Klassische Musik - Classical music


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Streichquartett Durchführung für das Mozartjahr 2006 in Wien

Klassische Musik ist Kunst Musik in der Tradition der produzierten oder verwurzelt westlicher Kultur , darunter sowohl liturgische (religiöse) und weltliche Musik. Während eine präzisere Begriff auch von 1750 bis 1820 (die sich auf den Zeitraum beziehen verwendet wird , Klassik ), ist dieser Artikel über die breite Spanne der Zeit aus der Zeit vor dem 6. Jahrhundert bis in die Gegenwart, die die klassischen Periode umfasst und verschiedene andere Zeiträume. Die zentralen Normen dieser Tradition wurde zwischen 1550 und 1900 kodifiziert, die als bekannt ist Common-Übungszeit . Die großen Zeiteinteilungen der westlichen Kunstmusik sind wie folgt:

Europäischen Kunstmusik ist weitgehend unterscheidet sich von vielen anderen nicht-europäischen Klassik und einigen populären Musikformen durch sein System der Personal - Notation , die im Gebrauch seit etwa dem 11. Jahrhundert. Katholischer Mönch entwickelte die ersten Formen der modernen europäischen Musiknotation , um Liturgie in der weltweiten Kirche zu standardisieren. Westliche Notenschrift wird von Komponisten verwendet , um die Darsteller , um anzuzeigen , die Teilungen (die die Form Melodien , Basslines und Akkorde ), Tempo , Meter und Rhythmen für ein Musikstück. Dies kann weniger Raum für Praktiken lassen wie Improvisation und ad libitum Verzierungen , die in nicht-europäischer Kunstmusik und in der populären-Musikstilen wie oft zu hören sind Jazz und Blues . Ein weiterer Unterschied ist , dass während der meist populären Arten , die Songs (adoptieren strophic ) Form oder eine Ableitung dieser Form, klassische Musik hat für seine Entwicklung von hochentwickelten Formen der Instrumentalmusik wie die festgestellt worden Sinfonie , Konzert , Fuge , Sonate und gemischten Vokal- und Instrumentalstile wie Oper , Kantate und Masse .

Der Begriff „klassische Musik“ erst Anfang des 19. Jahrhunderts erscheinen, in einem Versuch, deutlich die Zeit von canonize Johann Sebastian Bach zu Ludwig van Beethoven als goldenes Zeitalter. Der früheste Hinweis auf „klassische Musik“ von dem aufgezeichneten Oxford English Dictionary ist von etwa 1829.

Eigenschaften

Angesichts der breite Palette von Stilen in der europäischen klassischen Musik, von den mittelalterlichen Choral gesungen von Mönchen zu klassischen und romantischen Sinfonien für Orchester aus den 1700er Jahren und 1800er Jahren bis zur Avantgarde atonal Kompositionen für Soloklaviere aus den 1900er Jahren, ist es schwierig , Merkmale aufzulisten, kann auf alle Werke dieser Art zugeschrieben werden. Allerdings gibt es Merkmale , die klassische Musik enthält, die nur wenige oder keine anderen Musikgenres enthalten, wie zum Beispiel die Verwendung von Musiknotation und die Performance von komplexen Formen der Soloinstrumentalwerke (zB die Fuge ). Hinzu kommt , dass die Symphonie nicht vor dem Ende des 18. Jahrhunderts existieren, die Symphonie Ensemble -und die für sie geschrieben Werke -Haben ein bestimmendes Merkmal der klassischen Musik.

Literatur

Das Hauptmerkmal der europäischen klassischen Musik , die sie von unterscheidet populäre Musik und Volksmusik ist , dass das Repertoire in werden abgewertet neigt musikalische Notation , einen musikalischen Teil oder das Erstellen von Score . Diese Punktzahl bestimmt typischerweise Details des Rhythmus, Tonhöhe und, wenn zwei oder mehr Musiker (ob Sänger oder Instrumentalisten) beteiligt sind, wie die verschiedenen Teile aufeinander abgestimmt sind. Die schriftliche Qualität der Musik hat ein hohes Maß an Komplexität in sie aktiviert: Fugen , zum Beispiel, eine bemerkenswerte Ehe von kühn unverwechselbar in Weben melodischer Linien erreichen Kontrapunkt noch eine kohärente Schaffung harmonische Logik , das in der Hitze des Live zu erreichen wäre schwierig , Improvisation. Die Verwendung von schriftlicher Notation bewahrt auch eine Aufzeichnung der Werke und ermöglicht Klassische Musiker Musik aus vielen Jahrhunderten vor auszuführen. Musikalische Darstellung ermöglicht 2000er-Ära Darsteller ein Chorwerk aus dem Jahr 1300 Renaissance - Ära zu singen oder ein 1700er Barockkonzert mit vielen der Merkmalen der Musik (die Melodien, Texte, Formen und Rhythmen) wiedergegeben werden.

Das heißt, wird die Punktzahl der Dolmetscher ermöglichen , Entscheidungen zu treffen, wie eine historische Arbeit zu verrichten. Zum Beispiel, wenn das Tempo mit einer italienischen Anweisung geschrieben wird (zB Allegro), ist es nicht genau bekannt , wie schnell sollte das Stück gespielt werden. Wie gut, in der Barockzeit, viele Werke , die für entworfen wurde basso continuo Begleitung nicht angeben , welche Instrumente die Begleitung spielen oder wie genau das Akkordinstrument (Cembalo, Laute, etc.) sollte die Akkorde spielen, die nicht notiert sind der Teil (nur ein Generalbass - Symbol in dem Bass - Part verwendet , um den Akkord-Spiel Darsteller zu führen). Die Darsteller und der Leiter haben eine Reihe von Optionen für die musikalischen Ausdruck und Interpretation eines erzielter Stückes, einschließlich der Formulierung von Melodien, die während der Zeit genommen , Fermaten (gehaltene Noten) oder Pausen, und die Verwendung von Effekten (oder Wahl nicht zu verwenden) wie Vibrato oder Glissando (sind diese Effekte möglich auf verschiedene Saiten-, Blech- und Holzblasinstrumente und mit der menschlichen Stimme).

Obwohl klassische Musik in den 2000er Jahren hat die meisten seine Tradition für verloren gegangene musikalische Improvisation , aus dem Barock bis zur Romantik Ära, gibt es Beispiele für Künstler , die im Stil ihrer Zeit improvisieren konnten. In der Barockzeit, Orgel Darstellern improvisiert würde Präludien , Tastatur Darstellern spielen Cembalo würde improvisiert Akkorde aus den Generalbass Symbole unter den Bassnoten des Continuo basso und beide Vokal- und Instrumentalkünstler würde improvisiert musikalischen Verzierungen . Johann Sebastian Bach war vor allem bekannt für seine komplexen Improvisationen. Während der klassischen Ära wurde der Komponist-Performer Mozart für seine Fähigkeit , bemerkt Melodien in verschiedenen Stilen zu improvisieren. Während der klassischen Ära, würden einige virtuose Solisten die improvisieren Kadenz Abschnitte eines Konzerts. Während der Epoche der Romantik, würde Beethoven am Klavier improvisiert. Weitere Informationen finden Sie Improvisation .

