstellung von Teilen der königlichen Kunstsammlung vor dem Französisch Revolution gebaut und ähnlicher königlicher Galerien für die Öffentlichkeit zugänglich existierte in Wien , München und anderen Hauptstädten. Die Eröffnung des Louvre während des Französisch Revolution (1793) als öffentliches Museum für einen Großteil der ehemaligen Französisch königlichen Sammlung markierte sicherlich eine wichtige Phase in der Entwicklung des öffentlichen Zugangs zu Kunst, Eigentum zu einem republikanischen Staat zu übertragen, war aber eine Fortsetzung des Trends bereits gut etabliert.

Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunsterziehungsprogramme für Kinder in Schulen lassen sich auf diesen Impuls zurückzuführen Kunst für jedermann zugänglich zu haben. Museen in den Vereinigten Staaten sind in der Regel Geschenke von der sehr reichen , um die Massen zu sein. ( The Metropolitan Museum of Art in New York, zum Beispiel wurde erstellt von John Taylor Johnston , einer Eisenbahn Exekutive , deren persönliche Kunstsammlung des Museums ausgesät.) Aber trotz all dem mindestens eine der wichtigen Funktionen der Kunst im 21. Jahrhundert bleibt als Marker von Wohlstand und sozialen Status.

Performance von Joseph Beuys , 1978: Jeder Mensch ein Künstler - Auf dem Weg in die libertäre Form des sozialen Organismus

Es wurden Versuche von Künstlern Kunst zu schaffen , die nicht von den Reichen als Statusobjekt gekauft werden kann. Eines der wichtigsten original Motivatoren eines großen Teils der Kunst der späten 1960er und 1970er Jahren war die Kunst zu schaffen , die nicht gekauft werden konnte und verkauft werden . Es ist „notwendig , etwas mehr als bloße Objekte zu präsentieren“ , sagte der Major Nachkriegs deutschen Künstlers Joseph Beuys. Diese Zeitspanne sahen den Aufstieg von solchen Dingen wie Performance , Videokunst und Konzeptkunst . Die Idee war , dass , wenn das Kunstwerk eine Leistung ist , die nichts hinterlassen hätte, oder war einfach eine Idee, es könnte nicht gekauft und verkauft werden. „Demokratische Vorschriften rund um die Idee , dass ein Kunstwerk ist eine Ware getrieben , die ästhetische Innovation , die in der Mitte der 1960er Jahre zum Keimen gebracht und wurde in den 1970er Jahren geerntet. Künstler im Großen und Ganzen unter der Überschrift der Konzeptkunst identifiziert ... Substitution von Leistung und verlegerische Tätigkeit für den Eingriff sowohl mit dem Material und materiellen Belangen gemalt oder plastischer Form ... [hat] versucht , das Kunstobjekt qua Objekt zu untergraben.“

In den Jahrzehnten wurden verloren diese Ideen ein wenig wie der Kunstmarkt hat erfahren, limitierte Edition DVDs von Videoarbeiten, Einladungen zu exklusiven Performance-Kunst Stücke zu verkaufen, und die Objekte von der Konzept Stücke übrig. Viele dieser Leistungen schaffen Werke, die nur durch die Elite verstanden werden, die sich als erzogen worden, warum eine Idee oder Videos oder ein Stück offensichtlich Müll kann Kunst sein. Der Marker des Status wird die Arbeit statt unbedingt verstehen, es zu besitzen, und das Kunstwerk bleibt eine Oberschicht Tätigkeit. „Mit der zunehmenden Verbreitung von DVD-Recording-Technologie in den frühen 2000er Jahren, Künstler und dem Galerie-System, das seine Gewinne aus dem Verkauf von Kunstwerken leitet, gewann ein wichtiges Mittel, um den Verkauf von Video- und Computer-Grafiken in der limitierte Auflagen an Sammler zu steuern.“

