Barock -Baroque

Der Barock
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Oben: Venus und Adonis von Peter Paul Rubens (1635–1640); Mitte: Die Ekstase der Heiligen Teresa von Bernini (1651); unten: Schloss Versailles in Frankreich ( um 1660–1715)
aktive Jahre 17.–18. Jahrhundert

Der Barock ( UK : / b ə ˈ r ɒ k / , US : / b ə ˈ r k / ; Französisch:  [baʁɔk] ) ist ein Stil der Architektur , Musik , Tanz , Malerei , Skulptur , Poesie und anderer Künste die in Europa vom frühen 17. Jahrhundert bis in die 1750er Jahre blühte. In den Gebieten des spanischen und portugiesischen Reiches einschließlich der Iberischen Halbinsel setzte es sich zusammen mit neuen Stilen bis ins erste Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts fort. Es folgte der Kunst der Renaissance und dem Manierismus und ging dem Rokoko (in der Vergangenheit oft als "Spätbarock" bezeichnet) und dem Neoklassizismus voraus . Es wurde von der katholischen Kirche als Mittel ermutigt, der Einfachheit und Strenge der protestantischen Architektur, Kunst und Musik entgegenzuwirken, obwohl sich die lutherische Barockkunst auch in Teilen Europas entwickelte.

Der Barockstil verwendete Kontrast, Bewegung, üppige Details, tiefe Farben, Erhabenheit und Überraschung, um ein Gefühl der Ehrfurcht zu erreichen. Der Stil begann zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Rom und verbreitete sich dann schnell nach Frankreich, Norditalien, Spanien und Portugal, dann nach Österreich, Süddeutschland und Polen. In den 1730er Jahren hatte es sich zu einem noch extravaganteren Stil entwickelt, genannt Rocaille oder Rokoko , der in Frankreich und Mitteleuropa bis Mitte bis Ende des 18. Jahrhunderts auftauchte.

In der dekorativen Kunst verwendet der Stil reichlich und komplizierte Ornamente. Die Abkehr vom Renaissance-Klassizismus hat in jedem Land seine eigenen Wege. Aber ein allgemeines Merkmal ist, dass der Ausgangspunkt überall die von der Renaissance eingeführten ornamentalen Elemente sind . Das klassische Repertoire ist überfüllt, dicht, überlagernd, aufgeladen, um Schockeffekte zu provozieren. Neue Motive, die vom Barock eingeführt wurden, sind: die Kartusche , Trophäen und Waffen, Obst- oder Blumenkörbe und andere, die in Intarsien , Stuck oder Schnitzereien hergestellt sind.

Herkunft des Wortes

Anhänger in Form einer Sirene aus einer barocken Perle (der Torso) mit emaillierten Goldhalterungen, die mit Rubinen besetzt sind, wahrscheinlich um 1860, im Metropolitan Museum of Art (New York City, New York).

Das englische Wort Barock kommt direkt aus dem Französischen . Einige Gelehrte geben an, dass das französische Wort vom portugiesischen Begriff barroco ("eine fehlerhafte Perle") stammt und auf das lateinische verruca ("Warze") oder auf ein Wort mit dem Suffix -ǒccu (üblich in der vorrömischen Iberia) hinweist. . Andere Quellen deuten auf einen in der Logik verwendeten mittelalterlichen lateinischen Begriff baroco als wahrscheinlichste Quelle hin.

Im 16. Jahrhundert ging das mittelalterliche lateinische Wort baroco über die scholastische Logik hinaus und wurde verwendet, um alles zu charakterisieren, was absurd komplex erschien. Der französische Philosoph Michel de Montaigne (1533–1592) verband den Begriff baroco mit „bizarr und nutzlos kompliziert“. Andere frühe Quellen assoziieren Baroco mit Magie, Komplexität, Verwirrung und Exzess.

Das Wort Barock wurde vor dem 18. Jahrhundert auch mit unregelmäßigen Perlen in Verbindung gebracht. Der französische Barock und der portugiesische Barock waren Begriffe, die oft mit Schmuck in Verbindung gebracht wurden. Ein Beispiel aus dem Jahr 1531 verwendet den Begriff, um Perlen in einem Inventar der Schätze Karls V. von Frankreich zu beschreiben . Später taucht das Wort in einer Ausgabe von Le Dictionnaire de l'Académie Française von 1694 auf , die den Barock als "nur für unvollkommen runde Perlen verwendet" beschreibt. Ein portugiesisches Wörterbuch von 1728 beschreibt Barroco in ähnlicher Weise als eine "grobe und unebene Perle".

Eine alternative Ableitung des Wortes Barock weist auf den Namen des italienischen Malers Federico Barocci (1528–1612) hin.

Im 18. Jahrhundert wurde der Begriff verwendet, um Musik zu beschreiben, und zwar nicht auf schmeichelhafte Weise. In einer anonymen satirischen Rezension der Uraufführung von Jean-Philippe Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733, die im Mai 1734 im Mercure de France abgedruckt wurde , schrieb der Kritiker, die Neuheit in dieser Oper sei „du barocque“, monierte er dass es der Musik an einer kohärenten Melodie mangelte, sie mit Dissonanzen schonungslos umging, Tonart und Metrum ständig wechselte und alle kompositorischen Mittel schnell durchlief.

Im Jahr 1762 verzeichnete Le Dictionnaire de l'Académie Française , dass der Begriff im übertragenen Sinne etwas "Unregelmäßiges, Bizarres oder Ungleiches" beschreiben könnte.

Jean-Jacques Rousseau , der sowohl Musiker und Komponist als auch Philosoph war, schrieb 1768 in der Encyclopédie : „Barockmusik ist die, in der die Harmonien verwirrt und voller Modulationen und Dissonanzen sind. Der Gesang ist schroff und unnatürlich, Die Intonation ist schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass der Begriff von dem Wort "Baroco" stammt, das von Logikern verwendet wird. "

1788 definierte Quatremère de Quincy den Begriff in der Encyclopédie Méthodique als "einen architektonischen Stil, der sehr geschmückt und gequält ist".

Die französischen Begriffe Style Baroque und Musique Baroque tauchten 1835 im Le Dictionnaire de l'Académie Française auf . Mitte des 19. Jahrhunderts hatten Kunstkritiker und Historiker den Begriff "Barock" übernommen, um die Kunst nach der Renaissance lächerlich zu machen. Das war der Sinn des Wortes, wie er 1855 von dem führenden Kunsthistoriker Jacob Burckhardt verwendet wurde, der schrieb, dass Barockkünstler „das Detail verachteten und missbrauchten“, weil ihnen „der Respekt vor der Tradition“ fehlte.

1888 veröffentlichte der Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin das erste ernsthafte wissenschaftliche Werk zum Stil Renaissance und Barock , das die Unterschiede zwischen Malerei, Skulptur und Architektur der Renaissance und des Barock beschrieb.

Architektur: Ursprünge und Merkmale

Quadratura oder Trompe-l'œil- Decke der Kirche des Gesù in Rom, von Giovanni Battista Gaulli , von 1673 bis 1678

Der barocke Architekturstil war das Ergebnis von Lehren, die von der katholischen Kirche auf dem Konzil von Trient in den Jahren 1545–63 als Reaktion auf die protestantische Reformation angenommen wurden . Die erste Phase der Gegenreformation hatte der religiösen Architektur einen strengen, akademischen Stil auferlegt, der die Intellektuellen, aber nicht die Masse der Kirchgänger ansprach. Das Konzil von Trient beschloss stattdessen, ein breiteres Publikum anzusprechen, und erklärte, dass die Kunst religiöse Themen mit direkter und emotionaler Beteiligung vermitteln sollte. In ähnlicher Weise entwickelte sich die lutherische Barockkunst als konfessionelles Identitätsmerkmal als Reaktion auf den großen Bildersturm der Calvinisten .

Barocke Kirchen wurden mit einem großen zentralen Raum entworfen, in dem sich die Gläubigen in der Nähe des Altars aufhalten konnten, mit einer Kuppel oder Kuppel hoch über dem Kopf, wodurch Licht die darunter liegende Kirche erhellen konnte. Die Kuppel war eines der zentralen symbolischen Merkmale der barocken Architektur, das die Vereinigung von Himmel und Erde veranschaulichte. Das Innere der Kuppel war reich verziert mit Engels- und Heiligenbildern sowie Stuckstatuetten von Engeln, die den Untergebenen den Eindruck erweckten, in den Himmel zu blicken. Ein weiteres Merkmal barocker Kirchen sind die Quadraturen ; Trompe-l'œil- Gemälde an der Decke in Stuckrahmen, entweder echt oder gemalt, überfüllt mit Gemälden von Heiligen und Engeln und durch architektonische Details mit den Balustraden und Konsolen verbunden. Quadratura- Gemälde von Atlantes unter den Gesimsen scheinen die Decke der Kirche zu stützen. Im Gegensatz zu den bemalten Decken von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle , die verschiedene Szenen kombinierten, jede mit ihrer eigenen Perspektive, um sie einzeln zu betrachten, wurden die barocken Deckengemälde sorgfältig erstellt, damit der Betrachter auf dem Boden der Kirche dies sehen konnte gesamte Decke in der richtigen Perspektive, als ob die Figuren echt wären.