Besetzung und Gesangspraxis

Die Instrumente , die derzeit in den meisten klassischen Musik verwendet wurden erfunden weitgehend vor der Mitte des 19. Jahrhundert (oft viel früher) und systematisiert im 18. und 19. Jahrhundert. Sie bestehen aus den Instrumenten in einem gefundenen Orchester oder in einem Konzert Band , zusammen mit einigen anderen Soloinstrumenten (wie das Klavier , Cembalo und Orgel ). Das Sinfonieorchester ist das am weitesten verbreitete Medium für klassische Musik und umfasst Mitglieder der Schnur , Holzbläser , Blechbläser und Schlagzeug Instrumentenfamilien. Das Konzert Band besteht aus Mitgliedern der Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug Familien. Es hat in der Regel eine größere Vielfalt und Anzahl von Holz- und Blechblasinstrumenten als das Orchester aber nicht über einen String - Abschnitt. Allerdings verwenden viele Konzert - Bands einen Kontrabass . Die Stimm Praktiken gegenüber der klassischen Periode geändert, von der einzelnen Linie monophon Gregorianik gemacht von Mönchen im Mittelalter zu den komplexen, mehrstimmige Chorwerken der Renaissance und die Folgeperioden, die mehr unabhängigen Gesangsmelodien zugleich verwendet.

mittelalterliche Musik

Viele der verwendeten Instrumente mittelalterliche Musik spielen noch existieren, aber in verschiedenen Formen. Mittelalterliche Instrumente enthalten , die Flöte , die Recorder und gerupft Saiteninstrumente wie die Laute . Wie gut, frühe Versionen der Orgel und Geige (oder vielle ) existierte. Mittelalterliche Instrumente in Europa waren am häufigsten einzeln, oft selbst begleitet mit einem verwendeten Drohne Note oder gelegentlich in Teilen. Von mindestens schon im 13. Jahrhundert durch das 15. Jahrhundert gab es eine Abteilung von Instrumenten in haut (laut, schrill, Outdoor - Instrumente) und bas (leiser, intimer Instrumente). Während des früheren Mittelalters , die Vokalmusik aus dem liturgischen Genre, überwiegend Gregorianik , war monophon , eine einzelne, ohne Begleitung Gesangsmelodie Zeilen. Polyphone Vokal Genres, die mehrere unabhängige Gesangsmelodien verwendet, begann während der Entwicklung hohe Mittelalter , durch die spätere 13. und Anfang des 14. Jahrhunderts weit verbreitet werden.

Renaissance-Musik

Viele Instrumente entstanden in der Renaissance; andere waren Variationen oder Verbesserungen auf, Instrumente , die vorher bestanden hatte. Einige haben bis heute überlebt; andere sind verschwunden, nur um neu erstellt werden , um Musik auf historischen Instrumenten durchzuführen. Wie in der modernen, Instrumente können als Bläser, Streicher, Schlagzeug und Holzbläser klassifiziert werden. Blechblasinstrumente in der Renaissance wurden traditionell von Profis gespielt , die Mitglieder waren Gilden und sie waren die Zugtrompete , das Holz Kornett , die ohne Ventil Trompete und Posaune . Streichinstrumente, die die Gambe , die Rebec , die harfenähnlichen Leier , den Leierkasten , die Laute , die Gitarre , die Zither , die Bandora und die Orpheoreon . Tasteninstrumente mit Saiten enthalten das Cembalo und die virginals . Schlaginstrumente umfassen das Dreieck , die Maultrommel , die Tamburin , die Glocken, den Rumpeln-Topf, und verschiedene Arten von Trommeln. Holzblasinstrumente enthielten den doppelten Reed shawm , die Rohrflöte , die bagpipe , die Traversflöte , den Recorder , die Dulzian und die crumhorn . Vokalmusik der Renaissance ist für das Gedeihen eines zunehmend aufwendiger bemerkt polyphonen Stil. Die wichtigsten liturgischen Formen , die während der gesamten Renaissance - Zeit ertragen waren Messen und Motetten, mit einigen anderen Entwicklungen gegen Ende, vor allem als Komponisten geistlicher Musik säkulare Formen (wie die zu übernehmen begannen Madrigal ) für ihre eigenen Entwürfe. Gegen Ende der Periode, die frühen dramatischen Vorläufer der Oper wie Monodie, die Madrigalkomödie , und die Inter sind zu sehen. Rund 1597 italienische Komponist Jacopo Peri schrieb Dafne , um das erste Werk eines heißen Oper heute. Er komponierte auch Euridice , die erste Oper bis heute überlebt zu haben.

Barockmusik

Barockinstrumente enthalten einige Instrumente aus den früheren Perioden ( zum Beispiel der Leierkasten und Blockflöte) und eine Reihe neuer Instrumente (zB die Oboe, Fagott, Cello, Kontrabass und Hammerflügel). Einige Instrumente aus früheren Epochen gerieten in Vergessenheit, wie die Schalmei und das Holz Kornett. Die wichtigsten Barockinstrumente für Streicher enthalten die Violine , Viola , Viola , Viola d'amore , Cello , Kontrabass , Laute , Theorbe (die oft die gespielten basso continuo Teile), Mandoline , Zither , Barockgitarre , Harfe und Leierkasten. Holzbläser gehörten die Traversflöte , Barockoboe , Rackett , Blockflöte und Fagott . Blechblasinstrumente waren die cornett , Naturhorn , Barocktrompete , Schlange und die Posaune . Tasteninstrumente enthalten die Clavichord , das Cembalo , das Pfeifenorgel , und später in der Zeit, die Hammerflügel (eine frühe Version des Klavier). Schlaginstrumente enthalten die Pauken , Snare Drum , Tamburin und Kastagnetten .

Ein wesentlicher Unterschied zwischen Barockmusik und der klassischen Epoche , die es folgt, dass die Arten von Instrumenten in Barockensembles verwendet wurden , waren viel weniger standardisiert. Während eine klassische Ära Streichquartett besteht fast ausschließlich aus zwei Violinen, eine Viola und ein Cello, ein Barock oder Klassik-Ära Gruppe einen Solisten oder Oper begleiten könnte eine von mehreren verschiedenen Typen von Tasteninstrumenten (zB Pfeifenorgel umfasst, Cembalo, oder Clavichord), zusätzliche Saiteninstrumente chordal (zB eine Laute) und eine unbestimmte Zahl von Baßinstrumente der Bc Durchführung, einschließlich verbeugte Streichern, Holzbläsern und Blasinstrumenten (zB ein Cello, Kontrabaß, Gambe, Fagott, Schlange, etc.) .

Vocal Entwicklungen in der Barockzeit waren die Entwicklung der Oper Typen wie Opera seria und opéra comique und verwandte Formen wie Oratorien und Kantaten .

Klassische Musik

Der Begriff „klassische Musik“ hat zwei Bedeutungen: die breitere Bedeutung alle westliche Kunstmusik aus dem Mittelalter zu den 2000er Jahren umfasst, und die spezifische Bedeutung bezieht sich auf die Kunstmusik aus den 1750er Jahren bis in den frühen 1820er-den Zeitraum von Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn und Ludwig van Beethoven . In diesem Abschnitt geht es um die spezifischere Bedeutung. Klassik Musiker weiterhin viele Instrumente aus der Barockzeit zu verwenden, wie das Cello, Kontrabass, Blockflöte, Posaune, Pauken, Hammerflügel (der Vorläufer des modernen Klavier ) und Orgel. Während einige Barockinstrumente fiel in Nichtgebrauch (zB die Theorbe und Rackett), viele Barockinstrumente wurden in den Versionen geändert , die noch heute in Gebrauch sind, wie die Barockvioline (das ist der wurde Geige wurde), die barocke Oboe (die den Oboe ) und die Barocktrompete, die die regulären Ventiltrompete übergegangen ist . Während die klassischen Ära verwendete Saiteninstrumente in Orchester und Kammermusik wie Streichquartette wurden als die vier Instrumente standardisieren , die die Bildung von Streichern des Orchesters : Violine, Viola, Cello und Kontrabass. Barock-Ära Saiteninstrumente wie Bünden, verbeugte Violen wurden abgeschafft. Holzbläser gehörten die Bassettklarinette , Bassetthorn , clarinette d'amour , die klassische Klarinette , das Chalumeau , die Flöte, Oboe und Fagott. Tasteninstrumente enthalten die Clavichord und Hammerflügel . Während das Cembalo noch in Generalbassbegleitung in den 1750er Jahren und 1760er Jahren verwendet wurde, fiel es am Ende des Jahrhunderts der Verwendung aus. Blechblasinstrumente enthielten die buccin , den ophicleide (ein Ersatz für die Bass - Schlange , die der Vorläufer der war Tuba ) und das Naturhorn .