Controversies

Kunst ist seit langem umstritten, dh von einigen Zuschauern unbeliebt sagen, für eine Vielzahl von Gründen, obwohl die meisten vormodernen Kontroversen schwach aufgezeichnet werden, oder völlig zu einer modernen Aussicht verloren. Bildersturm ist die Zerstörung der Kunst , die für eine Vielzahl von Gründen, einschließlich der religiösen unbeliebt ist. Anikonismus ist eine allgemeine Abneigung gegen entweder alle figurativen Bilder oder oft nur für religiöse und hat ein Thread in vielen großen Religionen gewesen. Es ist ein entscheidender Faktor in der Geschichte gewesen islamischen Kunst , wo Darstellungen von Mohammed bleiben besonders umstritten. Viel Kunst hat bloß worden unbeliebt , weil es für unpopuläre Herrscher dargestellt oder stand nicht anders, Parteien oder andere Gruppen. Künstlerische Konventionen haben oft konservativ und sehr ernst genommen Kunstkritiker , wenn auch oft viel weniger von einer breiten Öffentlichkeit. Die ikonographischen Inhalte der Kunst könnten Kontroverse hervorrufen, wie bei spätmittelalterlichen Darstellungen des neuen Motivs der Swoon der Jungfrau in Szenen der Kreuzigung von Jesus . Das Jüngste Gericht von Michelangelo war umstritten aus verschiedenen Gründen, einschließlich Verstößen gegen Anstand durch Nacktheit und die Apollo -ähnlichen Pose Christi.

Der Inhalt wesentlich formaler Kunst durch die Geschichte wurde von dem Mäzen oder Kommissar diktiert und nicht nur die Künstlern, sondern mit dem Aufkommen der Romantik und wirtschaftlichen Veränderungen in der Kunstproduktion, die Vision des Künstlers wurde die übliche Determinante des Inhalts seines Kunst, die Erhöhung der Häufigkeit von Kontroversen, oft auch wenn ihre Bedeutung zu reduzieren. Starke Anreize für wahrgenommen Originalität und Öffentlichkeitsarbeit auch Künstler vor Gericht Kontroverse ermutigt. Théodore Géricault ‚s Floss der Medusa (c. 1820), war ein politischer Kommentar zu einem aktuellen Ereignis teil. Édouard Manet ‚s Das Frühstück im Grünen (1863), wurde skandalös nicht wegen der nackten Frau, sondern weil sie neben Männern sitzt vollständig in der Kleidung der Zeit gekleidet, anstatt in Roben der antiken Welt. John Singer Sargent ‚s Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), führte zu einer Kontroverse über die rosa rötlich verwendete die Frau Ohrläppchen zu färben, als viel zu suggestiv und angeblich ruiniert das High-Society - Modell Ruf. Die allmähliche Abkehr von Naturalismus und die Darstellung von realistischen Darstellungen der optische Erscheinungsbild der Patienten in der 19. und 20. Jahrhundert führte zu einer Walz Kontroverse seit über einem Jahrhundert andauert. Im zwanzigsten Jahrhundert, Pablo Picasso ‚s Guernica (1937) benutzte verhaften kubistische Techniken und stark monochromatische Öle , die erschütternden Folgen eines zeitgenössischen Bombenanschlag auf eine kleine, alten baskischen Stadt zu zeigen. Leon Golub ‚s Interrogation III (1981), zeigt einen weiblichen Akt, schnallte kapuzen Inhaftierten auf einem Stuhl, die Beine offen zu ihrer sexuellen Organe zeigen, umgeben von zwei Peiniger in alltäglichen Gewändern. Andres Serrano ‚s Piss Christ (1989) ist ein Foto von einem Kruzifix, heilig für die christliche Religion und repräsentiert Christus ‘ s Opfer und letzte Leiden, versunken in einem Glas des eigenen Urins des Künstlers. Der resultierende Aufruhr führte zu Kommentaren in den Senat der Vereinigten Staaten über die öffentliche Finanzierung der Künste.

Theorie

Vor Moderne, war die Ästhetik in der westlichen Kunst sehr besorgt mit einem angemessenen Gleichgewicht zwischen dem verschiedenen Aspekten der Verwirklichung Realismus oder Naturtreue und dem Ideal ; Ideen, was die angemessene Balance zu haben , verschoben wird und her über die Jahrhunderte hinweg. Diese Sorge ist in anderen Traditionen der Kunst weitgehend fehlen. Der ästhetische Theoretiker John Ruskin , der einsetzte , was er als Naturalismus sah William Turner , sah Rolle der Kunst als Kommunikation von Künstlichkeit einer wesentlichen Wahrheit , die nur in der Natur gefunden werden konnte.

