Gotische Kunst - Gothic art

Gotische Kunst
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Oben: Das westliche (königliche) Portal der Kathedrale von Chartres ( um 1145), diese architektonischen Statuen sind die frühesten gotischen Skulpturen und eine Stilrevolution und das Vorbild für eine Generation von Bildhauern; Mitte: Sainte-Chapelle von Paris (1194-1248); Unten: Das Wilton-Diptychon (1395-1459)
aktive Jahre Ende 12. Jahrhundert-16. Jahrhundert

Gotische Kunst war ein Stil der mittelalterlichen Kunst aus in Nord - Frankreich entwickelt , die romanische Kunst im 12. Jahrhundert, führte durch die gleichzeitige Entwicklung der gotischen Architektur . Es verbreitete sich in ganz Westeuropa und in weiten Teilen Nord- , Süd- und Mitteleuropas , wobei die klassischen Stile in Italien nie ganz ausgelöscht wurden. Im späten 14. Jahrhundert entwickelte sich der anspruchsvolle Hofstil der Internationalen Gotik , der sich bis zum Ende des 15. Jahrhunderts weiterentwickelte. In vielen Bereichen, vor allem Deutschland, spätgotische Kunst bis weit ins 16. Jahrhundert, bevor sie in subsumiert wird die Kunst der Renaissance . Primäre Medien in der Gotik waren Skulptur , Tafelmalerei , Glasmalerei , Fresken und illuminierte Handschriften . Die leicht erkennbaren Verschiebungen in der Architektur von der Romanik zur Gotik und von der Gotik zur Renaissance werden typischerweise verwendet, um die Epochen in der Kunst in allen Medien zu definieren, obwohl sich die figurative Kunst in vielerlei Hinsicht in einem anderen Tempo entwickelt hat.

Die früheste gotische Kunst war monumentale Skulptur an den Wänden von Kathedralen und Abteien. Christliche Kunst war oft typologischer Natur (siehe mittelalterliche Allegorie ) und zeigte die Geschichten des Neuen Testaments und des Alten Testaments nebeneinander. Das Leben von Heiligen wurde oft dargestellt. Die Bilder der Jungfrau Maria änderten sich von der byzantinischen ikonischen Form zu einer menschlicheren und liebevolleren Mutter, die ihr Kind kuschelte, sich von ihrer Hüfte schaukelte und die raffinierten Manieren einer wohlgeborenen aristokratischen Hofdame zeigte.

Die säkulare Kunst kam in dieser Zeit mit dem Aufstieg der Städte, der Gründung von Universitäten , der Zunahme des Handels, der Etablierung einer geldbasierten Wirtschaft und der Schaffung einer bürgerlichen Klasse, die es sich leisten konnte, die Künste zu fördern und Werke in Auftrag zu geben, zu ihrer Geltung in einer Vielzahl von Gemälden und illuminierten Handschriften. Erhöhte Alphabetisierung und ein wachsender Bestand an säkularer Volksliteratur förderten die Darstellung säkularer Themen in der Kunst. Mit dem Wachstum der Städte, Handels Zünfte wurden gebildet und Künstler waren oft erforderlich , Mitglieder einer sein Malergilde . Infolgedessen sind uns in dieser Zeit aufgrund besserer Aufzeichnungen mehr Künstler namentlich bekannt als je zuvor; einige Künstler waren sogar so kühn, ihre Namen zu unterschreiben.

Ursprünge

Internationale gotische Maria Magdalena aus dem 14. Jahrhundert in der St.-Johannes-Kathedrale in Toruń .

Gotische Kunst entstand in der le-de-France , Frankreich, im frühen 12. Jahrhundert in der Abteikirche St. Denis, die von Abt Suger erbaut wurde . Der Stil verbreitete sich schnell über seine Ursprünge in der Architektur hinaus auf Skulptur, sowohl monumentale als auch persönliche Größe, Textilkunst und Malerei, die eine Vielzahl von Formen annahm, darunter Fresko , Glasmalerei , illuminierte Handschrift und Tafelmalerei . Klosterorden , insbesondere die Zisterzienser und die Kartäuser , waren wichtige Baumeister, die den Stil verbreiteten und in ganz Europa unverwechselbare Varianten entwickelten. Regionale Unterschiede der Architektur blieb wichtig, auch wenn durch die Ende des 14. Jahrhunderts, ein kohärentes Universal-Stil bekannt als Internationalen Gotik entwickelt hatte, die bis zum Ende des 15. Jahrhunderts fortgesetzt, und darüber hinaus in vielen Bereichen.