Romantische Musik

In der Epoche der Romantik, das moderne Klavier , mit einem leistungsfähigeren, nachhaltig Ton und ein breiteres Spektrum übernahmen von dem empfindlicheren klingenden Hammerflügel. Im Orchester werden die bestehenden klassischen Instrumenten und Schnitte wurden beibehalten ( Streicher , Holzbläser, Blechbläser und Schlagzeug), aber diese Abschnitte wurden in der Regel einen volleren, volleren Sound machen erweitert. Während zum Beispiel eines Barockorchester zwei Kontrabassisten gehabt haben kann, könnte ein romantisches Orchester hat so viele wie zehn. „Als Musik ausdruck wuchs, die Standard - Orchesterpalette war einfach nicht reich genug für viele romantischen Komponisten.“ New Holzblasinstrumente wurden hinzugefügt, wie der contrabassoon , Baßklarinette und Piccolo und neue Perkussionsinstrumente wurden hinzugefügt, einschließlich xylophones , Snares , Celestas (a glockenartige Tasteninstrument), Glocken und Dreiecken , große Orchester Harfen , und sogar Wind Maschinen für Sound - Effekte . Saxophones erscheint in einigen Partituren aus dem späten 19. Jahrhundert. Während erscheinen nur in einigen Werken Soloinstrumente vorgestellt, zum Beispiel Maurice Ravel ‚s Orchestrierung von Modest Mussorgsky ‘ s Bilder einer Ausstellung und Sergei Rachmaninoff ‚s Symphonic Dances , das Saxophon in anderen Werken, wie Ravels enthalten Boléro , Sergei Prokofiev ‚s Romeo and Juliet Suites 1 und 2 und viele andere Arbeiten als ein Mitglied des Orchester ensemble. Das Euphonium ist in wenigen spät vorge Romantische und 20. Jahrhundert Werke, in der Regel spielen Teile der Aufschrift „Tenortuba“, darunter Gustav Holst ‚s Die Planeten , und Richard Strauss ‘ s Ein Heldenleben .

Die Wagner - Tuba , ein modifiziertes Mitglied der Familie Horn erscheint in Richard Wagner ‚s - Zyklus Der Ring des Nibelungen und einige andere Werke von Strauss, Béla Bartók und andere; es hat eine wichtige Rolle bei Anton Bruckner ‚s Symphony No. 7 in E - Dur . Cornets erscheinen in Pjotr Iljitsch Tschaikowski 's Ballett Schwanensee , Claude Debussy ' s La mer und mehrere Orchesterwerke von Hector Berlioz . Es sei denn , diese Instrumente von den Mitgliedern auf einem anderen Instrument gespielt verdoppeln (zum Beispiel ein Posaunist für eine bestimmte Passage Euphonium zu ändern), wird Orchester verwenden freier Musiker zu ihrem regulären Dienstpläne zu ergänzen.

Das Dublin Philharmonic Orchestra spielt Tschaikowsky ‚s Vierte Symphonie

modernistische Musik

Moderne in der Musik ist eine philosophische und ästhetische Haltung , die Zeit der Veränderung und Entwicklung in der musikalischen Sprache zugrunde liegen , die von 1890 bis 1930 aufgetreten ist , über einen Zeitraum von unterschiedlichen Reaktionen in schwierigen und neu zu interpretieren ältere Kategorien von Musik, Innovationen , die auf neue Formen der Organisation und Annäherung führen harmonische, melodischer, Schall- und rhythmische Aspekte der Musik, und Veränderungen in der ästhetischen Weltbildern in enger Beziehung zu der größeren identifizierbaren Periode der Moderne in der Kunst der Zeit. Das entscheidende Wort am meisten mit ihm verbunden ist „Innovation“. Sein führendes Merkmal ist eine „sprachliche Vielfalt“, die , dass kein einzige sagen Musikgenre immer eine beherrschende Stellung angenommen.

Moderne klassische Musik

Moderne klassische Musik ist die Zeit , die in den Vordergrund in der Mitte der 1970er Jahre kam. Es umfasst verschiedene Varianten der Moderne , Postmoderne , neoromantisches und pluralistischer Musik . Jedoch kann der Begriff auch in einem weiteren Sinne verwendet werden , um alle nach 1945 Musikformen zu verweisen.

postmodern Musik

Postmodern Musik ist eine Zeit der Musik , die um 1930 begann es mit Eigenschaften teilt postmodernist Kunst - das heißt, Kunst , die nach und reagiert gegen kommt Moderne .

Post-postmodern Instrumentierung

Viele Instrumente , die in dem 2010er mit populären Musik gefüllt wichtigen Rolle in der frühen Musik, wie verbunden sind , Dudelsack , Theorben , vihuelas , Drehleier (Handkurbel Streichinstrumente), Akkordeons , Alphörner , hydraulises , calliopes , Sistren , und einige Holzbläser Instrumente wie tin Whistles , Panflöte , Schalmeien und Krummhörner . Auf der anderen Seite, Instrumente wie die akustische Gitarre , einmal in erster Linie im Zusammenhang mit dem populären Musik, gewannen an Bedeutung in der klassischen Musik im 19. und 20. Jahrhundert in Form der klassischen Gitarre und Banjo . Während gleich Temperament nach und nach als das dominierenden angenommen wurde musikalische Temperament während des 19. Jahrhunderts, werden oft verschiedene historische Temperamente für Musik aus früheren Perioden verwendet. Zum Beispiel Musik der englischen Renaissance wird oft in geführt meantone Temperament . Wie gut, während professionelle Orchester und Pop - Bands auf der ganzen Welt zu einem A bei 440 Hz seit dem späten 19. Jahrhundert abgestimmt haben feste, war es historisch eine große Vielfalt in der Stimmton, wie die Organe im historischen Rohr bezeugt , die noch existieren.

Performance

Jugend Blasorchester in der Leistung

Interpreten , die ausgiebig klassische Musik studiert haben , sind gesagt werden „klassisch ausgebildet“. Dieses Training kommen aus Privatunterricht von Instrument oder Sprachlehrer oder Abschluss eines offiziellen Programm von einem Konservatorium, Hochschule oder Universität, wie ein Bachelor of Music oder Master of Music Grad (die einzelnen Lehren aus Professoren umfasst). In der klassischen Musik „... umfangreiche formale Musikerziehung und Ausbildung, oft postgradualen [Master] Ebene“ erforderlich.

Performance des klassischen Musik Repertoires erfordert Kenntnisse in Notenlesen und Ensemblespiel, harmonische Prinzipien, starke Gehörbildung (korrigieren und anpassen Pitches durch das Ohr), Kenntnis der Aufführungspraxis (zB barocke Verzierungen versehen ) und eine Vertrautheit mit dem Stil / Musiksprache erwartet , für eine gegebene Komponisten oder Musikwerk (zB ein Brahms Symphony oder ein Mozart Konzert).