Die Innenräume barocker Kirchen wurden im Hochbarock immer prunkvoller und konzentrierten sich auf den Altar, der normalerweise unter der Kuppel platziert wurde. Die berühmtesten barocken Dekorationswerke des Hochbarocks sind der Petersstuhl (1647–1653) und der Baldachin von St. Peter (1623–1634), beide von Gian Lorenzo Bernini , im Petersdom in Rom. Der Baldequin von St. Peter ist ein Beispiel für die Balance der Gegensätze in der Barockkunst; die gigantischen Ausmaße des Stücks mit der scheinbaren Leichtigkeit des Baldachins; und der Kontrast zwischen den soliden verdrehten Säulen, Bronze, Gold und Marmor des Stücks mit den fließenden Vorhängen der Engel auf dem Baldachin. Als herausragendes Beispiel lutherischer Barockkunst dient die Dresdner Frauenkirche , die 1743 im Auftrag der lutherischen Stadt Dresden fertiggestellt und „von Beobachtern des 18. Jahrhunderts mit dem Petersdom in Rom verglichen“ wurde.

Die gedrehte Säule im Inneren von Kirchen ist eines der charakteristischen Merkmale des Barock. Es vermittelt sowohl ein Gefühl von Bewegung als auch eine dramatische neue Art, Licht zu reflektieren.

Die Kartusche war ein weiteres charakteristisches Merkmal der barocken Dekoration. Dies waren große, aus Marmor oder Stein gehauene Tafeln, normalerweise oval und mit einer abgerundeten Oberfläche, die Bilder oder Texte in vergoldeten Buchstaben trugen und als Innendekoration oder über den Türen von Gebäuden angebracht wurden, um Nachrichten an die darunter liegenden zu übermitteln. Sie zeigten eine große Vielfalt an Erfindungsreichtum und wurden in allen Arten von Gebäuden gefunden, von Kathedralen und Palästen bis hin zu kleinen Kapellen.

Barockarchitekten verwendeten manchmal erzwungene Perspektiven, um Illusionen zu erzeugen. Für den Palazzo Spada in Rom verwendete Borromini Säulen mit abnehmender Größe, einen schmaler werdenden Boden und eine Miniaturstatue im Garten dahinter, um die Illusion zu erzeugen, dass ein Durchgang dreißig Meter lang sei, obwohl er tatsächlich nur sieben Meter lang war. Eine Statue am Ende des Ganges wirkt lebensgroß, obwohl sie nur sechzig Zentimeter hoch ist. Borromini entwarf die Illusion mit Hilfe eines Mathematikers.

Italienischer Barock

Petersdom (Rom), vollendet 1615, von Donato Bramante , Michelangelo , Carlo Maderno und anderen

Das erste Gebäude in Rom mit einer barocken Fassade war die Kirche des Gesù von 1584; Nach späteren barocken Maßstäben war es schlicht, markierte jedoch einen Bruch mit den traditionellen Renaissancefassaden, die ihm vorausgingen. Das Innere dieser Kirche blieb bis ins Hochbarock sehr nüchtern und wurde dann reich verziert.

Paul V. war 1605 in Rom der erste einer Reihe von Päpsten , die Basiliken und Kirchengebäude in Auftrag gaben, die durch eine Vielzahl von Formen, eine Fülle von Farben und dramatischen Effekten Emotionen und Ehrfurcht wecken sollten. Zu den einflussreichsten Denkmälern des Frühbarock gehörten die Fassade des Petersdoms (1606–1619) sowie das neue Kirchenschiff und die Loggia, die die Fassade mit Michelangelos Kuppel in der früheren Kirche verbanden. Das neue Design schuf einen dramatischen Kontrast zwischen der hoch aufragenden Kuppel und der unverhältnismäßig breiten Fassade und dem Kontrast an der Fassade selbst zwischen den dorischen Säulen und der großen Masse des Portikus.

Mitte bis Ende des 17. Jahrhunderts erreichte der Stil seinen Höhepunkt, der später als Hochbarock bezeichnet wurde. Viele monumentale Werke wurden von den Päpsten Urban VIII und Alexander VII in Auftrag gegeben . Der Bildhauer und Architekt Gian Lorenzo Bernini entwarf eine neue Vierfachkolonnade um den Petersplatz (1656 bis 1667). Die drei Säulengalerien in einer riesigen Ellipse gleichen die überdimensionale Kuppel aus und verleihen der Kirche und dem Platz eine Einheit und das Gefühl eines riesigen Theaters.

San Carlo alle Quattro Fontane - Vorderseite

Ein weiterer wichtiger Erneuerer des italienischen Hochbarocks war Francesco Borromini , dessen Hauptwerk die Kirche San Carlo alle Quattro Fontane oder Saint Charles of the Four Fountains (1634–46) war. Das Gefühl der Bewegung wird nicht durch die Dekoration vermittelt, sondern durch die wellenförmigen Wände selbst sowie durch konkave und konvexe Elemente, darunter ein ovaler Turm und ein Balkon, der in eine konkave Traverse eingefügt ist. Das Innere war ebenso revolutionär; Der Hauptraum der Kirche war oval, unter einer ovalen Kuppel.

Bemalte Decken, überfüllt mit Engeln und Heiligen und architektonischen Trompe-l'œil-Effekten, waren ein wichtiges Merkmal des italienischen Hochbarocks. Zu den wichtigsten Werken gehörten Der Einzug des Heiligen Ignatius ins Paradies von Andrea Pozzo (1685–1695) in der Kirche des Heiligen Ignatius in Rom und Der Triumph des Namens Jesu von Giovanni Battista Gaulli in der Kirche des Gesù in Rom (1669– 1683), mit aus dem Bilderrahmen ragenden Figuren und dramatischen Schräglichtern und Hell-Dunkel-Kontrasten.

Der Stil verbreitete sich schnell von Rom in andere Regionen Italiens: Er erschien in Venedig in der Kirche Santa Maria della Salute (1631–1687) von Baldassare Longhena , einer höchst originellen achteckigen Form, die von einer riesigen Kuppel gekrönt wurde . Es erschien auch in Turin , insbesondere in der Kapelle des Heiligen Grabtuchs (1668–1694) von Guarino Guarini . Der Stil wurde auch in Palästen verwendet; Guarini entwarf den Palazzo Carignano in Turin, während Longhena das Ca' Rezzonico am Canal Grande (1657) entwarf , das von Giorgio Massari fertiggestellt und mit Gemälden von Giovanni Battista Tiepolo dekoriert wurde . Eine Reihe schwerer Erdbeben in Sizilien erforderte den Wiederaufbau der meisten von ihnen, und einige wurden im üppigen Stil des Spätbarock oder Rokoko erbaut .

Spanischer Barock

Die katholische Kirche in Spanien und insbesondere die Jesuiten waren die treibende Kraft der spanischen Barockarchitektur. Das erste große Werk in diesem Stil war die San Isidro-Kapelle in Madrid , die 1643 von Pedro de la Torre begonnen wurde . Es kontrastierte einen extremen Reichtum an Ornamenten auf der Außenseite mit einer Einfachheit im Inneren, die in mehrere Räume unterteilt war und Lichteffekte verwendete, um ein Gefühl des Mysteriums zu erzeugen. Die Kathedrale in Santiago de Compostela wurde ab Ende des 17. Jahrhunderts mit einer Reihe barocker Ergänzungen modernisiert, beginnend mit einem reich verzierten Glockenturm (1680), der dann von zwei noch höheren und reich verzierten Türmen, dem sogenannten Obradorio, flankiert wurde zwischen 1738 und 1750 von Fernando de Casas Novoa . Ein weiteres Wahrzeichen des spanischen Barocks ist der Kapellenturm des Palastes von San Telmo in Sevilla von Leonardo de Figueroa .

Granada war erst im 15. Jahrhundert von den Mauren erobert worden und hatte seine eigene, unverwechselbare Art des Barocks. Der Maler, Bildhauer und Architekt Alonso Cano entwarf das barocke Innere der Kathedrale von Granada zwischen 1652 und seinem Tod im Jahr 1657. Es weist dramatische Kontraste zwischen den massiven weißen Säulen und dem goldenen Dekor auf.

