Kunstkritik - Art criticism

Affen als Kunstrichter , 1889, Gabriel von Max

Art Kritik ist die Diskussion oder die Bewertung der bildenden Kunst . Kunstkritiker kritisieren Kunst meist im Kontext der Ästhetik oder der Schönheitstheorie. Ein Ziel der Kunstkritik ist das Streben nach einer rationalen Grundlage für die Kunstbewertung, aber es ist fraglich, ob eine solche Kritik über die herrschenden gesellschaftspolitischen Umstände hinausgehen kann.

Die Vielfalt der künstlerischen Strömungen hat zu einer Aufteilung der Kunstkritik in verschiedene Disziplinen geführt, die jeweils unterschiedliche Kriterien für ihre Beurteilung heranziehen können. Die häufigste Unterteilung im Bereich der Kritik ist zwischen historischer Kritik und Bewertung, einer Form der Kunstgeschichte , und zeitgenössischer Kritik am Werk lebender Künstler.

Trotz der Wahrnehmung, dass Kunstkritik eine viel risikoärmere Aktivität ist als Kunst zu machen, unterliegen Meinungen zur aktuellen Kunst im Laufe der Zeit immer drastischen Korrekturen. Kritiker der Vergangenheit werden oft lächerlich gemacht, weil sie heute verehrte Künstler (wie das Frühwerk der Impressionisten ) entlassen. Einige Kunstrichtungen selbst wurden von Kritikern abschätzig benannt, wobei der Name später von den Künstlern des Stils als eine Art Ehrenzeichen übernommen wurde (z. B. Impressionismus , Kubismus ), wobei die ursprüngliche negative Bedeutung vergessen wurde.

Künstler hatten oft ein ungutes Verhältnis zu ihren Kritikern. Künstler brauchen in der Regel positive Meinungen von Kritikern, damit ihre Werke angesehen und gekauft werden können; leider für die Künstler, nur spätere Generationen können es verstehen.

Kunst ist ein wichtiger Teil des Menschseins und findet sich in allen Aspekten unseres Lebens, unabhängig von Kultur oder Zeit. Es gibt viele verschiedene Variablen, die die Beurteilung von Kunst bestimmen, wie Ästhetik, Kognition oder Wahrnehmung. Kunst kann objektiv oder subjektiv sein, basierend auf persönlichen Vorlieben für Ästhetik und Form. Sie kann auf den Elementen und Prinzipien des Designs sowie auf gesellschaftlicher und kultureller Akzeptanz basieren. Kunst ist ein menschlicher Grundinstinkt mit vielfältigen Formen und Ausdrucksformen. Kunst kann mit einem sofortigen Urteil allein stehen oder mit einem tieferen, gebildeteren Wissen betrachtet werden. Ästhetische, pragmatische, expressive, formalistische, relativistische, prozessuale, nachahmende, Ritual-, Kognitions-, Mimetik- und postmoderne Theorien sind einige von vielen Theorien, um Kunst zu kritisieren und zu schätzen. Kunstkritik und -bewertung können subjektiv sein, basierend auf persönlichen Vorlieben für Ästhetik und Form, oder sie können auf Elementen und Prinzipien des Designs sowie auf gesellschaftlicher und kultureller Akzeptanz basieren.

Definition

Kunstkritik hat viele und oft zahlreiche subjektive Sichtweisen, die fast so unterschiedlich sind, wie es Menschen gibt, die sie praktizieren. Es ist schwierig, eine stabilere Definition zu finden, als die Aktivität, die sich auf die Diskussion und Interpretation von Kunst und ihrem Wert bezieht. Je nachdem, wer über das Thema schreibt, kann die "Kunstkritik" selbst als direktes Ziel entfallen oder die Kunstgeschichte in ihren Rahmen einbeziehen . Unabhängig von Definitionsproblemen kann sich die Kunstkritik in ihren Aufsätzen auf die Geschichte des Handwerks beziehen und die Kunstgeschichte selbst kann implizit kritische Methoden anwenden. Der Kunsthistoriker R. Siva Kumar sagt : "Die Grenzen zwischen Kunstgeschichte und Kunstkritik... sind nicht mehr so ​​fest gezogen wie früher. Es begann vielleicht damit, dass sich Kunsthistoriker für moderne Kunst interessierten."

