Atonalität - Atonality

Schluss von Schönbergs „ George Lieder “ op. 15/1 stellt einen "außerordentlichen" Akkord in der tonalen Musik dar, ohne die harmonisch-kontrapunktischen Beschränkungen der tonalen Musik.

Atonalität im weitesten Sinne ist Musik, der ein tonales Zentrum oder Tonart fehlt . Atonalität in diesem Sinne beschreibt normalerweise Kompositionen, die von etwa 1908 bis heute geschrieben wurden, bei denen keine Hierarchie von Tonhöhen verwendet wird, die sich auf einen einzigen, zentralen Ton konzentriert , und die Noten der chromatischen Tonleiter unabhängig voneinander funktionieren. Im engeren Sinne beschreibt der Begriff Atonalität Musik, die nicht dem System tonaler Hierarchien entspricht, das die klassische europäische Musik zwischen dem 17. und 19. Jahrhundert prägte. "Das Repertoire der atonalen Musik ist gekennzeichnet durch das Auftreten von Tonhöhen in neuartigen Kombinationen, sowie durch das Auftreten bekannter Tonhöhenkombinationen in unbekannten Umgebungen".

Der Begriff wird auch gelegentlich verwendet , um Musik zu beschreiben , die weder tonal noch ist seriell , vor allem die Vor- Zwölftonmusik Musik der Zweiten Wiener Schule , vor allem Alban Berg , Arnold Schönberg und Anton Webern . „Als kategorisches Etikett bedeutet ‚atonale‘ jedoch im Allgemeinen nur, dass das Stück in der westlichen Tradition steht und nicht ‚tonal “, obwohl es längere Perioden gibt, z. B. Mittelalter, Renaissance und moderne modale Musik, auf die diese Definition gilt nicht. „Der Serialismus entstand zum Teil als Mittel, um die Beziehungen, die in der vorseriellen ‚freien atonalen‘ Musik verwendet werden, kohärenter zu organisieren.

Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wie Alexander Skrjabin , Claude Debussy , Béla Bartók , Paul Hindemith , Sergei Prokofjew , Igor Strawinsky und Edgard Varèse haben Musik geschrieben, die ganz oder teilweise als atonal beschrieben wurde.

Geschichte

Während der Musik ohne tonales Zentrum vorher geschrieben hatte, zum Beispiel Franz Liszt ‚s Bagatelle sans tonalité 1885 ist es mit dem zwanzigsten Jahrhundert des Kommen , dass der Begriff Atonalität in Stücken angewandt werden begann, vor allem denjenigen , geschrieben von Arnold Schönberg und Die Zweite Wiener Schule. Der Begriff „Atonalität“ wurde 1907 von Joseph Marx in einer wissenschaftlichen Studie zur Tonalität geprägt, die später zu seiner Doktorarbeit ausgebaut wurde.

Ihre Musik entstand aus dem, was als "Krise der Tonalität" zwischen dem späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhundert in der klassischen Musik beschrieben wurde . Diese Situation war im Laufe des 19. Jahrhunderts durch die zunehmende Verwendung von

zweideutige Akkorde , unwahrscheinliche harmonische Beugungen und ungewöhnlichere melodische und rhythmische Beugungen, als dies innerhalb der Stile der tonalen Musik möglich war. Die Grenze zwischen Außergewöhnlichem und Normalem verwischte sich immer mehr. Infolgedessen kam es zu einer "gleichzeitigen Lockerung" der synthetischen Bindungen, durch die Töne und Harmonien aufeinander bezogen worden waren. Die Verbindungen zwischen den Harmonien waren selbst auf der niedrigsten Akkord-zu-Akkord-Ebene unsicher. Auf höheren Ebenen wurden weitreichende harmonische Beziehungen und Implikationen so schwach, dass sie kaum noch funktionierten. Die gefühlten Wahrscheinlichkeiten des Stilsystems waren bestenfalls in Vergessenheit geraten. Schlimmstenfalls näherten sie sich einer Gleichförmigkeit, die nur wenige Anhaltspunkte für die Komposition oder das Hören bot.

Die erste Phase, bekannt als "freie Atonalität" oder "freie Chromatik", beinhaltete den bewussten Versuch, traditionelle diatonische Harmonien zu vermeiden. Zu den Werken dieser Zeit zählen die Oper Wozzeck (1917–1922) von Alban Berg und Pierrot lunaire (1912) von Schönberg.

