Elektronische Tanzmusik -Electronic dance music

Elektronische Tanzmusik ( EDM ) , auch bekannt als Tanzmusik , Clubmusik oder einfach Tanz , ist ein breites Spektrum perkussiver elektronischer Musikgenres , die hauptsächlich für Nachtclubs , Raves und Festivals entwickelt wurden . Es wird im Allgemeinen für die Wiedergabe durch DJs produziert , die eine nahtlose Auswahl von Tracks erstellen, die als DJ-Mix bezeichnet werden , indem sie von einer Aufnahme zur nächsten wechseln . EDM-Produzenten spielen ihre Musik auch live bei Konzerten oder Festivals in einer sogenannten Live-PA .

In den späten 1980er und frühen 1990er Jahren, nach dem Aufkommen von Raving , Piratenradio , PartyCrews, Underground-Festivals und einem steigenden Interesse an Clubkultur , erlangte EDM in Europa allgemeine Popularität. Die Rave-Kultur war jedoch in den Vereinigten Staaten nicht so beliebt. Es wurde normalerweise nicht außerhalb der regionalen Szenen in New York City, Florida, dem Mittleren Westen und Kalifornien gesehen. Obwohl sowohl Elektro- als auch Chicago-House- Musik sowohl in Europa als auch in den Vereinigten Staaten einflussreich waren, blieben die Mainstream-Medien und die Plattenindustrie offen feindlich eingestellt. Es gab auch eine wahrgenommene Verbindung zwischen EDM und Drogenkultur , was Regierungen auf Landes- und Stadtebene dazu veranlasste, Gesetze und Richtlinien zu erlassen, um die Ausbreitung der Rave-Kultur zu stoppen.

Anschließend, im neuen Jahrtausend, nahm die Popularität von EDM weltweit zu, insbesondere in den Vereinigten Staaten und Australien. In den frühen 2010er Jahren wurde der Begriff „elektronische Tanzmusik“ und der Initialismus „EDM“ von der amerikanischen Musikindustrie und Musikpresse vorangetrieben , um die amerikanische Rave-Kultur neu zu benennen . Trotz des Versuchs der Branche, eine bestimmte EDM-Marke zu schaffen, wird der Initialismus weiterhin als Oberbegriff für mehrere Genres verwendet, darunter Dance-Pop , House , Techno , Electro und Trance sowie ihre jeweiligen Subgenres.

Geschichte

In den letzten 40 Jahren haben sich beispielsweise verschiedene EDM-Genres entwickelt; House , Techno , Drum and Bass , Dance-Pop usw. Stilistische Variationen innerhalb eines etablierten EDM-Genres können zur Entstehung eines sogenannten Subgenres führen . Hybridisierung, bei der Elemente von zwei oder mehr Genres kombiniert werden, kann zur Entstehung eines völlig neuen EDM-Genres führen.

Vorläufer

In den späten 1960er Jahren schufen Bands wie Silver Apples elektronische Musik zum Tanzen. Andere frühe Beispiele für Musik, die die spätere elektronische Tanzmusik beeinflussten, sind jamaikanische Dub-Musik in den späten 1960er bis 1970er Jahren, die Synthesizer-basierte Disco- Musik des italienischen Produzenten Giorgio Moroder in den späten 1970er Jahren und der Elektropop von Kraftwerk und Yellow Magic Orchestra in der Mitte - bis Ende der 1970er Jahre.

Dub

Der Autor Michael Veal betrachtet die Dub-Musik , eine jamaikanische Musik , die aus der Roots-Reggae- und Sound-System- Kultur stammt und zwischen 1968 und 1985 blühte, als einen der wichtigsten Vorläufer der zeitgenössischen elektronischen Tanzmusik. Dub-Produktionen waren remixte Reggae-Tracks, die Rhythmus, fragmentierte lyrische und melodische Elemente und hallende Texturen betonten. Die Musik wurde von Studioingenieuren wie Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee „Scratch“ Perry und Scientist entwickelt . Ihre Produktionen umfassten Formen der Tonbandbearbeitung und Tonbearbeitung , die Veal als vergleichbar mit den Techniken der Musique concrète ansieht . Dub-Produzenten machten improvisierte Dekonstruktionen bestehender Mehrspur- Reggae-Mixe, indem sie das Studio- Mischpult als Performance-Instrument verwendeten. Sie stellten auch räumliche Effekte wie Reverb und Delay in den Vordergrund, indem sie Aux-Send-Routings kreativ einsetzten . Das Roland Space Echo , hergestellt von der Roland Corporation , wurde in den 1970er Jahren von Dub-Produzenten häufig verwendet, um Echo- und Verzögerungseffekte zu erzeugen.

Trotz der begrenzten elektronischen Ausstattung, die Dub-Pionieren wie King Tubby und Lee „Scratch“ Perry zur Verfügung stand, waren ihre Experimente in der Remix-Kultur musikalisch bahnbrechend. Ambient Dub wurde von King Tubby und anderen jamaikanischen Klangkünstlern entwickelt und verwendete DJ-inspirierte Ambient -Elektronik, komplett mit Aussetzern, Echo, Entzerrung und psychedelischen elektronischen Effekten. Es enthielt Schichttechniken und integrierte Elemente der Weltmusik , tiefe Basslinien und harmonische Klänge. Techniken wie eine lange Echoverzögerung wurden ebenfalls verwendet.

Hip Hop

Hip-Hop-Musik hat seit den 1970er Jahren einen gewissen Einfluss auf die Entwicklung der elektronischen Tanzmusik. Inspiriert von der jamaikanischen Soundsystem-Kultur führte der jamaikanisch-amerikanische DJ Kool Herc große, basslastige Lautsprecher-Rigs in die Bronx ein . Seinen Partys wird zugeschrieben, dass sie 1973 die New Yorker Hip-Hop-Bewegung ins Leben gerufen haben. Eine von DJ Kool Herc entwickelte Technik, die in der Hip-Hop-Kultur populär wurde , bestand darin, zwei Kopien derselben Platte abwechselnd auf zwei Plattentellern zu spielen und an der Stelle, an der ein Track eine Unterbrechung aufwies . Diese Technik wurde weiter verwendet, um einen rein perkussiven Break manuell zu loopen , was zu dem führte, was später als Break Beat bezeichnet wurde .

Turntablism hat seinen Ursprung in der Erfindung des Plattenspielers mit Direktantrieb von Shuichi Obata, einem Ingenieur bei Matsushita (jetzt Panasonic ). 1969 brachte Matsushita ihn als SP-10 auf den Markt, den ersten Plattenspieler mit Direktantrieb auf dem Markt und den ersten in seiner einflussreichen Technics- Serie von Plattenspielern. Der einflussreichste Plattenspieler war der Technics SL-1200 , der 1971 von einem Team um Shuichi Obata bei Matsushita entwickelt und 1972 auf den Markt gebracht wurde. In den 1980er und 1990er Jahren verwendeten Hip-Hop- DJs Plattenspieler als Musikinstrumente ihre eigenständige und virtuose Verwendung entwickelte sich zu einer kreativen Praxis namens Turntablism.

Disko

Der frühe Disco- Hit „ Rock Your Baby “ von George McCrae aus dem Jahr 1974 war eine der ersten Platten, die eine Drum-Machine verwendete , eine frühe Rhythmus-Maschine von Roland . Die Verwendung von Drumcomputern in der Disco-Produktion wurde von Sly and the Family StonesFamily Affair “ (1971), dessen Rhythmus in McCraes „Rock Your Baby“ nachhallte, und Timmy Thomas ‘ „ Why Can’t We Live Together“ beeinflusst “ (1972). Der Disco-Produzent Biddu verwendete von 1976 bis 1977 Synthesizer in mehreren Disco-Songs, darunter "Bionic Boogie" aus Rain Forest (1976), "Soul Coaxing" (1977) und Eastern Man and Futuristic Journey (aufgenommen von 1976 bis 1977).

Acts wie Donna Summer , Chic , Earth, Wind and Fire , Heatwave und die Village People halfen dabei, den Disco-Sound der späten 1970er Jahre zu definieren. Giorgio Moroder und Pete Bellotte produzierten 1977 „ I Feel Love “ für Donna Summer. Es wurde der erste bekannte Disco-Hit mit einem vollständig synthetisierten Backing-Track. Andere Disco-Produzenten, vor allem der amerikanische Produzent Tom Moulton , griffen Ideen und Techniken aus der Dub-Musik auf (die in den 1970er Jahren mit der zunehmenden jamaikanischen Migration nach New York City kam), um Alternativen zum vorherrschenden Four-on-the-Floor- Stil zu bieten. In den frühen 1980er Jahren ging die Popularität von Disco-Musik in den Vereinigten Staaten stark zurück und wurde von großen US-Plattenlabels und Produzenten aufgegeben. Euro Disco entwickelte sich innerhalb der breiten Mainstream-Popmusikszene weiter.

Synthie-Pop

Synth-Pop (kurz für „Synthesizer-Pop“; auch „Techno-Pop“ genannt) ist ein Subgenre der New-Wave-Musik , das erstmals Ende der 1970er Jahre bekannt wurde und den Synthesizer als dominierendes Musikinstrument aufweist. Es wurde in den 1960er und frühen 1970er Jahren durch den Einsatz von Synthesizern in Progressive Rock , Electronic , Art Rock , Disco und insbesondere dem „ Krautrock “ von Bands wie Kraftwerk vorgezeichnet . Es entstand als eigenständiges Genre in Japan und Großbritannien in der Post-Punk- Ära als Teil der New-Wave- Bewegung der späten 1970er bis Mitte der 1980er Jahre.