Methodik

Kunstkritik umfasst einen beschreibenden Aspekt, bei dem das Kunstwerk ausreichend in Worte gefasst wird, um eine Argumentation zu ermöglichen. Die Bewertung eines Kunstwerks, das der Beschreibung folgt (oder mit ihr durchsetzt ist), hängt ebenso stark vom Schaffen des Künstlers wie von der Erfahrung des Kritikers ab. Es gibt bei einer Tätigkeit mit einer so ausgeprägten subjektiven Komponente eine Vielzahl von Möglichkeiten, ihr nachzugehen. Als Extreme in einem möglichen Spektrum bevorzugen die einen die bloße Bemerkung zu den unmittelbaren Eindrücken eines künstlerischen Objekts, andere bevorzugen einen systematischeren Ansatz, der sich auf technisches Wissen, ästhetische Theorie und den bekannten soziokulturellen Kontext stützt, in den der Künstler eintaucht, um seine Absicht zu erkennen .

Geschichte

Kunstkritiken stammen wahrscheinlich aus den Ursprüngen der Kunst selbst, wie aus Texten hervorgeht, die unter anderem in den Werken von Platon , Vitruv oder Augustinus von Hippo gefunden wurden und frühe Formen der Kunstkritik enthalten. Auch haben wohlhabende Mäzene , spätestens seit Beginn der Renaissance , Kunstbewerter zwischengeschaltet, um ihnen bei der Beschaffung von Aufträgen und/oder fertigen Werken zu helfen.

Ursprünge

Jonathan Richardson prägte 1719 den Begriff „Kunstkritik“.

Die Kunstkritik als Schriftgattung erhielt im 18. Jahrhundert ihre moderne Form. Die früheste Verwendung des Begriffs Kunstkritik stammt von dem englischen Maler Jonathan Richardson in seiner 1719 erschienenen Veröffentlichung An Essay on the Whole Art of Criticism . In dieser Arbeit versuchte er, ein objektives System für das Ranking von Kunstwerken zu schaffen. Sieben Kategorien, darunter Zeichnen, Komposition, Erfindung und Kolorierung, erhielten eine Punktzahl von 0 bis 18, die zu einer Endnote zusammengefasst wurden. Der Begriff, den er einführte, setzte sich schnell durch, insbesondere als die englische Mittelschicht begann, bei ihren Kunstankäufen als Symbol ihres zur Schau gestellten sozialen Status anspruchsvoller zu werden.

In Frankreich und England breitete sich Mitte des 18. Jahrhunderts das öffentliche Interesse an Kunst aus, und die Kunst wurde regelmäßig in den Salons in Paris und den Sommerausstellungen in London ausgestellt. Die ersten Autoren einen individuellen Ruf als Kunstkritiker in Frankreich des 18. Jahrhunderts waren zu erwerben Jean-Baptiste Dubos mit seiner Réflexions Kritik sur la poésie et sur la peinture (1718) , die die Anerkennung von sammelte Voltaire für den Scharfsinn seiner Annäherung an die ästhetische Theorie ; und Étienne La Font de Saint-Yenne mit Reflexions sur quelques Causes de l'état présent de la peinture en France, der über den Salon von 1746 schrieb und die sozioökonomischen Rahmenbedingungen der Produktion des damals populären barocken Kunststils kommentierte , die zu eine Wahrnehmung antimonarchischer Gefühle im Text.

Der französische Schriftsteller Denis Diderot aus dem 18. Jahrhundert hat das Medium der Kunstkritik stark vorangetrieben. Diderots "Der Salon von 1765" war einer der ersten wirklichen Versuche, Kunst in Worte zu fassen. Der Kunsthistoriker Thomas E. Crow sagt : „Als Diderot sich mit der Kunstkritik befasste, war er der ersten Generation professioneller Schriftsteller auf den Fersen, die es sich zur Aufgabe gemacht haben, Beschreibungen und Urteile über zeitgenössische Malerei und Skulptur abzugeben. Die Nachfrage nach solchen Kommentaren war ein Produkt der ebenso neuartigen Institution regelmäßiger, kostenloser, öffentlicher Ausstellungen der neuesten Kunst".