Die zweite Phase, die nach dem Ersten Weltkrieg begann , wurde durch Versuche veranschaulicht, ein systematisches Kompositionsmittel ohne Tonalität zu schaffen, am bekanntesten die Methode des Komponierens mit 12 Tönen oder die Zwölftontechnik. Zu dieser Zeit gehörten Bergs Lulu und Lyrische Suite , Schönbergs Klavierkonzert , sein Oratorium Die Jakobsleiter und zahlreiche kleinere Stücke sowie seine letzten beiden Streichquartette. Schönberg war der wichtigste Erneuerer des Systems. Sein Schüler Anton Webern wird jedoch anekdotisch behauptet, er habe damit begonnen, Dynamik und Klangfarbe mit der Primärreihe zu verknüpfen, wodurch Reihen nicht nur aus Tonhöhen, sondern auch aus anderen Aspekten der Musik entstanden. Die tatsächliche Analyse von Weberns Zwölftonwerken hat die Richtigkeit dieser Behauptung jedoch bisher nicht bewiesen. Ein Analytiker schloss nach einer minutiösen Untersuchung der Klaviervariationen op. 27, das

während die Textur dieser Musik oberflächlich der einiger serieller Musik ähneln mag, ist ihre Struktur dies nicht. Keines der Muster innerhalb separaten nonpitch Eigenschaften macht hörbare (oder sogar numerisch) Sinn in sich . Der Punkt ist, dass diese Merkmale immer noch ihre traditionelle Rolle der Differenzierung spielen.

Die Zwölftontechnik in Kombination mit der Parametrisierung (getrennte Organisation von vier Aspekten der Musik : Tonhöhe, Attack-Charakter, Intensität und Dauer) von Olivier Messiaen würde als Inspiration für den Serialismus dienen.

Atonalität entstand als abwertender Begriff, um Musik zu verurteilen, in der Akkorde scheinbar ohne offensichtliche Kohärenz organisiert waren. Im nationalsozialistischen Deutschland wurde atonale Musik als „ bolschewistisch “ angegriffen und als entartet ( Entartete Musik ) abgestempelt, zusammen mit anderer Musik, die von Feinden des Nazi-Regimes produziert wurde. Viele Komponisten ließen ihre Werke vom Regime verbieten, die erst nach seinem Zusammenbruch am Ende des Zweiten Weltkriegs gespielt werden durften .

Igor Strawinsky nutzte nach Schönbergs Tod die Zwölftontechnik, die Iannis Xenakis aus mathematischen Formeln Tonhöhen erzeugte, und sah auch die Erweiterung der klanglichen Möglichkeiten als Teil einer Synthese zwischen dem hierarchischen Prinzip und der Zahlenlehre, die seither die Musik beherrscht zumindest zur Zeit des Parmenides .

Kostenlose Atonalität

Die Zwölf-Ton - Technik wurde von Schönberg frei atonal Stücke von 1908 bis 1923 voraus, die zwar frei, die oft als „integratives Element ... eine Minute intervallische haben Zelle “ , dass zusätzlich zur Expansion mit einem Ton Reihe umgewandelt werden kann , und in denen einzelne Notizen "als zentrale Elemente fungieren können, um überlappende Aussagen einer Basiszelle oder die Verknüpfung von zwei oder mehr Basiszellen zu ermöglichen".

Der Zwölftontechnik ging auch eine nichtdodekaphonische Reihenkomposition voraus, die unabhängig in den Werken von Alexander Skrjabin, Igor Strawinsky, Béla Bartók , Carl Ruggles und anderen verwendet wurde. "Im Wesentlichen haben Schönberg und Hauer ein allgegenwärtiges technisches Merkmal der 'modernen' Musikpraxis, das Ostinato, systematisiert und für ihre eigenen dodekaphonischen Zwecke definiert ."

Komponieren von atonaler Musik

Der Versuch, atonale Musik zu komponieren, mag aufgrund der Unbestimmtheit und Allgemeingültigkeit des Begriffs kompliziert erscheinen. Darüber hinaus erklärt George Perle , dass "die 'freie' Atonalität, die der Dodekaphonie vorausging, per Definition die Möglichkeit in sich konsistenter, allgemein anwendbarer kompositorischer Verfahren ausschließt". Er liefert jedoch ein Beispiel für die Komposition atonaler Stücke, ein Stück in der Vor-Zwölf-Ton-Technik von Anton Webern, das rigoros alles vermeidet, was Tonalität suggeriert, um Tonhöhen zu wählen, die keine Tonalität implizieren. Mit anderen Worten, kehren Sie die Regeln der Common-Practice-Phase um, so dass das, was nicht erlaubt war, erforderlich ist und das, was erforderlich war, nicht erlaubt ist. Dies ist, was Charles Seeger in seiner Erklärung des dissonanten Kontrapunkts getan hat , was eine Art und Weise ist, atonalen Kontrapunkt zu schreiben.