Die Definition und Bewertung von Kunst worden ist besonders problematisch , seit dem 20. Jahrhundert. Richard Wollheim unterscheidet drei Ansätze , um den ästhetischen Wert der Kunst der Bewertung: die Realisten , wobei ästhetische Qualität ist ein absoluter Wert unabhängig von jeder menschlichen Darstellung; der Objectivist , wobei es auch ein absoluter Wert ist, sondern auf allgemeine menschliche Erfahrung angewiesen; und der Relativist Position , wobei es kein absoluter Wert, sondern hängt davon ab, und variiert mit der menschlichen Erfahrung von verschiedenen Menschen.

Ankunft der Moderne

Zusammensetzung II in Rot, Blau und Gelb (1930) von Piet Mondrian (Dutch, 1872-1944)

Die Ankunft der Moderne im späten neunzehnten Jahrhundert führt zu einem radikalen Bruch in der Konzeption der Funktion der Kunst, und dann wieder in dem späten zwanzigsten Jahrhundert mit dem Aufkommen des Postmodernismus . Clement Greenberg ‚s 1960 Artikel‚Modernist Painting‘bildet die moderne Kunst als‚die Verwendung von charakteristischen Methoden einer Disziplin , die Disziplin selbst zu kritisieren‘. Greenberg angelegt ursprünglich diese Idee zu der abstrakt expressionistischen Bewegung und benutzte es als eine Möglichkeit , flacht (nicht-illusionistische) abstrakte Malerei zu verstehen und zu begründen:

Realistisch, naturalistische Kunst hatte das Medium verstellte, Kunst mit Kunst zu verschleiern; Moderne Kunst ausgestellt Aufmerksamkeit auf die Kunst zu nennen. Die Einschränkungen, die das Medium der Malerei-der flachen Oberfläche, die Form der Unterstützung, um die Eigenschaften des konstituieren pigment wurden von den alten Meistern als negative Faktoren behandelt, die nur implizit oder indirekt anerkannt werden könnte. Unter Moderne kamen diese gleichen Einschränkungen wie positive Faktoren angesehen werden und wurden offen anerkannt.

Nach Greenberg, verschiedene wichtige Kunsttheoretiker entstanden, wie Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin und Griselda Pollock ua. Obwohl ursprünglich nur als eine Möglichkeit , mit einem besonderen Satz von Künstlern des Verstehens, ist Greenberg Definition der modernen Kunst wichtig , dass viele der Ideen von Kunst innerhalb der verschiedenen Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts und Anfang des 21. Jahrhunderts.

Pop - Künstler wie Andy Warhol wurden sowohl bemerkenswert und einflussreich durch die Arbeit mit und möglicherweise die populäre Kultur, sowie die kritische Beurteilung Kunstwelt . Künstler der 1980er Jahre, 1990er und 2000er Jahren erweitert diese Technik der Selbstkritik über hohe Kunst zu allen kulturellen Bildgestaltung, einschließlich der Art und Weise Bilder, Comics, Werbetafeln und pornografischen Inhalten.

Duchamp vorgeschlagen einmal , dass die Kunst jede Tätigkeit jedes kind- alles ist. Allerdings ist die Art und Weise , die nur bestimmte Tätigkeiten eingestuft werden heute als Kunst eine soziale Konstruktion. Es gibt Hinweise darauf , dass es möglicherweise ein Element der Wahrheit zu dieser sein. Die Erfindung der Technik: Eine Kulturgeschichte ist Kunstgeschichte Buch, das die Errichtung des modernen Systems der Kunst , dh Kunst untersucht. Shiner findet Hinweise darauf , dass das ältere System der Künste , bevor unser modernes System (Kunst) Bilder gehalten jedes qualifiziertes menschliches Handeln dh Altgriechisch Gesellschaft den Begriff der Kunst , sondern besaß nicht als Techne . Techne weder als Kunst oder Handwerk zu verstehen, der Grund ist , dass die Unterschiede von Kunst und Handwerk sind historische Produkte , die später in der Geschichte der Menschheit kamen. Techne enthalten Malerei, Bildhauerei und Musik , sondern auch; Kochen, Medizin, Reiten , Geometrie , Tischler , Prophezeiung und Landwirtschaft usw.