Unterdessen löste in England eine Ausstellung der Society of Arts 1762 und später 1766 eine Flut von kritischen, wenn auch anonymen Pamphleten aus. Zeitungen und Zeitschriften der Zeit, wie der London Chronicle , begannen, Kolumnen für die Kunstkritik zu tragen; eine Form, die mit der Gründung der Royal Academy im Jahr 1768 ihren Anfang nahm . In den 1770er Jahren war der Morning Chronicle die erste Zeitung, die die in Ausstellungen gezeigte Kunst systematisch untersuchte.

19. Jahrhundert

John Ruskin , der herausragende Kunstkritiker Englands des 19. Jahrhunderts.

Ab dem 19. Jahrhundert wurde die Kunstkritik zu einer verbreiteteren Berufung und sogar zu einem Beruf, wobei zeitweise formalisierte Methoden auf der Grundlage bestimmter ästhetischer Theorien entwickelt wurden . In Frankreich entstand in den 1820er Jahren eine Kluft zwischen den Befürwortern der traditionellen neoklassischen Kunstformen und der neuen romantischen Mode. Die Neoklassizisten unter Étienne-Jean Delécluze verteidigten das klassische Ideal und bevorzugten sorgfältig ausgeführte Formen in Gemälden. Romantiker wie Stendhal kritisierten die alten Stile als zu formelhaft und gefühllos. Stattdessen setzten sie sich für die neuen expressiven, idealistischen und emotionalen Nuancen der romantischen Kunst ein. Eine ähnliche, wenn auch gedämpftere Debatte fand auch in England statt.

Einer der prominenten Kritiker in England war damals William Hazlitt , ein Maler und Essayist. Er schrieb über seine tiefe Freude an der Kunst und seinen Glauben, dass die Künste dazu verwendet werden könnten, die Großzügigkeit der Menschheit und ihr Wissen über die Welt um sie herum zu verbessern. Er gehörte zu einer steigenden Flut englischer Kritiker, die mit der zunehmend abstrakten Richtung, in die sich JMW Turners Landschaftskunst bewegte, unruhig wurden .

Einer der großen Kritiker des 19. Jahrhunderts war John Ruskin . Im Jahr 1843 veröffentlichte er Modern Painters , das Konzepte aus "Landscape and Portrait-Painting" in The Yankee (1829) des ersten amerikanischen Kunstkritikers John Neal in seiner Unterscheidung zwischen "Dingen, die vom Künstler gesehen werden" und "Dingen, wie sie sind" , wiederholte . Durch sorgfältige Analyse und Liebe zum Detail erreichte Ruskin das, was der Kunsthistoriker EH Gombrich "das ehrgeizigste Werk der wissenschaftlichen Kunstkritik, das je versucht wurde", nannte. Ruskin wurde bekannt für seine reiche und fließende Prosa, und später im Leben breitete er sich aus, um ein aktiver und weitreichender Kritiker zu werden, der Werke über Architektur und Renaissancekunst veröffentlichte , darunter die Steine ​​​​von Venedig .

Charles Baudelaire ‚s Salon von 1845 Kunst Bewertung schockiert sein Publikum mit seinen Ideen.

Eine weitere dominierende Figur in der Kunstkritik des 19. Jahrhunderts war der Französisch Dichter Charles Baudelaire , dessen erstes veröffentlichtes Werk war seine Kunst Bewertung Salon von 1845 , das für seine Kühnheit sofortige Aufmerksamkeit erregt. Viele seiner kritischen Meinungen waren zu ihrer Zeit neu, einschließlich seiner Verfechter von Eugène Delacroix . Als Édouard Manets berühmtes Olympia (1865), ein Porträt einer nackten Kurtisane, wegen seines unverhohlenen Realismus einen Skandal auslöste, arbeitete Baudelaire privat, um seinen Freund zu unterstützen. Er forderte, dass "Kritik partiell, leidenschaftlich, politisch sein sollte, das heißt aus einer exklusiven Sichtweise gebildet werden sollte, aber auch aus einer Sichtweise, die die meisten Horizonte eröffnet". Er versuchte, die Debatte von den alten binären Positionen der vergangenen Jahrzehnte zu lösen, indem er erklärte, dass "der wahre Maler derjenige sein wird, der dem zeitgenössischen Leben seinen epischen Aspekt abgewinnen und uns mit Farbe oder in Zeichnung sehen und verstehen lassen kann, wie großartig und" poetisch sind wir in unseren Krawatten und unseren polierten Stiefeln".

