B-Film - B movie

Der "König der Bs", Roger Corman , produzierte und inszenierte The Raven (1963) für American International Pictures . Vincent Price führt zusammen mit einem jungen Jack Nicholson eine Reihe erfahrener Charakterdarsteller an .

Ein B - Film oder B - Film ist ein Low-Budget - kommerzieller Film . In seiner ursprünglichen Verwendung, während des Goldenen Zeitalters von Hollywood , bezeichnete der Begriff Filme, die für den Vertrieb bestimmt waren, genauer als die weniger verbreitete untere Hälfte eines Doppelspielfilms (ähnlich den B-Seiten für aufgezeichnete Musik). Die US-Produktion von Filmen, die als Zweitspielfilm gedacht waren, wurde jedoch Ende der 1950er Jahre weitgehend eingestellt. Mit dem Aufkommen des kommerziellen Fernsehens zu dieser Zeit wurden die Filmproduktionsabteilungen des Filmstudios B in Fernsehfilmproduktionsabteilungen umgewandelt, die viele der gleichen Inhalte in Low-Budget-Filmen und -Serien produzierten. Der Begriff B-Movie wird bis heute im weiteren Sinne verwendet. In ihrer Verwendung nach dem Goldenen Zeitalter gibt es auf beiden Seiten der Definition Ambiguität: Einerseits ist das Hauptinteresse vieler billiger Verwertungsfilme lüstern; andererseits zeigen viele B-Movies ein hohes Maß an handwerklichem und ästhetischem Einfallsreichtum.

In beiden Fällen repräsentieren die meisten B-Filme ein bestimmtes Genre – der Western war ein Grundnahrungsmittel für B-Filme des Goldenen Zeitalters, während Science-Fiction- und Horrorfilme mit niedrigem Budget in den 1950er Jahren populärer wurden. Frühe B-Movies waren oft Teil von Serien, in denen der Star immer wieder dieselbe Figur spielte. Fast immer kürzer als die am meisten abgerechneten Spielfilme, hatten viele eine Laufzeit von 70 Minuten oder weniger. Der Begriff konnotierte eine allgemeine Wahrnehmung, dass B-Movies den üppiger budgetierten Headlinern unterlegen waren; einzelne B-Filme wurden von Kritikern oft ignoriert.

B-Filme der letzten Tage inspirieren manchmal immer noch zu mehreren Fortsetzungen , aber Serien sind weniger verbreitet. Mit der durchschnittlichen Laufzeit von Spitzenfilmen stieg auch die von B-Bildern. In seiner gegenwärtigen Verwendung hat der Begriff etwas widersprüchliche Konnotationen: Er kann die Meinung signalisieren, dass ein bestimmter Film (a) ein Genrefilm mit minimalen künstlerischen Ambitionen ist oder (b) ein lebendiger, energischer Film, der sich nicht von den Zwängen teurer Projekte abhalten lässt und unbelastet von den Konventionen des vermeintlich "ernsten" Independent-Films . Der Begriff wird jetzt auch lose verwendet, um sich auf einige Mainstream-Filme mit höherem Budget und Inhalten im Exploitation-Stil zu beziehen, normalerweise in Genres, die traditionell mit dem B-Movie verbunden sind.

Von ihren Anfängen bis heute bieten B-Movies Möglichkeiten sowohl für Berufseinsteiger als auch für andere, deren Karriere nachlässt. Berühmte Filmemacher wie Anthony Mann und Jonathan Demme haben ihr Handwerk in B-Movies gelernt. Hier haben sich Schauspieler wie John Wayne und Jack Nicholson zum ersten Mal etabliert, und sie haben ehemaligen A-Film-Schauspielern wie Vincent Price und Karen Black Arbeit gegeben . Einige Schauspieler wie Bela Lugosi , Eddie Constantine , Bruce Campbell und Pam Grier haben die meiste Zeit ihrer Karriere in B-Movies gearbeitet. Der Begriff B-Schauspieler wird manchmal verwendet, um sich auf einen Darsteller zu beziehen, der hauptsächlich oder ausschließlich in B-Bildern Arbeit findet.

Geschichte

Columbia ‚s That Certain Thing (1928) wurde für weniger als $ 20.000 (ca. $ 297.791 heute) gemacht. Bald half die Verbindung von Regisseur Frank Capra mit Columbia, das Studio in die großen Ligen Hollywoods zu katapultieren.

In den Jahren 1927/28, am Ende der Stummfilmzeit , lagen die Produktionskosten eines durchschnittlichen Spielfilms eines großen Hollywood-Studios zwischen 190.000 US-Dollar bei Fox und 275.000 US-Dollar bei Metro-Goldwyn-Mayer . Dieser Durchschnitt spiegelte sowohl „Specials“ wider, die bis zu 1 Million US-Dollar kosten könnten, als auch Filme, die schnell für etwa 50.000 US-Dollar gedreht wurden. Diese billigeren Filme (noch nicht als B-Movies bezeichnet ) ermöglichten es den Studios, zwischen den wichtigeren Produktionen eines Studios den maximalen Nutzen aus den Einrichtungen und dem Vertragspersonal zu ziehen und gleichzeitig neues Personal einzustellen.

Studios in den unteren Ligen der Branche wie Columbia Pictures und Film Booking Offices of America (FBO) konzentrierten sich auf genau solche Billigproduktionen. Ihre Filme mit relativ kurzen Laufzeiten zielten auf Kinos ab, die Miet- und Betriebskosten einsparen mussten, insbesondere Kleinstädte und urbane Nachbarschaftslokale oder "Nabes". Sogar kleinere Produktionshäuser, bekannt als Poverty Row Studios, machten Filme, deren Kosten bis zu 3.000 US-Dollar betragen konnten, und suchten einen Gewinn durch alle Buchungen, die sie in den Lücken der größeren Konzerne auffangen konnten.

Mit der zunehmenden Verbreitung der Ankunft des Tonfilms in der amerikanischen Kinos im Jahr 1929 begannen viele unabhängigen Aussteller das damals vorherrschende Präsentationsmodell fallen, die Live - Acts und ein breites Spektrum an beteiligt Shorts vor einer einzigen funktionsfähigen Folie. Es entwickelte sich ein neues Programmschema, das bald zum Standard wurde: eine Wochenschau , eine Kurz- und/oder Serie und ein Cartoon , gefolgt von einem Doppelspiel. Das zweite Feature, das tatsächlich vor der Hauptveranstaltung gezeigt wurde, kostete den Aussteller pro Minute weniger als die entsprechende Laufzeit in Shorts.

Die "Freigabe"-Regeln der Majors zugunsten ihrer angeschlossenen Theater verhinderten den rechtzeitigen Zugang der Unabhängigen zu hochwertigen Filmen; die zweite Funktion ermöglichte es ihnen, stattdessen die Menge zu fördern. Der zusätzliche Film gab dem Programm auch "Ausgewogenheit" - die Praxis, verschiedene Arten von Funktionen zu kombinieren, suggerierte potenziellen Kunden, dass sie sich auf etwas Interessantes verlassen konnten, egal was konkret auf der Rechnung stand. Das Low-Budget-Bild der 1920er Jahre entwickelte sich damit zum zweiten Spielfilm, dem B-Movie, des Goldenen Zeitalters Hollywoods.

Goldenes Zeitalter von Hollywood

1930er Jahre

Die großen Studios , anfangs resistent gegen das Double Feature, passten bald alle etablierten B-Units an, um Filme für den expandierenden Second-Feature-Markt anzubieten. Blockbuchungen wurden zum Standard: Um Zugang zu den attraktiven A-Bildern eines Studios zu bekommen, mussten viele Theater die gesamte Produktion des Ensembles für eine Spielzeit mieten. Mit den B-Filmen, die zu einer Pauschalgebühr ausgeliehen werden (anstelle der prozentualen Basis der Kinokassen von A-Filmen), könnten Tarife festgelegt werden, die die Rentabilität jedes B-Films praktisch garantieren. Die parallele Praxis des blinden Bietens befreite die Majors weitgehend davon, sich um die Qualität ihrer Bs zu sorgen – selbst wenn sie in weniger als saisonalen Blöcken buchten, mussten die Aussteller die meisten Bilder unsichtbar kaufen. Die fünf größten Studios – Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , Fox Film Corporation ( 20th Century Fox ab 1935), Warner Bros. und RKO Radio Pictures (Nachfahre von FBO) – gehörten ebenfalls zu Unternehmen mit großen Theaterketten das Endergebnis sichern.

Poverty Row-Studios, von bescheidenen Outfits wie Mascot Pictures , Tiffany Pictures und Sono Art-World Wide Pictures bis hin zu kleinen Operationen, produzierten ausschließlich B-Movies, Serien und andere Kurzfilme und vertrieben auch völlig unabhängige Produktionen und importierte Filme. Da sie nicht in der Lage waren, Bücher direkt zu blockieren, verkauften sie meistens regionale Vertriebsexklusivität an " staatliche Rechte "-Firmen, die ihrerseits Filmblöcke an Aussteller verkauften, typischerweise sechs oder mehr Bilder mit demselben Star (ein relativer Status in der Poverty Row). Zwei "Major-Minor" - Universal Studios und aufstrebende Columbia Pictures - hatten Produktionslinien, die den Top-Studios der Poverty Row ungefähr ähnlich waren, wenn auch etwas besser ausgestattet. Im Gegensatz zu den Big Five-Majors hatten Universal und Columbia nur wenige oder keine Kinos, obwohl sie über erstklassige Filmverleihbörsen verfügten .

Im Standardmodell des Goldenen Zeitalters wurde das Spitzenprodukt der Branche, die A-Filme, in einer kleinen Anzahl ausgewählter Erstaufführungshäuser in Großstädten uraufgeführt. Doppelte Features waren an diesen prestigeträchtigen Veranstaltungsorten nicht die Regel. Wie von Edward Jay Epstein beschrieben : "Während dieser ersten Läufe erhielten Filme ihre Kritiken, erregten Öffentlichkeit und erzeugten die Mundpropaganda, die als Hauptwerbeform diente." Dann ging es auf den Folgemarkt, wo sich das Double Feature durchsetzte. An den größeren lokalen Veranstaltungsorten, die von den Majors kontrolliert werden, können Filme wöchentlich erscheinen. In den Tausenden von kleineren, unabhängigen Theatern wechselten die Programme oft zwei- bis dreimal pro Woche. Um der ständigen Nachfrage nach neuen B-Produkten gerecht zu werden, produzierte das untere Ende von Poverty Row einen Strom von Mikrobudget-Filmen, die selten viel länger als sechzig Minuten waren; diese waren als "Quickies" für ihre engen Produktionspläne bekannt - nur vier Tage.

Brian Taves beschreibt: "Viele der ärmsten Theater, wie die 'Grindhouses' in den größeren Städten, zeigten ein kontinuierliches Programm, das die Action ohne bestimmten Zeitplan betonte, und boten manchmal sechs Quickies für einen Nickel in einer nächtlichen Show, die sich änderte Täglich." Viele kleine Kinos sahen nie einen großen Studio-A-Film, der ihre Filme von den US-amerikanischen Rechtsanwälten bezog, die fast ausschließlich Poverty Row-Produkte behandelten. Millionen von Amerikanern gingen wie selbstverständlich in ihre lokalen Kinos: für ein A-Bild, zusammen mit den Trailern oder Bildschirmvorschauen, die seine Ankunft ankündigten, "[d]er neuer Filmtitel auf dem Festzelt und die Auflistungen dafür in die Lokalzeitung machte die meiste Werbung für die meisten Filme aus", schreibt Epstein. Außer im Theater selbst werden B-Filme möglicherweise überhaupt nicht beworben.