Zu den frühen Synthie-Pop-Pionieren gehörten die japanische Gruppe Yellow Magic Orchestra und die britischen Bands Ultravox , The Human League und Berlin Blondes . Die Human League verwendete monophone Synthesizer, um Musik mit einem einfachen und strengen Klang zu produzieren. Nach dem Durchbruch von Gary Numan in den britischen Single-Charts im Jahr 1979 begann in den frühen 1980er Jahren eine große Anzahl von Künstlern, mit einem Synthesizer-basierten Sound erfolgreich zu sein, darunter Debütanten aus den späten 1970er Jahren wie Japan und Orchestral Maneuvers in the Dark und Newcomer wie z wie Depeche Mode und Eurythmics . In Japan ebnete der Erfolg des Yellow Magic Orchestra den Weg für Synth-Pop-Bands wie P-Model , Plastics und Hikashu . Die Entwicklung kostengünstiger polyphoner Synthesizer, die Definition von MIDI und die Verwendung von Dance-Beats führten zu einem kommerzielleren und zugänglicheren Sound für Synth-Pop. Dies, seine Übernahme durch die stilbewussten Acts der New Romantic- Bewegung und der Aufstieg von MTV führten zum Erfolg einer großen Anzahl britischer Synth-Pop-Acts (einschließlich Duran Duran und Spandau Ballet ) in den Vereinigten Staaten.

Die Verwendung von digitalem Sampling und Looping in der Popmusik wurde von der japanischen Band Yellow Magic Orchestra (YMO) für elektronische Musik entwickelt . Ihre Herangehensweise an das Sampling war ein Vorläufer des zeitgenössischen Ansatzes, Musik zu konstruieren, indem Klangfragmente geschnitten und mit Computertechnologie geloopt wurden. „ Computer Game/Firecracker “ (1978) interpolierte eine Martin-Denny- Melodie und sampelte Videospiel-Sounds von Space Invaders . Technodelic (1981) führte die Verwendung von digitalem Sampling in der Popmusik ein, als erstes Album, das hauptsächlich aus Samples und Loops bestand . Das Album wurde mit dem digitalen PCM- Sampler LMD-649 von Toshiba-EMI produziert , den Ingenieur Kenji Murata speziell für YMO gebaut hat. Der LMD-649 wurde in den frühen 1980er Jahren auch von anderen japanischen Synthpop- Künstlern zum Sampling verwendet, darunter YMO-assoziierte Acts wie Chiemi Manabe und Logic System .

Tanzmusik in den 1980er Jahren

Das Aufkommen elektronischer Tanzmusik in den 1980er Jahren war geprägt von der Entwicklung mehrerer neuer elektronischer Musikinstrumente , insbesondere jener der japanischen Roland Corporation . Die Roland TR-808 (oft als „808“ abgekürzt) spielte insbesondere eine wichtige Rolle in der Entwicklung der Tanzmusik, nachdem Afrika BambaataasPlanet Rock “ (1982) sie auf den Tanzflächen sehr beliebt machte. Der Track, der auch die Melodielinie von Kraftwerks Trans-Europe Express enthielt , beeinflusste die Entwicklung der elektronischen Tanzmusik und Subgenres wie Miami Bass und Detroit Techno und machte die 808 als "grundlegendes Element des futuristischen Sounds" populär. Laut Slate hat „Planet Rock“ „die 808 nicht so sehr auf die Landkarte gebracht, sondern vielmehr eine ganze Welt der Post-Disco- Tanzmusik um sie herum neu ausgerichtet“. Die Roland TR-909 , TB-303 und Juno-60 beeinflussten ähnlich elektronische Tanzmusik wie Techno , House und Acid .

Post-Disco

Während der Post-Disco-Ära, die auf die Gegenreaktion gegen „ Disco “ folgte, die Mitte bis Ende 1979 begann, was in den Vereinigten Staaten zu zivilen Unruhen und einem Aufstand in Chicago führte, bekannt als Disco Demolition Night , [13] eine Untergrundbewegung von "abgespeckter" Disco-inspirierter Musik mit "radikal anderen Klängen" [14] begann an der Ostküste aufzutauchen . [15] [Anmerkung 1] Diese neue Szene war vor allem im Großraum New York zu sehen und wurde ursprünglich von urbanen zeitgenössischen Künstlern angeführt, die auf die Überkommerzialisierung und den anschließenden Niedergang der Discokultur reagierten. Der Sound, der entstand, entstand aus P-Funk [18] der elektronischen Seite von Disco , Dub-Musik und anderen Genres. Ein Großteil der Musik, die in dieser Zeit produziert wurde, richtete sich wie Disco an einen von Singles getriebenen Markt. [14] Zu dieser Zeit begann sich die kreative Kontrolle auf unabhängige Plattenfirmen, weniger etablierte Produzenten und Club-DJs zu verlagern. [14] Andere Tanzstile, die während der Post-Disco-Ära populär wurden, umfassen Dance-Pop , [19] [20] Boogie , [14] Elektro , Hi-NRG , Italo-Disco , House , [19] [21] [22] [23] und Techno . [22] [24] [25] [26] [27]

Elektro

Das Instrument, das die synthetisierten programmierten Drumbeats von Electro lieferte, die Roland TR-808 Drum Machine .

In den frühen 1980er Jahren entstand Electro (kurz für "Electro-Funk") als eine Fusion aus Electro-Pop , Funk und Boogie . Auch Electro-Funk oder Electro-Boogie genannt, aber später zu Elektro abgekürzt, gehören zu den zitierten Pionieren Ryuichi Sakamoto , Afrika Bambaataa , Zapp , D.Train und Sinnamon . Früher Hip-Hop und Rap kombiniert mit deutschen und japanischen Elektropop- Einflüssen wie Kraftwerk und Yellow Magic Orchestra inspirierten die Geburt des Elektro. Als sich der elektronische Sound weiterentwickelte, wurden Instrumente wie Bassgitarre und Schlagzeug durch Synthesizer und vor allem durch ikonische Drumcomputer ersetzt , insbesondere den Roland TR-808 und den Yamaha DX7 . Zu den frühen Verwendungen des TR-808 gehören mehrere Yellow Magic Orchestra- Tracks in den Jahren 1980–1981, der 1982er Track „ Planet Rock “ von Afrika Bambaataa und der 1982er Song „ Sexual Healing “ von Marvin Gaye . 1982 veröffentlichte Produzent Arthur Baker mit Afrika Bambaataa das wegweisende „ Planet Rock “, das vom Yellow Magic Orchestra beeinflusst war, Kraftwerk-Samples verwendete und Drumbeats vom TR-808 lieferte. Auf Planet Rock folgte später in diesem Jahr eine weitere bahnbrechende Elektro-Platte, „ Nunk “ von Warp 9 . 1983 schuf Hashim mit „Al-Naafyish (The Soul)“ einen Elektro-Funk-Sound, der Herbie Hancock beeinflusste und im selben Jahr zu seiner Hitsingle „ Rockit “ führte. Die frühen 1980er waren der Mainstream-Höhepunkt des Electro. Laut dem Autor Steve Taylor dient Afrika Bambaataas Planet Rock als "Vorlage für alle interessanten Tanzmusiken seitdem".

House Musik

In den frühen 1980er Jahren spielten die Chicagoer Radiojocks The Hot Mix 5 und die Club-DJs Ron Hardy und Frankie Knuckles verschiedene Stile der Tanzmusik, darunter ältere Disco- Platten (hauptsächlich Philly-Disco- und Salsoul -Tracks), Elektro-Funk- Tracks von Künstlern wie Afrika Bambaataa . neuere Italo-Disco , B-Boy -Hip-Hop-Musik von Man Parrish , Jellybean Benitez , Arthur Baker und John Robie sowie elektronische Popmusik von Kraftwerk und Yellow Magic Orchestra . Einige erstellten und spielten ihre eigenen Bearbeitungen ihrer Lieblingssongs auf Tonband und spielten sie manchmal mit Effekten, Drumcomputern und anderen rhythmischen elektronischen Instrumenten. Der hypnotische elektronische Tanzsong „On and On“, der 1984 vom Chicagoer DJ Jesse Saunders produziert und von Vince Lawrence mitgeschrieben wurde , hatte Elemente, die zu Grundpfeilern des frühen House-Sounds wurden, wie der Roland TB-303 Bass-Synthesizer und minimale Vocals sowie eine Roland (speziell TR-808 ) Drum Machine und Korg (speziell Poly-61 ) Synthesizer.

„On and On“ wird manchmal als „erste House-Platte“ bezeichnet, obwohl auch andere Beispiele aus dieser Zeit, wie „ Music is the Key “ (1985) von JM Silk , genannt wurden. House-Musik verbreitete sich schnell in amerikanischen Städten wie New York City, Newark und Detroit, die alle ihre eigenen regionalen Szenen entwickelten. Mitte bis Ende der 1980er Jahre wurde House-Musik sowohl in Europa als auch in großen Städten Südamerikas und Australiens populär. Chicago House erlebte in Europa mit Veröffentlichungen wie "House Nation" von House Master Boyz und The Rude Boy of House (1987) einige kommerzielle Erfolge. Danach folgten eine Reihe von House-inspirierten Veröffentlichungen wie „ Pump Up The Volume “ von M|A|R|R|S (1987), „ Theme from S’Express “ von S’Express (1988) und „ Doctorin‘ the House “ von Coldcut (1988) stieg in die Popcharts ein.