Obwohl es weit mehr weltliche gotische Kunst gab, als heute oft angenommen wird, da die Überlebensrate religiöser Kunst im Allgemeinen besser war als bei weltlichen Äquivalenten, war ein großer Teil der in dieser Zeit produzierten Kunst religiöser Kunst, sei es im Auftrag der Kirche oder von die Laien. Die gotische Kunst war oft typologischer Natur, was den Glauben widerspiegelte, dass die Ereignisse des Alten Testaments die des Neuen vorwegnahmen und dass dies tatsächlich ihre Hauptbedeutung war. Alte und neutestamentliche Szenen wurden nebeneinander in Werken wie dem Speculum Humanae Salvationis und der Dekoration von Kirchen gezeigt. Die Gotik fiel mit einem großen Wiederaufleben der Marienverehrung zusammen , in der die bildende Kunst eine große Rolle spielte. Bilder der Jungfrau Maria entwickelten sich von den byzantinischen hieratischen Typen durch die Krönung der Jungfrau zu menschlicheren und intimeren Typen, und Zyklen des Lebens der Jungfrau waren sehr beliebt. Künstler wie Giotto , Fra Angelico und Pietro Lorenzetti in Italien und die frühe niederländische Malerei brachten Realismus und eine natürlichere Menschlichkeit in die Kunst. Westliche Künstler und ihre Gönner wurden viel sicherer in innovative Ikonographie , und es wird viel mehr Originalität gesehen, obwohl von den meisten Künstlern immer noch kopierte Formeln verwendet wurden.

Die Ikonographie wurde von Veränderungen in der Theologie beeinflusst, wobei Darstellungen der Himmelfahrt Mariens gegenüber dem älteren Tod der Jungfrau an Bedeutung gewannen, und in Andachtspraktiken wie der Devotio Moderna , die neue Behandlungen von Christus in Themen wie dem Mann der Schmerzen hervorbrachte . Nachdenklicher Christus und Pietà , die sein menschliches Leiden und seine Verletzlichkeit betonten, in einer Parallelbewegung zu der in Darstellungen der Jungfrau. Sogar in den Jüngsten Gerichten wurde Christus jetzt normalerweise gezeigt, wie er seine Brust entblößte, um die Wunden seiner Passion zu zeigen . Heilige wurden häufiger gezeigt und Altaraufsätze zeigten Heilige, die für die jeweilige Kirche oder den Stifter relevant waren, die an einer Kreuzigung oder einer thronenden Jungfrau mit Kind teilnahmen oder den zentralen Raum selbst besetzten (dies normalerweise für Werke, die für Seitenkapellen entworfen wurden). Im Laufe der Zeit wurden viele antike ikonographische Merkmale, die ihren Ursprung in neutestamentlichen Apokryphen hatten, unter klerikalen Druck nach und nach beseitigt, wie die Hebammen bei der Geburt Christi , obwohl andere zu gut etabliert waren und als harmlos galten.

Etymologie

Die Dame und das Einhorn , der Titel einer Serie von sechsin Flandern gewebten Wandteppichen , dieser hier heißt À Mon Seul Désir ; Ende des 15. Jahrhunderts; Wolle und Seide; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
Weitere Informationen: Name der Goten