Einige "populär" Genre Musiker haben bedeutende klassische Ausbildung, wie hatte Billy Joel , Elton John , die Van Halen Brüder, Randy Rhoads , Ritchie Blackmore und Dream Theater Mitglieder. Darüber hinaus ist formale Ausbildung zum klassischen Genre nicht eindeutig. Viele Rock- und Pop - Musiker haben Grad in abgeschlossenen kommerziellen Musikprogramme wie die von der angebotenen Berklee College of Music und viele Jazzmusiker haben Grad in der Musik von Universitäten mit Jazz - Programme, wie die fertige Manhattan School of Music und der McGill University .

Geschlecht von Darstellern

Historisch gesehen , große professionelle Orchester haben überwiegend oder vollständig aus Musikern gewesen , die Männer sind. Einige der frühesten Fälle von Frauen in professionellen Orchestern angeheuert war in der Lage , Harfenistin . Die Wiener Philharmoniker zum Beispiel nicht akzeptieren Frauen ständige Mitgliedschaft bis 1997, weit später als die anderen Orchestern unter den Top fünf von der Weltrang Gramophone im Jahr 2008 die letzte große Orchester , eine Frau zu einer Festanstellung zu ernennen war der Berliner Philharmoniker . Noch im Februar 1996 die Soloflötist der Wiener Philharmoniker, Dieter Flury, sagte Westdeutschen Rundfunk , dass die Annahme Frauen „Glücksspiel mit der emotionalen Einheit (wäre Emotionelle Geschlossen ) , dass dieser Organismus zur Zeit hat“. Im April 1996 das Pressesprecher des Orchesters schrieb , dass die „für die erwarteten Beurlaubungen Ausgleichs-“ Karenz wäre ein Problem.

Im Jahr 1997 war die Wiener Philharmoniker durch die "Proteste während eines [US] Tour facing" National Organization for Women und der International Alliance for Women in Music . Schließlich „nach Spott auch in sozial konservativen Österreich zur Steigerung gehalten werden, Mitglieder des Orchesters versammelt [am 28. Februar 1997] in einer außerordentlichen Sitzung am Vorabend ihrer Abreise und vereinbart , eine Frau, Anna Lelkes, als Harfenistin zugeben. " Ab 2013 hat das Orchester sechs weibliche Mitglieder; einer von ihnen wurde Geiger Albena Danailova einen der Orchesterkonzert im Jahr 2008, die erste Frau , diese Position zu halten. Im Jahr 2012 bildeten Frauen nach wie vor nur 6% der Mitglieder des Orchesters. VPO Präsident Clemens Hellsberg , sagte die VPO nun vollständig abgeschirmt verwendet blinde Castings .

Im Jahr 2013 ein Artikel in Mother Jones erklärte , dass während „[m] alle namhaften Orchestern bedeutende Mitgliedschaft-Frauen Männer weibliche haben in der Überzahl New York Philharmonic ‚s Geigen-und mehrere renommierte Ensembles, darunter das National Symphony Orchestra , dem Detroit Symphony und das Minnesota Symphony, werden von Frauen Violinisten „das führt Kontrabass , Blechbläser und Schlagzeug Abschnitten großer Orchester“ ... sind immer noch überwiegend männlich.“ A 2014 BBC - Artikel erklärt , dass die“... Einführung von ‚blind‘Castings , wo ein prospektiven Instrumentalist führt hinter einem Bildschirm , so dass die Jury kein Geschlecht oder Rassenvorurteile ausüben kann, die ein ausgewogenes Geschlechterverhältnis von traditionell von Männern dominierten Symphonie gesehen hat Orchester allmählich verschieben.“

Komplexität

Werke des klassischen Repertoires zeigen oft die Komplexität bei der Nutzung Orchestrierung , Kontrapunkt , Harmonie , musikalischer Entwicklung , Rhythmus , Phrasierung , Textur und Form . Während der meisten Artikel in einer Vielzahl in der Regel in geschrieben Liedform , ist die klassische Musik für die Entwicklung von hoch entwickelten Instrumentalmusikformen erwähnt, wie das Konzert , Sinfonie und Sonate . Klassische Musik ist auch für seine Verwendung von anspruchsvollen Vokal / Instrumentalformen, wie bemerkt Oper . In der Oper, Gesangssolisten und Chöre inszenierte dramatische Werke mit Orchester bietet Begleitung. Längere Instrumentalwerke sind oft unterteilt in sich geschlossene Stücke, genannt Bewegungen , oft mit Zeichen oder Stimmungen kontrastiert. Zum Beispiel während der klassischen Periode geschrieben Symphonien werden in der Regel in vier Sätze unterteilt: (1) eine Öffnung Allegro in Sonatenform , (2) eine langsame Bewegung, (3) ein minuet oder scherzo (in einem Dreiermetrum , wie 3 / 4), und (4) eine abschließende Allegro. Diese Bewegungen können dann weiter zerlegt werden in eine Hierarchie von kleineren Einheiten: erste Abschnitte , dann Perioden und schließlich Phrasen .

Geschichte

Musik - Notation von einem frühen 14. Jahrhundert englischen Missal , mit dem Haupt Christi. Katholischer Mönch entwickelte die ersten Formen der modernen europäischen Musiknotation , um Liturgie in der weltweiten Kirche zu standardisieren.

Die großen Zeiteinteilungen der klassischen Musik bis 1900 sind die Alte Musik Periode, die umfasst Medieval (500-1400) und Renaissance (1400-1600) Epochen und die übliche Praxis Zeit , die das umfasst Barock (1600-1750), Klassik (1750-1820) und Romantik (1810-1910) Epochen.} die aktuelle Periode umfasst das 20. Jahrhundert (1901-2000) und umfasst die meisten der frühen modernen musikalischen Ära (1890-1930), der gesamte Hohe moderne (Mitte 20th- Jahrhundert) und der erste Teil der Moderne (1945 oder 1975-Strom) oder Postmoderne musikalischer Ära (1930-aktuell). Das 21. Jahrhundert war bisher eine Fortsetzung der gleichen Periode und die gleiche Contemporary / Postmoderne Musik-Ära , die beide begann meist im 20. Jahrhundert.

Die Termine sind Verallgemeinerungen , da die Zeiten und Epochen überlappen und die Kategorien sind etwas willkürlich, bis zu dem Punkt , dass einige Behörden Terminologien umkehren und beziehen sich auf eine gängige Praxis „Ära“ umfassend Barock, Klassik und Romantik „Perioden“. Zum Beispiel die Verwendung von Kontrapunkt und Fuge , die charakteristisch für die Barockzeit angesehen wird (oder Zeit), wurde durch fort Haydn , der als typisch für die klassische Ära eingestuft wird. Beethoven , der oft als Begründer der romantischen Ära beschrieben wird, und Brahms , der als romantisch, auch verwendet Kontrapunkt eingestuft und Fuge, aber die romantischen und manchmal Sehnsucht Qualitäten ihrer Musik ihrer Zeit definieren.

Das Präfix neo- wird verwendet , um eine aus dem 19. zu beschreiben, 20th- oder 21. Jahrhunderts Komposition im Stil einer früheren Epoche geschrieben, wie Klassik oder Romantik. Strawinskys Pulcinella , zum Beispiel, ist eine neoklassische Zusammensetzung , weil es stilistisch ähnlich zu Werke des Barock ist.

Wurzeln

Burgh (2006) schlägt vor, dass die Wurzeln der westlichen klassischen Musik liegen schließlich in altägyptischen Kunst Musik über Cheironomie und altägyptischen Orchester, das bis 2695 vor Christus datiert. Die Entwicklung der einzelnen Töne und Skalen wurde von den alten Griechen wie gemacht Aristoxenus und Pythagoras . Pythagoras schuf ein Tuning - System und half kodifizieren Musiknotation . Altgriechisch Instrumente wie die aulos (a Rohrblattinstrument ) und die Leier (ein Saiteninstrument , ähnlich eine kleine Harfe) führte schließlich zu den heutigen Instrumenten eines klassischen Orchesters. Die Vorgeschichte zu der Frühzeit war die Ära der alten Musik vor dem Fall des Römischen Reiches (476 AD).