New Criticism und die „vorsätzliche Fehlschluss“

Im Anschluss an Duchamp in der ersten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, eine signifikante Verschiebung der allgemeinen ästhetischen Theorie fand , die zwischen den verschiedenen Formen der Kunst der ästhetischen Theorie versucht zu beantragen, einschließlich der literarischen Kunst und der bildenden Kunst, zueinander. Dies führte zu dem Anstieg der New Criticism Schule und Debatte über den absichtlichen Fehlschluss . Es ging um die Frage, ob die ästhetischen Absichten des Künstlers in das Kunstwerk zu schaffen, welches immer seine spezifische Form, soll mit der Kritik und Bewertung des Endprodukts des Kunstwerkes, oder, wenn das Kunstwerk in Verbindung gebracht werden soll nach seinen eigenen Leistungen unabhängig von den Absichten des Künstlers ausgewertet werden.

Im Jahr 1946 William K. Wimsatt und Monroe Beardsley veröffentlichten ein klassisches und umstrittenes neues kritische Essay mit dem Titel „ The Intentional Irrtum “, in dem sie stark gegen die Relevanz eines argumentierten Autors Absicht oder „gemeinten Sinn“ in der Analyse eines literarischen Werkes . Zum Wimsatt und Beardsley, waren die Worte auf der Seite alles, was zählte; Einfuhr von Bedeutungen von außerhalb des Textes wurde unerheblich und möglicherweise störend betrachtet.

In einem anderen Essay „ Der Affective Irrtum “ , die als eine Art Schwester Essay bedient „The Intentional Irrtum“ Wimsatt und Beardsley diskontiert auch den persönliche / emotionale Reaktion des Lesers zu einem literarischen Werk als gültige mittels einen Text zu analysieren. Dieser Irrtum würde später von Theoretikern aus der zurückgewiesen wird Leser-Antwort Schule der Literaturtheorie. Ironischerweise ist einer der führenden Theoretiker aus dieser Schule, Stanley Fish , wurde selbst von New Critics trainiert. Fisch kritisiert Wimsatt und Beardsley in seinem Aufsatz "Literatur im Reader" (1970).

Da von Gaut und Livingston in ihrem Essay „Die Schöpfung der Kunst“ zusammengefasst: „Strukturalismus und Post-Strukturalisten Theoretiker und Kritiker waren scharf kritisieren viele Aspekte des New Criticism, mit dem Schwerpunkt auf ästhetische Wertschätzung und die sogenannten Autonomie der Kunst Anfang , aber sie wiederholte den Angriff auf biographische Vermutung Kritik, dass die Aktivitäten des Künstlers und Erfahrung ein privilegiertes kritisches Thema waren.“ Die Autoren behaupten, dass. „Anti-Intentionalisten, wie Formalisten, halten, dass die Absichten bei der Herstellung von Kunst beteiligt sind irrelevant oder periphere korrekt kunst Interpretieren So Details des Aktes der Arbeit zu schaffen, auch wenn sie möglicherweise von Interesse in sich, haben keinen Einfluss auf die korrekte Interpretation der Arbeit.“

Gaut und Livingston Definition der Intentionalisten im Unterschied Formalisten besagt , dass: „Intentionalisten, im Gegensatz Formalisten halten , dass der Bezug auf Absichten ist von wesentlicher Bedeutung in der korrekten Interpretation der Werke Festsetzung“ Sie zitieren Richard Wollheim als die besagt , dass „die Aufgabe der Kritik ist die Rekonstruktion des kreativen Prozesses, wo der kreative Prozess wiederum muss man sich als etwas nicht zu kurz anzuhalten von, sondern endet auf, das Kunstwerk selbst.“

„Linguistic turn“ und seine Debatte

Das Ende des 20. Jahrhunderts gefördert eine umfangreiche Debatte als linguistic turn Kontroverse bekannt, oder die „unschuldige Auge Debatte“, und in der Regel als structuralism- bezeichnete Poststrukturalismus Debatte in der Philosophie der Kunst. Diese Debatte diskutierte die Begegnung des Kunstwerkes , wie durch den relativen Umfang , in dem mit dem Kunstwerk die konzeptionelle Begegnung bestimmt wird mit dem Kunstwerk über die Wahrnehmungs Begegnung dominiert.