Die dekorativste und am reichsten verzierte Architektur des spanischen Barock wird als Churrigueresque- Stil bezeichnet, benannt nach den Brüdern Churriguera , die hauptsächlich in Salamanca und Madrid wirkten . Zu ihren Werken gehören die Gebäude am Hauptplatz der Stadt, der Plaza Mayor von Salamanca (1729). Dieser hochdekorative Barockstil hatte Einfluss auf viele Kirchen und Kathedralen, die von den Spaniern in Amerika gebaut wurden.

Andere bemerkenswerte spanische Barockarchitekten des Spätbarocks sind Pedro de Ribera , ein Schüler von Churriguera, der das Königliche Hospiz von San Fernando in Madrid entwarf, und Narciso Tomé , der das berühmte Altarbild El Transparente in der Kathedrale von Toledo (1729–32) entwarf gibt bei bestimmtem Licht die Illusion, nach oben zu schweben.

Die Architekten des spanischen Barock wirkten weit über Spanien hinaus; Ihre Arbeit hatte großen Einfluss auf die Kirchen, die in den spanischen Kolonien in Lateinamerika und auf den Philippinen gebaut wurden. Die von den Jesuiten für ein College in Tepotzotlán erbaute Kirche mit ihrer reich verzierten Barockfassade und ihrem Turm ist ein gutes Beispiel.

Zentraleuropa

Von 1680 bis 1750 wurden in Mitteleuropa, in Bayern, Österreich, Böhmen und im Südwesten Polens viele reich verzierte Kathedralen, Klöster und Wallfahrtskirchen gebaut. Einige waren im Rokoko- Stil gehalten, einem ausgeprägten, extravaganteren und asymmetrischeren Stil, der aus dem Barock hervorgegangen war und ihn in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Mitteleuropa ersetzte, bis er wiederum vom Klassizismus abgelöst wurde.

Auch die Fürsten der zahlreichen Staaten dieser Region wählten Barock oder Rokoko für ihre Schlösser und Residenzen und ließen sie oft von in Italien ausgebildeten Architekten errichten. Bemerkenswerte Architekten waren Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt und Dominikus Zimmermann in Bayern, Balthasar Neumann in Brühl und Matthäus Daniel Pöppelmann in Dresden. In Preußen ließ sich Friedrich II. von Preußen vom Grand Trianon des Schlosses von Versailles inspirieren und verwendete es als Modell für seine von Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747) für ihn entworfene Sommerresidenz Sanssouci in Potsdam . Ein weiteres Werk barocker Schlossbaukunst ist der Zwinger in Dresden , die ehemalige Orangerie des Schlosses der Herzöge von Sachsen im 18. Jahrhundert.

Eines der besten Beispiele einer Rokokokirche ist die Basilika Vierzehnheiligen, oder Basilika der Vierzehn Nothelfer , eine Wallfahrtskirche in der Nähe der Stadt Bad Staffelstein bei Bamberg, in Bayern , Süddeutschland. Die Basilika wurde von Balthasar Neumann entworfen und zwischen 1743 und 1772 erbaut, ihr Plan ist eine Reihe ineinandergreifender Kreise um ein zentrales Oval, wobei der Altar genau in der Mitte der Kirche platziert ist. Das Innere dieser Kirche zeigt den Höhepunkt der Rokoko-Dekoration. Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel des Stils ist die Wallfahrtskirche Wies ( deutsch : Wieskirche ). Es wurde von den Brüdern JB und Dominikus Zimmermann entworfen . Es liegt im Alpenvorland , in der Gemeinde Steingaden im Landkreis Weilheim-Schongau , Bayern , Deutschland . Der Bau erfolgte zwischen 1745 und 1754, der Innenraum wurde mit Fresken und Stuckaturen in der Tradition der Wessobrunner Schule geschmückt . Es ist jetzt ein UNESCO- Weltkulturerbe .

Ein weiteres bemerkenswertes Beispiel ist die St.-Nikolaus-Kirche (Malá Strana) in Prag (1704–55), die von Christoph Dientzenhofer und seinem Sohn Kilian Ignaz Dientzenhofer erbaut wurde . Dekoration bedeckt alle Wände des Innenraums der Kirche. Der Altar befindet sich im Kirchenschiff unter der zentralen Kuppel und ist von Kapellen umgeben. Licht kommt von der Kuppel darüber und von den umliegenden Kapellen. Der Altar ist vollständig von Bögen, Säulen, geschwungenen Balustraden und Pilastern aus farbigem Stein umgeben, die reich mit Statuen verziert sind, wodurch eine bewusste Verwechslung zwischen der realen Architektur und der Dekoration entsteht. Die Architektur verwandelt sich in ein Theater aus Licht, Farbe und Bewegung.

In Polen dauerte der italienisch inspirierte polnische Barock vom frühen 17. bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts und betonte den Detail- und Farbreichtum. Das erste barocke Gebäude im heutigen Polen und wahrscheinlich eines der bekanntesten ist die Kirche St. Peter und Paul in Krakau , entworfen von Giovanni Battista Trevano . Die 1644 errichtete Sigismundsäule in Warschau war das weltweit erste weltliche Barockdenkmal in Säulenform. Der palastartige Residenzstil wurde durch den zwischen 1677 und 1696 erbauten Wilanów-Palast veranschaulicht. Der bekannteste in Polen tätige Barockarchitekt war der Niederländer Tylman van Gameren Branicki-Palast in Bialystok . Das berühmteste Werk des polnischen Barocks ist jedoch die Fara-Kirche in Poznań mit Details von Pompeo Ferrari . Nach dem Dreißigjährigen Krieg wurden im Rahmen der Vereinbarungen des Westfälischen Friedens zwei einzigartige barocke Flechtwerkbauten errichtet: die Friedenskirche in Jawor , die Dreifaltigkeitsfriedenskirche in Schweidnitz, die größte barocke Holzkirche in Europa.

Französischer Barock

Verschiedene französische Barockornamente und architektonische Elemente

Der Barock in Frankreich entwickelte sich ganz anders als die kunstvollen und dramatischen lokalen Versionen des Barock in Italien, Spanien und dem Rest Europas. Im Vergleich dazu wirkt es streng, distanzierter und zurückhaltender und nimmt dem Neoklassizismus und der Architektur der Aufklärung zuvor . Im Gegensatz zu italienischen Gebäuden haben französische Barockgebäude keine gebrochenen Giebel oder krummlinige Fassaden. Sogar religiöse Gebäude vermieden das intensive räumliche Drama, das man in den Arbeiten von Borromini findet . Der Stil ist eng mit den für Ludwig XIV . (Regierungszeit 1643–1715) gebauten Werken verbunden und wird daher auch als Stil Ludwigs XIV. bezeichnet . Ludwig XIV. lud den Meister des Barock, Bernini, ein, einen Entwurf für den neuen Flügel des Louvre einzureichen, lehnte ihn jedoch zugunsten eines klassischeren Entwurfs von Claude Perrault und Louis Le Vau ab .

Zu den Hauptarchitekten des Stils gehörten François Mansart (1598–1666), Pierre Le Muet (Kirche von Val-de-Grace , 1645–1665) und Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657–1661). Mansart war der erste Architekt, der den barocken Stil, hauptsächlich die häufige Verwendung einer angewandten Ordnung und einer starken Rustikation , in das französische Architekturvokabular einführte. Das Mansardendach wurde nicht von Mansart erfunden, aber es wurde mit ihm in Verbindung gebracht, da er es häufig verwendete.

Das wichtigste königliche Projekt dieser Zeit war die Erweiterung des Schlosses von Versailles , die 1661 von Le Vau mit Dekorationen des Malers Charles Le Brun begonnen wurde . Die Gärten wurden von André Le Nôtre speziell zur Ergänzung und Verstärkung der Architektur entworfen. Die Galerie des Glaces (Spiegelsaal), das Herzstück des Schlosses, mit Gemälden von Le Brun, wurde zwischen 1678 und 1686 erbaut. Mansart stellte das Grand Trianon 1687 fertig. Die von de Cotte entworfene Kapelle wurde 1710 fertiggestellt. Nach dem Tod Ludwigs XIV. fügte Ludwig XV. das intimere Petit Trianon und das reich verzierte Theater hinzu. Die Springbrunnen in den Gärten wurden entworfen, um von innen gesehen zu werden und den dramatischen Effekt zu verstärken. Der Palast wurde von anderen Monarchen Europas bewundert und kopiert, insbesondere von Peter dem Großen von Russland, der Versailles zu Beginn der Regierungszeit Ludwigs XV. besuchte und zwischen 1705 und 1725 seine eigene Version im Schloss Peterhof in der Nähe von Sankt Petersburg errichtete.