Das Wort „ Gotik “ für Kunst wurde zunächst als Synonym für „ barbarisch “ verwendet und wurde daher abwertend verwendet. Ihre Kritiker sahen diese Art mittelalterlicher Kunst als unraffiniert und zu weit von den ästhetischen Proportionen und Formen der klassischen Kunst entfernt . Autoren der Renaissance glaubten, dass die Plünderung Roms durch die gotischen Stämme im Jahr 410 den Untergang der klassischen Welt und all ihrer Werte ausgelöst hatte. Im 15. Jahrhundert beklagten verschiedene italienische Architekten und Schriftsteller, dass die neuen "barbarischen" Stile, die nördlich der Alpen eindrangen, eine ähnliche Bedrohung für die von der Frührenaissance geförderte klassische Wiederbelebung darstellten. Die Bezeichnung "Gothic" für diese Kunst wurde erstmals in Raffaels Brief an Papst Leo X. c. 1518 und wurde anschließend von dem italienischen Künstler und Schriftsteller Giorgio Vasari populär gemacht , der es bereits 1530 verwendete und die gotische Kunst als "monströse und barbarische" "Unordnung" bezeichnete. Raffael behauptete, die Spitzbögen der nordischen Architektur seien ein Echo der primitiven Hütten, die die germanischen Waldbewohner durch Zusammenbiegen von Bäumen bildeten – ein Mythos, der viel später in einem positiveren Sinne in den Schriften der deutschen Romantik wieder auftauchen sollte. "Gotische Kunst" wurde von französischen Autoren wie Boileau , La Bruyère , Rousseau stark kritisiert , bevor sie zu einer anerkannten Kunstform wurde und der Wortlaut festgelegt wurde. Molière würde sich bekannterweise zu Gothic kommentieren:

Der besessene Geschmack gotischer Denkmäler,
Diese abscheulichen Ungeheuer unwissender Jahrhunderte,
Die die Ströme der Barbarei ausspeisten.

In ihren Anfängen wurde die gotische Kunst zunächst als "französisches Werk" ( Opus Francigenum ) bezeichnet und bezeugt damit die Priorität Frankreichs bei der Schaffung dieses Stils.

Malen

Simone Martini (1285–1344).

Malerei in einem Stil, den man als Gotik bezeichnen kann, tauchte erst um 1200 auf, fast 50 Jahre nach den Anfängen der gotischen Architektur und Bildhauerei. Der Übergang von der Romanik zur Gotik ist sehr ungenau und keineswegs ein klarer Bruch, und gotische ornamentale Details werden oft eingeführt, bevor große Veränderungen im Stil der Figuren oder Kompositionen selbst zu sehen sind. Dann werden Figuren in Pose und Mimik animierter, tendenziell kleiner im Verhältnis zum Hintergrund von Szenen und werden freier im Bildraum angeordnet, wo Platz ist. Dieser Übergang tritt zuerst in England und Frankreich um 1200, in Deutschland um 1220 und Italien um 1300 auf. Die Malerei während der Gotik wurde in vier Hauptmedien praktiziert: Fresken , Tafelbilder , Manuskriptmalerei und Glasmalerei .

Fresken

Fresken wurden als Fortsetzung der frühchristlichen und romanischen Traditionen weiterhin als wichtigstes bildnerisches Erzählhandwerk an Kirchenwänden in Südeuropa verwendet. Ein Unfall des Überlebens hat Dänemark und Schweden die größte Gruppe erhaltener Kirchenwandmalereien im Stil der Biblia pauperum beschert, die sich normalerweise bis zu neu errichteten Kreuzgewölben erstrecken . Sowohl in Dänemark als auch in Schweden waren sie nach der Reformation fast alle mit Kalk bedeckt, der sie bewahrt hat, aber einige sind auch seit ihrer Entstehung unberührt geblieben. Zu den schönsten Beispielen aus Dänemark gehören die des Elmelunde-Meisters von der dänischen Insel Møn , der die Kirchen von Fanefjord , Keldby und Elmelunde dekorierte . Albertus Pictor ist wohl der bekannteste Freskenkünstler aus der schwedischen Zeit. Beispiele für schwedische Kirchen mit gut erhaltenen Fresken sind die Kirchen Tensta , Gökhem und Anga .

Glasmalerei

Teil der deutschen Glasmalerei von 1444 mit der Heimsuchung ; Topfmetall in verschiedenen Farben, darunter weißes Glas, schwarze Glasfarbe, gelbe Silberbeize, und die "olivgrünen" Teile sind Emaille. Die Pflanzenmuster am roten Himmel entstehen, indem vor dem Brennen schwarze Farbe vom roten Glas abgekratzt wird. Eine restaurierte Tafel mit neuem Blei kommt.