Frühe Periode

Musiker spielen die vielle (vierzehnten Jahrhundert Mittelalterliche Manuskript )

Die Mittelalter - Musik aus der Zeit nach dem Fall von Rom bis etwa 1400. umfasst Monophonic Gesang, auch genannt Choral oder Gregorianik , war die vorherrschende Form bis etwa 1100. katholische Mönche die ersten Formen der modernen europäischen Notenschrift entwickelt , um Liturgie überall zu standardisieren die weltweite Kirche. Polyphone (mehrstimmige) Musik aus monophonem Gesang in dem späten entwickelte Mittelalter und in die Renaissance , darunter die komplexeren Voicings von Motetten . Die Renaissance war von 1400 bis 1600. Es durch stärkere Nutzung charakterisiert Instrumentierung , melodische mehrere Verwebung Linien und die Verwendung der ersten Bassinstrumente . Gesellschaftstanz wurde weiter verbreitet, so musikalische Formen angemessen Tanz begleitet begannen zu standardisieren. Es ist in dieser Zeit , dass die Notation von Musik auf einem Personal und anderen Elementen der musikalischen Notation Gestalt anzunehmen begann. Diese Erfindung ermöglicht die Trennung der Zusammensetzung von einem Musikstück aus seiner Übertragung ; ohne schriftliche Musik, Übertragung war mündlich und vorbehaltlich jedes Mal , es übertragen wurde , ändern. Mit einer musikalischen Partitur könnte ein Werk der Musik ohne die Anwesenheit des Komponisten durchgeführt werden. Die Erfindung der beweglichen Lettern Druckmaschine im 15. Jahrhundert hatte weitreichende Folgen für die Erhaltung und Übertragung von Musik.

Johannes Ockeghem , Kyrie "Au travail suis" Auszug

Typische Saiteninstrumente der Frühzeit sind die Harfe, Laute , vielle und Psalter , während Blasinstrumenten die mitgelieferte Flöte Familie (einschließlich Recorder ), Schalmei (ein frühes Mitglied der Oboe Familie), Trompete und die Dudelsack . Einfache Rohr Organe bestanden, wurden aber weitgehend auf Kirchen beschränkt, obwohl es tragbare Sorten waren. Später in der Zeit, frühe Versionen von Tastatur Instrumenten wie das Clavichord und Cembalo zu erscheinen begannen. Streichinstrumente wie die Gambe hatte im 16. Jahrhundert entstanden, als eine größere Vielfalt an Messing und Rohrblattinstrumente hatte. Drucken ermöglicht die Standardisierung von Beschreibungen und Spezifikationen von Instrumenten, sowie Unterricht in ihrer Verwendung.

Bemerkenswerte mittelalterliche Komponisten gehören Hildegard von Bingen , Guillaume de Machaut , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Francesco Landini , und Johannes Ciconia .

Bemerkenswerte Komponisten der Renaissance gehören Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstable , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt und Cipriano de Rore .

Common-Übungszeit

Der gängige Praxis Zeitraum ist in der Regel als die Ära zwischen der Bildung und der Auflösung der Hegemonie der Common-Praxis definiert Tonalität . Der Begriff umfasst in der Regel etwa zwei-und-ein-halb Jahrhunderte umfasst Barock, Klassik und Romantik.

Barockmusik

Barockinstrumente einschließlich Leierkasten , Cembalo , Gambe , Laute , Violine und Barockgitarre

Barockmusik wird durch den Einsatz von komplexem tonal gekennzeichnet Kontra und der Verwendung eines Bc , ein kontinuierlichen Bass. Musik wurde komplexer im Vergleich zu den einfachen Songs aller Vorperioden. Die Anfänge der Sonatenform nahm Gestalt in der Canzone , als eine formalisierte Begriff tat Thema und Variationen . Die Tonalität von Dur und Moll als Mittel für die Verwaltung von Dissonanz und Chromatik in der Musik übernahm die volle Form.

Während der Zeit des Barock, spielte Klaviermusik auf dem Cembalo und Orgel wurde immer beliebter, und die Geige Familie der Streichinstrumente nahm die Form heute allgemein gesehen. Opera als inszenierte Musical Drama begann , sich zu unterscheiden sich von früheren musikalischen und dramatischen Formen und Vokalformen wie die Kantate und Oratorium wurde häufiger. Vokalisten zum ersten Mal begann zusätzliche Erläuterungen zur Musik hinzufügen. Instrumentalensembles begannen nach ihrer Größe zu unterscheiden und standardisieren, für größere Ensembles Anlass zu den frühen Orchestern geben, mit Kammermusik für kleinere Gruppen von Instrumenten geschrieben werden , wo Teile gespielt werden durch einzelne (statt massierten) Instrumente. Das Konzert als Vehikel für die von einem Orchester begleitet Solo - Performance wurde weit verbreitet.

Die Theorien rund um gleich Temperament begannen in breiterer Praxis umgesetzt werden, vor allem , da sie ein breiteres Spektrum von chromatischen Möglichkeiten in schwer zu tunen Tasteninstrumenten aktiviert. Obwohl Bach nicht gleich Temperament verwendet hat, wie ein modernes Klavier allgemein abgestimmt ist, Änderungen der Temperamente vom meantone System , gemeinsam zu dem Zeitpunkt, zu verschiedenen Temperamenten , die Modulation zwischen allen Tonarten musikalisch akzeptabel gemacht, ermöglicht Bachs Wohltemperierten Klavier .

Bedeutende Komponisten dieser Epoche gehören Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , Georg Friedrich Händel , Henry Purcell , Claudio Monte , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully und Heinrich Schütz .

Klassik-Ära (oder -Periode) Musik

Joseph Haydn (1732-1809) c. 1770

Die Klassik, von etwa 1750 bis 1820 gründete viele der Normen der Zusammensetzung, Aufmachung und Stil, und war auch , wenn das Klavier das vorherrschende Tasteninstrument wurde. Die grundlegenden Kräfte für eine erforderliche Orchester wurde etwas standardisiert (obwohl sie als das Potential einer grösseren Anzahl an Instrumenten wurde in den folgenden Jahrhunderten entwickelte wachsen würde). Kammermusik - Ensemble wuchs mit nicht weniger als 8 bis 10 Darstellern schließen Serenaden . Opera weiter zu entwickeln, mit regionalen Stilen in Italien, Frankreich und deutschsprachigen Ländern. Die opera buffa , eine Form der komischen Oper, stieg in der Popularität. Die Symphonie kam in seine eigenen als musikalischer Form, und das Konzert wurde als Vehikel für die Displays von virtuoser Spielstärke entwickelt. Orchestras nicht mehr erforderlich , ein Cembalo (der Teil der traditionellen gewesen war continuo im Barockstil) und wurde oft von der Spitze Geiger führt (heute genannt Konzertmeister ).

Blasinstrumente wurden verfeinern in der Klassik. Während Doppelrohrblattinstrumente wie Oboe und Fagott etwas im Barock standardisiert wurden, die Klarinette Familie von Single Schilf war nicht weit verbreitet , bis Mozart seine Rolle Kammer in Orchester, erweitert und Konzert - Einstellungen.

Die wichtigsten Komponisten dieser Zeit gehören Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri und Johann Nepomuk Hummel .