Die elektronische Instrumentierung und das minimale Arrangement von Charanjit Singhs Synthesizing : Ten Ragas to a Disco Beat (1982), einem Album mit indischen Ragas, die im Disco-Stil aufgeführt werden, nahmen die Klänge von Acid-House- Musik vorweg, aber es ist nicht bekannt, dass sie dies getan haben jeglicher Einfluss auf das Genre vor der Wiederentdeckung des Albums im 21. Jahrhundert.

Techno, Acidhouse, Rave

Roland TB-303 : Der Bassline-Synthesizer , der vor allem im Acid House zum Einsatz kam .

Mitte der 1980er-Jahre florierte House-Musik auf der kleinen Baleareninsel Ibiza in Spanien . Der balearische Sound war der Geist der Musik, die damals von der Insel kam; Die Kombination aus altem Vinyl-Rock, Pop, Reggae und Disco-Platten, gepaart mit einer „Alles geht“-Attitüde, machte Ibiza zu einem Zentrum drogeninduzierter musikalischer Experimente. Ein Club namens Amnesia, dessen Resident-DJ Alfredo Fiorito Pionierarbeit im Balearic House leistete , war das Zentrum der Szene. Amnesie wurde in ganz Europa bekannt und zog Mitte bis Ende der 1980er Jahre Menschen aus dem ganzen Kontinent an.

Bis 1988 war House-Musik die beliebteste Form der Clubmusik in Europa, wobei sich Acid House im selben Jahr in Großbritannien und Deutschland als bemerkenswerter Trend entwickelte. In Großbritannien befeuerte eine etablierte Lagerhaus-Party- Subkultur , die sich auf die britisch-afrikanisch-karibische Soundsystem -Szene konzentrierte, unterirdische After-Partys mit ausschließlich Tanzmusik. Ebenfalls 1988 wurde die mit Ibizas DJ Alfredo verbundene balearische Partystimmung nach London transportiert, als Danny Rampling und Paul Oakenfold die Clubs Shoom bzw. Spectrum eröffneten. Beide Orte wurden zum Synonym für Acid House, und in dieser Zeit gewann MDMA als Partydroge an Bedeutung. Andere wichtige britische Clubs waren Back to Basics in Leeds , Sheffields Leadmill and Music Factory und The Haçienda in Manchester, wo Mike Pickering und Graeme Parks Spot Nude ein wichtiges Testgelände für amerikanische Underground- Tanzmusik war. Der Erfolg von House und Acid House ebnete den Weg für Detroit Techno , einen Stil, der zunächst von einer Handvoll House-Musikclubs in Chicago, New York und Nordengland unterstützt wurde, später holten die Detroiter Clubs auf. Der Begriff Techno wurde erstmals nach der Veröffentlichung einer Compilation von 10 Records/Virgin Records mit dem Titel Techno: The Dance Sound of Detroit im Jahr 1988 verwendet .

Eine der ersten Produktionen in Detroit, die größere Aufmerksamkeit erregte, war Derrick Mays „ Strings of Life “ (1987), das zusammen mit Mays vorheriger Veröffentlichung „Nude Photo“ (1987) dazu beitrug, Techno in Europa, insbesondere in Großbritannien und Deutschland, bekannter zu machen , während des House-Musik- Booms 1987–1988 (siehe Second Summer of Love ). Es wurde Mays bekanntester Track, der laut Frankie Knuckles „einfach explodierte. Es war wie etwas, das man sich nicht vorstellen kann, die Art von Kraft und Energie, die die Leute aus dieser Platte herausholten, als sie zum ersten Mal gehört wurde. Mike Dunn sagt er hat keine Ahnung, wie Leute eine Platte akzeptieren können, die keine Bassline hat." Laut dem britischen DJ Mark Moore führte „Strings of Life“ die Londoner Clubbesucher dazu, House zu akzeptieren: „weil die meisten Leute House-Musik hassten und alles seltener Groove und Hip-Hop war … Ich würde ‚Strings of Life‘ spielen den Mudd Club und räume den Boden frei". In den späten 1980er Jahren eskalierte das Interesse an House, Acid House und Techno in der Clubszene und MDMA-begeisterte Clubbesucher, die in Großbritannien mit einer Schließzeit von 2 Uhr morgens konfrontiert waren, begannen, nach Feierabend Zuflucht in einem Lagerhaus zu suchen, das die ganze Nacht über geöffnet war Parteien. Innerhalb eines Jahres, im Sommer 1989, nahmen bis zu 25.000 Menschen gleichzeitig an kommerziell organisierten Underground-Partys namens Raves teil.

Tanzmusik in den 1990er Jahren

Trance

Trance entstand Ende der 1980er Jahre aus der Rave-Szene im Vereinigten Königreich und entwickelte sich in den frühen 1990er Jahren in Deutschland weiter, bevor er sich als melodischer Ableger von Techno und House im restlichen Europa ausbreitete. Zur gleichen Zeit, als sich die Trance-Musik in Europa entwickelte, gewann das Genre auch im indischen Bundesstaat Goa an Anhängerschaft . Trance ist hauptsächlich instrumental , obwohl Gesang eingemischt werden kann: Typischerweise werden sie von Mezzosopran- bis Sopran-Solistinnen aufgeführt, oft ohne eine traditionelle Strophe/Chorus-Struktur. Die strukturierte Vokalform in der Trance-Musik bildet die Grundlage des Vokal-Trance- Subgenres, das als "großartig, hochfliegend und opernhaft" und "ätherische weibliche Leads, die zwischen den Synthesizern schweben" beschrieben wurde. Trance-Musik wird in eine Reihe von Subgenres unterteilt, darunter Acid Trance , Classic Trance, Hard Trance , Progressive Trance und Uplifting Trance . Uplifting Trance ist auch als „Hymnen-Trance“, „epische Trance“, „kommerzielle Trance“, „Stadion-Trance“ oder „euphorische Trance“ bekannt und wurde in den 1990er und 2000er Jahren stark von klassischer Musik beeinflusst, von führenden Künstlern wie z Ferry Corsten , Armin Van Buuren , Tiësto , Push , Rank 1 und derzeit mit der Entwicklung des Subgenres „orchestral uplifting trance“ oder „uplifting trance with symphonic orchestra“ von Künstlern wie Andy Blueman , Ciro Visone, Soundlift, Arctic Moon, Sergey Nevone&Simon O'Shine etc. Eng verwandt mit Uplifting Trance ist Euro-Trance , der zu einem allgemeinen Begriff für eine große Vielfalt hochgradig kommerzialisierter europäischer Tanzmusik geworden ist. Mehrere Subgenres sind Überschneidungen mit anderen großen Genres der elektronischen Musik. Zum Beispiel ist Tech Trance eine Mischung aus Trance und Techno, und Vocal Trance "kombiniert [die] progressiven Elemente von [Trance] mit Popmusik". Das Dream-Trance- Genre entstand Mitte der 1990er Jahre, wobei seine Popularität damals von Robert Miles angeführt wurde .

AllMusic sagt über Progressive Trance: „Der progressive Flügel der Trance-Crowd führte direkt zu einem kommerzielleren, Chart-orientierten Sound, da Trance von vornherein nie viel Chart-Action genossen hatte. Die Betonung des sanfteren Sounds von Eurodance oder House (und gelegentlich mehr An Jean-Michel Jarre als Basement Jaxx erinnernd , wurde Progressive Trance Ende des Jahrtausends zum Sound der Tanzflächen der Welt. Kritiker verspotteten seinen Fokus auf vorhersehbare Breakdowns und relativ mangelndes Geschick beim Beat-Mixen, aber Progressive Trance wurde geprügelt vom heißesten DJ."

Breakbeat-Hardcore, Jungle, Drum and Bass

In den frühen 1990er Jahren entwickelte sich innerhalb der Rave-Szene ein Musikstil, der sich von amerikanischem House und Techno unterschied. Diese Musik, ähnlich wie Hip-Hop davor, kombinierte gesampelte synkopierte Beats oder Breakbeats, andere Samples aus einer breiten Palette verschiedener Musikgenres und gelegentlich Musik-, Dialog- und Effektsamples aus Filmen und Fernsehprogrammen. Im Vergleich zu früheren Tanzmusikstilen wie House und Techno neigte die sogenannte „Rave-Musik“ dazu, Bassklänge zu betonen und schnellere Tempi oder Beats pro Minute (BPM) zu verwenden. Dieses Subgenre war als "Hardcore"-Rave bekannt, aber bereits 1991 wurden einige Musikstücke, die aus diesen Hochgeschwindigkeits-Breakbeats mit schweren Basslinien und Samples älterer jamaikanischer Musik bestanden, als "Jungle Techno " bezeichnet, ein Genre beeinflusst von Jack Smooth und Basement Records und später einfach "Jungle", das als eigenständiges Musikgenre anerkannt wurde, das bei Raves und im Piratenradio in Großbritannien beliebt war. Bei der Erörterung der Geschichte von Drum & Bass ist es wichtig zu beachten, dass Rave-Musik vor Jungle schneller und experimenteller wurde.