Die Einführung von Ton hatte die Kosten in die Höhe getrieben: 1930 kostete die Produktion eines US-amerikanischen Spielfilms durchschnittlich 375.000 US-Dollar. Ein breites Spektrum an Spielfilmen belegte die Kategorie B. Die führenden Studios machten nicht nur klare A- und B-Filme, sondern auch Filme, die als "Programmierer" (auch "In-Betweeners" oder "Intermediates" genannt) zu klassifizieren sind. Wie Taves beschreibt: "Je nach dem Prestige des Theaters und dem anderen Material auf der Doppelrechnung könnte ein Programmierer oben oder unten im Zelt auftauchen."

In Poverty Row wurden viele Bs mit Budgets gemacht, die kaum das Porto für den A-Film eines Majors gedeckt hätten, wobei die Kosten im unteren Bereich der Branche nur 5.000 US-Dollar betrugen. Mitte der 1930er Jahre war das Double Feature das dominierende US-Ausstellungsmodell, und die Majors reagierten. 1935 wurde die B-Movie-Produktion bei Warner Bros. von 12 auf 50 % der Studioproduktion erhöht. Die Einheit wurde von Bryan Foy geleitet , der als "Keeper of the Bs" bekannt ist. Bei Fox, das ebenfalls die Hälfte seiner Produktionslinie in das B-Gebiet verlagerte, war Sol M. Wurtzel Ende der 1930er Jahre in ähnlicher Weise für mehr als zwanzig Filme pro Jahr verantwortlich.

Stony Brooke ( Wayne ), Tucson Smith ( Corrigan ) und Lullaby Joslin ( Terhune ) bekamen nicht viel Zeit im Gurtzeug. Republic Pictures ' Pals of the Saddle (1938) dauert nur 55 Minuten, durchschnittlich für ein Three Mesquiteers- Abenteuer.

Eine Reihe der führenden Poverty Row-Firmen schlossen sich zusammen: Sono Art schloss sich Anfang des Jahrzehnts einem anderen Unternehmen an, um Monogram Pictures zu erstellen . 1935 schlossen sich Monogram, Mascot und mehrere kleinere Studios zusammen, um Republic Pictures zu gründen . Die ehemaligen Chefs von Monogram verkauften bald ihre Republic-Anteile und gründeten ein neues Monogram-Produktionshaus. In den 1950er Jahren waren die meisten Produkte von Republic und Monogram ungefähr gleichauf mit dem unteren Ende der Produktion der Majors. Weniger robuste Unternehmen der Poverty Row – mit einer Vorliebe für große Spitznamen wie Conquest, Empire, Imperial und Peerless – produzierten weiterhin spottbillige Quickies. Joel Finler hat die durchschnittliche Länge von Spielfilmveröffentlichungen im Jahr 1938 analysiert und die relative Betonung der Studios auf B-Produktionen aufgezeigt ( United Artists produzierte wenig und konzentrierte sich auf den Vertrieb prestigeträchtiger Filme unabhängiger Outfits; Grand National , aktiv 1936–40, besetzte eine analoge Nische in der Poverty Row, die hauptsächlich unabhängige Produktionen veröffentlicht):

Studio Kategorie Durchschn. Dauer
MGM Große Fünf 87,9 Minuten
Übergeordnet Große Fünf 76,4 Minuten
20th Century Fox Große Fünf 75,3 Minuten
Warner Bros. Große Fünf 75,0 Minuten
RKO Große Fünf 74,1 Minuten
Vereinigte Künstler Kleine Drei 87,6 Minuten
Columbia Kleine Drei 66,4 Minuten
Universal Kleine Drei 66,4 Minuten
Grand National Armutsreihe 63,6 Minuten
Republik Armutsreihe 63,1 Minuten
Monogramm Armutsreihe 60,0 Minuten

Taves schätzt, dass die Hälfte der Filme, die von den acht Majors in den 1930er Jahren produziert wurden, B-Movies waren. Rechnet man die dreihundert Filme, die jährlich von den vielen Poverty Row-Firmen produziert werden, zusammen, sind ungefähr 75 % der Hollywood-Filme aus dem Jahrzehnt, mehr als viertausend Bilder, als Bs einzustufen.

Der Western war sowohl in den 1930er als auch in geringerem Maße in den 1940er Jahren das bei weitem vorherrschende B-Genre. Der Filmhistoriker Jon Tuska hat argumentiert, dass „das ‚B‘-Produkt der dreißiger Jahre – die Universal-Filme mit [Tom] Mix , [Ken] Maynard und [Buck] Jones , die Columbia mit Buck Jones und Tim McCoy , dem RKO George O'Brien- Serie, die Republic Westerns mit John Wayne und den Three Mesquiteers ... erreichten eine einzigartig amerikanische Perfektion der gut gemachten Geschichte." Am anderen Ende der Branche veröffentlichte Ajax von Poverty Row Oater mit Harry Carey , damals in den Fünfzigern. Das Weiss-Outfit hatte die Range Rider-Serie, die American Rough Rider-Serie und den Morton of the Mounted "Nordwest-Action-Thriller". Ein Low-Budget-Oater der Ära, der völlig außerhalb des Studiosystems entstand, profitierte von einem ungeheuerlichen Konzept: Ein Western mit einer reinen Zwergenbesetzung, The Terror of Tiny Town (1938), war bei seinen Independent-Bookings so erfolgreich, dass Columbia sich auswählte es zur Verteilung auf.

Besonders beliebt waren im ersten Jahrzehnt des Tonfilms Serien verschiedener Genres, in denen wiederkehrende, titelwürdige Charaktere oder bekannte Schauspieler in bekannten Rollen vorkommen. Zu den vielen B-Serien von Fox zum Beispiel gehörten Charlie Chan- Mysterien, Ritz Brothers- Komödien und Musicals mit Kinderstar Jane Withers . Diese Serienfilme sind nicht zu verwechseln mit den kurzen, Cliffhanger- strukturierten Serien, die manchmal im selben Programm erschienen. Wie bei Serien sollten jedoch viele Serien junge Leute anziehen – ein Theater, das nebenbei einen "ausgewogenen" oder ganz jugendorientierten Doppelspielfilm als Matinee und dann einen einzelnen Film für ein reiferes Publikum laufen ließ in der Nacht. In einem Branchenbericht heißt es, dass die Kinobesucher am Nachmittag, die sich hauptsächlich aus Hausfrauen und Kindern zusammensetzen, viel für ihr Geld wollen, während die abendlichen Zuschauer 'etwas Gutes und nicht zu viel davon' wollen.“

Serienfilme werden oft fraglos der Kategorie B-Movie zugeordnet, aber auch hier gibt es Unklarheiten: Bei MGM zum Beispiel beliebte Serien wie die Andy Hardy und die Dr. KildareDr. Gillespie Chroniken hatten führende Stars und Budgets, die es gewesen wären Abitur in den meisten kleineren Studios. Für viele Serien war sogar das Standard-B-Budget eines kleineren Majors weit außerhalb der Reichweite: Die Consolidated Pictures von Poverty Row zeigten Tarzan, den Polizeihund in einer Serie mit dem stolzen Namen Melodramatic Dog Features.

1940er Jahre

1940 betrugen die durchschnittlichen Produktionskosten eines amerikanischen Spielfilms 400.000 US-Dollar, ein vernachlässigbarer Anstieg über zehn Jahre. Eine Reihe kleiner Hollywood-Unternehmen hatten sich um die Wende des Jahrzehnts aufgelöst, darunter das ehrgeizige Grand National , aber eine neue Firma, die Producers Releasing Corporation (PRC), trat hinter Republic und Monogram an dritter Stelle in der Poverty Row-Hierarchie auf. Die Doppelfunktion, nie universell, war immer noch das vorherrschende Ausstellungsmodell: 1941 rechneten fünfzig Prozent der Theater ausschließlich mit Doppelrechnungen, andere beschäftigten die Politik in Teilzeit.

In den frühen 1940er Jahren zwangen die Studios die Studios auf rechtlichem Wege, saisonale Blockbuchungen durch Pakete zu ersetzen, die in der Regel auf fünf Bilder beschränkt waren. Auch die Fähigkeit der Majors, Blind Bidding durchzusetzen, wurde eingeschränkt. Dies waren entscheidende Faktoren für die fortschreitende Umstellung der meisten Big Five auf die A-Film-Produktion, wodurch die kleineren Studios als B-Movie-Lieferanten noch wichtiger wurden. Genrebilder, die zu sehr niedrigen Kosten hergestellt wurden, blieben das Rückgrat der Poverty Row, wobei selbst die Budgets von Republic und Monogram selten über 200.000 US-Dollar kletterten. Viele kleinere Poverty Row-Firmen brachen zusammen, da die acht Majors mit ihren eigenen Vertriebsbörsen jetzt etwa 95 % der US- und kanadischen Kinokasseneinnahmen beherrschten.

Im Jahr 1946 brachte der unabhängige Produzent David O. Selznick sein aufgeblasenes Spektakel Duel in the Sun mit heftiger landesweiter Promotion und breiter Veröffentlichung auf den Markt. Die Vertriebsstrategie war ein großer Erfolg, trotz der weithin als mangelhaft empfundenen Qualität des Films. Die Duel- Veröffentlichung nahm Praktiken vorweg, die die B-Movie-Industrie in den späten 1950er Jahren ankurbelten; als die Top-Hollywood-Studios sie zwei Jahrzehnte später zum Standard machten, war der B-Movie hart getroffen.

Neben den Kostenüberlegungen wurde die Grenze zwischen A- und B-Filmen mehrdeutig. Filme, die mit B-Level-Budgets gedreht wurden, wurden gelegentlich als A-Bilder vermarktet oder tauchten als Sleeper-Hits auf : Einer der größten Filme des Jahres 1943 war Hitlers Kinder , ein RKO-Thriller, der für einen Bruchteil von über 200.000 Dollar gedreht wurde. Es verdiente mehr als $ 3 Millionen in der Vermietung, Industrie Sprache für eine Aktie des Distributor der Bruttokasse Quittung. Besonders im Bereich des Film Noir spiegelten A-Bilder manchmal visuelle Stile wider, die im Allgemeinen mit billigeren Filmen verbunden sind. Programmierer mit ihrer flexiblen Ausstellungsrolle waren per Definition mehrdeutig. Noch 1948 blieb das Doppelspiel ein beliebter Ausstellungsmodus – es war in 25 % der Theater Standard und wurde bei weiteren 36 % in Teilzeit verwendet.

Die führenden Poverty Row-Firmen begannen, ihren Tätigkeitsbereich zu erweitern; 1947 gründete Monogram eine Tochtergesellschaft, Allied Artists , um relativ teure Filme, meist von unabhängigen Produzenten, zu entwickeln und zu vertreiben. Etwa zur gleichen Zeit startete Republic unter der Rubrik "Premiere" eine ähnliche Aktion. Auch 1947 wurde die PRC von Eagle-Lion übernommen , einem britischen Unternehmen, das den Eintritt in den amerikanischen Markt anstrebte. Als Produktionschef wurde Warners' ehemaliger "Keeper of the Bs", Brian Foy, eingesetzt.

Oft als reine Sensationslust vermarktet, besaßen viele Film noir auch eine große visuelle Schönheit. Raw Deal (1948), schreibt der Gelehrte Robert Smith, ist "erstrahlen in samtigem Schwarz, Nebel, Netzen und anderen ausdrucksstarken Accessoires poetischer Noir-Dekoration und Beleuchtung". Unter der Regie von Anthony Mann und gedreht von John Alton wurde es von der Eagle-Lion- Firma von Poverty Row veröffentlicht .