Portugiesischer Barock

Die Barockarchitektur in Portugal dauerte etwa zwei Jahrhunderte (das späte siebzehnte Jahrhundert und das achtzehnte Jahrhundert). Die Regierungszeiten von Johannes V. und Joseph I. hatten in einer Zeit, die als königlicher Absolutismus bezeichnet wurde, die Importe von Gold und Diamanten erhöht, wodurch der portugiesische Barock gedeihen konnte.

Die barocke Architektur in Portugal genießt eine besondere Situation und eine andere Zeitachse als der Rest Europas.

Es wird durch mehrere politische, künstlerische und wirtschaftliche Faktoren bedingt, die mehrere Phasen hervorrufen, und verschiedene Arten von äußeren Einflüssen, die zu einer einzigartigen Mischung führen, die oft von denen missverstanden wird, die nach italienischer Kunst suchen, stattdessen spezifische Formen und Charakter finden, die ihr eine verleihen einzigartig portugiesische Sorte. Ein weiterer Schlüsselfaktor ist die Existenz der jesuitischen Architektur, auch "einfacher Stil" (Estilo Chão oder Estilo Plano) genannt, die, wie der Name schon sagt, schlichter ist und etwas streng erscheint.

Die Gebäude sind Basiliken mit einem Raum, tiefe Hauptkapelle, Seitenkapellen (mit kleinen Türen für die Kommunikation), ohne Innen- und Außendekoration, einfaches Portal und Fenster. Es ist ein praktisches Gebäude, das es ermöglicht, es mit geringfügigen Anpassungen im ganzen Reich zu errichten und später oder wenn wirtschaftliche Ressourcen verfügbar sind, für die Dekoration vorbereitet zu werden.

Tatsächlich mangelt es dem ersten portugiesischen Barock nicht an Bauten, denn der „einfache Stil“ lässt sich leicht durch Dekoration (Malerei, Fliesen usw.) umwandeln, wodurch leere Bereiche in pompöse, kunstvolle Barockszenarien verwandelt werden. Dasselbe könnte auf das Äußere angewendet werden. Anschließend lässt sich das Gebäude leicht dem Geschmack der Zeit und des Ortes anpassen und mit neuen Merkmalen und Details ergänzen. Praktisch und wirtschaftlich.

Mit mehr Einwohnern und besseren wirtschaftlichen Ressourcen erlebte der Norden, insbesondere die Gebiete von Porto und Braga , eine architektonische Erneuerung, die in der langen Liste von Kirchen, Klöstern und Palästen sichtbar ist, die von der Aristokratie erbaut wurden.

Porto ist die Stadt des Barock in Portugal. Sein historisches Zentrum ist Teil der UNESCO- Liste des Weltkulturerbes .

Viele der barocken Werke im historischen Viertel der Stadt und darüber hinaus gehören Nicolau Nasoni , einem in Portugal lebenden italienischen Architekten, der Originalgebäude mit szenografischer Aufstellung wie die Kirche und den Turm von Clérigos , die Logia der Kathedrale von Porto und die Kirche zeichnet von Misericórdia, der Palast von São João Novo , der Palast von Freixo , der Bischofspalast ( Portugiesisch : Paço Episcopal do Porto ) zusammen mit vielen anderen.

Russischer Barock

Das Debüt des russischen Barocks oder petrinischen Barocks folgte einem langen Besuch von Peter dem Großen in Westeuropa in den Jahren 1697–1698, wo er die Schlösser von Fontainebleau und Versailles sowie andere Baudenkmäler besuchte. Nach seiner Rückkehr nach Russland beschloss er , ähnliche Monumente in St. Petersburg zu errichten, das 1712 zur neuen Hauptstadt Russlands wurde .

Während der Regierungszeit von Kaiserin Anna und Elizaveta Petrovna wurde die russische Architektur vom luxuriösen Barockstil des in Italien geborenen Bartolomeo Rastrelli dominiert, der sich zum elisabethanischen Barock entwickelte . Zu den charakteristischen Gebäuden von Rastrelli gehören der Winterpalast , der Katharinenpalast und die Smolny-Kathedrale . Andere markante Denkmäler des elisabethanischen Barocks sind der Glockenturm der Troitse-Sergiyeva Lavra und das Rote Tor .

In Moskau verbreitete sich der Naryschkin-Barock , besonders in der Architektur der östlichen orthodoxen Kirchen im späten 17. Jahrhundert. Es war eine Kombination aus westeuropäischem Barock und traditionellen russischen Volksstilen.

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialamerika

Fassade der Jesuitenkirche von Arequipa ( Peru ), 1595–1698, von Diego de Adrián und anderen
Erhaltene koloniale Wandmalerei von 1802, die die Hölle darstellt, von Tadeo Escalante, in der Kirche San Juan Bautista in Huaro ( Peru )

Aufgrund der Kolonialisierung Amerikas durch europäische Länder bewegte sich der Barock natürlich in die Neue Welt und fand besonders günstigen Boden in den von Spanien und Portugal dominierten Regionen, wobei beide Länder zentralisierte und irreduzibel katholische Monarchien waren, die Rom und Anhänger Roms unterworfen waren der barocke Gegenreformer am typischsten. Europäische Künstler wanderten nach Amerika aus und machten Schule, und zusammen mit der weit verbreiteten Verbreitung katholischer Missionare , von denen viele begabte Künstler waren, schufen sie einen vielgestaltigen Barock, der oft vom populären Geschmack beeinflusst wurde. Der Criollo und einheimische Handwerker haben viel dazu beigetragen, diesem Barock einzigartige Merkmale zu verleihen. Die noch bestehenden Hauptzentren des amerikanischen Barockanbaus sind (in dieser Reihenfolge) Mexiko , Peru , Brasilien , Ecuador , Kuba , Kolumbien , Bolivien , Guatemala , Panama und Puerto Rico .

Besonders hervorzuheben ist das sogenannte "Missionary Baroque", das im Rahmen der spanischen Reduktionen in Gebieten entwickelt wurde, die sich von Mexiko und den südwestlichen Teilen der heutigen Vereinigten Staaten bis nach Argentinien und Chile erstrecken, indigene Siedlungen, die von spanischen Katholiken organisiert wurden Missionare, um sie zum christlichen Glauben zu bekehren und sie an das westliche Leben zu gewöhnen, wodurch ein hybrider Barock gebildet wurde, der von der Kultur der Ureinwohner beeinflusst war und in dem Criollos und viele einheimische Handwerker und Musiker, sogar gebildete, blühten, von denen einige über große Fähigkeiten und eigenes Talent verfügten. In den Berichten von Missionaren wird oft wiederholt, dass westliche Kunst, insbesondere Musik, eine hypnotische Wirkung auf Förster hatte und Heiligenbildern große Kräfte zugesprochen wurden. Viele Eingeborene bekehrten sich und es entstand eine neue Form der Andacht von leidenschaftlicher Intensität, aufgeladen mit Mystik, Aberglauben und Theatralik, die sich an festlichen Messen, geistlichen Konzerten und Mysterien erfreute.

Die koloniale Barockarchitektur im spanischen Amerika zeichnet sich durch eine üppige Dekoration aus (Portal der Kirche La Profesa , Mexiko-Stadt ; mit Azulejos im Puebla-Stil bedeckte Fassaden , wie in der Kirche von San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula und der Klosterkirche von San Francisco von Puebla ), die im sogenannten Churrigueresque-Stil verschärft wird (Fassade des Tabernakels der Kathedrale von Mexiko-Stadt , von Lorenzo Rodríguez ; Kirche von San Francisco Javier , Tepotzotlán ; Kirche von Santa Prisca von Taxco ). In Peru zeigen die meist in den Städten Lima , Cusco , Arequipa und Trujillo entstandenen Bauten seit 1650 ursprüngliche Merkmale, die sogar bis in den europäischen Barock vordringen, wie in der Verwendung von gepolsterten Wänden und salomonischen Säulen ( Kirche la Compañía de Jesús , Cusco ; Basilika und Kloster von San Francisco , Lima ). Andere Länder sind: die Metropolitan Cathedral of Sucre in Bolivien ; Kathedrale Basilika von Esquipulas in Guatemala ; Tegucigalpa-Kathedrale in Honduras ; Kathedrale von León in Nicaragua ; die Kirche La Compañía de Jesús in Quito , Ecuador ; die Kirche San Ignacio in Bogotá , Kolumbien ; die Kathedrale von Caracas in Venezuela ; das Cabildo von Buenos Aires in Argentinien ; die Kirche von Santo Domingo in Santiago , Chile ; und die Kathedrale von Havanna in Kuba . Es lohnt sich auch, an die Qualität der Kirchen der spanischen Jesuitenmissionen in Bolivien , der spanischen Jesuitenmissionen in Paraguay , der spanischen Missionen in Mexiko und der spanischen Franziskanermissionen in Kalifornien zu erinnern .