Romantic-Ära Musik

Die Musik der Romantik, von ungefähr der ersten Dekade des 19. Jahrhunderts bis Anfang des 20. Jahrhunderts wurde durch eine erhöhte Aufmerksamkeit auf eine ausgedehnte melodische Linie, sowie ausdrucksstarke und emotionale Elemente gekennzeichnet, Parallelisierung Romantik in anderen Kunstformen. Musikformen begann der Klassik Formen zu brechen (auch als diejenigen kodifiziert wurden), mit Freiformstücke wie Nocturnes , fantasien und Präludien geschrieben werden , wo akzeptiert Vorstellungen über die Ausstellung und die Entwicklung von Themen wurden ignoriert oder minimiert. Die Musik wurde mehr chromatisch, dissonant und tonal bunt, mit Spannungen (mit Bezug auf anerkannten Normen der älteren Formen) über Tonarten zu erhöhen. Das Kunstlied (oder Lied kam in dieser Zeit zur Reife), wie die epischen Skalen tat große Oper , schließlich durch transzendiert Richard Wagner ‚s Ring - Zyklus .

Im 19. Jahrhundert entstanden musikalische Institutionen aus der Kontrolle von Mäzenen, als Komponisten und Musiker leben unabhängig vom Adel konstruieren könnten. Zunehmendes Interesse an Musik durch die wachsende Mittelschicht in ganz Westeuropa spornte die Schaffung von Organisationen für die Lehre, Leistung und Erhaltung der Musik. Das Klavier, das seine moderne Konstruktion in dieser Zeit erreicht (teilweise aufgrund industrieller Fortschritte in der Metallurgie ) wurde sehr populär mit der Mittelklasse, der Anforderungen für das Gerät eine große Anzahl von Klavierbauer angespornt. Viele Sinfonieorchestern datieren ihre Gründung zu dieser Zeit. Einige Musiker und Komponisten waren die Stars des Tages; einige, wie Franz Liszt und Niccolò Paganini , erfüllen beiden Rollen.

Die Familie von Instrumenten, vor allem in Orchestern, wuchs. Ein breiteres Spektrum von Perkussionsinstrumenten zu erscheinen begann. Blechblasinstrumente nahm auf größere Rollen, wie die Einführung von Drehventilen machte es möglich , dass sie ein breiteres Spektrum von Noten zu spielen. Die Größe des Orchesters (typischerweise um 40 in der Klassik) stieg über 100. sein Gustav Mahler ‚s 1906 Symphony No. 8 , hat beispielsweise mit mehr als 150 Instrumentalisten und Chöre von über 400 durchgeführt worden ist .

Europäische Kultur Ideen und Institutionen begannen koloniale Expansion in andere Teile der Welt zu folgen. Es gab auch einen Anstieg, vor allem gegen Ende der Ära des Nationalismus in der Musik (Echo, in einigen Fällen, politische Gesinnung der Zeit), als Komponisten wie Edvard Grieg , Nikolai Rimski-Korsakow und Antonín Dvořák hallte traditionelle Musik ihre Heimat in ihren Kompositionen.

Prominente Komponisten dieser Epoche gehören Pjotr Iljitsch Tschaikowski , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms und Johann Strauss .

Prominente Komponisten des frühen 20. Jahrhunderts gehören Igor Strawinsky , Claude Debussy , Dmitri Schostakowitsch , Sergej Rachmaninow , Sergej Prokofjew , Arnold Schönberg , Anton Webern , Alban Berg , Aram Khachaturian , George Gershwin , Edvard Grieg und Béla Bartók . Obwohl Komponisten dieser Zeit Romantik angesehen werden können, in der Regel sind ihre Werke im Stil der Zeit nicht.

20. und 21. Jahrhunderts

Moderne, hochmoderne, postmoderne, postpostmodernen, oder zeitgenössische Musik

Igor Strawinsky , von Pablo Picasso , Mitarbeiter auf Pulcinella (1920)

Umfasst eine Vielzahl von nachromantischen Arten durch das Jahr 2000 komponiert, enthält 20. Jahrhundert klassische Musik der Spätromantik, Impressionismus, neoklassisch, neoromantisches, neomedieval und postmodern Arten der Komposition. Moderne (1890-1930) markiert eine Ära, in der viele Komponisten bestimmte Werte der gemeinsamen Praxis Zeit abgelehnt, wie traditionelle Tonalität, Melodie, Instrumentierung und Struktur. Die Hoch Neuzeit sah die Entstehung von neo-klassischen und serieller Musik . Einige Behörden haben hohe Modernismus als Beginn behauptete postmodern Musik von etwa 1930. Andere haben mehr oder weniger gleichgesetzt postmodern Musik mit der „Neuen Musik“ aus dem Ende des 20. Jahrhunderts komponiert bis zum Anfang des 21. Jahrhunderts.

Frauen in der klassischen Musik

Fast alle der Komponisten , die in der Musiklehrbücher über klassische Musik beschrieben sind und deren Werke sind weit verbreitet im Rahmen der durchgeführten Standard - Konzertrepertoire männlich Komponisten, obwohl es eine hat große Anzahl von Frauen Komponisten im gesamten klassischen Musikperiode. Musicologist Marcia Citron hat darum gebeten , "[w] hy ist Musik von Frauen zusammengesetzt so marginal zum Standard 'klassischen' Repertoire?" Citron „ untersucht die Praktiken und Einstellungen, die zum Ausschluss von Frauen Komponisten aus dem empfangenen geführt haben‚ Kanon ‘der durchgeführten Musikwerke.“ Sie argumentiert , dass in den 1800er Jahren, Frauen Komponisten typisch schrieben Kunstlieder für die Leistung in kleinen Recitals statt Sinfonien für die Leistung bestimmt , die mit einem Orchester in einem großen Saal, mit den letzten Arbeiten als die wichtigsten Gattung gesehen zu werden für Komponisten; da Frauen Komponisten nicht viele Sinfonien geschrieben hat, wurden sie als als Komponisten nicht bemerkenswert sein. In der "... Concise Oxford Geschichte der Musik , Clara S [c] humann ist eines der wenige [ sic ] weiblichen Komponisten erwähnt." Abbey Philips stellt fest , dass „[d] ährend des 20. Jahrhunderts die Frauen , die wurden komponiert / weit weniger Aufmerksamkeit als ihre männlichen Kollegen gewonnen zu spielen.“

Timeline der Komponisten

Philip Glass Steve Reich Arvo Pärt Karlheinz Stockhausen György Ligeti Benjamin Britten John Cage Olivier Messiaen Dmitri Shostakovich Aaron Copland Francis Poulenc Sergei Prokofiev Igor Stravinsky Béla Bartók Manuel de Falla Maurice Ravel Gustav Holst Arnold Schoenberg Sergei Rachmaninoff Ralph Vaughan Williams Enrique Granados Jean Sibelius Richard Strauss Claude Debussy Gustav Mahler Giacomo Puccini Edward Elgar Leoš Janáček Gabriel Fauré Nikolai Rimsky-Korsakov Edvard Grieg Antonin Dvorak Pyotr Ilyich Tchaikovsky Modest Mussorgsky Max Bruch Georges Bizet Camille Saint-Saëns Johannes Brahms Anton Bruckner Bedřich Smetana Jacques Offenbach Charles Gounod Giuseppe Verdi Richard Wagner Franz Liszt Robert Schumann Frederic Chopin Felix Mendelssohn Hector Berlioz Gaetano Donizetti Franz Schubert Gioacchino Rossini Carl Maria von Weber Niccolo Paganini Ludwig van Beethoven Wolfgang Amadeus Mozart Antonio Salieri Luigi Boccherini Joseph Haydn Christoph Willibald Gluck Carl Philipp Emanuel Bach Giovanni Battista Pergolesi Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach George Frideric Handel Jean-Philippe Rameau Georg Philipp Telemann Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Alessandro Scarlatti Henry Purcell Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Dieterich Buxtehude Jean-Baptiste Lully Giacomo Carissimi Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Giovanni Gabrieli Tomás Luis de Victoria William Byrd Orlande de Lassus Giovanni Pierluigi da Palestrina Thomas Tallis Josquin Des Prez Johannes Ockeghem

Bedeutung der schriftlichen Notation

Literalist Blick auf die Bedeutung der Partitur

Zwar gibt es Unterschiede zwischen den einzelnen Leistungen einer klassischen Arbeit sind, ist ein Stück der klassischen Musik im Allgemeinen jede Interpretation, sie zu überwinden gehalten. Die Verwendung von Musiknotation ist eine effektive Methode für die klassische Musik zu übertragen, da die Musik geschrieben, die technische Anweisungen zur Durchführung der Arbeiten enthält.