In den 1940er Jahren ragte RKO durch seinen Fokus auf B-Bilder unter den Big Five der Branche heraus. Aus heutiger Sicht ist die berühmteste der Golden Age B-Einheiten der großen Studios Val Lewtons Horror-Einheit bei RKO. Lewton produzierte so stimmungsvolle, mysteriöse Filme wie Cat People (1942), I Walked with a Zombie (1943) und The Body Snatcher (1945), inszeniert von Jacques Tourneur , Robert Wise und anderen, die erst später in ihrer Karriere bekannt wurden oder ganz im Nachhinein. Der Film, der heute allgemein als der erste klassische Film Noir bezeichnet wird – Stranger on the Third Floor (1940), ein 64-minütiger B – wurde bei RKO produziert, das viele weitere melodramatische Thriller in ähnlich stilvoller Weise veröffentlichte.

Die anderen großen Studios produzierten auch eine beträchtliche Anzahl von Filmen, die in den 1940er Jahren als Noir identifiziert wurden. Obwohl viele der bekanntesten Film Noirs A-Level-Produktionen waren, waren die meisten Bilder aus den 1940er Jahren in diesem Modus entweder vom mehrdeutigen Programmierertyp oder direkt für das Ende der Rechnung bestimmt. In den Jahrzehnten seitdem sind diese billigen Unterhaltungen, die damals allgemein abgetan wurden, zu den am meisten geschätzten Produkten des Goldenen Zeitalters Hollywoods geworden.

In einem Probejahr, 1947, produzierte RKO zusammen mit mehreren Noir-Programmierern und A-Bildern zwei reine B-Noirs: Desperate und The Devil Thumbs a Ride . Zehn B Noirs in diesem Jahr kamen von den großen Drei der Poverty Row – Republik, Monogram und PRC/Eagle-Lion – und einer von der winzigen Screen Guild. Drei Majors neben RKO steuerten insgesamt fünf weitere bei. Zusammen mit diesen achtzehn eindeutigen B-Noirs kamen etwa ein Dutzend weitere Noir-Programmierer aus Hollywood.

Dennoch blieben die meisten Low-Budget-Produktionen der Majors die Art, die heute weitgehend ignoriert wird. RKOs repräsentative Produktion umfasste die mexikanischen Comedy-Serien Spitfire und Lum und Abner , Thriller mit dem Heiligen und den Falken , Western mit Tim Holt und Tarzan- Filme mit Johnny Weissmuller . Jean Hersholt spielte Dr. Christian in sechs Filmen zwischen 1939 und 1941. Der Courageous Dr. Christian (1940) war ein Standard - Eintrag: „Im Laufe einer Stunde oder so Zeit auf dem Bildschirm, der heilige Arzt verwalten eine Epidemie von spinalen zu heilen Meningitis, zeigen Wohlwollen gegenüber den Entrechteten, geben ein Beispiel für eine eigensinnige Jugend und beruhigen die Leidenschaften einer verliebten alten Jungfer."

Unten in der Poverty Row führten niedrige Budgets zu weniger palliativen Kost. Republic strebte nach Ansehen in der Major League, während sie viele billige und bescheidene Western produzierte, aber es gab nicht viel von den größeren Studios, die im Vergleich zu Monogram " Ausbeutungsbilder " wie das Exposé über Jugendkriminalität Wo sind deine Kinder? (1943) und der Gefängnisfilm Women in Bondage (1943). 1947 brachte PRCs The Devil on Wheels Teenager, Hot Rods und den Tod zusammen. Das kleine Studio hatte ihr eigenes Haus auteur : mit seiner eigenen Mannschaft und relativ freie Hand, Regisseur Edgar G. Ulmer wurde als „Capra der VR China“ bekannt. Ulmer drehte Filme aller Art: seine Girls in Chains kamen im Mai 1943 heraus, sechs Monate vor Women in Bondage ; Ende des Jahres hatte Ulmer auch das Teenie-Musical Jive Junction sowie Isle of Forgotten Sins , ein Südsee-Abenteuer rund um ein Bordell, gedreht.

Übergang in den 1950er Jahren

Im Jahr 1948 verbot ein Urteil des Obersten Gerichtshofs in einer bundesstaatlichen Kartellklage gegen die Majors Blockbuchungen und führte dazu, dass die Big Five ihre Theaterketten veräußerten. Mit dem Abfließen des Publikums ins Fernsehen und den Studios, die die Produktionspläne reduzierten, verschwand der klassische Doppelfilm in den 1950er Jahren aus vielen amerikanischen Theatern. Die großen Studios förderten die Vorteile des Recyclings und boten ehemalige Headliner-Filme als zweite Spielfilme anstelle von traditionellen B-Filmen an. Mit der Ausstrahlung vieler klassischer Western im Fernsehen sowie der Produktion eigener Original-Western-Serien trocknete insbesondere der Kinomarkt für Boote aus. Nachdem sie in den 1930er Jahren kaum vorangekommen waren, hatten sich die durchschnittlichen Produktionskosten für Spielfilme in den USA in den 1940er Jahren im Wesentlichen verdoppelt und erreichten bis zur Wende des Jahrzehnts 1 Million US-Dollar – ein Anstieg um 93%, inflationsbereinigt.

Das erste prominente Opfer des sich wandelnden Marktes war Eagle-Lion, das 1951 seine letzten Filme veröffentlichte. 1953 war die alte Marke Monogram verschwunden, das Unternehmen nahm die Identität seiner High-End-Tochter Allied Artists an. Im folgenden Jahr veröffentlichte Allied Hollywoods letzte Westerns der B-Serie. B-Western, die nicht zur Serie gehörten, erschienen noch einige Jahre, aber Republic Pictures, die lange mit billigen Beifuß-Sagas in Verbindung gebracht wurden, war zum Ende des Jahrzehnts aus dem Filmgeschäft verschwunden. In anderen Genres hielt Universal seine Ma und Pa Kettle- Serie 1957 am Laufen, während Allied Artists bis 1958 bei den Bowery Boys blieb. RKO, geschwächt durch jahrelanges Missmanagement, verließ die Filmindustrie 1957.

Hollywoods A-Produkt wurde länger – die Top-Ten-Einspielungen an den Kinokassen des Jahres 1940 hatten durchschnittlich 112,5 Minuten gedauert; die durchschnittliche Länge der Top Ten von 1955 betrug 123,4. Auf ihre bescheidene Art folgten die Bs. Die Zeit des einstündigen Spielfilms war vorbei; 70 Minuten waren jetzt ungefähr das Minimum. Während der zweite Spielfilm im Stil des Goldenen Zeitalters im Sterben lag, wurde B-Film immer noch verwendet, um sich auf jeden Low-Budget-Genrefilm mit relativ unangekündigten Darstellern (manchmal als B-Schauspieler ) zu beziehen . Der Begriff behielt seine frühere Vermutung bei, dass sich solche Filme auf formelhafte Handlungen, "Stock"-Charaktertypen und vereinfachte Action oder einfache Komödie stützten. Gleichzeitig wurde das Reich des B-Movies ein immer fruchtbareres Terrain für ernsthafte und ausgefallene Experimente.

Ida Lupino , eine Hauptdarstellerin, etablierte sich als Hollywoods einzige weibliche Regisseurin der Ära. Kurz gesagt, Low-Budget-Bilder, die für ihre Produktionsfirma The Filmakers gedreht wurden, untersuchte Lupino praktisch tabuisierte Themen wie Vergewaltigung in den 1950er Jahren Outrage und 1953 selbsterklärend The Bigamist . Ihre bekannteste Regiearbeit, The Hitch-Hiker , eine 1953 RKO-Veröffentlichung, ist der einzige Film Noir aus der klassischen Periode des Genres, der von einer Frau inszeniert wurde. In diesem Jahr veröffentlichte RKO Split Second , das in einem Atomtestbereich endet und vielleicht der erste "atomic noir" ist.

Der berühmteste Film dieser Art, der unabhängig produzierte Kiss Me Deadly (1955), verkörpert den anhaltend trüben Mittelweg zwischen dem A- und B-Bild, wie Richard Maltby beschreibt: ein "Programmierer, der in der Lage ist, entweder die Hälfte der Doppelrechnung eines Nachbarschaftstheaters zu besetzen, [es] war mit ungefähr 400.000 US-Dollar budgetiert. [Sein] Distributor, United Artists, stellte 1955 etwa fünfundzwanzig Programmierer mit Produktionsbudgets zwischen 100.000 und 400.000 US-Dollar frei." Die Länge des Films, 106 Minuten, ist A-Level, aber sein Star, Ralph Meeker , war zuvor nur in einem großen Film aufgetreten. Seine Quelle ist reiner Zellstoff , von Mickey Spillane ‚s Mike Hammer Romanen, aber Robert Aldrich ‘ s Richtung ist selbstbewusst ästhetisiert. Das Ergebnis ist ein brutales Genrebild, das auch zeitgenössische Ängste vor dem, was oft nur als Bombe bezeichnet wurde, evoziert.

Rocketship XM (1950), produziert und veröffentlicht von kleinen Lippert Pictures, wird als möglicherweise "der erste postnukleare Holocaust-Film" zitiert. Es stand an der Spitze eines großen Zyklus von Filmen, meist Low-Budget und viele längst vergessen, die als "Atombombenkino" einzustufen sind.

Die Angst vor einem Atomkrieg mit der Sowjetunion, zusammen mit weniger deutlichen Bedenken hinsichtlich des radioaktiven Niederschlags von Amerikas eigenen Atomtests, beflügelte viele der Genrefilme dieser Ära. Science-Fiction, Horror und diverse Mischformen aus beidem waren nun für das Low-Budget-Geschäft von zentraler wirtschaftlicher Bedeutung. Die meisten billigen Filme dieser Art – wie viele der von William Alland bei Universal produzierten (wie Creature from the Black Lagoon (1954)) und Sam Katzman bei Columbia (einschließlich It Came from Beneath the Sea (1955)) – lieferten kaum mehr als Nervenkitzel, obwohl ihre Spezialeffekte beeindruckend sein könnten.

Aber das waren Genres, deren fantastischer Charakter auch als Deckblatt für beißende kulturelle Beobachtungen verwendet werden konnte, die in Mainstream-Filmen oft schwer zu machen sind. Regisseur Don Siegel ‚s Invasion of the Body Snatchers (1956), veröffentlicht von Allied Artists, behandelt konformistischen Druck und das Übel der Banalität in eindringlichen, allegorische Weise. The Amazing Colossal Man (1957) unter der Regie von Bert I. Gordon ist sowohl ein Monsterfilm, der zufällig die schrecklichen Auswirkungen der Strahlenbelastung darstellt, als auch "eine grausame Fabel des Kalten Krieges , die Korea , die obsessive Geheimhaltung der Armee, und Amerikas Nachkriegswachstum zu einem fantastischen Ganzen".

The Amazing Colossal Man wurde von einer neuen Firma herausgebracht, deren Name viel größer war als ihr Budget. American International Pictures (AIP), 1956 von James H. Nicholson und Samuel Z. Arkoff im Rahmen einer Reorganisation ihrer American Releasing Corporation (ARC) gegründet, entwickelte sich bald zum führenden US-Studio, das sich ausschließlich auf B-Cost-Produktionen konzentrierte. American International trug dazu bei, die Doppelrechnung der Originalversion durch gepaarte Pakete seiner Filme am Leben zu erhalten: Diese Filme waren Low-Budget, aber anstelle einer Pauschale wurden sie wie A-Filme prozentual vermietet.