Im Jahr 1877 verspottete John Ruskin Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, nachdem der Künstler James McNeill Whistler es in der Grosvenor Gallery gezeigt hatte : Coxcomb verlangt zweihundert Guineen dafür, dass sie der Öffentlichkeit einen Topf Farbe ins Gesicht geworfen haben." Diese Kritik provozierte Whistler dazu, den Kritiker wegen Verleumdung zu verklagen. Der anschließende Gerichtsprozess erwies sich als Pyrrhussieg für Whistler.

Jahrhundertwende

Selbstportrait von Roger Fry , beschrieben vom Kunsthistoriker Kenneth Clark als „unvergleichlich größter Einfluss auf den Geschmack seit Ruskin … Soweit der Geschmack von einem Mann verändert werden kann, wurde er von Roger Fry verändert“.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts setzte sich in England eine Bewegung in Richtung Abstraktion im Gegensatz zu spezifischen Inhalten durch, die insbesondere von dem Dramatiker Oscar Wilde verfochten wurde . Zu Beginn des 20. Jahrhunderts verschmolzen diese Einstellungen durch die Arbeit der Bloomsbury Group- Mitglieder Roger Fry und Clive Bell formell zu einer kohärenten Philosophie . Als Kunsthistoriker in den 1890er Jahren war Fry von der neuen Kunst der Moderne und ihrer Abkehr von der traditionellen Darstellung fasziniert. Seine Ausstellung von 1910, die er postimpressionistische Kunst nannte, zog wegen ihres Bildersturms viel Kritik auf sich. Er verteidigte sich energisch in einem Vortrag, in dem er argumentierte, dass die Kunst versucht habe, die Sprache der reinen Imagination zu entdecken, anstatt die nüchterne und seiner Meinung nach unehrliche wissenschaftliche Erfassung von Landschaften. Frys Argument erwies sich damals als sehr einflussreich, insbesondere in der fortschrittlichen Elite. Virginia Woolf bemerkte: "Im oder um den Dezember 1910 [dem Datum, an dem Fry seinen Vortrag hielt] änderte sich der menschliche Charakter."

Unabhängig und gleichzeitig argumentierte Clive Bell in seinem Buch Art von 1914, dass jedes Kunstwerk seine besondere „signifikante Form“ habe, während der konventionelle Gegenstand im Wesentlichen irrelevant sei. Diese Arbeit legte den Grundstein für den formalistischen Zugang zur Kunst. 1920 argumentierte Fry, dass "es mir egal ist , ob ich einen Christus oder einen Kochtopf repräsentiere , da mich die Form und nicht das Objekt selbst interessiert." Er war nicht nur ein Befürworter des Formalismus , sondern argumentierte, dass der Wert der Kunst in ihrer Fähigkeit liegt, beim Betrachter ein unverwechselbares ästhetisches Erlebnis zu erzeugen. eine Erfahrung, die er "ästhetische Emotion" nannte. Er definierte es als jenes Erlebnis, das durch signifikante Form erweckt wird. Er schlug auch vor, dass der Grund, warum wir als Reaktion auf die bedeutende Form eines Kunstwerks ästhetische Emotionen erleben, darin besteht, dass wir diese Form als Ausdruck einer Erfahrung des Künstlers wahrnehmen. Die Erfahrung des Künstlers wiederum sei die Erfahrung, gewöhnliche Objekte in der Welt als reine Form zu sehen: die Erfahrung, die man macht, wenn man etwas nicht als Mittel zu etwas anderem sieht, sondern als Selbstzweck.