Entscheidend für die linguistische Wende Debatte in der Kunstgeschichte und Geisteswissenschaften waren die Werke von noch einer weiteren Tradition, nämlich der Strukturalismus von Ferdinand de Saussure und der anschließenden Bewegung des Poststrukturalismus . Im Jahr 1981 der Maler Mark Tansey schaffte ein Kunstwerk des Titel „The Innocent Eye“ als Kritik an dem herrschenden Klima der Meinungsverschiedenheiten in der Philosophie der Kunst in den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Einflussreicher Theoretiker gehören Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault und Jacques Derrida . Die Macht der Sprache, genauer bestimmter Rhetoriken, in der Kunstgeschichte und historischen Diskurs wurde von erforscht Hayden White . Die Tatsache , dass die Sprache ist nicht ein transparentes Medium des Denkens war von einer sehr unterschiedlichen Form hervorgehoben worden Philosophie der Sprache , das in den Werken entstand Johann Georg Hamann und Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich und Nelson Goodman in seinem Buch Sprache der Kunst: Eine Annäherung an eine Theorie der Symbole kamen zu halten , dass die konzeptionelle Begegnung mit dem Kunstwerk vorherrschte ausschließlich über die Wahrnehmungs- und visuelle Begegnung mit dem Kunstwerk in dem 1960er und 1970er Jahren. Er wurde auf der Grundlage der Forschung von dem Nobelpreisträger Psychologen getan fordert Roger Sperry , der, dass die menschliche visuelle Begegnung nicht auf den Begriffe in der Sprache allein repräsentierten begrenzt gewartet (die linguistic turn) und dass andere Formen der psychologischen Darstellungen der Kunstwerke ebenso vertretbare und nachweisbare seien. Sperry Sicht herrschte schließlich bis zum Ende des 20. Jahrhunderts mit ästhetischen Philosophen wie Nick Zangwill nachdrücklich empfohlen , einen Wiederkehr der Verteidigung ästhetischen Formalismus ua Alternativen zu moderieren.

Klassifikation Streitigkeiten

Der ursprüngliche Brunnen von Marcel Duchamp 1917 von fotografiert Alfred Stieglitz an den 291 nach der 1.917 Society of Independent Artists Ausstellung. Stieglitz verwendet , um eine Kulisse von The Warriors von Marsden Hartley das Urinal zu fotografieren. Die Ausstellung Eintragung Tag klar zu sehen ist.

Meinungsverschiedenheiten darüber, ob etwas als Kunstwerk zu klassifizieren sind als klassifizierende Streitigkeiten über Kunst bezeichnet. Klassifikatorische Auseinandersetzungen im 20. Jahrhundert gehörten kubistische und impressionistische Gemälde, Duchamp ‚s - Brunnen , die Filme, Superlativ Imitationen von Banknoten , Konzeptkunst und Videospiele . Philosopher David Novitz hat argumentiert , dass Uneinigkeit über die Definition von Kunst ist selten der Kern des Problems. Vielmehr „die leidenschaftlichen Anliegen und Interessen , die Weste in ihrem sozialen Leben Menschen“ sind „so viel ein Teil aller Klassifikations Streitigkeiten über die Kunst“ (Novitz, 1996). Nach Novitz sind klassifizierenden Streitigkeiten häufiger Streitigkeiten über gesellschaftliche Werte und wo die Gesellschaft zu gehen versucht , als sie sind über Theorie richtig. Wenn zum Beispiel die Daily Mail kritisiert Hirst ‚s und Emin ‘ s Arbeit mit dem Argument ‚für 1000 Jahre Kunst hat eine unserer großen zivilisatorischen Kräfte gewesen. Heute, gebeizt Schafen und verschmutzten Betten bedrohen Barbaren von uns allen machen‘ sind sie nicht eine Definition oder eine Theorie über Kunst voran, aber den Wert von Hirst und Emin Arbeit in Frage zu stellen. 1998 Arthur Danto vorgeschlagen, ein Gedankenexperiment zeigt , dass „der Status eines Artefakts als Kunstwerk ergibt sich aus den Ideen eine Kultur dazu, anstatt seine eigenen physikalischen oder wahrnehmbaren Eigenschaften. Cultural Auslegung (eine Kunsttheorie irgendeiner Art gilt ) ist also konstitutiv ein arthood des Objekts.“

Anti-Technik ist ein Label für die Kunst , die absichtlich die festgelegten Parameter und Werte der Technik fordert; es ist Begriff mit zugehörigem Dadaismus und zurückzuführen Marcel Duchamp vor dem Ersten Weltkrieg, als er Kunst macht gefundene Gegenstände . Einer von ihnen, Brunnen (1917), ein gewöhnlicher Pissoir, hat beträchtliche Prominenz und Einfluss auf die Kunst erreicht. Anti-Kunst ist ein Merkmal der Arbeit von Situationistischen Internationale , der Lo-Fi - Mail Art Bewegung und den Young British Artists , obwohl es sich um eine Form nach wie vor von den abgelehnten ist Stuckisten , die sich als beschreiben anti-anti-art .