Eröffnung von Schönbergs Klavierstück op. 11, Nr. 1 , beispielhaft für seine vier Verfahren, wie sie von Kostka & Payne 1995 aufgeführt sind

Kostka und Payne führen vier in der atonalen Musik Schönbergs geltende Verfahren auf, die alle als negative Regeln aufgefasst werden können. Vermeidung melodischer oder harmonischer Oktaven, Vermeidung traditioneller Tonhöhensammlungen wie Dur- oder Moll-Dreiklang, Vermeidung von mehr als drei aufeinander folgenden Tonhöhen derselben diatonischen Tonleiter und Verwendung disjunkter Melodien (Vermeidung konjunkter Melodien).

Darüber hinaus stimmt Perle mit Oster und Katz darin überein, dass "die Aufgabe des Konzepts eines Grundtongenerators des einzelnen Akkords eine radikale Entwicklung ist, die jeden Versuch einer systematischen Formulierung von Akkordstruktur und -fortschritt in der atonalen Musik im Sinne von traditionelle harmonische Theorie". Atonale Kompositionstechniken und -ergebnisse "sind nicht auf eine Reihe grundlegender Annahmen reduzierbar, anhand derer die Kompositionen, die kollektiv mit dem Ausdruck 'atonale Musik' bezeichnet werden, als 'ein Kompositionssystem' bezeichnet werden können". Akkorde mit gleichen Intervallen haben oft einen unbestimmten Grundton, Akkorde mit gemischten Intervallen werden oft am besten durch ihren Intervallgehalt charakterisiert, während sich beide für atonale Kontexte eignen.

Perle weist auch darauf hin, dass strukturelle Kohärenz am häufigsten durch Operationen an Intervallzellen erreicht wird. Eine Zelle "kann als eine Art mikrokosmischer Satz mit festem Intervallinhalt fungieren, der entweder als Akkord oder als melodische Figur oder als Kombination aus beiden angegeben werden kann. Ihre Komponenten können in Bezug auf die Reihenfolge festgelegt sein, in welchem ​​Fall sie verwendet werden kann." , wie der Zwölftonsatz, in seinen wörtlichen Transformationen. … Einzelne Töne können als zentrale Elemente fungieren, um überlappende Aussagen einer Grundzelle oder die Verknüpfung von zwei oder mehr Grundzellen zu ermöglichen“.

In Bezug auf die posttonale Musik von Perle schrieb ein Theoretiker: "Während ... Montagen von diskret erscheinenden Elementen dazu neigen, andere globale Rhythmen als die tonalen Progressionen und deren Rhythmen zu akkumulieren, gibt es eine Ähnlichkeit zwischen den beiden Arten von räumlicher Akkumulation." und zeitliche Beziehungen: eine Ähnlichkeit, die aus verallgemeinerten, gewölbten Tonzentren besteht, die durch gemeinsame Hintergrundreferenzmaterialien miteinander verbunden sind".

Ein anderer Ansatz für Kompositionstechniken für atonale Musik wird von Allen Forte gegeben, der die Theorie der atonalen Musik entwickelt hat. Forte beschreibt zwei Hauptoperationen: Transposition und Inversion . Die Transposition kann als Drehung von t entweder im oder gegen den Uhrzeigersinn auf einem Kreis angesehen werden, wobei jede Note des Akkords gleich gedreht wird. Wenn beispielsweise t = 2 und der Akkord [0 3 6] ist, ist die Transposition (im Uhrzeigersinn) [2 5 8]. Die Inversion kann als Symmetrie bezüglich der von 0 und 6 gebildeten Achse angesehen werden. Wenn wir mit unserem Beispiel fortfahren, wird [0 3 6] zu [0 9 6].

Ein wichtiges Merkmal sind die Invarianten, also die Noten, die nach einer Transformation identisch bleiben. Kein Unterschied zwischen der Oktave gemacht wird , in dem der Ton , so dass zum Beispiel gespielt wird, wird alle C s äquivalent ist, Materie nicht die Oktave , in dem sie tatsächlich auftreten. Aus diesem Grund wird die 12-Noten-Tonleiter durch einen Kreis dargestellt. Dies führt uns zur Definition der Ähnlichkeit zwischen zwei Akkorden, die die Untermengen und den Intervallinhalt jedes Akkords berücksichtigt.