Herbert Read war ein Verfechter moderner britischer Künstler wie Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore und Barbara Hepworth und wurde mit Nashs zeitgenössischer Kunstgruppe Unit One in Verbindung gebracht. Er konzentrierte sich auf die Moderne von Pablo Picasso und Georges Braque und veröffentlichte 1929 einen einflussreichen Essay über die Bedeutung von Kunst in The Listener . Er gab auch das richtungsweisende Burlington Magazine (1933–38) heraus und half 1936 bei der Organisation der London International Surrealist Exhibition .

Seit 1945

Wie bei Baudelaire im 19. Jahrhundert trat das Phänomen des Dichters als Kritiker im 20. Jahrhundert erneut auf, als der französische Dichter Apollinaire zum Vorkämpfer des Kubismus wurde. Später schrieb der französische Schriftsteller und Held des Widerstands André Malraux ausführlich über die Kunst und ging weit über die Grenzen seiner Heimat Europa hinaus. Seine Überzeugung, dass der mexikanische Muralismus ( Orozco , Rivera und Siqueiros ) die Vorhut Lateinamerikas bildete , änderte sich nach seiner Reise nach Buenos Aires 1958. Nach dem Besuch der Ateliers mehrerer argentinischer Künstler in Begleitung des jungen Direktors des Museum of Modern Art von Buenos Aires Rafael Squirru erklärte Malraux die neue Avantgarde der neuen künstlerischen Bewegungen Argentiniens . Squirru, ein Dichter-Kritiker, der in den 1960er Jahren Kulturdirektor der OAS in Washington, DC , wurde, war der letzte, der Edward Hopper vor seinem Tod interviewte , was zu einer Wiederbelebung des Interesses an dem amerikanischen Künstler beitrug.

In den 1940er Jahren gab es nicht nur wenige Galerien ( The Art of This Century ), sondern auch wenige Kritiker, die bereit waren, dem Werk der New Yorker Vanguard zu folgen . Es gab auch einige Künstler mit literarischem Hintergrund, darunter Robert Motherwell und Barnett Newman, die ebenfalls als Kritiker fungierten.

Obwohl New York und die Welt mit der New Yorker Avantgarde nicht vertraut waren , hatten in den späten 1940er Jahren die meisten der heute bekannten Künstler ihre etablierten Gönnerkritiker. Clement Greenberg befürwortete Jackson Pollock und die Farbfeldmaler wie Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman, Adolph Gottlieb und Hans Hofmann . Harold Rosenberg schien die Aktionsmaler wie Willem de Kooning und Franz Kline zu bevorzugen . Thomas B. Hess , Chefredakteur von ARTnews , setzte sich für Willem de Kooning ein .

Die neuen Kritiker hoben ihre Schützlinge hervor, indem sie andere Künstler als "Anhänger" bezeichneten oder diejenigen ignorierten, die ihrem Werbeziel nicht dienten. So wurde beispielsweise Mark Tobey 1958 "der erste amerikanische Maler seit Whistler (1895), der den Hauptpreis auf der Biennale von Venedig gewann. Die beiden führenden Kunstmagazine New Yorks waren nicht interessiert. Arts erwähnte das historische Ereignis nur in einer Nachrichtenkolumne". und Art News (Geschäftsführender Redakteur: Thomas B. Hess) ignorierten es vollständig. Die New York Times und Life druckten Feature-Artikel".

Barnett Newman , ein verstorbenes Mitglied der Uptown Group, schrieb Katalogvorworte und Rezensionen und wurde in den späten 1940er Jahren ein ausstellender Künstler in der Betty Parsons Gallery. Seine erste Einzelausstellung fand 1948 statt. Bald nach seiner ersten Ausstellung bemerkte Barnett Newman in einer der Artists' Sessions im Studio 35: "Wir sind dabei, die Welt gewissermaßen nach unserem eigenen Bild zu gestalten". Mit seinen schriftstellerischen Fähigkeiten kämpfte Newman bei jedem Schritt, um sein neu etabliertes Image als Künstler zu stärken und seine Arbeit zu fördern. Ein Beispiel ist sein Brief an Sidney Janis vom 9. April 1955:

Es stimmt, dass Rothko mit dem Kämpfer redet. Er kämpft jedoch dafür, sich der spießbürgerlichen Welt zu unterwerfen. Mein Kampf gegen die bürgerliche Gesellschaft hat zu ihrer völligen Ablehnung geführt.