Der Erfolg von I Was a Teenage Werewolf (1957) brachte AIP also eine große Rendite – für etwa 100.000 US-Dollar erzielte es mehr als 2 Millionen US-Dollar . Wie der Titel des Films vermuten lässt, stützte sich das Studio sowohl auf fantastische Genrethemen als auch auf neue, jugendlich orientierte Blickwinkel. Als Hot Rod Gang (1958) Gewinn machte, wurde Hot Rod Horror ausprobiert: Ghost of Dragstrip Hollow (1959). David Cook schreibt AIP eine Vorreiterrolle zu „in der demografischen Auswertung , dem zielgerichteten Marketing und der Sättigungsbuchung, die Ende der 1970er Jahre für die Majors bei der Planung und Veröffentlichung ihrer massentauglichen ‚Event‘-Filme zum Standardverfahren wurden“. Inhaltlich waren die Majors schon da, mit Filmen über Jugendkriminalität wie Warner Bros.' Ungezähmte Jugend (1957) und MGMs High School Confidential (1958), beide mit Mamie Van Doren in der Hauptrolle .

1954 erhielt ein junger Filmemacher namens Roger Corman seine ersten Filmkredite als Autor und Associate Producer von Allied Artists' Highway Dragnet . Corman produzierte bald unabhängig seinen ersten Film, Monster from the Ocean Floor , mit einem Budget von 12.000 US-Dollar und einem sechstägigen Drehplan. Unter den sechs Filmen, an denen er 1955 arbeitete, produzierte und inszenierte Corman die erste offizielle ARC-Veröffentlichung, Apache Woman , und Day the World Ended , die Hälfte von Arkoffs und Nicholsons erstem Doppelrechnungspaket. Corman führte bis 1990 bei über fünfzig Spielfilmen Regie. Ab 2007 blieb er als Produzent mit mehr als 350 Filmen aktiv. Corman wird oft als "König der Bs" bezeichnet und sagte, dass "meiner Meinung nach ich in meinem Leben noch nie einen 'B'-Film gemacht habe", da der traditionelle B-Film ausstarb, als er anfing, Bilder zu machen. Sein Metier bezeichnet er lieber als „Low-Budget-Exploitation-Filme“. In späteren Jahren half Corman, sowohl bei AIP als auch als Leiter seiner eigenen Unternehmen, unter anderem die Karrieren von Francis Ford Coppola , Jonathan Demme , Robert Towne und Robert De Niro zu starten .

In den späten 1950er Jahren wurde William Castle als der große Innovator des B-Movie-Werbetricks bekannt. Das Publikum von Macabre (1958), einer 86.000-Dollar-Produktion, die von Allied Artists vertrieben wird, wurde aufgefordert, eine Versicherung abzuschließen, um einen möglichen Tod durch Angst abzudecken. Der Kreaturenfilm von 1959 The Tingler zeigte Castles berühmtestes Gimmick, Percepto: Beim Höhepunkt des Films rasselten an ausgewählten Theatersitzen angebrachte Summer unerwartet einige Zuschauer, was entweder passende Schreie oder noch angemesseneres Gelächter auslöste. Mit solchen Filmen kombiniert Castle "die von Columbia und Universal in ihren Sam Katzman- und William Alland-Paketen perfektionierte sättigende Werbekampagne mit zentralisierten und standardisierten Werbestunts und Gimmicks, die zuvor in den Zuständigkeitsbereich des lokalen Ausstellers fielen".

Die Nachkriegsautokino - Boom war entscheidend für den Ausbau unabhängigen B Filmindustrie. Im Januar 1945 gab es in den Vereinigten Staaten 96 Autokinos; ein Jahrzehnt später waren es mehr als 3.700. Unprätentiöse Bilder mit einfachen, vertrauten Plots und zuverlässigen Schockeffekten waren ideal für die automatische Filmbetrachtung mit all ihren Ablenkungen geeignet. Das Phänomen des Autokinos wurde in den 1950er Jahren zu einem der prägenden Symbole der amerikanischen Populärkultur. Zur gleichen Zeit begannen viele lokale Fernsehsender, B-Genre-Filme in Late-Night-Slots zu zeigen, was den Begriff des Mitternachtsfilms populär machte .

Zu den Genrefilmen aus amerikanischer Produktion kamen zunehmend auch ausländische Filme, die günstig erworben und bei Bedarf für den US-Markt synchronisiert wurden. 1956 finanzierte der Verleih Joseph E. Levine die Dreharbeiten zu neuem Filmmaterial mit dem amerikanischen Schauspieler Raymond Burr , das in den japanischen Science-Fiction-Horrorfilm Godzilla geschnitten wurde . Die britischen Hammer Film Productions machten die erfolgreichen The Curse of Frankenstein (1957) und Dracula (1958), die den zukünftigen Horrorfilmstil maßgeblich beeinflussten. 1959 kaufte Levine's Embassy Pictures die weltweiten Rechte an Hercules , einem billig gemachten italienischen Film mit dem in Amerika geborenen Bodybuilder Steve Reeves . Zusätzlich zu einem Kaufpreis von 125.000 US-Dollar gab Levine dann 1,5 Millionen US-Dollar für Werbung und Werbung aus, eine praktisch beispiellose Summe.

Die New York Times war nicht beeindruckt und behauptete, dass der Film "wenig mehr als nur Gähnen auf dem Filmmarkt angezogen hätte ... wäre er nicht im ganzen Land mit einer ohrenbetäubenden Flut von Werbung gestartet worden". Levine rechnete für seine Gewinne mit den Kinokassen am ersten Wochenende, buchte den Film "in so vielen Kinos wie er konnte für eine Woche und zog ihn dann zurück, bevor er durch schlechte Mundpropaganda für ihn zurückgezogen wurde". Hercules wurde in bemerkenswerten 600 Kinos eröffnet, und die Strategie war ein voller Erfolg: Der Film verdiente 4,7 Millionen US-Dollar an inländischen Mieteinnahmen. Genauso wertvoll für das Endergebnis war es in Übersee sogar noch erfolgreicher. Innerhalb weniger Jahrzehnte wurde Hollywood sowohl von Filmen als auch von einer Ausbeutungsphilosophie dominiert, die der von Levine sehr ähnlich war.

In dieser Zeit spielte auch K. Gordon Murray , der für den Vertrieb internationaler Matinee-Gerichte wie dem mexikanischen Kinderfilm Santa Claus von 1959 bekannt war .

Goldenes Zeitalter der Ausbeutung

1960er Jahre

Trotz aller Veränderungen in der Branche betrugen die durchschnittlichen Produktionskosten eines amerikanischen Spielfilms 1961 noch immer nur 2 Millionen US-Dollar – inflationsbereinigt weniger als 10 % mehr als 1950. Die traditionelle Doppelrechnung des B-Films vor und Ausgleich eines Folgelaufs Ein Film war aus den amerikanischen Kinos weitgehend verschwunden. Das Dual-Genre-Paket im AIP-Stil war das neue Modell. Im Juli 1960 wurde der neueste Import von Joseph E. Levine mit Schwert und Sandalen , Hercules Unchained , in New Yorker Nachbarschaftstheatern eröffnet. Ein spannender Film, Terror Is a Man , lief als "Co-Feature" mit einer mittlerweile bekannten Art von Exploitation-Gimmick: "Die Auflösung enthält hilfreicherweise eine 'Warnglocke', damit die Sensiblen 'die Augen schließen' können." In diesem Jahr, Roger Corman führte AIP einen neuen Weg: "Als sie mich baten, zwei zehntägige Schwarz-Weiß-Horrorfilme als Doppelspielfilm zu drehen, überzeugte ich sie, stattdessen einen Horrorfilm in Farbe zu finanzieren." Das resultierende House of Usher verkörpert die anhaltenden Mehrdeutigkeiten der B-Bildklassifizierung. Es war eindeutig ein A-Film nach den Standards von Regisseur und Studio, mit dem längsten Drehplan und dem größten Budget, das Corman je gehabt hatte. Aber es wird im Allgemeinen als B-Movie angesehen: Der Zeitplan betrug immer noch nur fünfzehn Tage, das Budget nur 200.000 US-Dollar (ein Zehntel des Branchendurchschnitts) und seine 85-Minuten-Laufzeit nahe einer alten Miniaturbild-Definition des B: "Any Film, der weniger als 80 Minuten dauert."

Mit der Lockerung der Zensurbeschränkungen der Industrie erlebten die 1960er Jahre eine bedeutende Ausweitung der kommerziellen Lebensfähigkeit einer Vielzahl von B-Movie-Subgenres, die gemeinsam als Exploitationsfilme bekannt wurden . Die Kombination aus intensiver und mit Gimmicks beladener Werbung mit Filmen mit vulgären Themen und oft empörenden Bildern reichte Jahrzehnte zurück - der Begriff hatte ursprünglich wirkliche Randproduktionen definiert, die in den tiefsten Tiefen der Poverty Row oder ganz außerhalb des Hollywood-Systems entstanden. Viele stellten den Lohn der Sünde anschaulich im Zusammenhang mit der Förderung einer umsichtigen Lebensführung dar, insbesondere der „ Sexualhygiene “. Das Publikum kann explizites Filmmaterial von einer Lebendgeburt bis hin zu einer rituellen Beschneidung sehen. Solche Filme wurden in der Regel nicht im regulären Spielplan der Kinos gebucht, sondern als Sonderveranstaltungen von reisenden Roadshow-Veranstaltern präsentiert (sie könnten auch als Futter für " Grindhouses " erscheinen, die normalerweise überhaupt keinen regulären Spielplan hatten). Der bekannteste dieser Promoter, Kroger Babb , war Vorreiter bei der Vermarktung von Low-Budget-Sensationsfilmen mit einer "100%-Sättigungskampagne", die die Zielgruppe mit Anzeigen in fast allen erdenklichen Medien überschwemmte. In der Ära des traditionellen Doppelspielfilms hätte niemand diese grafischen Verwertungsfilme als "B-Movies" bezeichnet. Nachdem die Majors die traditionelle B-Produktion verlassen hatten und die Promotion im Exploitation-Stil zur Standardpraxis am unteren Ende der Branche wurde, wurde "Exploitation" zu einer Möglichkeit, sich auf das gesamte Feld der Low-Budget-Genrefilme zu beziehen. In den 1960er Jahren wurden Themen und Bilder im Exploitation-Stil immer mehr in den Mittelpunkt des Bereichs der B.

Motorpsycho (1965) war nicht schwer zu vermarkten. Es hatte Regisseur Russ Meyers Ruf für Erotik; das Biker-Thema ("MURDERcycles"), das sich schon bald in historischer Manier bewährte; und dieses trendige Titelwort – psycho .

Ausbeutungsfilme im ursprünglichen Sinne erschienen weiterhin: 1961's Damaged Goods , eine warnende Geschichte über eine junge Dame, deren Promiskuität ihres Freundes zu Geschlechtskrankheiten führt , kommt komplett mit riesigen, grotesken Nahaufnahmen der körperlichen Auswirkungen von VD. Gleichzeitig verschmolz das Konzept der Randausbeutung mit einer verwandten, ähnlich ehrwürdigen Tradition: „ Nudie “-Filme mit FKK-Camp- Material oder Striptease-Künstlerinnen wie Bettie Page waren schlichtweg die Softcore- Pornografie der vergangenen Jahrzehnte. Bereits 1933 war This Nude World "Garantiert der lehrreichste Film aller Zeiten!" In den späten 1950er Jahren, als sich mehr der alten Grindhouse-Theater speziell dem "Erwachsenen"-Produkt widmeten, begannen einige Filmemacher, Nudies mit größerer Aufmerksamkeit für die Handlung zu machen. Am bekanntesten war Russ Meyer , der 1959 seinen ersten erfolgreichen narrativen Akt veröffentlichte, den Comic Immoral Mr. Teas . Fünf Jahre später erschien Meyer mit seinem bahnbrechenden Film Lorna , der Sex, Gewalt und eine dramatische Handlung kombinierte. Schneller, Pussycat! Töten! Töten! (1965), das für etwa 45.000 US-Dollar produziert wurde, wurde schließlich das berühmteste von Meyers Sexploitation- Bildern. Geschaffen für ständige Kitzel, aber ohne Nacktheit, zielte es auf die gleiche "Passion Pit"-Drive-In-Schaltung ab, die AIP-Teenfilme mit Wink-Wink-Titeln wie Beach Blanket Bingo (1965) und How to Stuff a Wild Bikini (1966) zeigte. , mit Annette Funicello und Frankie Avalon . Roger Cormans The Trip (1967) für American International, geschrieben vom erfahrenen AIP/Corman-Schauspieler Jack Nicholson , zeigt nie eine vollständig entblößte, unbemalte Brust, sondern flirtet durchgehend mit Nacktheit. Die Linien Meyer und Corman kamen näher.