Bis 1994 hatte Jungle begonnen, im Mainstream an Popularität zu gewinnen, und Fans der Musik (oft als Junglisten bezeichnet ) wurden zu einem erkennbareren Teil der jugendlichen Subkultur. Das Genre entwickelte sich weiter, indem es Elemente aus einer Vielzahl bestehender Musikgenres einbezog und verschmolz, darunter den Raggamuffin- Sound, Dancehall , MC- Gesänge, Dub-Basslines und zunehmend komplexe, stark bearbeitete Breakbeat-Percussion. Trotz der Zugehörigkeit zur Ecstasy-betriebenen Rave-Szene erbte Jungle auch einige Assoziationen mit Gewalt und kriminellen Aktivitäten, sowohl von der Gangkultur, die die britische Hip-Hop-Szene beeinflusst hatte, als auch als Folge des oft aggressiven oder bedrohlichen Sounds und der Themen von Jungle Gewalt (was sich normalerweise in der Auswahl der Proben widerspiegelt). Dies entwickelte sich jedoch zusammen mit dem oft positiven Ruf der Musik als Teil der breiteren Rave-Szene und der in London vorherrschenden jamaikanischen Musikkultur in Tanzhallen. 1995, ob als Reaktion auf oder unabhängig von dieser kulturellen Spaltung, begannen einige Dschungelproduzenten, sich vom Ragga-beeinflussten Stil zu entfernen und etwas zu kreieren, das der Einfachheit halber kollektiv als Drum and Bass bezeichnet wurde.

Tanzmusik im 21. Jahrhundert

Dubstep

Dubstep ist ein Genre der elektronischen Tanzmusik, das Ende der 1990er Jahre in Südlondon entstand. Es ist im Allgemeinen durch spärliche, synkopierte rhythmische Muster mit Basslinien gekennzeichnet , die markante Subbassfrequenzen enthalten . Der Stil entstand als Ableger der britischen Garage und stützte sich auf eine Reihe verwandter Stile wie 2-Step , Dub Reggae , Jungle , Broken Beat und Grime . In Großbritannien lassen sich die Ursprünge des Genres auf das Wachstum der jamaikanischen Soundsystem- Partyszene in den frühen 1980er Jahren zurückführen.

Die frühesten bekannten Dubstep-Veröffentlichungen stammen aus dem Jahr 1998 und wurden normalerweise als B-Seiten von 2-Step-Garage- Single-Veröffentlichungen vorgestellt. Diese Tracks waren dunklere, experimentellere Remixe mit weniger Betonung auf Vocals und versuchten, Elemente von Breakbeat und Drum and Bass in 2-Step zu integrieren. Im Jahr 2001 wurden diese und andere Arten dunkler Garagenmusik im Londoner Nachtclub Plastic People bei der "Forward" -Nacht (manchmal als FWD>> stilisiert) präsentiert und beworben, die später als einflussreich für die Entwicklung von Dubstep angesehen wurde . Der Begriff „Dubstep“ in Bezug auf ein Musikgenre wurde um 2002 herum von Labels wie Big Apple, Ammunition und Tempa verwendet, zu dieser Zeit begannen stilistische Trends, die bei der Erstellung dieser Remixe verwendet wurden, deutlicher und deutlicher zu werden. Schritt und Schmutz .

Electro-House

Electro House ist eine Form der House-Musik , die durch eine markante Bassline oder Kickdrum und ein Tempo zwischen 125 und 135 Schlägen pro Minute, normalerweise 128, gekennzeichnet ist. Ihre Ursprünge wurden von Elektro beeinflusst . Der Begriff wurde verwendet, um die Musik vieler DJ Mag Top 100 DJs zu beschreiben , darunter Dimitri Vegas & Like Mike , Hardwell , Skrillex und Steve Aoki . Der italienische DJ Benny Benassi gilt mit seinem 2002 erschienenen Track „ Satisfaction “ als Vorreiter des Electro-House, der ihn in den Mainstream brachte. Mitte der 2000er erlebte Electro-House mit Hits wie dem Tom Neville-Remix von „I See Girls“ von Studio B im Jahr 2005 (UK #11) eine zunehmende Popularität. Im November 2006 belegten die Electro-House-Tracks „ Put Your Hands Up for Detroit “ von Fedde Le Grand und der D. Ramirez -Remix von „ Yeah Yeah “ von Bodyrox und Luciana den ersten bzw. zweiten Platz an der britischen Spitze 40 Single-Charts. Seitdem sind Elektro-House-Produzenten wie Feed Me , Knife Party , The M Machine , Porter Robinson , Yasutaka Nakata und Dada Life entstanden.

Fallenmusik (EDM)

Trap-Musik (EDM) entstand in den späten 2000er und frühen 2010er Jahren aus Techno , Dub und Dutch House , aber auch aus dem südlichen Hip-Hop . Vereinfacht lässt sich diese Form der Trap-Musik durch diese drei Merkmale: „1/3 Hip Hop (Tempo und Songstruktur sind ähnlich, die meisten Tracks liegen meist zwischen 70–110 bpm) – mit teilweise tiefer gestimmtem Gesang, 1/3 Tanzmusik – hohe holländische Synth-Arbeit, Hardstyle-Sampling sowie eine Fülle von Trap-Remixen beliebter EDM-Songs und 1/3-Dub (Niederfrequenzfokus und starke Betonung der Wiederholung während eines Songs)“. Einige der Künstler, die dieses Genre populär gemacht haben, zusammen mit mehreren anderen, Möchtegern-Produzenten wie RL Grime mit den 2014 veröffentlichten Tracks „Core“ und „Scylla“ , Flosstradamus mit ihrem 2015 veröffentlichten Album „ Hdynation Radio“ und Carnage ( DJ) mit seinem 2012 veröffentlichten Track „Turn Up“ . dunkle Melodien". Trap wird heute hauptsächlich verwendet, um Remixe von bereits existierenden Songs zu erstellen.

Terminologie

1980 benutzten der englische Produzent Richard James Burgess und seine Band Landscape den Begriff auf dem Cover der Single „European Man“: „Electronic Dance Music... EDM; Computer-Programmed to Perfect for Your Listening Pleasure“. Als Antwort auf eine Frage, ob ihm die Prägung des Begriffs New Romantic zugeschrieben wird, hat Burgess erklärt: "Anfangs habe ich drei Begriffe verwendet - Futurist, Electronic Dance Music (auf den Landscape-Singles ist EDM aufgedruckt) und New Romantic."

Der Journalist Simon Reynolds schrieb in The Guardian , dass die Einführung des Begriffs EDM durch die amerikanische Musikindustrie Ende der 2000er Jahre ein Versuch war, die US-„Rave-Kultur“ umzubenennen und sie von der Rave-Szene der 1990er Jahre abzugrenzen. Es wurde als eine Ära der elektronischen Musik beschrieben, die in einem MixMag- Artikel als „der droplastige, stadienfüllende, faustpumpende, chartstürmende, massiv kommerzielle Mainstage-Sound beschrieben wurde, der Amerika eroberte … möglicherweise irgendwo zwischen Electro und Progressive House unter der Regie von Michael Bay, und wie bei vielen Musikgenres ist der Versuch, es genau festzulegen, wie der Versuch, eine Handvoll Wasser zu greifen". In Großbritannien sind „Tanzmusik“ oder „Tanz“ gebräuchlichere Begriffe für EDM. [4] Was allgemein als "Clubmusik" wahrgenommen wird, hat sich im Laufe der Zeit verändert; Es umfasst jetzt verschiedene Genres und umfasst möglicherweise nicht immer EDM. Ebenso kann „elektronische Tanzmusik“ für unterschiedliche Menschen unterschiedliche Bedeutungen haben. Sowohl „Clubmusik“ als auch „EDM“ scheinen vage zu sein, aber die Begriffe werden manchmal verwendet, um sich auf unterschiedliche und nicht verwandte Genres zu beziehen (Clubmusik wird durch das definiert, was beliebt ist, während EDM durch musikalische Attribute unterschieden wird). [96] Obwohl Billboard 1974 ein „Dance“-Chart debütierte, erstellte die größere US-Musikindustrie bis Ende der 1990er Jahre keine Musik-Charts. [93] Im Juli 1995 veranstalteten Nervous Records und das Project X Magazine die erste Preisverleihung und nannten sie "Electronic Dance Music Awards". [Anmerkung 4]

Produktion

Ein typisches Heimstudio- Setup für die EDM-Produktion mit Computer, Audio-Interface und diversen MIDI-Instrumenten.

Elektronische Tanzmusik wird im Allgemeinen in einem Tonstudio mit Spezialgeräten wie Samplern , Synthesizern, Effektgeräten und MIDI-Controllern komponiert und produziert, die alle so eingerichtet sind, dass sie über das MIDI- Protokoll miteinander interagieren . In den frühen Tagen des Genres wurden elektronische Hardware-Musikinstrumente verwendet, und der Schwerpunkt der Produktion lag hauptsächlich auf der Manipulation von MIDI-Daten im Gegensatz zur Manipulation von Audiosignalen. Seit den späten 1990er Jahren hat die Verwendung von Software zugenommen. Ein modernes Produktionsstudio für elektronische Musik besteht im Allgemeinen aus einem Computer, auf dem eine digitale Audio-Workstation (DAW) ausgeführt wird, auf der verschiedene Plug-Ins wie Software-Synthesizer und Effektgeräte installiert sind, die mit einem MIDI-Controller wie einem MIDI-Keyboard gesteuert werden . Dieses Setup reicht in der Regel aus, um ganze Produktionen fertigzustellen, die dann für das Mastering bereit sind .