In Brasilien , wie in der Metropole Portugal , hat die Architektur einen gewissen italienischen Einfluss , meist borrominesken Typs, wie in der Co-Kathedrale von Recife (1784) und der Kirche Nossa Senhora da Glória do Outeiro in Rio de Janeiro (1739). In der Region von Minas Gerais , hob die Arbeit von Aleijadinho hervor, Autor einer Gruppe von Kirchen, die sich durch ihre geschwungene Planimetrie, Fassaden mit konkav-konvexen dynamischen Effekten und eine plastische Behandlung aller architektonischen Elemente auszeichnen ( Kirche von São Francisco de Assis in Ouro Preto , 1765–1788).

Kirche São Francisco de Assis ( Ouro Preto , Minas Gerais) 1765-1788

Barock im spanischen und portugiesischen Kolonialasien

In den portugiesischen Kolonien Indiens ( Goa , Daman und Diu ) blühte ein architektonischer Stil barocker Formen auf, gemischt mit hinduistischen Elementen, wie die Kathedrale von Goa und die Basilika Bom Jesus von Goa, die das Grab des Heiligen Franz Xaver beherbergt . Die Sammlung von Kirchen und Klöstern von Goa wurde 1986 zum Weltkulturerbe erklärt .

Auf den Philippinen , die über drei Jahrhunderte lang eine spanische Kolonie waren, ist eine große Anzahl barocker Bauwerke erhalten. Vier davon sowie die barocke und neoklassizistische Stadt Vigan sind UNESCO- Welterbestätten ; und obwohl ihnen eine formale Klassifizierung fehlt, enthalten The Walled City of Manila zusammen mit der Stadt Tayabas beide ein bedeutendes Ausmaß an Architektur aus der Barockzeit.

Malen

Las Meninas ; von Diego Velázquez ; 1656; Öl auf Leinwand; 3,18 cm × 2,76 m; Museo del Prado ( Madrid , Spanien)

Barockmaler arbeiteten bewusst daran, sich von den Malern der Renaissance und des darauffolgenden Manierismus abzugrenzen. In ihrer Palette verwendeten sie intensive und warme Farben und bedienten sich insbesondere der Primärfarben Rot, Blau und Gelb, wobei sie alle drei häufig nah beieinander stellten. Sie vermieden die gleichmäßige Beleuchtung der Renaissancemalerei und setzten an bestimmten Stellen des Bildes starke Hell-Dunkel-Kontraste ein, um die Aufmerksamkeit auf die zentralen Handlungen oder Figuren zu lenken. In ihrer Komposition vermieden sie die ruhigen Szenen der Renaissance-Gemälde und wählten die Momente der größten Bewegung und Dramatik. Im Gegensatz zu den ruhigen Gesichtern der Renaissance-Gemälde drückten die Gesichter der Barock-Gemälde ihre Emotionen deutlich aus. Sie verwendeten oft Asymmetrie, wobei die Handlung außerhalb der Bildmitte stattfand, und schufen Achsen, die weder vertikal noch horizontal waren, sondern nach links oder rechts geneigt waren, was ein Gefühl von Instabilität und Bewegung vermittelte. Sie verstärkten diesen Bewegungseindruck, indem sie die Kostüme der Persönlichkeiten vom Wind blasen oder durch ihre eigenen Gesten bewegen ließen. Der Gesamteindruck war Bewegung, Emotion und Dramatik. Ein weiteres wesentliches Element der Barockmalerei war die Allegorie; Jedes Gemälde erzählte eine Geschichte und hatte eine Botschaft, oft verschlüsselt in Symbolen und allegorischen Zeichen, die ein gebildeter Betrachter kennen und lesen sollte.

Frühe Beweise italienischer barocker Ideen in der Malerei fanden sich in Bologna, wo Annibale Carracci , Agostino Carracci und Ludovico Carracci versuchten, die bildende Kunst zum geordneten Klassizismus der Renaissance zurückzuführen. Ihre Kunst beinhaltete jedoch auch zentrale Ideen der Gegenreformation; Dazu gehörten intensive Emotionen und religiöse Bilder, die mehr das Herz als den Intellekt ansprachen.

Ein weiterer einflussreicher Maler des Barock war Michelangelo Merisi da Caravaggio . Seine realistische Herangehensweise an die menschliche Figur, direkt aus dem Leben gemalt und vor dunklem Hintergrund dramatisch beleuchtet, schockierte seine Zeitgenossen und eröffnete ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei. Andere bedeutende Maler, die eng mit dem Barockstil verbunden sind, sind Artemisia Gentileschi , Elisabetta Sirani , Giovanna Garzoni , Guido Reni , Domenichino , Andrea Pozzo und Paolo de Matteis in Italien; Francisco de Zurbarán , Bartolomé Esteban Murillo und Diego Velázquez in Spanien; Adam Elsheimer in Deutschland; und Nicolas Poussin und Georges de La Tour in Frankreich (obwohl Poussin den größten Teil seines Arbeitslebens in Italien verbrachte). Poussin und La Tour übernahmen einen "klassischen" Barockstil mit weniger Fokus auf Emotionen und mehr Aufmerksamkeit für die Linie der Figuren im Gemälde als für die Farbe.

Peter Paul Rubens war der bedeutendste Maler des flämischen Barockstils . Rubens' hoch aufgeladene Kompositionen beziehen sich auf gelehrte Aspekte der klassischen und christlichen Geschichte. Sein einzigartiger und äußerst beliebter Barockstil betonte Bewegung, Farbe und Sinnlichkeit und folgte dem unmittelbaren, dramatischen künstlerischen Stil, der in der Gegenreformation gefördert wurde . Rubens spezialisierte sich auf die Herstellung von Altarbildern, Porträts, Landschaften und Historienbildern mythologischer und allegorischer Themen.

Eine wichtige Domäne der Barockmalerei war Quadratura oder Malereien in Trompe-l'œil , die buchstäblich "das Auge täuschen". Diese wurden normalerweise auf den Stuck von Decken oder oberen Wänden und Balustraden gemalt und vermittelten denjenigen, die auf dem Boden nach oben blickten, den Eindruck, als würden sie den Himmel sehen, der mit Scharen von Engeln, Heiligen und anderen himmlischen Figuren bevölkert ist, die sich vor gemalten Himmeln und befinden imaginäre Architektur.

In Italien arbeiteten Künstler oft mit Architekten bei der Innendekoration zusammen; Pietro da Cortona war einer der Maler des 17. Jahrhunderts, die sich dieser illusionistischen Malweise bedienten. Zu seinen wichtigsten Aufträgen gehörten die Fresken, die er für den Palast der Familie Barberini (1633–39) malte, um die Herrschaft von Papst Urban VIII. zu verherrlichen . Die Kompositionen von Pietro da Cortona waren die größten dekorativen Fresken, die in Rom seit der Arbeit von Michelangelo in der Sixtinischen Kapelle ausgeführt wurden .

François Boucher war eine wichtige Figur des feineren französischen Rokokostils, der im Spätbarock auftauchte. Er entwarf Gobelins, Teppiche und Theaterdekorationen sowie Malerei. Seine Arbeit war bei Madame Pompadour , der Mätresse von König Ludwig XV., äußerst beliebt . Seine Gemälde zeigten mythologisch romantische und leicht erotische Themen.

Hispanisches Amerika

Beispiel der bolivianischen Malerei (Teil der Cusco-Schule ): ein Arkebusier-Engel ; von Meister von Calamarca ; 17. Jahrhundert

In Hispanic Americas kamen die ersten Einflüsse vom sevillanischen Tenebrismus , hauptsächlich von Zurbarán – von denen einige Werke noch in Mexiko und Peru aufbewahrt werden – wie in den Werken der Mexikaner José Juárez und Sebastián López de Arteaga zu sehen ist , und der Bolivianer Melchor Pérez de Holguin . Die Cusco School of Painting entstand nach der Ankunft des italienischen Malers Bernardo Bitti im Jahr 1583, der den Manierismus in Amerika einführte. Hervorgehoben wurde die Arbeit von Luis de Riaño , Schüler des Italieners Angelino Medoro , Autor der Wandmalereien der Kirche San Pedro von Andahuaylillas . Es hob auch die indischen ( Quechua ) Maler Diego Quispe Tito und Basilio Santa Cruz Pumacallao sowie Marcos Zapata hervor , Autor der fünfzig großen Leinwände , die die hohen Bögen der Kathedrale von Cusco bedecken . In Ecuador wurde die Quito-Schule gegründet, die hauptsächlich von dem Mestizen Miguel de Santiago und dem Criollo Nicolás Javier de Goríbar vertreten wird .