In Nordeuropa war die Glasmalerei bis ins 15. Jahrhundert eine wichtige und prestigeträchtige Form der Malerei, als sie von der Tafelmalerei verdrängt wurde . Gotische Architektur stark erhöhte die Menge an Glas in großen Gebäuden, teilweise für breite Glasflächen zu ermöglichen, wie in Fenster stieg . Zu Beginn der Periode wurden hauptsächlich schwarze Farbe und klares oder helles Glas verwendet, aber im frühen 14. gelb, zu verwenden mit klarem Glas in einem Stück. Gegen Ende der Epoche wurden bei den Entwürfen zunehmend große Glasstücke verwendet, die bemalt wurden, wobei Gelb die dominierenden Farben waren, und relativ wenige kleinere Glasstücke in anderen Farben.

Handschriften und Druckgrafik

Stunden von Jeanne d'Evreux , von Jean Pucelle , Paris, 1320er Jahre.

Illuminierte Manuskripte stellen die vollständigste Aufzeichnung der gotischen Malerei dar und bieten eine Aufzeichnung von Stilen an Orten, an denen sonst keine monumentalen Werke überlebt haben. Die frühesten vollständigen Handschriften mit französisch-gotischen Illustrationen stammen aus der Mitte des 13. Jahrhunderts. Viele dieser illuminierten Manuskripte waren königliche Bibeln, obwohl Psalter auch Illustrationen enthielten; der Pariser Psalter des Heiligen Louis aus den Jahren 1253 bis 1270 enthält 78 ganzseitige Illuminationen in Temperafarbe und Blattgold.

Im späten 13. Jahrhundert begannen Schreiber, Gebetsbücher für Laien zu erstellen, die aufgrund ihrer Verwendung zu bestimmten Tageszeiten oft als Stundenbücher bekannt waren . Zu den frühesten gehört ein Beispiel von William de Brailes , das um 1240 für eine unbekannte Laie geschrieben worden zu sein scheint, die in einem kleinen Dorf in der Nähe von Oxford lebte . zu den bekanntesten Schöpfern zählt Jean Pucelle , dessen Stundenbuch der Jeanne d'Evreux von König Karl IV. als Geschenk für seine Königin Jeanne d'Évreux in Auftrag gegeben wurde . Elemente der französischen Gotik, die in solchen Werken vorhanden sind, umfassen die Verwendung von dekorativen Seitenrahmen, die an die Architektur der Zeit mit langgestreckten und detaillierten Figuren erinnern. Die Verwendung von räumlichen Indikatoren wie Gebäudeelementen und Naturmerkmalen wie Bäumen und Wolken kennzeichnen auch die französische Beleuchtungsgotik.

Ab der Mitte des 14. Jahrhunderts scheinen Blockbücher mit Text- und Bildschnitt als Holzschnitt von den Pfarrern in den Niederlanden erschwinglich gewesen zu sein , wo sie am beliebtesten waren. Bis zum Ende des Jahrhunderts, gedruckte Bücher mit Illustrationen, noch meist auf religiöse Themen wurden schnell zugänglich immer zu der wohlhabenden Mittelschicht, wie waren Gravuren von ziemlich hohen Qualität durch Druckgraphikern wie Israhel van Meckenem und Meister ES Im 15. Jahrhundert, die Die Einführung billiger Drucke , meist im Holzschnitt , ermöglichte es auch Bauern, Andachtsbilder zu Hause zu haben. Diese am unteren Ende des Marktes winzigen Bilder, oft grob koloriert, wurden zu Tausenden verkauft, sind aber heute äußerst selten, da die meisten an Wände geklebt wurden.