Geisterproduktion

Ein Ghost Producer ist ein angestellter Musikproduzent in einer geschäftlichen Vereinbarung, der einen Song für einen anderen DJ/Künstler produziert, der ihn als seinen eigenen veröffentlicht, typischerweise unter einem Vertrag, der ihn daran hindert, sich als Mitarbeiter des Songs auszuweisen. Ghost Producer erhalten für ihre Arbeit ein einfaches Honorar oder Tantiemen und können oft so arbeiten, wie sie es vorziehen, nicht den intensiven Druck des Ruhms und den Lebensstil eines international anerkannten DJs zu haben. Ein Ghost Producer kann seine Bekanntheit in der Musikindustrie erhöhen, indem er etablierte DJs und Produzenten mit „großen Namen“ kennenlernt. Produzenten wie Martin Garrix und Porter Robinson sind oft für ihre Ghost-Produktionsarbeit für andere Produzenten bekannt, während David Guetta und Steve Aoki für ihre Verwendung von Ghost-Produzenten in ihren Songs bekannt sind, während DJs wie Tiësto ihre Produzenten offen anerkennen, um dies zu vermeiden Kritik und für Transparenz.

Viele Ghost Producer unterzeichnen Vereinbarungen, die sie daran hindern, für andere zu arbeiten oder sich als Solokünstler zu etablieren. Solche Geheimhaltungsvereinbarungen werden oft als räuberisch bezeichnet, weil Geisterproduzenten, insbesondere jugendliche Produzenten, kein Verständnis für die Musikindustrie haben. Der Londoner Produzent Mat Zo hat behauptet, dass DJs, die Geisterproduzenten einstellen, „so getan haben, als würden sie ihre eigene Musik machen, und uns eigentlichen Produzenten den Kampf überlassen“.

Schlafzimmerproduktion

Ein Schlafzimmerproduzent ist ein unabhängiger Musiker, der elektronische Musik auf seinem Laptop oder in einem Heimstudio kreiert. Im Gegensatz zu herkömmlichen Aufnahmestudios verwenden Schlafzimmerproduzenten in der Regel kostengünstige, zugängliche Software und Geräte, die dazu führen können, dass Musik vollständig „in the box“ ohne externe Hardware erstellt wird.

Popularisierung

Vereinigte Staaten

Ursprünglich war die Popularisierung elektronischer Tanzmusik mit der europäischen Rave- und Clubkultur verbunden und erreichte in Amerika nur eine begrenzte Popularität. Mitte bis Ende der 1990er Jahre begann sich dies zu ändern, als die amerikanische Musikindustrie Anstrengungen unternahm, eine Reihe von Tanzgenres als „ Electronica “ zu vermarkten. Damals wurde eine Welle elektronischer Musikbands aus Großbritannien, darunter The Prodigy , The Chemical Brothers , Fatboy Slim und Underworld , voreilig mit einer „amerikanischen Electronica-Revolution“ in Verbindung gebracht. Aber anstatt Mainstream-Erfolg zu finden, wurden viele etablierte EDM-Acts an den Rand der US- Industrie verbannt . 1998 brachte Madonnas Ray of Light , ein stark von Clubmusiktrends beeinflusstes Album, das mit dem britischen Produzenten William Orbit produziert wurde , die Aufmerksamkeit von Popmusikhörern auf Dance Music. In den späten 1990er Jahren reisten amerikanische House- und Techno-Produzenten trotz des Interesses der US-Medien an Tanzmusik, die in Electronica umbenannt wurde , weiter ins Ausland, um ihre Karrieren als DJs und Produzenten aufzubauen. Laut Kelefa Sanneh, Journalistin der New York Times , trug Aaliyahs Single „ Try Again “ aus dem Jahr 2000 „dazu bei, die innovativen Techniken der elektronischen Tanzmusik in die amerikanischen Pop-Charts zu schmuggeln“.

Mitte der 2000er machte der niederländische Produzent Tiësto weltweit auf EDM aufmerksam, nachdem er einen Soundtrack zum Einzug der Athleten während der Eröffnungszeremonie der Olympischen Sommerspiele 2004 geliefert hatte – eine Veranstaltung, die The Guardian als eine der 50 wichtigsten Veranstaltungen ansah Tanzmusik. Im Jahr 2003 führte der Einfluss der Tanzmusik auf das amerikanische Radio dazu, dass Billboard die allererste Dance/Mix Show Airplay- Tabelle erstellte. Bis 2005 hatte die Bedeutung der Tanzmusik in der nordamerikanischen Populärkultur deutlich zugenommen. Laut Spin war der Auftritt von Daft Punk beim Coachella im Jahr 2006 der „Wendepunkt“ für EDM – er stellte das Duo einer neuen Generation von „Rock-Kids“ vor . Wie Entertainment Weekly feststellte , trug Justin TimberlakesSexyBack “ dazu bei, EDM-Sounds in die Top-40-Radios einzuführen , da es Variationen elektronischer Tanzmusik mit den R&B-Sounds des Sängers zusammenbrachte. Im Jahr 2009 begann der französische House -Musiker David Guetta dank mehrerer Crossover-Hits in den Top 40 der Charts wie „ When Love Takes Over “ mit Kelly Rowland sowie seiner Zusammenarbeit mit US-Pop- und Hip-Hop -Acts wie z. B. in der Mainstream-Popmusik an Bedeutung zu gewinnen als Akon („ Sexy Bitch “) und The Black Eyed Peas („ I Gotta Feeling “). Auch die Musik-Sharing-Website SoundCloud sowie die Video-Sharing-Website YouTube trugen dazu bei, das Interesse an elektronischer Musik zu steigern. Der Dubstep-Produzent Skrillex hat einen raueren Sound namens „ Brostep “ populär gemacht, der Vergleiche mit der Aggression und dem Ton von Heavy Metal gezogen hat .

Mit der zunehmenden Popularität elektronischer Tanzmusik erkannten Veranstalter und Veranstaltungsorte, dass DJs größere Gewinne erzielen konnten als traditionelle Musiker. Diplo erklärte, dass „eine Band [für] 45 Minuten spielt; DJs können vier Stunden lang spielen. Rockbands – es gibt ein paar Headliner-Typen, die in Veranstaltungsorten mit 3.000 bis 4.000 Zuschauern spielen können, aber DJs spielen an denselben Orten, sie drehen die Menge um Zweimal kaufen die Leute die ganze Nacht Getränke zu höheren Preisen – es ist eine Win-Win-Situation.“ Elektronische Musikfestivals wie der Electric Daisy Carnival (EDC) in Las Vegas und das Ultra Music Festival in Miami nahmen ebenfalls an Größe zu und legten einen zunehmenden Schwerpunkt auf visuelle Erlebnisse und DJs, die begonnen hatten, einen Promi-Status zu erlangen. Andere große Acts, die an Bedeutung gewannen, darunter Avicii und Swedish House Mafia , tourten durch große Veranstaltungsorte wie Arenen und Stadien, anstatt in Clubs zu spielen. Im Dezember 2011 war die Swedish House Mafia der erste Act für elektronische Musik, der den New Yorker Madison Square Garden ausverkaufte .

2011 rief Spin eine „neue Rave-Generation“ aus, angeführt von Acts wie David Guetta, Deadmau5 und Skrillex . Im Januar 2013 führte Billboard ein neues EDM-fokussiertes Dance/Electronic Songs- Diagramm ein, das die 50 besten elektronischen Songs basierend auf Verkäufen, Radio-Airplay, Club-Play und Online- Streaming verfolgt . Laut Eventbrite nutzen EDM-Fans eher soziale Medien, um Events oder Gigs zu entdecken und zu teilen. Sie entdeckten auch, dass 78 % der Fans sagen, dass sie eher an einer Veranstaltung teilnehmen, wenn ihre Kollegen es tun, im Vergleich zu 43 % der Fans im Allgemeinen. EDM hat viele junge und gesellige Fans. Ende 2011 beschrieb Music Trades elektronische Tanzmusik als das am schnellsten wachsende Genre der Welt. Auch in der Popmusik gewannen Elemente der elektronischen Musik zunehmend an Bedeutung. Radio und Fernsehen trugen ebenfalls zur Akzeptanz der Tanzmusik im Mainstream bei.

Interesse der US-Unternehmen

Die Unternehmenskonsolidierung in der EDM-Branche begann 2012 – insbesondere in Bezug auf Live-Events. Im Juni 2012 startete der Medienmanager Robert F. X. Sillerman – Gründer von Live NationSFX Entertainment als EDM-Konglomerat neu und kündigte seinen Plan an, 1 Milliarde US-Dollar in den Erwerb von EDM-Unternehmen zu investieren. Zu seinen Akquisitionen gehörten regionale Promoter und Festivals (einschließlich ID&T , das Tomorrowland organisiert ), zwei Nachtclubbetreiber in Miami und Beatport , ein Online-Musikgeschäft , das sich auf elektronische Musik konzentriert. Live Nation erwarb auch Cream Holdings und Hard Events und kündigte 2013 eine „kreative Partnerschaft“ mit den EDC-Organisatoren Insomniac Events an, die es ihm ermöglichen würde, auf seine Ressourcen zuzugreifen und gleichzeitig ein unabhängiges Unternehmen zu bleiben; Der CEO von Live Nation, Michael Rapino, beschrieb EDM als den „[neuen] Rock 'n' Roll “.