Die Person, von der angenommen wurde, dass sie am meisten mit der Förderung dieses Stils zu tun hatte, war ein New Yorker Trotzkist , Clement Greenberg . Als langjähriger Kunstkritiker für die Partisan Review und The Nation wurde er ein früher und gebildeter Verfechter des Abstrakten Expressionismus. Der gut betuchte Künstler Robert Motherwell schloss sich Greenberg an, um einen Stil zu fördern, der dem politischen Klima und der intellektuellen Rebellion der Zeit entsprach.

Clement Greenberg proklamierte den Abstrakten Expressionismus und insbesondere Jackson Pollock als Inbegriff des ästhetischen Wertes. Greenberg unterstützte Pollocks Werk aus formalistischen Gründen einfach als bestes Gemälde seiner Zeit und als Höhepunkt einer über den Kubismus und Cézanne bis Monet zurückreichenden Kunsttradition , in der die Malerei immer "reiner" und konzentrierter auf das "Wesentliche" für sie wurde , das Anbringen von Markierungen auf einer ebenen Fläche.

Die Arbeit von Jackson Pollock hat Kritiker schon immer polarisiert. Harold Rosenberg sprach bei Pollock von der Verwandlung der Malerei in ein existenzielles Drama, in dem „das, was auf die Leinwand gehen sollte, kein Bild, sondern ein Ereignis war“. „Der große Moment kam, als beschlossen wurde, ‚nur um zu malen‘ zu malen. Die Geste auf der Leinwand war eine Geste der Befreiung vom Wert – politisch, ästhetisch, moralisch.“

Einer der schärfsten Kritiker des Abstrakten Expressionismus zu der Zeit war New York Times Kunstkritiker John Canaday . Meyer Schapiro und Leo Steinberg waren auch bedeutende Kunsthistoriker der Nachkriegszeit, die sich für den Abstrakten Expressionismus einsetzten. Anfang bis Mitte der sechziger Jahre lieferten die jüngeren Kunstkritiker Michael Fried , Rosalind Krauss und Robert Hughes bedeutende Einblicke in die kritische Dialektik, die um den Abstrakten Expressionismus immer weiter wächst.

Feministische Kunstkritik

Die feministische Kunstkritik entstand in den 1970er Jahren aus der breiteren feministischen Bewegung als kritische Auseinandersetzung sowohl mit visuellen Darstellungen von Frauen in der Kunst als auch mit von Frauen produzierter Kunst . Es ist nach wie vor ein wichtiges Feld der Kunstkritik.

Heute

Kunstkritiker arbeiten heute nicht nur in Printmedien und in Fachzeitschriften sowie Zeitungen. Kunstkritiker treten auch im Internet, Fernsehen und Radio sowie in Museen und Galerien auf. Viele sind auch an Universitäten oder als Kunstvermittler für Museen angestellt. Kunstkritiker kuratieren Ausstellungen und werden häufig damit beschäftigt, Ausstellungskataloge zu schreiben. Kunstkritiker haben eine eigene Organisation, eine Nichtregierungsorganisation der UNESCO , die International Association of Art Critics, die rund 76 nationale Sektionen und eine politische blockfreie Sektion für Flüchtlinge und Exilanten hat.

Kunstblogs

Seit dem frühen 21. Jahrhundert sind kunstkritische Online-Websites und Kunstblogs auf der ganzen Welt aufgetaucht, um der Kunstwelt ihre Stimme zu geben. Viele dieser Autoren nutzen Social-Media- Ressourcen wie Facebook, Twitter, Tumblr und Google+ , um den Lesern ihre Meinung zur Kunstkritik vorzustellen.

Siehe auch

Verweise

Externe Links