Einer der einflussreichsten Filme der Ära, über Bs und darüber hinaus, war Paramounts Psycho . Seine Einnahmen von 8,5 Millionen US-Dollar bei Produktionskosten von 800.000 US-Dollar machten ihn zum profitabelsten Film des Jahres 1960. Sein Mainstream-Vertrieb ohne das Production Code- Gütesiegel trug dazu bei, die US-Filmzensur zu schwächen. Und wie William Paul feststellt, wurde dieser Schritt in das Horror-Genre des angesehenen Regisseurs Alfred Hitchcock "bedeutsam mit dem Film mit dem niedrigsten Budget seiner amerikanischen Karriere und den am wenigsten glamourösen Stars gemacht. [Seine] größte anfängliche Wirkung ... war" über Schlock-Horrorfilme (insbesondere die des Zweitrangigen Regisseurs William Castle), von denen jeder versuchte, sich selbst als furchterregender zu bezeichnen als Psycho . Castles erster Film im Stil von Psycho war Homicidal (1961), ein früher Schritt in der Entwicklung des Slasher- Subgenres, das Ende der 1970er Jahre begann. Blood Feast (1963), ein Film über menschliche Zerstückelung und kulinarische Zubereitung, der für ungefähr 24.000 US-Dollar vom erfahrenen Nudie-Macher Herschell Gordon Lewis gedreht wurde , begründete ein neues, unmittelbar erfolgreicheres Subgenre, den Gore- oder Splatter-Film . Lewis' Geschäftspartner David F. Friedman trommelte die Öffentlichkeit zusammen, indem er Kotzebeutel an Theaterbesucher verteilte – die Art von Spielerei, die Castle beherrscht hatte – und eine einstweilige Verfügung gegen den Film in Sarasota, Florida, arrangierte – die Art von Problemausbeutung, mit der Filme schon lange konfrontiert waren. außer Friedman hatte es geplant. Diese neue Generation von ekligen Filmen verkörperte das aufkommende Gefühl der "Ausbeutung" - die schrittweise Übernahme traditioneller Exploitation- und Nudie-Elemente in Horror, in andere klassische B-Genres und in die Low-Budget-Filmindustrie insgesamt. Der Import von Hammer Films immer expliziteren Horrorfilmen und italienischen Gialli , hochstilisierten Bildern, die Sexploitation und Ultragewalt vermischen, befeuerte diesen Trend.

Der Production Code wurde 1968 offiziell abgeschafft und durch die erste Version des modernen Bewertungssystems ersetzt . In diesem Jahr kamen zwei Horrorfilme heraus, die die Richtung des amerikanischen Kinos im nächsten Jahrzehnt ankündigten, mit großen Konsequenzen für den B-Movie. Eine davon war eine Paramount-Produktion mit hohem Budget unter der Regie des gefeierten Roman Polanski . Rosemary's Baby wurde von B-Horror-Veteran William Castle produziert und war das erste gehobene Hollywood-Bild des Genres seit drei Jahrzehnten. Es war ein kritischer Erfolg und der siebtgrößte Hit des Jahres. Der andere war George A. Romero ‚s Night of the Living Dead , produziert am Wochenende in und um Pittsburgh für $ 114.000. Aufbauend auf der Errungenschaft von B-Genre-Vorgängern wie Invasion of the Body Snatchers in seiner subtextuellen Erforschung sozialer und politischer Themen, war es gleichzeitig ein hochwirksamer Thriller und eine prägnante Allegorie sowohl für den Vietnamkrieg als auch für innerstaatliche Rassenkonflikte. Den größten Einfluss hatte er jedoch aus seiner geschickten Subversion von Genre-Klischees und der Verbindung zwischen seiner ausbeutenden Bildsprache, kostengünstigen, wirklich unabhängigen Produktionsmitteln und hoher Rentabilität. Mit dem Wegfall des Codes und der Einführung des X-Ratings konnten große Studio-A-Filme wie Midnight Cowboy nun "erwachsene" Bilder zeigen, während der Markt für immer Hardcore-Pornografie explodierte. In diesem veränderten kommerziellen Kontext gewannen Arbeiten wie die von Russ Meyer eine neue Legitimität. 1969 erschien erstmals ein Meyer-Film, Finders Keepers, Lovers Weepers! , wurde in der New York Times rezensiert . Bald schuf Corman nackte Sexploitation-Bilder wie Private Duty Nurses (1971) und Women in Cages (1971).

Im Mai 1969 feierte der bedeutendste Exploitation-Film der Ära bei den Filmfestspielen von Cannes Premiere . Ein großer Teil Easy Rider ' s Bedeutung verdankt die Tatsache , dass es für ein respektables produziert wurde, wenn noch bescheiden, Budget und von einem großen Studio veröffentlicht. Das Projekt wurde zuerst von einem seiner Mitschöpfer, Peter Fonda , zu American International gebracht. Fonda war AIPs Top-Star in dem von Corman inszenierten The Wild Angels (1966), einem Bikerfilm, und The Trip , wie in der Einnahme von LSD . Die Idee, die Fonda vorschlug, kombinierte diese beiden bewährten Themen. AIP war fasziniert, sträubte sich jedoch dagegen, seinem Mitarbeiter Dennis Hopper , ebenfalls Studio-Alumnus, freie Regie zu geben. Schließlich arrangierten sie einen Finanzierungs- und Vertriebsvertrag mit Columbia, als sich zwei weitere Absolventen der Corman/AIP-Verwertungsfabrik dem Projekt anschlossen: Jack Nicholson und der Kameramann László Kovács . Der Film (der ein weiteres beliebtes Exploit-Thema, die Bedrohung durch die Rednecks , sowie eine Menge Nacktheit enthielt) wurde für 501.000 US-Dollar eingeführt. Es verdiente 19,1 Millionen US-Dollar an Mieten. In den Worten der Historiker Seth Cagin und Philip Dray wurde Easy Rider „der wegweisende Film, der die Brücke zwischen all den unterdrückten Tendenzen schlug, die seit den Anfängen Hollywoods durch Schlock/Kitsch/Hack repräsentiert werden, und dem Mainstream-Kino der 70er Jahre“.

1970er

Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre entstand eine neue Generation von Low-Budget-Filmfirmen, die aus den unterschiedlichen Verwertungslinien sowie den seit den 1950er Jahren dominierenden Science-Fiction- und Teenie-Themen schöpfte. Operationen wie Roger Cormans New World Pictures , Cannon Films und New Line Cinema brachten Exploitation-Filme in die Mainstream-Kinos im ganzen Land. Das Spitzenprodukt der großen Studios blähte sich in der Laufzeit weiter auf – 1970 lagen die zehn größten Verdiener im Durchschnitt bei 140,1 Minuten. Die Bs hielten Schritt. 1955 war Corman an fünf Filmen mit durchschnittlich 74,8 Minuten Produzent beteiligt. Eine ähnliche Rolle spielte er in fünf Filmen, die ursprünglich 1970 veröffentlicht wurden, zwei für AIP und drei für seine eigene Neue Welt: Die durchschnittliche Länge betrug 89,8 Minuten. Diese Filme könnten einen ordentlichen Gewinn erzielen. Die erste New-World-Veröffentlichung, der Biker-Film Angels Die Hard , kostete 117.000 US-Dollar in der Produktion und brachte mehr als 2 Millionen US-Dollar an den Kinokassen ein.

Das größte Studio im Low-Budget-Bereich blieb führend beim Wachstum der Verwertung. 1973 gab American International dem jungen Regisseur Brian De Palma eine Chance . Überprüfung der Schwestern , Pauline Kael beobachtet , dass seine „schlaff Technik nicht zu den Menschen keine Rolle spielt scheinen , die ihre unentgeltlichen wollen Zwickel. ... [H] e können nicht zwei Leute , um im Gespräch bekommen , um einen einfachen expository Punkt zu machen , ohne seine das klingt wie das düsterste Republikbild von 1938." Viele Beispiele des Blaxploitation- Genres mit stereotypen Geschichten rund um Drogen, Gewaltkriminalität und Prostitution waren das Produkt von AIP. Einer der größten Stars von Blaxploitation war Pam Grier , die ihre Filmkarriere mit einer kleinen Rolle in Russ Meyers Jenseits des Tals der Puppen (1970) begann. Es folgten mehrere New World-Bilder, darunter The Big Doll House (1971) und The Big Bird Cage (1972), beide unter der Regie von Jack Hill . Hill führte auch Regie bei ihren bekanntesten Auftritten in zwei AIP-Blaxploitation-Filmen: Coffy (1973) und Foxy Brown (1974).

Blaxploitation war das erste Verwertungsgenre, in dem die großen Studios im Mittelpunkt standen. Tatsächlich gilt die United Artists-Veröffentlichung Cotton Comes to Harlem (1970) unter der Regie von Ossie Davis als der erste bedeutende Film dieser Art. Aber der Film, der das Blaxploitation-Phänomen wirklich entzündete, war völlig unabhängig: Sweet Sweetbacks Baadasssss Song (1971) ist vielleicht auch das empörendste Beispiel für diese Form: wild experimentell, grenzwertig pornografisch und im Wesentlichen ein Manifest für eine afroamerikanische Revolution. Melvin Van Peebles schrieb, koproduzierte, führte Regie, spielte die Hauptrolle, schnitt und komponierte die Musik für den Film, der mit einer Leihgabe von Bill Cosby fertiggestellt wurde . Sein Verleih war die kleine Cinemation Industries , die damals vor allem für die Veröffentlichung synchronisierter Versionen der italienischen Mondo Cane "Shockumentaries" und des schwedischen Skin-Streifens Fanny Hill sowie für ihre eigene Eigenproduktion The Man from ORGY (1970) bekannt war. Diese Art von Filmen spielte in den "Grindhouses" der Zeit - viele von ihnen nicht gerade Pornotheater, sondern Schauplätze für alle Arten von Exploitation-Kinos. Die Tage von sechs Quickies für einen Nickel waren vorbei, aber eine Kontinuität des Geistes war offensichtlich.

Piranha (1978), unter der Regie von Joe Dante und geschrieben von John Sayles für Cormans New World Pictures , ist ein actiongeladener Kreaturenfilm , eine warnende Umweltgeschichteund eine humorvolle Parodie auf Jaws . Es war einer von vielen Exploitationsfilmen, die das Design von Jaws ' berühmtem Poster nachahmen, "mit seinem Versprechen von prickelndem Nervenkitzel".