Auch der US-Radiokonglomerat iHeartMedia, Inc. (ehemals Clear Channel Media and Entertainment) bemühte sich, sich an EDM anzunähern. Im Januar 2014 beauftragte es den bekannten britischen DJ und BBC Radio 1- Persönlichkeit Pete Tong mit der Produktion von Programmen für seine Tanzradiomarke „Evolution“ und kündigte eine Partnerschaft mit SFX an, um Live-Konzerte und EDM-orientierte Originalprogramme für sein Top-40 -Radio zu koproduzieren Stationen. John Sykes, Präsident von iHeartMedia, erklärte, dass er wollte, dass die Immobilien seines Unternehmens das „beste Ziel [für EDM]“ seien.

Große Marken haben das EDM-Phänomen auch genutzt, um Millennials anzusprechen , und EDM-Songs und -Künstler wurden zunehmend in Fernsehwerbespots und -programmen vorgestellt. Aviciis Manager Ash Pournouri verglich diese Praktiken mit der Kommerzialisierung von Hip-Hop in den frühen 2000er Jahren. Heineken unterhält eine Marketingbeziehung mit dem Ultra Music Festival und hat die niederländischen Produzenten Armin van Buuren und Tiësto in seine Werbekampagnen einbezogen. Anheuser-Busch hat eine ähnliche Beziehung als Biersponsor von SFX Entertainment- Events. Im Jahr 2014 startete 7 Up „7x7Up“ – eine plattformübergreifende EDM-basierte Kampagne, die digitale Inhalte, Werbung mit Produzenten und Markenbühnen sowohl beim Ultra als auch beim Electric Daisy Carnival umfasste. Der Mobilfunkanbieter T-Mobile US hat eine Vereinbarung mit SFX getroffen, um offizieller Mobilfunk-Sponsor seiner Veranstaltungen zu werden, und hat sich mit Above & Beyond zusammengetan , um seine Tour 2015 zu sponsern.

Im August 2015 begann SFX einen Wertverlust zu verzeichnen und ein gescheitertes Angebot von CEO Sillerman, das Unternehmen zu privatisieren. Das Unternehmen begann, nach strategischen Alternativen zu suchen, die zum Verkauf des Unternehmens hätten führen können. Im Oktober 2015 erklärte Forbes die Möglichkeit einer EDM-" Blase ", im Zuge der Rückgänge bei SFX Entertainment, des verlangsamten Umsatzwachstums, der steigenden Kosten für die Organisation von Festivals und die Buchung von Talenten sowie einer Übersättigung mit Festivals im Osten und Westen der Vereinigten Staaten. Pasquale Rotella, CEO von Insomniac, war der Ansicht, dass die Branche die finanzielle Unsicherheit des Gesamtmarktes überstehen würde, indem sie sich auf „Innovation“ und den Eintritt in neue Märkte konzentriert. Trotz Prognosen, dass das Interesse an populärem EDM nachlassen würde, wurde es 2015 in den USA auf eine Industrie von 5,5 Mrd. £ geschätzt, was einem Anstieg von 60 % gegenüber den Schätzungen von 2012 entspricht.

SFX ging im Dezember 2016 als LiveStyle unter der Führung von Randy Phillips, einem ehemaligen Geschäftsführer von AEG Live, aus der Insolvenz hervor . Das Unternehmen begann 2018, seine Live-Musik-Assets langsam zu veräußern, einschließlich des Verkaufs seiner Anteile an Rock in Rio (die es im Rahmen einer versuchten Ausgabe des Festivals in Las Vegas gekauft hatte ) und später anderer SFX-eigener Veranstalter wie ID&T und Geschenke reagieren. Phillips trat 2019 als CEO zurück, um sich anderen Projekten zu widmen.

Kritik an Überkommerzialisierung

Nach der Popularisierung von EDM in Amerika äußerten eine Reihe von Produzenten und DJs, darunter Carl Cox , Steve Lawler und Markus Schulz , Bedenken, dass die wahrgenommene Überkommerzialisierung von Tanzmusik die Kunst des DJing beeinflusst habe. Cox sah den "Press-Play" -Ansatz neuerer EDM-DJs als nicht repräsentativ für das, was er als "DJ-Ethos" bezeichnete. DJ Tim Sheridan, der in Mixmag schrieb, argumentierte, dass „Push-Button-DJs“, die Auto-Sync verwenden und vorab aufgenommene Sets mit „offensichtlichen Hits“ spielen, zu einer Situation führten, die von „dem Spektakel, dem Geld und dem Showbiz“ überholt wurde .

Einige Hausproduzenten gaben offen zu, dass „kommerzielle“ EDM weitere Differenzierung und Kreativität benötigte. Avicii, dessen 2013er Album True Songs enthielt, die Elemente des Bluegrass enthielten , wie die Lead-Single „ Wake Me Up “, erklärte, dass es den meisten EDM an „Langlebigkeit“ fehle. Deadmau5 kritisierte die Homogenisierung des populären EDM und schlug vor, dass es "alles gleich klingt". Während des Ultra Music Festivals 2014 äußerte sich Deadmau5 kritisch über den aufstrebenden EDM-Künstler Martin Garrix und spielte später eine bearbeitete Version von Garrix' „ Animals “, die zur Melodie von „ Old McDonald Had a Farm “ remixt wurde. Danach kritisierte Tiësto Deadmau5 auf Twitter dafür, dass es „sarkastisch“ Aviciis „ Levels “ mit seinem eigenen „ Ghosts ’n‘ Stuff “ mischte (in Bezug darauf, dass Avicii aufgrund eines medizinischen Problems in letzter Minute auf dem Festivalplan eingewechselt wurde). was Deadmau5 fragte, ob das Spielen eines Songs "sarkastisch" " höhnisch [höhnisch] beim Drücken der Sync-Taste" beinhaltete.

Im Mai 2014 parodierte die NBC- Comedy-Serie Saturday Night Live die Stereotypen der EDM-Kultur und DJs auf Knopfdruck in einem digitalen Kurzfilm mit dem Titel When Will the Bass Drop? . Darin war ein DJ zu sehen, der alltäglichen Aktivitäten nachgeht – ein Computerspiel spielt, Eier brät, Geld sammelt – und dann einen riesigen „BASS“-Knopf drückt, der die Köpfe der Konzertbesucher zum Explodieren bringt.

Nach Jahren des schnellen Wachstums begann der beliebte amerikanische EDM-Markt im Jahr 2016 zu schwinden, als eine Reihe von Künstlern, die für die Produktion von sogenanntem „Big Room“-Electro-House berühmt sind, begannen, sich stilistisch zu diversifizieren. Auf diese Entwicklung wurde von zwei solchen DJs – David Guetta und Showtek – in einer im April 2016 veröffentlichten Techno -beeinflussten Single mit dem Titel „The Death of EDM“ direkt Bezug genommen. Ende der 2010er Jahre begann die Position von EDM als dominierende Kraft in der Mainstream-Popmusik zu sinken, als sie von anderen Stilen verdrängt wurde.

International

Im Mai 2015 schätzte der Business Report des International Music Summit , dass die globale elektronische Musikindustrie einen Wert von fast 6,9 Milliarden US-Dollar erreicht hatte; Die Zählung umfasste Musikverkäufe, Einnahmen aus Veranstaltungen (einschließlich Nachtclubs und Festivals), den Verkauf von DJ-Equipment und -Software sowie andere Einnahmequellen. Der Bericht identifizierte auch mehrere aufstrebende Märkte für elektronische Tanzmusik, darunter Ostasien, Indien und Südafrika, die hauptsächlich auf Investitionen von inländischen sowie amerikanischen und europäischen Interessen zurückzuführen sind. Eine Reihe großer Festivals begann auch, nach Lateinamerika zu expandieren.

In Ghana , Westafrika, führte ein Künstler namens Djsky 2015 EDM ein und organisierte erfolgreiche Festivals und Veranstaltungen wie Hey Ibiza, Sunset Music Festival, Sky Show und mehr. In einem Interview mit WatsUp TV enthüllte Djsky, dass er der erste war, der Electronic Music Dance in die ghanaische Musik einführte.

In Äthiopien ist EDM nach dem Durchbruch eines jungen Künstlers namens Rophnan im Jahr 2018 , der EDM-Sound mit traditionellen Rhythmen und Melodien kombinierte, Teil der Mainstream-Musik geworden . In seinen Shows füllten Zehntausende von Jugendlichen Stadien im ganzen Land und Radios begannen, das aufstrebende Genre zu spielen.