Im 18. Jahrhundert wurden skulpturale Altarbilder durch Gemälde ersetzt, wodurch sich insbesondere die Barockmalerei in Amerika entwickelte. In ähnlicher Weise wuchs die Nachfrage nach zivilen Arbeiten, hauptsächlich Porträts der aristokratischen Klassen und der kirchlichen Hierarchie. Der Haupteinfluss war die Murilleske und in einigen Fällen – wie im Criollo Cristóbal de Villalpando – die von Valdés Leal . Die Malerei dieser Ära hat einen sentimentaleren Ton mit süßen und weicheren Formen. Hervorzuheben sind Gregorio Vásquez de Arce in Kolumbien sowie Juan Rodríguez Juárez und Miguel Cabrera in Mexiko .

Skulptur

Die dominierende Figur in der barocken Bildhauerei war Gian Lorenzo Bernini . Unter der Schirmherrschaft von Papst Urban VIII . fertigte er eine bemerkenswerte Reihe monumentaler Statuen von Heiligen und Figuren an, deren Gesichter und Gesten ihre Emotionen lebhaft zum Ausdruck brachten, sowie Porträtbüsten von außergewöhnlichem Realismus und hochdekorative Werke für den Vatikan, wie den imposanten Stuhl von St. Peter unter der Kuppel im Petersdom . Darüber hinaus entwarf er Brunnen mit monumentalen Skulpturengruppen, um die großen Plätze Roms zu schmücken.

Die barocke Skulptur wurde von antiken römischen Statuen inspiriert, insbesondere von der berühmten Laokoon- Statue aus dem ersten Jahrhundert n. Chr ., die 1506 ausgegraben und in der Galerie des Vatikans ausgestellt wurde. Als er 1665 Paris besuchte, wandte sich Bernini an die Studenten der Akademie für Malerei und Bildhauerei. Er riet den Studenten, eher nach klassischen Vorbildern als nach der Natur zu arbeiten. Er sagte den Studenten: "Als ich Probleme mit meiner ersten Statue hatte, konsultierte ich den Antinoos wie ein Orakel." Diese Antinoos- Statue ist heute als Hermes des Museo Pio-Clementino bekannt .

Bemerkenswerte spätfranzösische Barockbildhauer waren Étienne Maurice Falconet und Jean Baptiste Pigalle . Pigalle wurde von Friedrich dem Großen beauftragt, Statuen für Friedrichs eigene Version von Versailles in Sanssouci in Potsdam , Deutschland, herzustellen . Falconet erhielt auch einen wichtigen Auslandsauftrag und schuf die berühmte Statue von Peter dem Großen zu Pferd, die in St. Petersburg gefunden wurde .

In Spanien arbeitete der Bildhauer Francisco Salzillo ausschließlich an religiösen Themen und verwendete polychromes Holz. In den vergoldeten Stuckaltären der Kirchen der spanischen Kolonien der Neuen Welt, die von lokalen Handwerkern hergestellt wurden, wurde einige der feinsten barocken bildhauerischen Handwerkskunst gefunden; Beispiele sind die Rosenkranzkapelle der Kirche von Santo Domingo in Oaxaca (Mexiko), 1724–1731.

Möbel

Die verwendeten Hauptmotive sind: Füllhörner , Girlanden , Babyengel , Löwenköpfe, die einen Metallring im Maul halten, weibliche Gesichter , umgeben von Girlanden, ovale Kartuschen , Akanthusblätter , klassische Säulen, Karyatiden , Giebel und andere Elemente der klassischen Architektur auf einigen Teilen von Möbeln, Körben mit Früchten oder Blumen, Muscheln, Rüstungen und Trophäen, Köpfen von Apollo oder Bacchus und C-förmigen Voluten gemeißelt .

Während der ersten Regierungszeit Ludwigs XIV. folgten die Möbel dem vorherigen Stil Ludwigs XIII. Sie waren massiv und reich mit Skulpturen und Vergoldungen verziert. Nach 1680, zum großen Teil dank des Möbeldesigners André Charles Boulle , erschien ein originellerer und filigranerer Stil, der manchmal als Boulle-Arbeit bekannt ist . Es basierte auf der Einlage von Ebenholz und anderen seltenen Hölzern, einer Technik, die erstmals im 15. Jahrhundert in Florenz verwendet wurde und von Boulle und anderen Mitarbeitern Ludwigs XIV. verfeinert und weiterentwickelt wurde. Die Möbel waren mit Platten aus Ebenholz, Kupfer und exotischen Hölzern in verschiedenen Farben eingelegt.

Neue und oft beständige Möbeltypen erschienen; die kommode mit zwei bis vier schubladen ersetzte die alte truhe oder kommode. Das Canapé oder Sofa erschien in Form einer Kombination aus zwei oder drei Sesseln. Neue Arten von Sesseln tauchten auf, darunter der Fauteuil en Confessionale oder "Beichtstuhl", der auf beiden Seiten der Rückenlehne gepolsterte Kissen hatte. Auch der Konsolentisch hatte seinen ersten Auftritt; Es wurde entwickelt, um an einer Wand aufgestellt zu werden. Eine weitere neue Art von Möbeln war der Tisch à gibier , ein Tisch mit Marmorplatte zum Abstellen von Geschirr. Frühe Varianten des Schreibtisches erschienen; Der Mazarin-Schreibtisch hatte einen zurückgesetzten Mittelteil, der zwischen zwei Schubladensäulen mit vier Füßen an jeder Säule platziert war.

Musik

Antonio Vivaldi , (1678–1741)

Der Begriff Barock wird auch verwendet, um den Musikstil zu bezeichnen, der in einer Zeit komponiert wurde, die sich mit der Barockkunst überschneidet. Die ersten Verwendungen des Begriffs "Barock" für Musik waren Kritiken. In einer anonymen, satirischen Rezension der Uraufführung von Rameaus Hippolyte et Aricie im Oktober 1733 , die im Mai 1734 im Mercure de France gedruckt wurde, deutete der Kritiker an, dass die Neuheit dieser Oper „du barocque“ sei, und beklagte sich darüber, dass der Musik eine kohärente Melodie fehle , war erfüllt von unaufhörlichen Dissonanzen, wechselte ständig Tonart und Metrum und durchlief zügig alle kompositorischen Mittel. Jean-Jacques Rousseau , ein Musiker und bekannter Komponist sowie Philosoph, machte 1768 in der berühmten Enzyklopädie von Denis Diderot eine sehr ähnliche Beobachtung : „Barockmusik ist die, in der die Harmonien verwirrt und voller Modulationen und Dissonanzen sind . Der Gesang ist schroff und unnatürlich, die Intonation schwierig und die Bewegung begrenzt. Es scheint, dass dieser Begriff von dem von Logikern verwendeten Wort ‚Baroco‘ stammt.“

Die allgemeine Verwendung des Begriffs für die Musik dieser Zeit begann erst 1919 durch Curt Sachs , und erst 1940 wurde er erstmals in englischer Sprache in einem von Manfred Bukofzer veröffentlichten Artikel verwendet .

Der Barock war eine Zeit des musikalischen Experimentierens und der Innovation, was die Menge an Verzierungen und Improvisationen erklärt, die von den Musikern aufgeführt wurden. Neue Formen wurden erfunden, darunter das Konzert und die Sinfonia . Die Oper wurde Ende des 16. Jahrhunderts in Italien geboren (mit Jacopo Peris weitgehend verschollener Dafne , die 1598 in Florenz produziert wurde ) und verbreitete sich bald im restlichen Europa: Ludwig XIV. gründete die erste Königliche Musikakademie. Der Dichter Pierre Perrin eröffnete eine Opernakademie in Paris, das erste öffentlich zugängliche Operntheater in Frankreich, und führte Pomone , die erste große Oper in französischer Sprache, mit Musik von Robert Cambert , mit fünf Akten, aufwändiger Bühnenmaschinerie und a Ballett. Heinrich Schütz in Deutschland, Jean-Baptiste Lully in Frankreich und Henry Purcell in England trugen alle dazu bei, ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert zu etablieren.