1970 gewann ein in 16 mm gedrehter Low-Budget-Krimi der amerikanischen Erstregisseurin Barbara Loden den internationalen Kritikerpreis der Filmfestspiele von Venedig . Wanda ist sowohl ein wegweisendes Ereignis in der unabhängigen Filmbewegung als auch ein klassisches B-Bild. Die kriminelle Handlung und die oft schäbigen Einstellungen hätten zu einem einfachen Exploitation-Film oder einem B-Noir der alten Schule gepasst. Die 115.000-Dollar-Produktion, für die Loden sechs Jahre lang Geld gesammelt hat, wurde von Vincent Canby für "die absolute Genauigkeit ihrer Wirkung, den anständigen Standpunkt und ... die Reinheit der Technik" gelobt . Wie Romero und Van Peebles machten auch andere Filmemacher der Ära Bilder, die die Unterhaltung der Ausbeutung auf Bauchebene mit bissigen Gesellschaftskommentaren verbanden. Die ersten drei Spielfilme von Larry Cohen , Bone (1972), Black Caesar (1973) und Hell Up in Harlem (1973), waren alle nominell Blaxploitation-Filme, aber Cohen verwendete sie als Vehikel für eine satirische Untersuchung der Rassenbeziehungen und der Löhne des Dog-Eat-Dog-Kapitalismus. Auch der blutige Horrorfilm Deathdream (1974) unter der Regie von Bob Clark ist ein qualvoller Protest gegen den Vietnamkrieg. Der kanadische Filmemacher David Cronenberg hat ernsthafte Low-Budget-Horrorfilme gedreht, deren Implikationen weniger ideologisch als vielmehr psychologisch und existentiell sind: Shivers (1975), Rabid (1977), The Brood (1979). Ein Easy Rider mit konzeptioneller Strenge, der Film, der am deutlichsten die Kombination von Verwertungsinhalten und künstlerischer Behandlung in bescheidenen Filmen späterer Jahre ankündigte, war Electra Glide in Blue (1973) von United Artists unter dem Thema Biker unter der Regie von James William Guercio . Der Rezensent der New York Times hielt wenig davon: "Unter anderen Absichten hätte es vielleicht einen anständigen Roger Corman-Fahrradfilm der Klasse C gemacht - obwohl Corman im Allgemeinen interessantere Regisseure als Guercio eingesetzt hat."

In den frühen 1970er Jahren, die wachsende Praxis nonmainstream bewegte Bilder wie spät Shows von Screening, mit dem Ziel , einen zu bauen Kultfilm Publikum, brachte das Mitternacht Film Konzept nach Haus ins Kino, jetzt in einer Gegenkultur Einrichtung so etwas wie ein Drive-in - Film für die Hüfte . Einer der ersten Filme, die 1971 von der neuen Schaltung übernommen wurden, war die drei Jahre alte Nacht der lebenden Toten . Der Mitternachtsfilmerfolg von Low-Budget-Bildern, die vollständig außerhalb des Studiosystems entstanden, wie John Waters ' Pink Flamingos (1972), mit seiner kampflustigen Ausbeutung, beflügelte die Entwicklung der unabhängigen Filmbewegung. The Rocky Horror Picture Show (1975), ein preiswerter Film von 20th Century Fox, der alle Arten von klassischen B-Bild-Klischees gefälscht hat, wurde zu einem beispiellosen Hit, als er im Jahr nach seiner ersten, unprofitablen Veröffentlichung als spätes Show-Feature neu aufgelegt wurde. Auch wenn Rocky Horror sein eigenes subkulturelles Phänomen hervorbrachte , trug es zum Mainstreaming des Mitternachtsfilms bei.

In den 1970er Jahren wurden regelmäßig asiatische Kampfkunstfilme importiert. Diese „ Kung-Fu “-Filme, wie sie oft genannt wurden, wurden in den Vereinigten Staaten von den in Hongkong produzierten Filmen von Bruce Lee populär gemacht und an das gleiche Publikum von AIP und New World vermarktet. Horror zog weiterhin junge, unabhängige amerikanische Regisseure an. Wie Roger Ebert 1974 in einer Rezension erklärte: "Horror- und Exploitationsfilme machen fast immer einen Gewinn, wenn sie zum richtigen Preis eingeführt werden. Sie bieten also eine gute Ausgangsbasis für ambitionierte Möchtegern-Filmemacher, die konventioneller nicht werden können." Projekte aus dem Boden." Der in Betracht gezogene Film war The Texas Chain Saw Massacre . Von Tobe Hooper für weniger als 300.000 US-Dollar produziert, wurde er zu einem der einflussreichsten Horrorfilme der 1970er Jahre. John Carpenter ‚s Halloween (1978), hergestellt auf einem $ 320.000 Budget, spielte über $ 80 Millionen weltweit und effektiv den Slasher - Film als Horror primäre Modus für das nächste Jahrzehnt festgelegt. So wie Hooper von Romeros Arbeit, gelernt hatte , Halloween , wiederum gefolgt weitgehend das Modell des Black Christmas (1974) unter der Regie von Deathdream ' s Bob Clark.

Im Fernsehen waren die Parallelen zwischen der wöchentlichen Serie, die zur Hauptsendezeit des Programms wurde, und den Hollywood-Serienfilmen von früher längst klar. In den 1970er Jahren begannen die Originalprogramme in Spielfilmlänge zunehmend auch den B-Movie zu wiederholen. Als die Produktion von Fernsehfilmen mit der Einführung des ABC-Films der Woche im Jahr 1969 expandierte , bald darauf folgten, dass andere Fernsehsender den Originalfilmen gewidmet wurden, verlagerten Zeit und finanzielle Faktoren das Medium schrittweise in das B-Bild-Gebiet. Fernsehfilme, die von jüngsten Skandalen inspiriert wurden – wie The Ordeal of Patty Hearst , der einen Monat nach ihrer Entlassung aus dem Gefängnis 1979 uraufgeführt wurde – reichten bis in die 1920er Jahre zurück und Filme wie Human Wreckage und When Love Grows Cold , FBO-Bilder machten schnell nach Promi-Unglück. Viele Fernsehfilme der 1970er-Jahre – wie The California Kid (1974) mit Martin Sheen – waren aktionsorientierte Genrebilder, wie sie aus der zeitgenössischen filmischen B-Produktion bekannt sind. Nightmare in Badham County (1976) begab sich direkt in das Reich der Ausbeutung von Bondage-Girls-in-Redneck-Fesseln.

Der Nachhall von Easy Rider war in solchen Bildern ebenso zu spüren wie in einer Vielzahl von Exploitations-Kinofilmen. Sein größter Einfluss auf das Schicksal des B-Movies war jedoch weniger direkt – 1973 erkannten die großen Studios das kommerzielle Potenzial von Genres, die einst weitgehend im Schnäppchenkeller lagen. Rosemary's Baby war ein großer Hit, hatte aber wenig mit dem Ausbeutungsstil gemein. Warner Bros.' Der Exorzist zeigte, dass ein stark beworbener Horrorfilm ein absoluter Blockbuster werden kann: Es war der größte Film des Jahres und mit Abstand der bestverdienende Horrorfilm, der je gedreht wurde. In William Paul Beschreibung ist es auch „der Film , dass wirklich gross-out für Mainstream - Kino als Ausdrucksweise etabliert. ... [P] ast Exploitation - Filme aufgrund ihrer Marginalität ihrer Grausamkeiten zu nutzen , verwaltet. Der Exorzist gemacht Grausamkeit Am Ende des Jahrzehnts wurde die Explorations-Buchungsstrategie, Filme gleichzeitig in Hunderten bis Tausenden von Kinos zu öffnen, zur Standardpraxis der Branche." Regisseur und Drehbuchautor George Lucas ‚s American Graffiti , eine Universal - Produktion, tat etwas Ähnliches. Von Paul als "im Wesentlichen ein amerikanisch-internationales Teenybopper-Bild mit viel mehr Spucke und Schliff" beschrieben, war es 1973 der drittgrößte Film und gleichzeitig der mit Abstand bestverdienende Teenagerfilm, der je gedreht wurde. Es folgten noch mehr historisch bedeutsame Filme mit B-Themen und A-Level-Finanzierung.

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1980er Jahre

Die meisten der während der Ausbeutungszeit gegründeten B-Movie-Produktionshäuser brachen zusammen oder wurden von größeren Unternehmen übernommen, als sich die finanzielle Situation der Branche Anfang der 1980er Jahre änderte. Sogar ein vergleichsweise billiges, effizient gemachtes Genrebild, das für den Kinostart vorgesehen war, kostete Millionen von Dollar, als die großen Filmstudios ständig in die Produktion teurer Genrefilme einstiegen und die Erwartungen des Publikums an spektakuläre Actionsequenzen und realistische Spezialeffekte anstiegen. Hinweise auf den Trend gab es bereits bei Airport (1970) und insbesondere im Mega-Schlock von The Poseidon Adventure (1972), Earthquake (1973) und The Towering Inferno (1974). Ihre Katastrophenpläne und Dialoge waren bestenfalls B-Klasse; aus Sicht der Branche waren dies jedoch Bilder, die fest in einer Tradition von Star-Spektakel verwurzelt waren. Der Exorzist hatte die Anziehungskraft des effektvollen Horrors mit großem Budget demonstriert. Aber die Gezeitenwechsel in der Fokus verdanken weitgehend auf den enormen Erfolg von drei Filmen: Majors Steven Spiel ‚s Creature Feature Jaws (1975) und George Lucas ' Weltraumoper Star Wars (1977) hatten jeweils im Gegenzug werden die höchsten Einnahmen Film in der Filmgeschichte. Superman , das im Dezember 1978 veröffentlicht wurde, hatte bewiesen, dass ein Studio 55 Millionen Dollar für einen Film über eine Comicfigur für Kinder ausgeben und einen großen Gewinn erzielen konnte – es war der Top-Kinohit des Jahres 1978. Blockbuster-Fantasy-Spektakel wie das Original von 1933 King Kong war einmal außergewöhnlich gewesen; im neuen Hollywood, zunehmend unter dem Einfluss multiindustrieller Konglomerate, herrschten sie.

„Zu blutig ein Kunstfilm, zu künstlerisch zu sein , ein Ausnutzungsfilm zu sein, lustig , aber nicht ganz eine Komödie“: 168 private Investoren unterstützten die Sundance Gewinner Blood Simple ' s $ 1,5 Millionen Budgets. Die Brüder Joel und Ethan Coen brachten dem 1984 Noir einen markanten visuellen Stil. In einem wiederholten Motiv, schreibt David Denby , "bedrohen Autoscheinwerfer die Menschen, die im Dunkeln heimliche Dinge tun."

Von 1961 bis 1976 hatte es anderthalb Jahrzehnte gedauert, bis sich die Produktionskosten eines durchschnittlichen Hollywood-Spielfilms von 2 Millionen auf 4 Millionen Dollar verdoppelt hatten – inflationsbereinigt ein Rückgang. In nur vier Jahren hat sie sich wieder mehr als verdoppelt und erreichte 1980 8,5 Millionen US-Dollar (ein konstanter Anstieg um etwa 25 Prozent). Selbst als die Inflationsrate in den USA nachließ, stiegen die durchschnittlichen Ausgaben für das Filmemachen weiter an. Da die Majors inzwischen routinemäßig in über tausend Theatern ausgebucht sind, wurde es für kleinere Einrichtungen immer schwieriger, die für die Erzielung eines Gewinns erforderlichen Ausstellungsverpflichtungen zu erzielen. Doppelte Merkmale waren jetzt buchstäblich Geschichte – fast unmöglich, außer in Wiederbelebungshäusern zu finden . Einer der ersten Hauptopfer des neuen Wirtschaftsregimes war das ehrwürdige B-Studio Allied Artists, das im April 1979 Insolvenz anmeldete. In den späten 1970er Jahren hatte AIP relativ teure Filme wie den sehr erfolgreichen Amityville Horror und den katastrophalen Meteor von 1979 produziert Ende 1980 wurde das Studio verkauft und als Filmkonzern aufgelöst.