Die schriftliche Partitur jedoch nicht enthalten in der Regel explizite Anweisungen , wie das Stück in Bezug auf die Produktion oder die Leistung zu interpretieren, abgesehen von Richtungen für Dynamik , Tempo und Ausdruck (zu einem gewissen Grad). Dies liegt im Ermessen der Ausführenden überlassen, die durch ihre persönlichen Erfahrungen und musikalische Ausbildung geführt werden, ihr Wissen über das Idiom Arbeit, ihre persönlichen künstlerischen Geschmack und dem akkumulierten Körper historischer Aufführungspraxis.

Die Kritik an der literalist Ansicht

Alle Kritiker äußern die Meinung , dass es nur aus der Mitte des 19. Jahrhunderts ist, und vor allem im 20. Jahrhundert, dass die Gäste eine so hohe Bedeutung zu halten begann. Zuvor Improvisation (in Präludien, Kadenzen und Verzierungen), rhythmischer Flexibilität (zB Tempo rubato ), improvisatorischen Abweichung von der Partitur und mündlicher Tradition des Spielens war der Stil Integral. Klassische Musiker neigen dazu , Partituren und die Teile von ihnen extrahiert zu verwenden , um Musik zu spielen. Doch selbst mit Notation die wichtigsten Elemente der Musik bereitstellt, gibt es einen beträchtlichen Spielraum bei der Durchführung der Arbeiten. Einige dieser Breite ergibt sich aus den inhärenten Grenzen der musikalischen Notation, obwohl Versuche , traditionelle Schreibweise mit Zeichen und Anmerkungen zu ergänzen subtilere Nuancen anzeigt neigen dazu , die Darsteller zu überwältigen und lähmen.

Einige Zitate, die eine Kritik an overvaluing der Partitur hervorheben:

  • „... eine der hartnäckigsten Missverständnisse modernen Barockmusik über ist , dass eine metronomic Regelmäßigkeit sollte“ (Barock Interpretation in Grove 5. Auflage von Robert Donington )
  • „Zu viele Lehrer, bis zum 20. Jahrhundert Ideen Anlage, lehren Bach und andere Barock-Musik genau in die falsche Richtung. Dies führt zu welchen Musikwissenschaftler Sol Babitz nennt‚Nähmaschine Bach‘.“
  • “... Tendenz gleich aussehen, klingen gleich und gleich denken. Die Konservatorien Schuld trifft und sie haben nun schon seit vielen Jahren auf Fehler gewesen. Alle sensiblen Musiker auf der ganzen Welt gehen bemerkt hat das Gleiche. Die Wintergärten, aus Moskau und Leningrad Juilliard, Curtis und Indiana, ist ein standardisiertes Produkt zu erzeugen.
    [...] Klarheit, unbeirrbar Rhythmus, einfache Technik, ‚Musikalität‘. ich das Wort musikalisches Können in Anführungszeichen gesetzt, weil so oft nicht, es ist eine falsche Art ist von Musikalität-a Musikalität, die den Baum und nicht der Wald, die Pflege des Details nimmt sieht aber das große Bild ignoriert;. eine Musikalität , die eher auf die gedruckte Note gebunden ist als an emotionale Bedeutung eines Stückes
    es bleibt die Tatsache , dass es heute eine schreckliche Einheitlichkeit und auch ein erschreckender Mangel an Wissen über die Kultur und die Leistung Traditionen der Vergangenheit.“ ( „Musikschulen Drehen aus Roboter?“ Von Harold C. Schonberg )

Improvisation

Improvisation spielte einmal eine wichtige Rolle in der klassischen Musik. Ein Rest dieser improvisatorischen Tradition in der klassischen Musik in hören Kadenz , fand eine Passage meist in Konzerten und Sololiteratur, entworfen Fach Darsteller zu ermöglichen , ihre virtuosen Fähigkeiten auf dem Instrument zu zeigen. Traditionell wurde dies durch die Darsteller improvisierten; Jedoch ist es oft geschrieben für (oder gelegentlich von) der Ausführende vorher. Improvisation ist auch ein wichtiger Aspekt in authentischen Aufführungen von Opern der Barock und des Belcanto (vor allem Opern von Vincenzo Bellini ) und wird am besten am Beispiel der Dacapo - Arie , eine Form , durch die berühmten Sänger typischerweise Variationen der thematischen Materie durchführen von die Arie in der Reprise Abschnitt ( ‚B Abschnitt‘ / das ‚da capo‘ Teil). Ein Beispiel hierfür ist Beverly Sills Komplex ', wenn auch bereits geschriebene, Variation von "Da tempeste il legno infranto" aus Händels Giulio Cesare .

Seine schriftliche Übertragung zusammen mit der Verehrung auf bestimmte klassische Werke verliehen, hat zu der Erwartung geführt, dass ausübende Künstler eine Arbeit in einer Art und Weise spielen, die die ursprünglichen Absichten des Komponisten im Detail realisiert. Im Laufe des 19. Jahrhunderts wurden die Details, die im Allgemeinen erhöht in ihren Partituren setzen Komponisten. Doch das Gegenteil Trend Bewunderung von Darstellern für neue „Interpretationen“ des Komponisten Arbeits gesehen werden kann, und es ist nicht unbekannt für ein Komponist einen Darsteller zu loben für eine bessere Verwirklichung der ursprünglichen Absicht zu erreichen als der Komponist der Lage war, sich vorzustellen, . So erreichen klassische Interpreten oft hohe Reputation für ihre Musikalität, auch wenn sie selbst nicht komponieren kann. Im allgemeinen ist es jedoch die Komponisten, die mehr als die Künstler in Erinnerung bleiben.

Das Primat des geschriebenen Partitur des Komponisten hat auch geführt, heute auf eine relativ geringe Rolle von Improvisation in der klassischen Musik, in scharfem Kontrast zu der Praxis von Musikern gespielt , die in den Mittelalter, Renaissance, Barock und Frühromantik Epochen gelebt. Improvisation in der klassischen Musik Performance war üblich während sowohl die barocke und frühromantischen Epochen, noch stark in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verringert. Während der klassischen Zeit, Mozart und Beethoven improvisierte oft die Kadenzen zu ihren Klavierkonzerte (und damit andere ermutigt dies zu tun), aber für Violinkonzerte , sofern sie geschrieben Kadenzen für die Verwendung durch andere Solisten. In der Oper, die Praxis streng durch die Partitur zu singen, also kommen scritto , berühmt durch Sopran propagiert wurde Maria Callas , die diese Praxis ‚rigide‘ bezeichnet und angedeutet , dass es die Absicht des Komponisten besser zu verstehen , ermöglicht es , vor allem während des Studium Musik zum ersten Mal.