Altarbild und Tafelbild

Die Malerei mit Öl auf Leinwand wurde erst im 15. und 16. Jahrhundert populär und war ein Markenzeichen der Renaissancekunst . In Nordeuropa ist die bedeutende und innovative Schule der frühniederländischen Malerei im Wesentlichen gotisch, kann aber auch als Teil der Nordrenaissance angesehen werden , da die italienische Wiederbelebung des Interesses am Klassizismus erst nach langer Zeit große Auswirkungen hatte der Norden. Maler wie Robert Campin und Jan van Eyck nutzten die Technik der Ölmalerei , um minutiöse und perspektivisch korrekte Werke zu schaffen, in denen scheinbarer Realismus mit einer sehr komplexen Symbolik kombiniert wurde, die sich genau aus den realistischen Details ergab, die sie jetzt auch in kleinen Werken aufnehmen konnten . In der frühniederländischen Malerei aus den reichsten Städten Nordeuropas wurde ein neuer minutiöser Realismus in der Ölmalerei mit subtilen und komplexen theologischen Anspielungen kombiniert, die sich gerade durch die sehr detaillierten Einstellungen religiöser Szenen ausdrücken. Der Mérode-Altar (1420er Jahre) von Robert Campin und die Verkündigung von Washington Van Eyck oder die Madonna des Kanzlers Rolin (beide 1430er Jahre, von Jan van Eyck ) sind Beispiele. Für die Reichen wurden kleine Tafelbilder immer beliebter , sogar Polyptychen in der Ölmalerei , die oft auch Stifterporträts zeigten , wenn auch oft viel kleiner als die dargestellte Jungfrau oder die Heiligen. Diese wurden in der Regel in der Wohnung ausgestellt.

Skulptur

Monumentale Skulptur

Französische Elfenbein-Jungfrau mit Kind, Ende 13. Jh., 25 cm hoch, geschwungen, um sich der Form des Elfenbeinstoßzahns anzupassen.

Die Gotik wird im Wesentlichen durch die gotische Architektur definiert und passt weder am Anfang noch am Ende ganz zur Stilentwicklung in der Skulptur. Die Fassaden großer Kirchen, vor allem um die Türen herum, hatten weiterhin große Tympanon, aber auch Reihen von geschnitzten Figuren, die sich um sie herum ausbreiteten.

Die Statuen auf dem westlichen (königlichen) Portal der Kathedrale von Chartres (um 1145) zeigen eine elegante, aber übertriebene säulenartige Verlängerung, aber die am südlichen Querschiffportal von 1215–20 zeigen einen naturalistischen Stil und eine zunehmende Loslösung von der dahinter liegenden Mauer , und ein gewisses Bewusstsein für die klassische Tradition. Diese Tendenzen wurden einige Jahre später im Westportal der Kathedrale von Reims fortgesetzt , wo die Figuren fast rund sind, wie es mit der Ausbreitung der Gotik in ganz Europa üblich wurde. Der Bamberger Dom hat vielleicht die größte Ansammlung von Skulpturen aus dem 13. Jahrhundert, die 1240 mit dem Bamberger Reiter , dem ersten lebensgroßen Reiterstandbild der westlichen Kunst seit dem 6.

In Italien entwickelten Nicola Pisano (1258–78) und sein Sohn Giovanni einen Stil, der oft als Proto-Renaissance bezeichnet wird , mit unverkennbarem Einfluss römischer Sarkophage und anspruchsvollen und überfüllten Kompositionen, einschließlich eines sympathischen Umgangs mit Nacktheit, in Relieftafeln auf ihrer Kanzel von Die Kathedrale von Siena (1265-68) , die Fontana Maggiore in Perugia und die Kanzel von Giovanni in Pistoia von 1301.

Eine weitere Wiederbelebung des klassischen Stils ist in den internationalen gotischen Werken von Claus Sluter und seinen Anhängern in Burgund und Flandern um 1400 zu sehen Zahlen erregten ausdrucksstarke Figuren; die meisten überlebenden Beispiele befinden sich in Deutschland, nach vielen Bilderstürmern anderswo. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss und andere führten den Stil bis ins 16. Jahrhundert fort und nahmen nach und nach Einflüsse der italienischen Renaissance auf.

Lebensgroße Grabfiguren aus Stein oder Alabaster wurden bei den Reichen beliebt, und es entstanden große mehrstöckige Gräber, wobei die Scaligergräber von Verona so groß waren, dass sie außerhalb der Kirche verlegt werden mussten. Im 15. Jahrhundert gab es eine Industrie, die Alabasteraltarreliefs aus Nottingham in Gruppen von Tafeln in weite Teile Europas für wirtschaftliche Gemeinden exportierte, die sich keine steinernen Altaraufsätze leisten konnten.