Architektur wird oft als eines der bildenden Kunst enthalten sind ; aber wie die dekorative Kunst oder Werbung geht es um die Schaffung von Gegenständen , wo die praktischen Erwägungen die Verwendung in einer Art und Weise wesentlich sind , dass sie in der Regel nicht in einem Gemälde, zum Beispiel.

Werturteil

Aboriginal Hohl log Gräber. National Gallery, Canberra , Australien

Etwas in Bezug auf die oben das Wort Kunst ist auch anzuwenden , Werturteile, wie in solchen Ausdrücken wie „das Essen war ein Kunstwerk“ (der Koch ist ein Künstler), oder „die Kunst der Täuschung“, verwendet ( die in hohem Grade erreichte Niveau der Fähigkeit der Betrüger gepriesen). Es ist diese Verwendung des Wortes als Maß für hohe Qualität und hohen Wert , dass der Begriff des Geschmack der Subjektivität gibt. Machen Urteile des Wertes erfordert eine Grundlage für die Kritik. Auf der einfachsten Ebene, eine Art und Weise , um zu bestimmen , ob die Auswirkungen des Objekts auf die Sinne erfüllt die Kriterien zu betrachten Kunst ist , ob sie wahrgenommen wird Anziehungs- oder Abstoßungs zu sein. Obwohl Wahrnehmung stets durch Erfahrung gefärbt ist, und ist notwendigerweise subjektiv, ist es allgemein verständlich , dass , was nicht irgendwie ästhetisch befriedigend ist , kann Kunst nicht sein. Allerdings „gute“ Kunst ist nicht immer oder sogar regelmäßig ästhetisch zu einer Mehrheit der Zuschauer anspricht. Mit anderen Worten, eine Hauptmotivation des Künstlers braucht nicht die Ausübung der Ästhetik zu sein. Auch Kunst zeigt oft furchtbare Bilder gemacht für soziale, moralische oder zum Nachdenken anregen Gründe. Zum Beispiel, Francisco Goya ‚s Malerei der spanischen Erschießungen von 3.em Mai 1808 zeigt eine graphische Darstellung eines Exekutionskommandos Ausführung mehr flehend Zivilisten. Doch zur gleichen Zeit, die entsetzlichen Bilder zeigen Goyas scharfe künstlerische Fähigkeiten in Komposition und Ausführung und produzieren Pass soziale und politische Empörung. Damit setzt sich die Debatte darüber, welche Art der ästhetischen Befriedigung, wenn überhaupt, erforderlich ist , um ‚Kunst‘ zu definieren.

Die Übernahme der neuen Werte oder die Rebellion gegen überkommene Vorstellungen von dem, was ästhetisch überlegen Bedarf nicht gleichzeitig mit einem vollständigen Verzicht auf die Ausübung von auftreten , was ist ästhetisch ansprechend. Tatsächlich ist das Gegenteil oft wahr, dass die Überarbeitung von dem, was dem Volksmund konzipiert ist ästhetisch als für eine Wiederbelebung der ästhetischen Sensibilität und eine neue Wertschätzung für die Normen der Kunst selbst ansprechender gestattet. Unzählige Schulen haben ihre eigenen Wege vorgeschlagen Qualität zu definieren, aber sie scheinen alle in mindestens einem Punkt einig: einmal ihre ästhetischen Entscheidungen akzeptiert werden, wird der Wert des Kunstwerks bestimmt durch seine Fähigkeit zu transzendieren die Grenzen ihres gewählten Medium eine gewisse universelle Saite anzuschlagen durch die Seltenheit der Fertigkeit des Künstlers oder in dessen exakte Reflexion in dem, was die bezeichnet wird Zeitgeist . Kunst wird oft ansprechen soll und eine Verbindung mit menschlichen Emotionen. Es kann hervorrufen ästhetische oder moralische Gefühle, und kann als eine Art und Weise zu kommunizieren , diese Gefühle zu verstehen. Interpreten äußern etwas , so dass ihr Publikum zu einem gewissen Grad erregt ist, aber sie haben nicht so bewusst zu tun. Kunst kann eine Auseinandersetzung der betrachteten menschlichen Existenz ; das heißt, was es sein Mensch ist.

Siehe auch

Anmerkungen

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Externe Links