China ist ein Markt, in dem die EDM zunächst relativ wenig Fuß gefasst hatte; Obwohl die Veranstalter glaubten, dass die meist instrumentale Musik eine metaphorische Sprachbarriere beseitigen würde, wurde das Wachstum von EDM in China durch das Fehlen einer prominenten Rave-Kultur im Land wie in anderen Regionen sowie durch die Popularität des einheimischen chinesischen Pop gegenüber dem Ausland behindert Künstler. Der frühere Geschäftsführer von Universal Music, Eric Zho, tätigte, inspiriert vom US-Wachstum, die ersten bedeutenden Investitionen in elektronische Musik in China, darunter die Organisation des ersten Storm-Festivals in Shanghai im Jahr 2013 und der Abschluss eines Titelsponsoring- Deals für das Festival mit Anheuser-Buschs Budweiser Marke, eine lokale Talentsuche und die Organisation von Kooperationen zwischen EDM-Produzenten und chinesischen Sängern, wie Avicii und Wang Leehoms "Lose Myself". In den folgenden Jahren begann eine größere Anzahl von EDM-Events in China zu erscheinen, und Storm selbst ging 2014 auch eine größere Anzahl von Pre-Partys voraus als seinem Eröffnungsjahr. Ein neuer Bericht, der während des ersten International Music Summit China im Oktober 2015 veröffentlicht wurde, enthüllte, dass die chinesische EDM-Industrie bescheidene Gewinne verzeichnete, wobei die größere Anzahl von Veranstaltungen (einschließlich neuer großer Festivalmarken wie Modern Sky und YinYang) mit einem Anstieg von 6 % angeführt wurde die Verkäufe elektronischer Musik im Land und die beträchtliche Größe des Gesamtmarkts. Zho glaubte auch, dass das „praktische“ politische Klima des Landes sowie die Investitionen Chinas in kulturelle Veranstaltungen dazu beitrugen, das Wachstum von EDM im Land zu „fördern“.

Sozialer Einfluss

Feste

Ein EDM-Festival im Jahr 2013 in Plainfeld , Österreich , mit über 100.000 Teilnehmern, das die großen Menschenmengen und die dramatische Beleuchtung zeigt, die bei solchen Veranstaltungen seit den frühen 2000er Jahren üblich sind.

In den 1980er Jahren wurde elektronische Tanzmusik oft auf illegalen Underground-Rave-Partys gespielt, die an geheimen Orten abgehalten wurden, beispielsweise in Lagerhäusern, verlassenen Flugzeughangars, Feldern und anderen großen, offenen Flächen. In den 1990er und 2000er Jahren begannen sich Aspekte der Underground- Rave- Kultur der 1980er und frühen 1990er Jahre zu legitimen, organisierten EDM-Konzerten und -Festivals zu entwickeln . Auf großen Festivals gibt es oft eine große Anzahl von Acts, die verschiedene EDM-Genres repräsentieren und auf mehrere Bühnen verteilt sind. Festivals haben als Teil ihres Gesamterlebnisses einen größeren Schwerpunkt auf visuelle Spektakel gelegt, darunter aufwändige Bühnendesigns mit zugrunde liegenden Themen, komplexe Beleuchtungssysteme, Lasershows und Pyrotechnik . Die Rave-Mode entwickelte sich auch unter den Teilnehmern, die laut The Guardian vom „Kandi-Raver“ der 1990er Jahre zu „[einem] glatten und sexifizierten, aber auch kitschig-surrealen Image auf halbem Weg zwischen Venice Beach und Cirque du Soleil , Willy Wonka und einem Schwulenstolz weiterentwickelt wurde Parade “. Diese Veranstaltungen unterschieden sich von Underground-Raves durch ihren organisierten Charakter, der oft an großen Veranstaltungsorten stattfand, und durch Maßnahmen zur Gewährleistung der Gesundheit und Sicherheit der Teilnehmer. Rawley Bornstein von MTV beschrieb elektronische Musik als „den neuen Rock and Roll“, ebenso wie Lollapalooza-Organisator Perry Farrell .

Spectrum Dance Music Festival, 2016

Ray Waddell von Billboard merkte an, dass Festivalveranstalter beim Branding hervorragende Arbeit geleistet haben . Größere Festivals haben nachweislich positive wirtschaftliche Auswirkungen auf ihre Gastgeberstädte. Das Ultra Music Festival 2014 brachte 165.000 Besucher – und über 223 Millionen US-Dollar – in die Wirtschaft der Region Miami/ Südflorida . Die Eröffnungsausgabe von TomorrowWorld – eine in den USA ansässige Version des belgischen Tomorrowland-Festivals – brachte der Region Atlanta 85,1 Millionen US-Dollar ein – so viel Umsatz wie die Ausrichtung der NCAA Final Four (das Halbfinale und die nationalen Meisterschaftsspiele der Männer der NCAA Division I). Basketballturnier ) Anfang des Jahres. EDC Las Vegas kurbelte die Wirtschaft von Clark County allein im Jahr 2015 mit über 405.000 Teilnehmern an drei Tagen (19.–21. Juni) um 350,3 Millionen US-Dollar an.

Die Popularität von EDM und Festivals veranlasste auch einige Multi-Genre-Festivals, die nicht stark mit elektronischer Musik verbunden sind, wie Coachella und Lollapalooza , mehr elektronische Acts in ihr Line-up aufzunehmen. Sie spielen oft EDM-spezifische Bühnen, aber große Acts wie Deadmau5 und Calvin Harris haben auf den Hauptbühnen von Lollapalooza bzw. Coachella insgesamt Headliner-Auftritte absolviert – Platzierungen, die typischerweise mit Rock und alternativen Acts in Verbindung gebracht werden. Russell Smith von The Globe and Mail war der Meinung, dass die kommerzielle Festivalindustrie eine Antithese zu den ursprünglichen Prinzipien der Rave-Subkultur sei, und zitierte „die teuren Tickets, die riesigen Firmensponsoren, die krasse Bro-Kultur – hemdlose Muskeljungen, die durch die Stadien kreuzen, winzig beliebte Mädchen in Bikinis, die auf ihren Schultern reiten – ganz zu schweigen von der saftigen Musik selbst." Vorfälle im Zusammenhang mit Drogen sowie andere Beschwerden über das Verhalten ihrer Teilnehmer haben zu einer negativen Wahrnehmung und Ablehnung von Veranstaltungen mit elektronischer Musik durch die lokalen Behörden beigetragen.

Nach dem Ultra Music Festival 2014, bei dem eine Menge Toreinbrecher am ersten Tag einen Wachmann niedertrampelten, erwogen die Stadtkommissare von Miami, das Festival in der Stadt zu verbieten, und verwiesen auf den Trampling-Vorfall, unzüchtiges Verhalten und Beschwerden von Einwohnern der Innenstadt, belästigt worden zu sein von Teilnehmern. Die Kommissare stimmten dafür, dass Ultra aufgrund seiner positiven wirtschaftlichen Auswirkungen weiterhin in Miami stattfinden darf, unter der Bedingung, dass die Organisatoren die Sicherheit, den Drogenkonsum und unzüchtiges Verhalten der Teilnehmer ansprechen. Im Jahr 2018 stimmten die Kommissare nach anhaltenden Bedenken dafür, das Festival nicht im Bayfront Park und in der Innenstadt von Miami abzuhalten , genehmigten jedoch anschließend einen Vorschlag, die Veranstaltung auf eine der Barriereinseln von Miami , Virginia Key , zu verlegen . Nach dem Festival, das von Transportproblemen (da es nur eine Fahrzeugverbindung zwischen Virginia Key und dem Festland von Miami gibt) und anderen Problemen betroffen war, zog sich Ultra aus der Vereinbarung zurück und handelte eine Vereinbarung zur Rückkehr in den Bayfront Park aus. Das UK Jungle und Drum and Bass fokussierte Plattenlabel Hospital Records veranstaltet ein Festival namens Hospitality in Clubs und anderen Locations in ganz Großbritannien und anderen Ländern mit großem EDM-Einfluss. Diese Veranstaltungen sind normalerweise Konzerte von Künstlern aus der Musikerliste der Platte.

Auswirkungen von COVID-19

Aufgrund der COVID-19-Pandemie hat die Absage von Festivals, begleitet von den Einschränkungen der sozialen Distanzierung, die wirtschaftliche Aktivität von Festivals und der Musikindustrie negativ beeinflusst. Festivals müssen Vorschriften zu Gesundheit und Sicherheit sowie zum Krisen- und Risikomanagement haben, da sie aufgrund der Masse der teilnehmenden Menschen einem hohen Risiko ausgesetzt sind. Infolgedessen ist es normal geworden, dass Festivals oder Aufführungen online gestreamt werden.

Im Jahr 2020 wurden alle großen EDM-Musikfestivals aufgrund der COVID-19-Pandemie verschoben oder abgesagt. Am 4. März 2020 war Ultra Miami das erste Festival für elektronische Tanzmusik, das eine Veranstaltung absagte, da die Veranstaltung nicht den Kapazitätsregeln des Staates und den Sicherheitsprotokollen und -vorschriften des Landkreises entsprechen konnte. Am 21. April 2020 hat das Electric Forest Music Festival in Rothbury, Michigan, seine Veranstaltung vom 25. bis 27. Juni 2020 aus gesundheitlichen Gründen auf Juni 2021 verschoben. Am 9. Juli 2020 entschied der New Yorker Bürgermeister Bill de Blasio , dass alle größeren Veranstaltungen bis zum 30. September ausgesetzt werden. Infolgedessen wurde der Electric Zoo 2020, der am Labor Day Weekend auf Randall's Island in New York City stattfindet, vollständig abgesagt ihre Veranstaltung 2020.

Electric Daisy Carnival Las Vegas (EDC), das größte Tanzmusikfestival in Nordamerika, sollte vom 15. bis 17. Mai 2020 stattfinden. Im April verschob EDC seine Mai-Veranstaltung auf den 2. bis 4. Oktober 2020 und erklärte sie später 2. August, dass die EDC Las Vegas 2020 offiziell abgesagt wird. Stattdessen kündigte EDC-CEO Pasquale Rotella die Feier des 25-jährigen Bestehens von EDC vom 21. bis 23. Mai 2021 an. Am 9. April 2021 hatte EDC seine Aufstellung und COVID-19-Sicherheitsprotokolle für die Veranstaltung im Mai 2021 noch nicht veröffentlicht. Am 20. April , 2021, verschob Rotella das Festival auf den 22.–24. Oktober 2021.