Verhältnis zu anderen Musiktraditionen

Unterhaltungsmusik

Klassische Musik hat oft Elemente oder Material aus der populären Musik des Komponisten Zeit aufgenommen. Beispiele hierfür sind gelegentliche Musik wie Brahms' Student Verwendung von Songs in seiner Trink Akademischen Festouvertüre , Genre am Beispiel von Kurt Weill ‚s Dreigroschenoper und dem Einfluss des Jazz auf Anfang und Mitte des 20. Jahrhundert Komponisten wie Maurice Ravel , am Beispiel von die Bewegung „Blues“ in seiner Sonate für Violine und Klavier berechtigt. Einige postmodern , minimalistische und postminimalistische klassischen Komponisten erkennen eine Schuld an der populären Musik.

Zahlreiche Beispiele Einfluss in der entgegengesetzten Richtung zeigen, einschließlich dem populären Songs auf klassische Musik basierten, ist die Verwendung auf die Pachelbels Canon seit den 1970er Jahren gelegt wurde, und das musikalische Crossover - Phänomen, wo klassische Musiker Erfolg in der populären Musik - Arena erreicht haben. In Schwermetall , eine Reihe von Leadgitarristen (spielen E - Gitarre ), einschließlich Ritchie Blackmore und Randy Rhoads , modelliert ihre Spielstile auf Barock oder Klassik-Ära Instrumentalmusik.

Volksmusik

Komponisten der klassischen Musik haben oft Gebrauch gemacht Volksmusik (von Musikern Musik , die häufig nicht klassisch ausgebildet ist, oft von einer rein mündlichen Überlieferung). Einige Komponisten, wie Dvořák und Smetana , haben Volksthemen verwendet , um einen nationalistischen Geschmack , um ihre Arbeit zu vermitteln, während andere wie Bartók spezifische Themen aus ihrer Volksmusik Herkunft angehoben ganzen verwendet haben.

Vermarktung

Bestimmte Heftklammern der klassischen Musik sind oft im Handel (entweder in der Werbung oder in Film - Soundtracks) verwendet. In TV - Spots wurden mehrere Passagen werden clichéd , insbesondere die Eröffnung von Richard Strauss ' Zarathustra Also sprach (im Film bekannt geworden 2001: A Space Odyssey ) und dem Öffnungsabschnitt " O Fortuna " von Carl Orff ' s Carmina Burana ; Weitere Beispiele sind die „ Dies irae “ aus dem Verdi Requiem , Edvard Grieg ‚s‚ In der Halle des Bergkönigs ‘von Peer Gynt , die ersten Takte von Beethovens ‘ s Symphony No. 5 , Wagner ‚s" Ritt der Walküren "von den Walküre , Rimsky-Korsakov 's " Hummelflug " und Auszügen von Aaron Copland ' s Rodeo . Mehrere Werke aus dem Goldenen Zeitalter der Animation , angepasst um die Aktion zu klassischen Musik. Bemerkenswerte Beispiele sind Walt Disney ‚s Fantasia , Tom und Jerry 's Johann - Maus und Warner Bros. ' Kaninchen von Sevilla und Was ist Opera, Doc?

In ähnlicher Weise zufällt Film und Fernsehen häufig zu Standard clichéd Auszüge der klassischen Musik Verfeinerung oder Opulenz zu vermitteln: einige der am meisten oft gehört Stücke in dieser Kategorie gehören Bach der Cello Suite No. 1 , Mozart ‚s Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi 's Four Seasons , Mussorgsky ' s Nacht auf dem kahlen Berge (wie von Rimsky-Korsakov orchestriert) und Rossini ‚s " Wilhelm Tell Ouvertüre ". Die gleichen Passagen sind oft von Callcentern verwendet , um ein Gefühl der Ruhe in Kunden in einer Warteschlange zu induzieren. Shawn Vancour argumentiert , dass die Vermarktung der klassischen Musik im frühen 20. Jahrhundert der Musikindustrie durch unzureichende Darstellung geschadet hat.

Public Domain

Da der Bereich der Produktion der klassischen Musik aus dem 14. Jahrhundert bis zum 21. Jahrhundert ist, gehört die meisten dieser Musik (14. bis Anfang des 20. Jahrhunderts) mit dem öffentlichen Bereich , vor allem Noten und Tabulaturen . Einige Projekte wie Musopen und öffnen Goldberg - Variationen wurden erstellt musikalische Audiodateien von hoher Qualität zu produzieren und geben sie an die Öffentlichkeit, die meisten von ihnen sind auf der zur Verfügung stehenden Internet Archive Website.

Das Open Goldberg - Variationen Projekt veröffentlichte ein Braille - Format in die Public Domain , die verwendet werden können Papier oder in elektronische Noten zu produzieren, Braille e-Bücher , für Blinde.

Bildung

In den 1990er Jahren schrieb mehrere wissenschaftliche Arbeiten und populäre Bücher auf das, was kam der „genannt werden Mozart - Effekt “: eine beobachtete vorübergehende, kleine Erhöhung der Werte auf bestimmte Tests als Ergebnis hören Mozarts Werken. Der Ansatz wurde in einem Buch von Don Campbell populär, und basiert auf einem Experiment , in der veröffentlichten Natur darauf hindeutet , dass vorübergehend Hören von Mozart Schüler verstärkt IQ von 8 bis 9 Punkte. Diese popularisierte Version der Theorie wurde kurz und bündig durch den ausgedrückt New York Times Musik Kolumnist Alex Ross : „Forscher haben festgestellt , ... das macht Sie tatsächlich intelligenter zu Mozart zu hören.“ Veranstalter vermarktet beansprucht CDs , die Wirkung zu induzieren. Florida ein Gesetz verabschiedet , Kleinkinder in staatlichen Schulen erfordert jeden Tag klassische Musik zu hören, und im Jahr 1998 der Gouverneur von Georgia Budget $ 105.000 pro Jahr in Georgia mit einem Band oder eine CD mit klassischen Musik geboren jedes Kind zur Verfügung zu stellen. Einer der Co-Autoren der Originalstudien des Mozart - Effekts kommentierte : „Ich glaube nicht , es kann weh tun. Ich bin für die Kinder zu wunderbaren kulturellen Erfahrungen auszusetzen. Aber ich denke , das Geld besser auf ausgegeben werden könnte Musikerziehung Programme.“

1996/97 wurde eine Studie über eine Bevölkerung von der Vorschule bis zur College - Studenten in der Leitung Cherry Creek School District in Denver, Colorado, USA. Die Studie zeigte , dass die Schüler , die sich aktiv für die klassische Musik hören , bevor hatten höhere akademische Noten studieren. Die Forschung zeigte ferner , dass Studenten , die auf die Musik vor einer Prüfung hörten auch positiv erhöhten Leistung Partituren hatten. Studenten , die abgehört Rock-and-Roll oder Country - Musik hatten mäßig niedrigere Werte. Die Studie zeigte außerdem , dass Studenten , die klassische Musik im Laufe der Studie einen signifikanten Sprung in ihrer akademischen Leistung hatten; während hatten diejenigen , die auf andere Arten von Musik gehört deutlich akademischen Noten gesenkt. Die Forschung wurde über mehrere Schulen in der Cherry Creek School District durchgeführt und wurde durch die durchgeführt University of Colorado . Diese Studie ist repräsentativ für einige neuere Studien (dh Mike Manthei und Steve N. Kelly von der University of Nebraska in Omaha, Donald A. Hodges und Debra S. O'Connell von der University of North Carolina in Greensboro, etc.) und andere die hatten signifikante Ergebnisse durch den Diskurs ihrer Arbeit.

Siehe auch

Nation spezifisch:

Verweise

Quellen

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Weiterführende Literatur

Externe Links