Trotz des zunehmenden finanziellen Drucks, der Vertriebshindernisse und des Gesamtrisikos erreichten viele Genrefilme von kleinen Studios und unabhängigen Filmemachern immer noch die Kinos. Horror war das stärkste Low-Budget-Genre der Zeit, insbesondere im Slasher-Modus wie bei The Slumber Party Massacre (1982), geschrieben von der feministischen Autorin Rita Mae Brown . Der Film wurde für New World mit einem Budget von 250.000 US-Dollar produziert. Anfang 1983 verkaufte Corman New World; New Horizons, später Concorde-New Horizons, wurde sein Hauptunternehmen. 1984 veröffentlichte New Horizons einen von der Kritik gefeierten Film, der inmitten der Punkszene von Penelope Spheeris geschrieben und inszeniert wurde . Die Kritik der New York Times kam zu dem Schluss: " Suburbia ist ein guter Genrefilm."

Larry Cohen verdrehte weiterhin Genrekonventionen in Bildern wie Q (auch bekannt als Q: The Winged Serpent ; 1982), den der Kritiker Chris Petit als "die Art von Film bezeichnete, die früher für den Markt unentbehrlich war: ein phantasievoller, beliebter, niedrig- Budgetbild, das seine begrenzten Ressourcen optimal ausnutzt und in dem die Leute ihren Job machen, anstatt herumzustehen und darüber zu reden". 1981 brachte New Line Polyester heraus , einen John-Waters-Film mit kleinem Budget und einem Old-School-Ausbeutungs-Gimmick: Odorama. In diesem Oktober debütierte The Book of the Dead , ein blutiger, aber stilvoller Horrorfilm, der für weniger als 400.000 US-Dollar gedreht wurde, in Detroit. Sein Autor, Regisseur und Co-Executive Producer Sam Raimi war eine Woche vor seinem zweiundzwanzigsten Geburtstag; Star und Co-Executive Producer Bruce Campbell war 23 Jahre alt. Es wurde von New Line für den Vertrieb abgeholt , in The Evil Dead umbenannt und wurde ein Hit. In den Worten eines Zeitungskritikers war es eine „ Tour de Force im Sande “.

Eines der erfolgreichsten B-Studios der 1980er Jahre war ein Überlebender aus der Blütezeit der Exploitation-Ära, Troma Pictures , das 1974 gegründet wurde. Tromas charakteristischste Produktionen, darunter Class of Nuke 'Em High (1986), Redneck Zombies (1986) und Surf Nazis Must Die (1987) nehmen Ausbeutung eine absurde Wendung. Tromas bekannteste Produktion ist The Toxic Avenger (1985); sein abscheulicher Held, liebevoll Toxie genannt, wurde in drei Fortsetzungen, einem bevorstehenden Neustart und einer TV-Zeichentrickserie vorgestellt. Eines der wenigen erfolgreichen B-Studio-Startups des Jahrzehnts war das in Rom ansässige Unternehmen Empire Pictures , dessen erste Produktion, Ghoulies , 1985 in die Kinos kam vom Kinoverleih, aber erst später in der Videothek. Eine Reihe von Concorde-New Horizon-Veröffentlichungen gingen ebenfalls diesen Weg und erschienen, wenn überhaupt, nur kurz in den Kinos. Das Wachstum der Kabelfernsehindustrie half auch der Low-Budget-Filmindustrie, da viele B-Movies schnell als "Füllmaterial" für 24-Stunden-Kabelkanäle endeten oder ausdrücklich für diesen Zweck hergestellt wurden.

1990er Jahre

Bis 1990 hatten die Kosten eines durchschnittlichen US-Films 25 Millionen Dollar überschritten . Von den neun Filmen, die in diesem Jahr veröffentlicht wurden und an den US-Kinokassen mehr als 100 Millionen US-Dollar einspielten, wären zwei vor den späten 1970er Jahren reines B-Movie-Material gewesen: Teenage Mutant Ninja Turtles und Dick Tracy . Drei weitere – der Science-Fiction-Thriller Total Recall , der actiongeladene Detektivthriller Die Hard 2 und der größte Hit des Jahres, die Slapstick-Kiddie-Komödie „ Home Alone“ – waren der traditionellen Arena der Bs ebenfalls viel näher als dem klassischen A- Themen auflisten. Die wachsende Popularität von Heimvideo und der Zugang zu unbearbeiteten Filmen im Kabel- und Satellitenfernsehen zusammen mit dem Immobiliendruck erschwerten das Überleben für die Art von kleinen oder nicht kettengebundenen Kinos, die die Hauptheimat unabhängig produzierter Genrefilme waren. Autokino-Bildschirme verschwanden schnell aus der amerikanischen Landschaft.

Überlebende B-Movie-Operationen auf unterschiedliche Weise angepasst. Veröffentlichungen von Troma gingen jetzt häufig direkt auf Video . New Line war in seinem ersten Jahrzehnt fast ausschließlich ein Vertrieb von Low-Budget-Independent- und ausländischen Genrebildern. Mit dem großen Erfolg des Originals Nightmare on Elm Street (1984) des Exploitation-Veteranen Wes Craven , dessen Kosten von fast 2 Millionen US-Dollar es direkt unterstützt hatte, begann das Unternehmen, sich stetig auf Genreproduktionen mit höherem Budget zu konzentrieren. 1994 wurde New Line an das Turner Broadcasting System verkauft ; es wurde bald als mittelgroßes Studio mit einer breiten Produktpalette neben Warner Bros. innerhalb des Time Warner- Konzerns geführt. Im nächsten Jahr, Showtime startete Roger Corman Presents , eine Serie von dreizehn straight-to-Kabel - TV produziert von Concorde-New Horizons. A New York Times gefunden Rezensent , dass die erste Rate als qualifiziert „vintage Corman ... gespickt mit allem , was von entblößten weiblichen Brüsten zu einem Geist weht Zitat von Thomas Mann ‚s Tod in Venedig “.

Gleichzeitig mit dem Verschwinden der Ausstellungsorte für B-Filme blühte die unabhängige Filmbewegung auf; unter den ergebnissen waren verschiedene kreuzungen zwischen dem low-budget-genre film und dem "anspruchsvollen" arthouse-bild. Regisseur Abel Ferrara , der sich mit gewalttätigen B-Movies wie The Driller Killer (1979) und Ms. 45 (1981) einen Namen gemacht hat, hat in den frühen neunziger Jahren zwei Werke gedreht, die ausbeutungswürdige Darstellungen von Sex, Drogen und allgemeinem Schmutz miteinander verbinden komplexe Prüfungen von Ehre und Erlösung: King of New York (1990) wurde von einer Gruppe meist kleiner Produktionsfirmen unterstützt und die Kosten von Bad Lieutenant (1992), 1,8 Millionen Dollar , wurden völlig unabhängig finanziert. Larry Fessendens Mikrobudget -Monsterfilme wie No Telling (1991) und Habit (1997) fassen klassische Genrethemen – Frankenstein bzw. Vampirismus – neu auf, um Themen von zeitgenössischer Relevanz zu untersuchen. Das Budget von David Cronenbergs Crash (1996) war mit 10 Millionen Dollar nicht bequem A-Klasse, aber auch kaum B-Niveau. Die Bildsprache des Films war eine andere Sache: "Auf seiner skandalösen Oberfläche suggeriert David Cronenbergs Crash Ausbeutung in ihrer beunruhigendsten Form", schrieb die Kritikerin Janet Maslin . Finanziert wie King of New York von einem Konsortium von Produktionsfirmen, wurde es von Fine Line Features für den US-Vertrieb abgeholt . Dieses Ergebnis spiegelte das Durcheinander von Definitionen des Films wider: Fine Line war eine Tochtergesellschaft von New Line, die kürzlich in das Time Warner-Imperium aufgegangen ist – genauer gesagt war es die Arthouse-Abteilung des alten Verwertungsvertriebs. Pulp Fiction (1994), bei dem Quentin Tarantino mit einem Budget von 8,5 Millionen US-Dollar Regie führte , wurde durch das Überschreiten mehrerer Linien zu einem enorm einflussreichen Hit, wie James Mottram beschreibt: ist die Achse für drei unterschiedliche filmische Traditionen, die sich kreuzen."

Übergang in den 2000er Jahren und danach

Um die Jahrtausendwende lagen die durchschnittlichen Produktionskosten eines amerikanischen Spielfilms bereits drei Jahre über der 50-Millionen-Dollar- Marke. 2005 gehörten zu den Top-Ten-Filmen an den US-Kinokassen drei Adaptionen von Kinder-Fantasy-Romanen, von denen eine eine Serie erweitert und die andere eine Serie einleitet ( Harry Potter und der Feuerkelch und Die Chroniken von Narnia: Der Löwe, die Hexe und die Garderobe . jeweils), ein auf Kinder ausgerichteter Cartoon ( Madagascar ), eine Comic-Adaption ( Batman Begins ), eine Science-Fiction-Serie ( Star Wars: Episode III – Revenge of the Sith ), ein Science-Fiction-Remake ( War of the Worlds). ) und ein King Kong- Remake. Es war ein langsames Jahr für Corman: Er produzierte nur einen Film, der nicht in den USA in die Kinos kam, das gilt für die meisten Bilder, an denen er in den letzten zehn Jahren beteiligt war. Da Hollywood-Filme mit großem Budget weiterhin traditionelle Genres mit niedrigen Mieten an sich rissen, war die anhaltende Lebensfähigkeit der bekannten Marke des B-Movies ernsthaft in Frage gestellt. Der Kritiker der New York Times, AO Scott, warnte vor dem bevorstehenden "Aussterben" der "käsigen, campy, schuldigen Freuden" des B-Bildes.

Nicht alle B-Movies sind unbedingt "schlockig" oder von Schockwert . Shane Carruth drehte den anspruchsvollen Sundance- prämierten Science-Fiction-Film Primer (2004) für 7.000 US-Dollar. Laut Kritiker Adam Lemke steht Carruths „verkrampfte, klaustrophobische Inszenierung “ beispielhaft für einen „subtilen, aber strengen visuellen Stil, der niemals den Beschränkungen seines begrenzten Budgets erliegt“.

Auf der anderen Seite deuten die jüngsten Branchentrends darauf hin, dass so etwas wie die traditionelle AB-Spaltung in großen Studioproduktionen wieder auftaucht, obwohl weniger "Programmierer" die Lücke schließen. Laut einem Bericht von 2006 von der Industrie - Analysten Alfonso Marone, „Der durchschnittliche Budget für einen Hollywood - Film liegt derzeit bei rund $ 60 m , bis $ stieg 100 m , wenn die Kosten für Marketing für die Hauseinführung (nur USA) in die Gleichung berücksichtigt wird. Allerdings große Produktionen ($ 120-: sind wir jetzt eine Polarisierung der Filmbudgets in zwei Ebenen erleben 150 m ) und Nischenmerkmale ($ 5-20m) ... Weniger $ 30-. 70 m Versionen zu erwarten sind „. Fox gründete 2006 eine neue Tochtergesellschaft, Fox Atomic , um sich auf jugendorientierte Genrefilme zu konzentrieren. Das Wirtschaftsmodell war bewusst niedrig gehalten, zumindest nach großen Studiostandards. Laut einem Variety- Bericht "bleibt Fox Atomic für viele seiner Filme bei oder unter der 10-Millionen-Dollar- Marke. Es ermutigt Filmemacher auch, digital zu drehen - ein billigerer Prozess, der zu einem kernigeren, jugendlicheren Look führt. Und vergiss die Stars." Von den neun angekündigten Filmen von Atomic hat keiner einen großen Namen." Die neumodische B-Movie-Sparte wurde 2009 geschlossen.