Die Absagen dieser Veranstaltungen schaden der Musikindustrie und den Unternehmen, die diese Veranstaltungen durchführen, wirtschaftlich. EDC 2020 war ursprünglich von den 200.000 Tickets für ihre erste Veranstaltung ausverkauft, bot aber volle Rendite für diejenigen, die es nicht zu neuen Terminen schaffen konnten. Electric Zoo bot Kunden einen Anreiz, ihr Ticket zu behalten, indem sie zusätzliche 50 US-Dollar für allgemeine Eintrittskarten und 100 US-Dollar für VIP-Tickets zur Verfügung stellten, die sie für Waren und Essen auf dem Festivalgelände ausgeben konnten. Die meisten Musikfestival-Unternehmen boten an, das Ticket für ihre nächste Veranstaltung zu verlängern oder denjenigen, die nicht teilnehmen konnten, den vollen Betrag zu erstatten, verloren aber letztendlich aufgrund der Unsicherheit von COVID-19 viele Kunden.

Assoziation mit Freizeitdrogenkonsum

Tanzmusik ist seit langem mit Freizeitdrogen verbunden, insbesondere mit einer breiten Palette von Drogen, die unter dem Namen „ Clubdrogen “ kategorisiert wurden . Russell Smith bemerkte, dass die Assoziation von Drogen- und Musiksubkulturen keineswegs ausschließlich für elektronische Musik sei, und führte frühere Beispiele von Musikgenres an, die mit bestimmten Drogen in Verbindung gebracht wurden, wie Psychedelic Rock und LSD , Discomusik und Kokain sowie Punkmusik und Heroin .

Oben abgebildet sieht die Droge Ecstasy normalerweise aus, obwohl es viele verschiedene Formen und Gestalten gibt.

Methylendioxymethamphetamin (MDMA), auch bekannt als Ecstasy, „E“ oder „Molly“, gilt in der Rave-Kultur oft als Droge der Wahl und wird auch auf Clubs, Festivals und Hauspartys konsumiert . In der Rave-Umgebung sind die sensorischen Effekte von Musik und Beleuchtung oft sehr synergistisch mit der Droge. Die psychedelische Amphetamin-Qualität von MDMA bietet mehrere Gründe für seine Anziehungskraft auf Benutzer im "Rave"-Setting. Einige Konsumenten genießen das Gefühl der Massengemeinschaft durch die hemmungsmindernde Wirkung der Droge, während andere sie aufgrund der stimulierenden Wirkung der Droge als Partytreibstoff verwenden. Eine andere Droge, Para-Methoxyamphetamin (4-MA), auch bekannt als Pink Ecstasy, PMA, „Death“ oder „Dr. Death“, ist MDMA ähnlich, aber es kann bis zu einer Stunde dauern, bis sie Wirkung zeigt, was zu Hyperthermie führen kann und anschließend Organversagen. Menschen, die PMA einnehmen, werden oft fälschlicherweise für MDMA gehalten.

MDMA ist gelegentlich dafür bekannt, in Verbindung mit Psychedelika eingenommen zu werden. Zu den häufigeren Kombinationen gehören MDMA in Kombination mit LSD , MDMA in Kombination mit DMT , MDMA mit Psilocybin-Pilzen und MDMA mit der dissoziativen Droge Ketamin . Viele Benutzer verwenden mentholhaltige Produkte, während sie MDMA wegen seines kühlenden Gefühls einnehmen, während sie die Wirkung des Medikaments erfahren. Beispiele hierfür sind Mentholzigaretten, Vicks VapoRub , NyQuil und Lutschtabletten .

Die Inzidenz von nicht medizinischem Ketamin hat im Zusammenhang mit Raves und anderen Partys zugenommen. Sein Aufkommen als Partydroge unterscheidet sich jedoch von anderen Partydrogen (z. B. MDMA ) aufgrund seiner anästhetischen Eigenschaften ( z . B. undeutliche Sprache, Immobilisierung) bei höheren Dosen; außerdem gibt es Berichte über den Verkauf von Ketamin als „Ecstasy“. Der Konsum von Ketamin als Teil eines „Postclubbing-Erlebnisses“ wurde ebenfalls dokumentiert. Der Aufstieg von Ketamin in der Tanzkultur war Ende der 1990er Jahre in Hongkong rasant. Bevor Ketamin 1999 in den Vereinigten Staaten zu einer staatlich kontrollierten Substanz wurde, war es als umgeleitete pharmazeutische Zubereitung und als reines Pulver erhältlich, das in großen Mengen von inländischen Chemielieferanten verkauft wurde. Ein Großteil des derzeitigen Ketamins, das für nichtmedizinische Zwecke abgezweigt wird, stammt aus China und Indien.

Drogentote bei Veranstaltungen mit elektronischer Tanzmusik

Bei großen Konzerten und Festivals elektronischer Musik ist es zu einer Reihe von Todesfällen gekommen, die dem offensichtlichen Drogenkonsum zugeschrieben werden. Das Los Angeles Memorial Coliseum setzte Insomniac Events auf die schwarze Liste , nachdem ein minderjähriger Teilnehmer während des Electric Daisy Carnival 2010 an „Komplikationen der ischämischen Enzephalopathie aufgrund einer Methylendioxymethamphetaminvergiftung “ gestorben war; Infolgedessen wurde die Veranstaltung im folgenden Jahr nach Las Vegas verlegt. Drogenbedingte Todesfälle während des Electric Zoo 2013 in New York City, USA, und des Future Music Festival Asia 2014 in Kuala Lumpur , Malaysia , führten dazu, dass der letzte Tag beider Veranstaltungen abgesagt wurde, während Life in Color eine geplante Veranstaltung in Malaysia absagte der Besorgnis über den Vorfall und andere drogenbedingte Todesfälle, die sich bei den A State of Trance 650- Konzerten in Jakarta , Indonesien, ereigneten.

Im September 2016 verbot die argentinische Stadt Buenos Aires alle elektronischen Musikveranstaltungen in Erwartung künftiger Gesetze nach fünf drogenbedingten Todesfällen und vier Verletzungen bei einer Veranstaltung des Time Warp Festivals in der Stadt im April 2016. Das Verbot zwang die elektronische Band Kraftwerk dazu ein geplantes Konzert in der Stadt absagen, obwohl sie argumentieren, dass es Unterschiede zwischen einem Festival und ihren Konzerten gebe.

Branchenauszeichnungen

Organisation Auszeichnung(en) Jahre) Anmerkungen
BRIT-Auszeichnungen Britischer Dance-Act 1994–2004 Die BRIT Awards in Großbritannien führten 1994 eine Kategorie „British Dance Act“ ein, die zuerst von M People gewonnen wurde . Obwohl Dance-Acts in den vergangenen Jahren bei den Awards dabei waren, war dies das erste Jahr, in dem Dance Music eine eigene Kategorie erhielt. In jüngerer Zeit wurde die Auszeichnung ebenso wie "Urban" und "Rock" und andere Genres entfernt, da die Auszeichnungen genrebasierte Auszeichnungen entfernten und zu allgemeineren künstlerorientierten Auszeichnungen übergingen.
Grammy Awards Bester Tanz/elektronische Aufnahme 1998 - heute Zuletzt gewonnen (2021) von Rüfüs Du Sol für „ Alive “.
Bestes Tanz-/Elektronik-Musikalbum 2005 - heute Zuletzt gewonnen (2021) von Black Coffee für Subconsciously .
DJ-Mag Top-100-DJs-Umfrage 1991 - heute Das britische Tanzmusikmagazin DJ Mag veröffentlicht jährlich eine Liste der 100 besten DJs der Welt; von 1991 bis 1996 wurden die Top-100-Umfragen von den Journalisten des Magazins geordnet; 1997 wurde die Umfrage zu einer öffentlichen Abstimmung. Die aktuelle Nummer eins der Liste 2021 ist David Guetta .
DJ-Auszeichnungen Bester DJ-Award 1998 - heute Die einzige globale DJ-Awards-Veranstaltung, die internationale DJs in 11 Kategorien nominiert und auszeichnet, die jährlich auf Ibiza , Spanien, stattfinden, Gewinner, die durch eine öffentliche Abstimmung ausgewählt werden und zu den wichtigsten gehören.
Wintermusikkonferenz (WMC) IDMA: Internationale Tanzmusikpreise 1998 - heute
Projekt X Magazin Preise für elektronische Tanzmusik 1995 Die Leser des Magazins Project X wählten die Gewinner der ersten (und einzigen) „Electronic Dance Music Awards“. In einer vom Magazin und Nervous Records organisierten Zeremonie wurden Winx , The Future Sound of London , Moby , Junior Vasquez , Danny Tenaglia , DJ Keoki , TRIBAL America Records und Moonshine Records Award - Statuen überreicht .
amerikanische Musik Preise Lieblings-Tanz-/Elektronik-Künstler 2012 - heute Zuletzt gewonnen (2021) von Marshmello .
Weltmusikpreise Lieblingskünstler für elektronische Tanzmusik 2006 - heute
(in Pause)
Zuletzt gewonnen (2014) von Calvin Harris .

Siehe auch

(alphabetisch)

Anmerkungen

Verweise

Literaturverzeichnis

Weiterlesen