Mehrere neue Instrumente, darunter das Klavier , wurden in dieser Zeit eingeführt. Die Erfindung des Klaviers wird Bartolomeo Cristofori (1655–1731) aus Padua , Italien, zugeschrieben, der von Ferdinando de' Medici, Großfürst der Toskana , als Hüter der Instrumente angestellt war. Cristofori nannte das Instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("eine Tastatur aus Zypresse mit leise und laut"), abgekürzt im Laufe der Zeit als Pianoforte , Fortepiano und später einfach Piano.

Komponisten und Beispiele

Tanzen

Auch das klassische Ballett hat seinen Ursprung im Barock. Der Stil des Hoftanzes wurde von Marie de Medici nach Frankreich gebracht , und am Anfang waren die Mitglieder des Hofes selbst die Tänzer. Ludwig XIV. selbst trat in mehreren Balletten öffentlich auf. Im März 1662 wurde die Académie Royale de Danse vom König gegründet. Es war die erste professionelle Tanzschule und Kompanie und setzte in dieser Zeit die Standards und das Vokabular für Ballett in ganz Europa.

Literarische Theorie

Heinrich Wölfflin war der erste, der den Begriff Barock auf die Literatur übertrug. Die Schlüsselbegriffe der barocken Literaturtheorie wie „ Einbildung “ ( concetto ), „ Witz “ ( acutezza , ingegno ) und „ Wunder “ ( meraviglia ) wurden in der Literaturtheorie erst mit der Veröffentlichung von Emanuele Tesauros Il Cannocchiale aristotelico (Das aristotelische Teleskop) im Jahr 1654. Diese wegweisende Abhandlung – inspiriert von Giambattista Marinos Epos Adone und dem Werk des spanischen jesuitischen Philosophen Baltasar Gracián – entwickelte eine Theorie der Metapher als universelle Sprache der Bilder und als höchsten intellektuellen Akt , gleichzeitig Kunstgriff und erkenntnistheoretisch privilegierter Zugang zur Wahrheit.

Theater

Bühnenbild für Andromedé von Pierre Corneille , (1650)
Entwurf für ein Theaterset von Giacomo Torelli für das Ballett Les Noces de Thétis , aus Décorations et Machines Aprestées aux Nopces de Tétis, Ballet Royal

Die Barockzeit war ein goldenes Zeitalter für das Theater in Frankreich und Spanien; Dramatiker waren Corneille , Racine und Molière in Frankreich; und Lope de Vega und Pedro Calderón de la Barca in Spanien.

Während der Barockzeit entwickelten sich die Kunst und der Stil des Theaters neben der Entwicklung der Oper und des Balletts rasant. Das Design neuerer und größerer Theater, die Erfindung der Verwendung aufwändigerer Maschinen, die breitere Verwendung des Prosceniumbogens , der die Bühne umrahmte und die Maschinerie vor dem Publikum verbarg, förderte mehr szenische Effekte und Spektakel.

Der Barock hatte in Spanien einen katholischen und konservativen Charakter, nach einem italienischen literarischen Vorbild während der Renaissance. Das hispanische Barocktheater strebte nach einem öffentlichen Inhalt mit einer idealen Realität, die grundlegende drei Gefühle manifestierte: katholische Religion, monarchistische und nationaler Stolz und Ehre, die aus der ritterlichen, ritterlichen Welt stammen.

Im barocken spanischen Theater sind zwei Perioden bekannt, wobei die Teilung 1630 stattfand. Die erste Periode wird hauptsächlich von Lope de Vega , aber auch von Tirso de Molina , Gaspar Aguilar , Guillén de Castro , Antonio Mira de Amescua und Luis Vélez de repräsentiert Guevara , Juan Ruiz de Alarcón , Diego Jiménez de Enciso , Luis Belmonte Bermúdez , Felipe Godínez , Luis Quiñones de Benavente oder Juan Pérez de Montalbán . Die zweite Periode wird von Pedro Calderón de la Barca und den Dramatikern Antonio Hurtado de Mendoza , Álvaro Cubillo de Aragón , Jerónimo de Cáncer , Francisco de Rojas Zorrilla , Juan de Matos Fragoso , Antonio Coello y Ochoa , Agustín Moreto und Francisco Bances Candamo repräsentiert . Diese Einteilungen sind locker, weil jeder Autor seinen eigenen Weg hatte und sich gelegentlich an die von Lope aufgestellte Formel halten konnte. Es kann sogar sein, dass Lopes "Weise" liberaler und strukturierter war als die von Calderón.

Lope de Vega stellte durch seine Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) die neue Komödie vor . Er etablierte eine neue dramatische Formel, die die drei Aristoteles -Einheiten der italienischen Schule der Poesie (Aktion, Zeit und Ort) und eine vierte Einheit des Aristoteles auflöste, bei der es um Stil, das Mischen von tragischen und komischen Elementen geht, die verschiedene Arten von Versen und Strophen zeigen auf das Dargestellte. Obwohl Lope über große Kenntnisse der bildenden Kunst verfügt, hat er sie während des größten Teils seiner Karriere weder im Theater noch in der Szenografie eingesetzt. Die Komödie des Lope räumte den visuellen Aspekten der Theaterdarstellung eine zweite Rolle ein.

Tirso de Molina, Lope de Vega und Calderón waren die wichtigsten Theaterautoren im Spanien der Goldenen Ära. Ihre Werke, die für ihre subtile Intelligenz und ihr tiefes Verständnis der Menschlichkeit einer Person bekannt sind, könnten als Brücke zwischen Lopes primitiver Komödie und der aufwändigeren Komödie von Calderón angesehen werden. Tirso de Molina ist vor allem für zwei Werke bekannt, „Die überführten Verdächtigungen“ und „Der Trickster von Sevilla“ , eine der ersten Versionen des Don-Juan- Mythos.

Bei seiner Ankunft in Madrid brachte Cosimo Lotti die fortschrittlichsten Theatertechniken Europas an den spanischen Hof. Seine Techniken und sein mechanisches Wissen wurden in Palastausstellungen namens "Fiestas" und in verschwenderischen Ausstellungen von Flüssen oder künstlichen Brunnen namens "Naumaquias" angewendet. Er war verantwortlich für die Gestaltung der Gärten von Buen Retiro , von Zarzuela und Aranjuez sowie für den Bau des Theatergebäudes von Coliseo del Buen Retiro. Lopes Formeln beginnen mit einem Vers, der für die Stiftung des Palasttheaters und die Geburt neuer Konzepte, die die Karrieren einiger Theaterautoren wie Calderón de la Barca begannen, unpassend ist. Calderóns Stil, der die wichtigsten Neuerungen der New Lopesian Comedy markiert, markiert viele Unterschiede, mit viel konstruktiver Sorgfalt und Aufmerksamkeit für seine interne Struktur. Calderóns Werk ist von formaler Perfektion und einer sehr lyrischen und symbolischen Sprache. Freiheit, Vitalität und Offenheit von Lope gaben Calderóns intellektueller Reflexion und formaler Präzision einen Schritt. In seiner Komödie spiegelte er seine ideologischen und doktrinären Absichten wider, denn über der Leidenschaft und der Handlung erreichte das Werk von Autos sacramentales hohe Ränge. Das Genre der Comedia ist politisch, multikünstlerisch und gewissermaßen hybrid. Der poetische Text, der mit Medien und Ressourcen aus Architektur, Musik und Malerei verwoben ist, um die Täuschung der Lopesschen Komödie zu befreien, wurde aus dem Mangel an Kulissen und dem Dialog der Handlung hergestellt.

Der bekannteste deutsche Dramatiker war Andreas Gryphius , der sich des Jesuitenmodells der Holländer Joost van den Vondel und Pierre Corneille bediente . Da war auch Johannes Velten , der die Traditionen der englischen Comedians und der Commedia dell'arte mit dem klassischen Theater von Corneille und Molière verband . Seine Reisegesellschaft war vielleicht die bedeutendste und wichtigste des 17. Jahrhunderts.

Der bedeutendste italienische Barocktragiker war Federico Della Valle . Seine schriftstellerische Tätigkeit wird durch die vier Dramen zusammengefasst, die er für das höfische Theater schrieb: die Tragikomödie Adelonda di Frigia (1595) und vor allem seine drei Tragödien Judith (1627), Esther (1627) und La reina di Scotia (1628). Della Valle hatte viele Nachahmer und Anhänger, die in ihren Werken barocken Geschmack und die didaktischen Ziele der Jesuiten ( Pallavicino , Graziani usw.)

Spanisches Kolonialamerika

Nach der von Spanien ausgehenden Entwicklung Ende des 16. Jahrhunderts begannen sich die im Wesentlichen transhumanten Komödienkompanien zu professionalisieren. Mit der Professionalisierung kamen Regulierung und Zensur: Wie in Europa schwankte das Theater zwischen Toleranz und sogar staatlichem Schutz und Ablehnung (mit Ausnahmen) oder Verfolgung durch die Kirche. Das Theater diente den Behörden als Instrument zur Verbreitung des gewünschten Verhaltens und der Modelle, des Respekts vor der sozialen Ordnung und der Monarchie, als Schule religiöser Dogmen.