Tragbare Skulptur

Deckel der Walters Schatulle , mit der Belagerung des Schlosses der Liebe auf der linken Seite und Turnieren . Paris, 1330-1350.

Kleine Schnitzereien für einen hauptsächlich laienhaften und oft weiblichen Markt wurden in Paris und einigen anderen Zentren zu einem bedeutenden Wirtschaftszweig. Arten von Elfenbein enthielten kleinen Andachts Polyptychen , einzelne Figuren, vor allem der Jungfrau , Spiegel-Fälle, Kämme und aufwendige Schatullen mit Szenen aus Romanzen , als Eingriff Geschenke verwendet. Die sehr reiche gesammelt verschwenderisch erarbeiten, jeweled und emailliertem Metallarbeiten, sowohl säkularen und religiösen, wie der Duc de Berry ‚s Heilige Thorn Reliquiar , bis sie an Geld ran, wenn sie für Geld wieder hinunter geschmolzen wurden.

Elfenbeinfarbenes Diptychon mit Resten der farbigen Farbe. Anbetung der Heiligen Drei Könige und Kreuzigung . Maastal , Frankreich, c. 1350.

Gotische Skulpturen unabhängig von architektonischen Ornamenten wurden in erster Linie als Devotionalien für das Haus oder als Schenkungen für lokale Kirchen geschaffen, obwohl kleine Reliefs aus Elfenbein , Knochen und Holz sowohl religiöse als auch weltliche Themen umfassen und für den kirchlichen und häuslichen Gebrauch bestimmt waren. Solche Skulpturen waren das Werk städtischer Handwerker, und das typischste Motiv für dreidimensionale kleine Statuen ist die Jungfrau Maria allein oder mit Kind. Paris war das Hauptzentrum der Elfenbeinwerkstätten und exportierte in den größten Teil Nordeuropas, obwohl auch Italien eine beträchtliche Produktion hatte. Ein Exemplar dieser eigenständigen Skulpturen befindet sich in den Sammlungen der Abteikirche St. Denis; die silbervergoldete Jungfrau mit Kind stammt aus dem Jahr 1339 und zeigt Maria, die in einen fließenden Mantel gehüllt ist und eine infantile Christusfigur hält. Sowohl die Schlichtheit des Mantels als auch die Jugendlichkeit des Kindes lassen auf andere nordeuropäische Skulpturen aus dem 14. und frühen 15. Jahrhundert schließen. Diese Skulptur zeigt eine Entwicklung von einem früheren steifen und langgestreckten Stil, der noch teilweise romanisch war, im späten 12. Andere skulpturale Themen der französischen Gotik umfassten Figuren und Szenen aus der populären Literatur der Zeit. Bilder aus der Poesie der Troubadours waren besonders beliebt bei Handwerkern von Spiegelkästchen und kleinen Kästen, die vermutlich für Frauen bestimmt waren. Die Schatulle mit romanischen Szenen (Walters 71264) von 1330-50 ist ein ungewöhnlich großes Exemplar mit Platz für eine Reihe von Szenen aus verschiedenen literarischen Quellen.

Beliebt und günstig waren auch Souvenirs von Wallfahrten zu Schreinen, wie Ton- oder Bleiabzeichen , Medaillen und mit Bildern bedruckte Ampullen . Ihr weltliches Äquivalent, das Livree-Abzeichen , zeigte Anzeichen feudaler und politischer Loyalität oder Allianz, die in England unter dem Bastard-Feudalismus als soziale Bedrohung angesehen wurden . Die billigeren Formen wurden manchmal weg frei gegeben, wie bei den 13.000 Abzeichen im Jahr 1483 von König bestellt Richard III von England in fustian Tuch mit seinem Emblem eines weißen Ebers für die Investitur von seinem Sohn Edward als Prinz von Wales, eine großen Zahl angesichts der Bevölkerung zu dieser Zeit. Das Dunstable Swan Jewel , vollständig rund in emailliertem Gold modelliert, ist eine weitaus exklusivere Version, die man an eine sehr nahestehende oder wichtige Person des Spenders geschenkt hätte.

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

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Externe Links