Rezeption

Kontroverse um den Begriff selbst

Der Begriff "Atonalität" selbst ist umstritten. Arnold Schönberg , dessen Musik allgemein verwendet wird, um den Begriff zu definieren, war vehement dagegen und argumentierte, dass "das Wort 'atonal' nur etwas bedeuten könnte, das mit der Natur des Tons völlig unvereinbar ist ... so weit hergeholt, wie es wäre, ein Verhältnis von Farben aspektral oder komplementär zu bezeichnen. Es gibt keinen solchen Gegensatz".

Auch der Komponist und Theoretiker Milton Babbitt verunglimpfte den Begriff und sagte: "Die folgenden Werke, von denen viele inzwischen bekannt sind, umfassen die Fünf Stücke für Orchester , Erwartung , Pierrot Lunaire , und sie und einige, die bald folgen sollten, wurden als 'atonal' bezeichnet. von Ich weiß nicht von wem, und ich ziehe es vor, es nicht zu wissen, denn der Begriff macht in keiner Weise Sinn Bei aller Großzügigkeit mag „Atonal“ als mild analytisch abgeleiteter Begriff gedacht gewesen sein, um „atonisch“ zu suggerieren oder „a-triadische Tonalität“ zu bedeuten, aber trotzdem gab es unendlich viele Dinge in der Musik war nicht".

"Atonal" entwickelte eine gewisse Bedeutungsunschärfe durch seine Verwendung zur Beschreibung unterschiedlichster kompositorischer Ansätze, die von traditionellen Akkorden und Akkordfolgen abweichen . Versuche, diese Probleme durch die Verwendung von Begriffen wie "pantonal", "nichttonal", "multitonal", "freitonal" und "ohne tonalen Mittelpunkt" anstelle von "atonalen" zu lösen, haben keine breite Akzeptanz gefunden.

Kritik am Konzept der Atonalität

Der Komponist Anton Webern meinte, dass "neue Gesetze sich durchsetzten, die es unmöglich machten, ein Stück in der einen oder anderen Tonart zu bezeichnen". Der Komponist Walter Piston hingegen sagte aus langer Gewohnheit, dass die Interpreten, wann immer sie „eine kleine Phrase spielen, sie in einer Tonart hören werden – es mag nicht die richtige sein, aber der Punkt ist, dass sie sie mit einer Tonart spielen ... [D]je mehr ich fühle, dass ich Schönbergs Musik kenne, desto mehr glaube ich, dass er selbst so dachte ... Und es sind nicht nur die Spieler, sondern auch die Hörer. Sie werden die Tonalität in allem hören "..

Auch Donald Jay Grout bezweifelte, ob Atonalität wirklich möglich sei, denn "jede Kombination von Klängen kann auf eine Grundwurzel zurückgeführt werden". Er definierte sie als eine grundsätzlich subjektive Kategorie: „Atonale Musik ist Musik, in der der Wortgebraucher die tonalen Zentren nicht hören kann“.

Eine Schwierigkeit besteht darin, dass selbst ein ansonsten "atonales" Werk, die Tonalität "durch Behauptung", normalerweise auf thematischer oder linearer Ebene zu hören ist. Das heißt, Zentrizität kann durch die Wiederholung einer zentralen Tonhöhe oder durch Betonung durch Instrumentierung, Register, rhythmische Elongation oder metrischen Akzent hergestellt werden.

Kritik an atonaler Musik

Der Schweizer Dirigent, Komponist und Musikphilosoph Ernest Ansermet , ein Kritiker der atonalen Musik, schrieb ausführlich darüber in dem Buch Les fondements de la musique dans la conscience humaine (Die Grundlagen der Musik im menschlichen Bewusstsein), in dem er argumentierte, dass das klassische Musical die sprache war mit ihren klaren, harmonischen strukturen Voraussetzung für den musikalischen ausdruck. Ansermet argumentierte, dass ein Tonsystem nur dann zu einer einheitlichen Wahrnehmung von Musik führen kann, wenn es aus nur einem einzigen Intervall abgeleitet wird. Für Ansermet ist dieses Intervall die Quinte.

Siehe auch

Verweise

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Externe Links