Die Corrales wurden zugunsten von Krankenhäusern verwaltet, die die Vorteile der Vertretungen teilten. Die Wanderkompanien (oder „der Liga “), die das Theater in improvisierten Freilichtbühnen durch die Regionen trugen, die keine festen Einheimischen hatten, benötigten eine vizekönigliche Arbeitserlaubnis, deren Preis oder Pinción für Almosen und fromme Werke bestimmt war . Für Unternehmen, die in den Hauptstädten und Großstädten stabil arbeiteten, war eine ihrer Haupteinnahmequellen die Teilnahme an den Fronleichnamsfeierlichkeiten , die ihnen nicht nur wirtschaftliche Vorteile, sondern auch Anerkennung und soziales Ansehen verschafften. Auch die Repräsentationen im Vizekönigspalast und in den Herrenhäusern der Aristokratie, wo sie sowohl Komödien ihres Repertoires als auch Sonderproduktionen mit tollen Lichteffekten, Kulissen und Bühnen darstellten, waren eine wichtige Quelle gut bezahlter und prestigeträchtiger Arbeit.

Juan Ruiz de Alarcón wurde im Vizekönigreich Neuspanien geboren , ließ sich aber später in Spanien nieder und ist die prominenteste Figur im barocken Theater Neuspaniens. Trotz seiner Anpassung an Lope de Vegas neue Komödie wurden sein "ausgeprägter Säkularismus", seine Diskretion und Zurückhaltung und eine starke Fähigkeit zur "psychologischen Durchdringung" als Unterscheidungsmerkmale von Alarcón gegenüber seinen spanischen Zeitgenossen festgestellt. Bemerkenswert unter seinen Werken ist La verdad sospechosa , eine Komödie von Charakteren, die seine ständige moralisierende Absicht widerspiegelt. Die dramatische Inszenierung von Sor Juana Inés de la Cruz macht sie zur zweiten Figur des spanisch-amerikanischen Barocktheaters. Unter ihren Werken sind das autosakramentale El divino Narciso und die Komödie Los empeños de una casa zu nennen .

Gardens

Der Barockgarten , auch bekannt als Jardin à la française oder französischer formaler Garten , erschien erstmals im 16. Jahrhundert in Rom und dann am bekanntesten in Frankreich im 17. Jahrhundert in den Gärten von Vaux le Vicomte und dem Schloss von Versailles . Barockgärten wurden von Königen und Fürsten in Deutschland, den Niederlanden, Österreich, Spanien, Polen, Italien und Russland bis Mitte des 18. Jahrhunderts angelegt, als sie begannen, durch den natürlicheren englischen Landschaftsgarten umgestaltet zu werden .

Der Zweck des Barockgartens war es, die Macht des Menschen über die Natur zu veranschaulichen, und der Ruhm seines Erbauers, Barockgärten wurden in geometrischen Mustern angelegt, wie die Räume eines Hauses. Sie waren normalerweise am besten von außen zu sehen und blickten nach unten, entweder von einem Schloss oder einer Terrasse. Zu den Elementen eines Barockgartens gehörten Parterres aus Blumenbeeten oder niedrigen Hecken, die in verzierte Barockmuster getrimmt waren, und gerade Gassen und Kiesgassen, die den Garten teilten und kreuz und quer durchzogen. Terrassen, Rampen, Treppen und Kaskaden wurden dort platziert, wo es Höhenunterschiede gab, und boten Aussichtspunkte. Runde oder rechteckige Teiche oder Wasserbecken waren die Kulissen für Brunnen und Statuen. Bosketts oder sorgfältig geschnittene Haine oder Reihen identischer Bäume gaben das Aussehen von grünen Mauern und waren Kulissen für Statuen. An den Rändern hatten die Gärten normalerweise Pavillons, Orangerien und andere Strukturen, in denen Besucher Schutz vor Sonne oder Regen finden konnten.

Barockgärten erforderten eine enorme Anzahl von Gärtnern, kontinuierliches Trimmen und reichlich Wasser. In der späteren Barockzeit wurden die formalen Elemente allmählich durch natürlichere Merkmale ersetzt, darunter gewundene Pfade, Haine mit verschiedenen Bäumen, die unbeschnitten wachsen gelassen wurden; rustikale Architektur und malerische Strukturen, wie römische Tempel oder chinesische Pagoden, sowie "geheime Gärten" an den Rändern des Hauptgartens, voller Grün, wo Besucher lesen oder ruhige Gespräche führen konnten. Mitte des 18. Jahrhunderts wurden die meisten Barockgärten teilweise oder vollständig in Variationen des englischen Landschaftsgartens umgewandelt .

Neben Versailles und Vaux-le-Vicomte gehören zu den berühmten Barockgärten, die noch viel von ihrem ursprünglichen Aussehen behalten haben, der Königspalast von Caserta in der Nähe von Neapel; Schloss Nymphenburg und Schlösser Augustusburg und Falkenlust, Brühl in Deutschland; Schloss Het Loo , Niederlande; das Schloss Belvedere in Wien ; Königspalast von La Granja de San Ildefonso , Spanien; und Peterhof-Palast in St. Petersburg, Russland.

Unterschiede zwischen Rokoko und Barock

Die folgenden Merkmale hat das Rokoko und das Barock nicht:

  • Der teilweise Verzicht auf Symmetrie, alles aus anmutigen Linien und Rundungen zusammengesetzt, ähnlich denen des Jugendstils
  • Die große Menge an asymmetrischen Kurven und C-förmigen Voluten
  • Die sehr weit verbreitete Verwendung von Blumen in der Ornamentik, ein Beispiel sind Girlanden aus Blumen
  • Chinesische und japanische Motive
  • Warme Pastellfarben (weißlich-gelb, cremefarben, Perlgrau, sehr helles Blau)

Ende des Stils, Verurteilung und akademische Wiederentdeckung

Madame de Pompadour, die Geliebte Ludwigs XV., trug zum Niedergang des Barock- und Rokokostils bei. 1750 schickte sie ihren Neffen Abel-François Poisson de Vandières auf eine zweijährige Mission, um künstlerische und archäologische Entwicklungen in Italien zu studieren. Er wurde von mehreren Künstlern begleitet, darunter der Graveur Nicolas Cochin und der Architekt Soufflot . Sie kehrten mit einer Leidenschaft für klassische Kunst nach Paris zurück. Vandiéres wurde Marquis von Marigny und 1754 zum königlichen Baudirektor ernannt. Er wandte die offizielle französische Architektur dem Neoklassizismus zu. Cochin wurde ein wichtiger Kunstkritiker; Er prangerte den Petit-Stil von Boucher an und forderte einen großen Stil mit einer neuen Betonung von Antike und Adel in den Akademien der Architekturmalerei.

Auch der wegweisende deutsche Kunsthistoriker und Archäologe Johann Joachim Winckelmann verurteilte den Barockstil und lobte die überlegenen Werte der klassischen Kunst und Architektur. Bis zum 19. Jahrhundert war Barock ein Ziel für Spott und Kritik. Der neoklassizistische Kritiker Francesco Milizia schrieb: "Borrominini in der Architektur, Bernini in der Bildhauerei, Pietro da Cortona in der Malerei ... sind eine Plage des guten Geschmacks, die eine große Anzahl von Künstlern infiziert hat." Im 19. Jahrhundert ging die Kritik noch weiter; Der britische Kritiker John Ruskin erklärte, die barocke Skulptur sei nicht nur schlecht, sondern auch moralisch korrupt.

Der in der Schweiz geborene Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin (1864–1945) begann mit der Rehabilitierung des Wortes Barock in seinem Werk Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identifizierte den Barock als "in die Masse importierte Bewegung", eine Kunst, die der Kunst der Renaissance entgegengesetzt ist. Er machte nicht die Unterscheidung zwischen Manierismus und Barock, die moderne Schriftsteller tun, und er ignorierte die spätere Phase, den akademischen Barock, der bis ins 18. Jahrhundert andauerte. Barocke Kunst und Architektur kamen in der Zwischenkriegszeit in Mode und blieben weitgehend in der Gunst der Kritiker. Der Begriff "Barock" kann immer noch verwendet werden, normalerweise abwertend, und beschreibt Kunstwerke, Kunsthandwerk oder Design, von denen angenommen wird, dass sie übermäßige Verzierungen oder komplexe Linien aufweisen.

Siehe auch

Anmerkungen

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