Wie der Variety- Bericht nahelegt, erleichtern die jüngsten technologischen Fortschritte die Produktion von wirklich Low-Budget-Filmen erheblich. Obwohl es immer wirtschaftliche Mittel gewesen , mit denen zum Aufnehmen von Filmen, einschließlich Super 8 und 16 - mm - Film , sowie Videokameras auf die Aufnahme analogen Videoband , diese Medien konnte die Bildqualität nicht rivalisierenden 35 - mm - Film . Die Entwicklung von Digitalkameras und Postproduktionsmethoden ermöglicht es nun auch Low-Budget-Filmemachern, Filme mit exzellenter und nicht unbedingt "körnerischer" Bildqualität und Schnitteffekten zu produzieren. Wie Marone feststellt, "beträgt das für digitale Dreharbeiten erforderliche Ausrüstungsbudget (Kamera, Support) etwa 1/10 des Filmbudgets, was das Produktionsbudget für unabhängige Spielfilme erheblich senkt. Gleichzeitig ist [seit den frühen 2000er Jahren] die Qualität der Das digitale Filmemachen hat sich dramatisch verbessert." Unabhängige Filmemacher, die im Genre- oder Arthouse-Modus arbeiten, haben es weiterhin schwer, Zugang zu Vertriebskanälen zu erhalten, obwohl digitale End-to-End-Vertriebsmethoden neue Möglichkeiten bieten. In ähnlicher Weise haben Internet-Seiten wie YouTube ganz neue Wege für die Präsentation von Low-Budget-Filmen eröffnet.

Zugehörige Begriffe

Die Begriffe C-Movie und der gebräuchlichere Z-Movie beschreiben zunehmend niedrigere Abstufungen der B-Movie-Kategorie. Die Begriffe Autokino und Mitternachtsfilm , die im Zusammenhang mit bestimmten historischen Phänomenen entstanden, werden heute oft als Synonyme für B-Movie verwendet .

C-Film

Der C-Film ist die Filmklasse am unteren Ende des B-Films oder – in einigen Taxonomien – einfach darunter. In den 1980er Jahren, mit dem Wachstum des Kabelfernsehens , wurde die C-Klasse immer häufiger auf Genrefilme von geringer Qualität angewendet, die als Füllprogramm für diesen Markt verwendet wurden. Das "C" im Begriff erfüllt dann eine doppelte Funktion und bezieht sich nicht nur auf eine Qualität, die niedriger ist als "B", sondern auch auf das anfängliche c des Kabels. Zur Popularisierung des C-Films trug die Fernsehserie Mystery Science Theatre 3000 (1988-99) bei, die nach ihrem ersten Jahr auf nationalen Kabelkanälen (zuerst Comedy Central , dann Sci Fi Channel ) lief. MST3K aktualisierte ein Konzept, das drei Jahrzehnte zuvor von der TV-Moderatorin Vampira eingeführt wurde , und präsentierte billige, minderwertige Filme, hauptsächlich Science-Fiction der 1950er und 1960er Jahre, zusammen mit laufenden Voice-Over-Kommentaren, die die Mängel der Filme hervorhoben. Regisseur Ed Wood wurde in diesem Sinne als "der Meister des 'C-Movies ' " bezeichnet, obwohl Z-Movie (siehe unten) vielleicht noch mehr auf seine Arbeit zutrifft. Die schnelle Expansion von Nischenkabel- und Satellitenkanälen wie Sci Fi (mit seinen Sci Fi Pictures ) und HBOs Genre-Kanälen in den 1990er und 2000er Jahren hat einen Markt für zeitgenössische C-Bilder geschaffen, von denen viele "Direct-to-Kabel" -Filme sind. Genrefilme mit kleinem Budget, die nie in die Kinos kamen.

Z-Film

Ed Woods Ultra-Low-Budget- Plan 9 aus Outer Space (1959) wird oft als "der schlechteste Film aller Zeiten" bezeichnet.

Der Begriff Z-Film (oder Grade-Z-Film ) wird von einigen verwendet, um Low-Budget-Bilder mit Qualitätsstandards zu charakterisieren, die weit unter denen der meisten B- und sogar C-Filme liegen. Die meisten Filme, die als Z-Filme bezeichnet werden, werden mit sehr kleinen Budgets von Betrieben am Rande der kommerziellen Filmindustrie gedreht. Die Mikro-Budget-"Quickies" der 1930er-Jahre-Fly-by-Night- Produktionshäuser der Poverty Row können als Z-Filme avant la lettre angesehen werden . Die Filme des Regisseurs Ed Wood wie Glen oder Glenda (1953) und Plan 9 from Outer Space (1959) – letzterer häufig als eines der schlechtesten Bilder aller Zeiten genannt – stehen beispielhaft für den klassischen Grade-Z-Film. Zs der letzten Tage zeichnen sich oft durch gewalttätige, blutige oder sexuelle Inhalte und ein Minimum an künstlerischem Interesse aus; ein Großteil davon ist für das Abonnement-TV- Äquivalent des Grindhouse bestimmt.

Psychotronischer Film

Psychotronischer Film ist ein Begriff, der vom Filmkritiker Michael J. Weldon geprägt wurde – von einem anderen Kritiker als „der Historiker der Randfilme“ bezeichnet – um die Art von Low-Budget-Genre-Bildern zu bezeichnen, die im Allgemeinen vom kritischen Establishment verachtet oder völlig ignoriert werden . Weldons unmittelbare Quelle für den Begriff war der Chicagoer Kultfilm The Psychotronic Man (1980), dessen Titelfigur ein Friseur ist, der die Fähigkeit entwickelt, mit psychischer Energie zu töten. Laut Weldon: "Meine ursprüngliche Idee mit diesem Wort ist, dass es ein zweiteiliges Wort ist. 'Psycho' steht für die Horrorfilme und 'tronic' steht für die Science-Fiction-Filme. Ich habe die Bedeutung des Wortes sehr schnell erweitert auf jede Art von Ausbeutung oder B-Movie beinhalten." Der Begriff, der in den 1980er Jahren mit Veröffentlichungen von Weldon wie The Psychotronic Encyclopedia of Film , The Psychotronic Video Guide und dem Psychotronic Video Magazin populär wurde , wurde später von anderen Kritikern und Fans übernommen. Die Verwendung des Begriffs neigt dazu , einen Fokus auf und eine Zuneigung zu jenen B - Filmen zu betonen , die sich als Lager eignen .

B-Fernsehen

B-Fernsehen ist der Begriff, den die deutsche Medienwissenschaftlerin Heidemarie Schumacher in ihrem Artikel Vom Wahren, Guten, Schönen zu den Wahrhaft Schönen verwendet – Strategien zur Identifikation des Publikums im deutschen „B-Fernsehen“ in Analogie zu „ B-Fernsehen“. Film „die Entwicklung des deutschen zu charakterisieren kommerziellen Fernsehens, das angenommen‚die Ästhetik der Werbung‘mit seiner‚albernen Positivität von jedem Teilnehmer abgestrahlt wird , die Aufnahme von Clips, Soft focus, eingängige Musik‘sowie“ Förderung von Waren durch Produktplatzierung ". Schumacher stellt fest, dass das öffentlich-rechtliche Fernsehen in Deutschland nach der Deregulierung von 1984 seinen Höhepunkt überschritten und an den Rand gedrängt wurde. Neu gegründete kommerzielle Sender, die ohne gesellschaftliche Legitimation betrieben werden, konzentrierten sich ausschließlich auf die Rentabilität. Um die Zuschauerbindung aufzubauen und aufrechtzuerhalten, senden diese Sender Reality-Shows, sensationellen Journalismus , tägliche Seifenopern , Infotainment-Programme, Talkshows , Spielshows und Softpornografie . In seinem Artikel erwähnt Schumacher Amusing Ourselves to Death des amerikanischen Kulturkritikers Neil Postman , der die These vom Fernsehprogramm als Derivat der Werbung formulierte und „eine Art von Information schuf, die man zu Recht als Desinformation bezeichnen könnte – fehl am Platz, irrelevant, fragmentiert oder oberflächlich“. Informationen, die die Illusion erwecken, etwas zu wissen, die aber tatsächlich vom Wissen wegführen".

Wie Postman stellt Schumacher fest, dass die zeitgenössische Fernsehwerbung sich oft dafür entscheidet, die Markentreue zu stärken, anstatt das Produkt zu bewerben. Dieser Reverse-Marketing- Ansatz wird von Fernsehsendern verwendet, um die Sender selbst zu bewerben. Als Grundpfeiler für den Erwerb und Erhalt von Marktanteilen nennt Schumacher drei konkrete Prinzipien: die Aufmerksamkeit des Zuschauers zu gewinnen, die emotionale Bindung des Publikums herzustellen und das Interesse des Zuschauers aufrechtzuerhalten. Ein kommerzieller RTL- Sender beschrieb einen solchen Aufbau der Zuschauerbindung positiv: "RTL hat für das Fernsehen etwas ganz Neues entdeckt. Der Zuschauer".

Schumacher argumentiert, dass die Zuschauerbindung in erster Linie durch die Darstellung vertrauter emotionaler Situationen und der alltäglichen Probleme der Zuschauer hergestellt wird, was bedeutet, dass private Sender überwiegend Privates ausstrahlen. Die Weiterentwicklung dieses Ansatzes führte zur Schaffung von Reality-TV-Shows, die neue Realitäten generieren, indem sie direkt in das tatsächliche Leben ihrer Teilnehmer eingreifen. Eine solche Personalisierung und Dramatisierung des Fernsehens löste den "Fall of Public Man" aus, in den Worten von Richard Sennett .

Die Strategie der Zuschauerbindung durch emotionale Sensationen spiegele sich in skandalösen "Special News" wider, die "Sex- und Crime-Themen favorisieren und einen hochaffektiven Kommentarstil, eine Clip-Ästhetik sowie eine dem Krimi-Genre entlehnte musikalische Untermalung verwenden". Als Beispiel nennt Schumacher Real Personal , eine Talkshow über menschliche Sexualität, die in den 1990er Jahren fünfmal pro Woche von NBC im Fernsehen ausgestrahlt wurde . „Der Titel selbst bringt die Botschaft von ‚B-TV‘ auf den Punkt: Hier stehen echte Menschen und ihre ‚echten‘ Probleme im Mittelpunkt“, überlegt Schumacher.

Unter Hinweis auf die sehr erfolgreichen Unterhaltungsprogramme von David Letterman und Jay Leno verkündet Schumacher, dass ein Talkshow-Moderator, der täglich auf dem Fernsehbildschirm zu sehen ist, fast zu einem Teil der Familie wird. "Nicht nur Dummheit, sondern auch Geborgenheit verbreiten", so der Moderator "ein fester Bestandteil unseres Tagesablaufs" zusammen mit einer täglichen Seifenoper, einer täglichen Infotainment-Show oder einer täglichen Spielshow.

„Appelle an Zuschaueremotionen und die aktive Beteiligung des Verbrauchers erhöhen die Marktausschöpfungsfähigkeit von ‚B-TV‘“, so Schumacher abschließend.

Erik Henriksen von Portland Mercury verwendete den Begriff "B-TV", als er die Fernsehserie Stargate Atlantis rezensierte , um die Art von Show zu beschreiben, die nicht "echt großartig" ist, sondern "einfach funktioniert - wenn auch auf eine vage peinliche und alberne Weise -. das Publikum zu unterhalten, von Woche zu Woche die gleichen Charaktere aneinanderzureihen, gemusterte Plots herauszubringen, die dennoch mit gerade genug Originalität und Einzigartigkeit gespickt sind, um sie unterhaltsam und unterhaltsam und ablenkend zu machen."

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Externe Links

Interviews mit B-Movie-Profis