Harmonie - Harmony

Barbershop-Quartette , wie diese US-Navy-Gruppe, singen 4-stimmige Stücke, die aus einer Melodielinie (normalerweise der Lead) und 3 Harmoniestimmen bestehen.

In der Musik ist Harmonie der Prozess, bei dem die Zusammensetzung einzelner Klänge oder Überlagerungen von Klängen durch das Gehör analysiert wird. In der Regel sind damit gleichzeitig auftretende Frequenzen , Tonhöhen ( Töne , Töne ) oder Akkorde gemeint .

Harmonie ist eine Wahrnehmungseigenschaft der Musik und neben der Melodie einer der Bausteine ​​der westlichen Musik . Seine Wahrnehmung basiert auf Konsonanz , einem Konzept, dessen Definition sich in der westlichen Musik mehrmals geändert hat. In einem physiologischen Ansatz ist Konsonanz eine kontinuierliche Variable. Konsonante Tonhöhenbeziehungen werden als angenehmer, wohlklingender und schöner klingend beschrieben als dissonante Beziehungen, die unangenehm, unharmonisch oder rau klingen.

Das Studium der Harmonie beinhaltet Akkorde und ihre Konstruktion und Akkordfolgen und die Prinzipien der Verbindung, die sie bestimmen.

Harmonie wird oft gesagt, um sich auf den "vertikalen" Aspekt der Musik zu beziehen, im Unterschied zur melodischen Linie oder dem "horizontalen" Aspekt.

Kontrapunkt , der sich auf die Beziehung zwischen melodischen Linien bezieht , und Polyphonie , die sich auf das gleichzeitige Erklingen getrennter unabhängiger Stimmen bezieht, werden daher manchmal von Harmonie unterschieden.

In der Populär- und Jazzharmonie werden Akkorde nach ihrer Wurzel sowie verschiedenen Begriffen und Charakteren benannt, die ihre Qualitäten angeben. In vielen Musikrichtungen, insbesondere Barock, Romantik, Moderne und Jazz, werden Akkorde oft mit "Spannungen" verstärkt. Eine Spannung ist ein zusätzliches Akkordelement, das ein relativ dissonantes Intervall in Bezug auf den Bass erzeugt.

Typischerweise löst sich in der klassischen Common-Practice-Periode ein dissonanter Akkord (Akkord mit Spannung) in einen konsonanten Akkord auf. Harmonisierung klingt normalerweise angenehm für das Ohr, wenn ein Gleichgewicht zwischen den konsonanten und dissonanten Klängen besteht. In einfachen Worten, das passiert, wenn ein Gleichgewicht zwischen "angespannten" und "entspannten" Momenten besteht.

Etymologie und Definitionen

Der Begriff Harmonie leitet sich vom griechischen ἁρμονία harmonia ab , was „gemeinsam, Einigung, Eintracht“ bedeutet, vom Verb ἁρμόζω harmozō , „(Ι) zusammenpassen, verbinden“. In der Vergangenheit bezog sich Harmonie oft auf das gesamte Gebiet der Musik, während sich Musik auf die Künste im Allgemeinen bezog. Im antiken Griechenland definierte der Begriff die Kombination kontrastierender Elemente: eine höhere und eine tiefere Note. Es ist jedoch unklar, ob das gleichzeitige Ertönen von Tönen Teil der altgriechischen Musikpraxis war; harmonie mag lediglich ein System zur Klassifizierung der Beziehungen zwischen verschiedenen Tonhöhen bereitgestellt haben. Im Mittelalter wurde der Begriff verwendet, um zwei Tonhöhen zu beschreiben, die in Kombination klingen, und in der Renaissance wurde der Begriff erweitert, um drei Tonhöhen zu bezeichnen, die zusammen klingen. Aristoxenus schrieb ein Werk mit dem Titel Harmonika Stoicheia , das als das erste Werk in der europäischen Geschichte zum Thema Harmonie gilt.

Rameau ‚s Traité de l'harmonie ( Treatise on Harmony ), 1722

Erst die Veröffentlichung von Rameau ‚s Traité de l'harmonie ( Treatise on Harmony ) im Jahr 1722 , dass jeder Text musikalische Praxis gemacht Verwendung des Begriffs in dem Titel zu diskutieren, obwohl diese Arbeit nicht die früheste Aufzeichnung der theoretischen Diskussion über die ist Thema. Das zugrundeliegende Prinzip hinter diesen Texten ist, dass Harmonie Harmonie (Klänge, die gefallen) sanktioniert, indem sie bestimmten vorher festgelegten kompositorischen Prinzipien entspricht.

Aktuelle Wörterbuchdefinitionen, die versuchen, prägnante Beschreibungen zu geben, heben oft die Mehrdeutigkeit des Begriffs im modernen Gebrauch hervor. Mehrdeutigkeiten entstehen entweder aus ästhetischen Erwägungen (zum Beispiel der Ansicht, dass nur gefällige Einstimmigkeiten harmonisch sein können) oder aus der Sicht der musikalischen Textur (Unterscheidung zwischen harmonisch (gleichzeitig klingende Tonhöhen) und "kontrapuntal" (nacheinander klingende Töne). die Worte von Arnold Whittall :

Während die gesamte Geschichte der Musiktheorie von einer solchen Unterscheidung zwischen Harmonie und Kontrapunkt abzuhängen scheint, ist es nicht weniger offensichtlich, dass die Entwicklungen im Wesen der musikalischen Komposition im Laufe der Jahrhunderte die Interdependenz voraussetzten – manchmal gleichbedeutend mit Integration, manchmal eine Quelle anhaltender Spannung – zwischen den vertikalen und horizontalen Dimensionen des musikalischen Raums.

Die Ansicht, dass die moderne tonale Harmonie in der westlichen Musik um 1600 begann, ist in der Musiktheorie weit verbreitet. Dies wird normalerweise durch die Ersetzung der horizontalen (oder kontrapunktischen ) Komposition, die in der Musik der Renaissance üblich ist , durch eine neue Betonung des vertikalen Elements der komponierten Musik erklärt. Moderne Theoretiker neigen jedoch dazu, dies als unbefriedigende Verallgemeinerung zu sehen. Nach Carl Dahlhaus :

Es war nicht so, dass der Kontrapunkt durch Harmonie ersetzt wurde (Bachs tonaler Kontrapunkt ist sicherlich nicht weniger polyphon als Palestrinas modale Schreibweise), sondern dass ein älterer Typus sowohl des Kontrapunkts als auch der vertikalen Technik von einem neueren abgelöst wurde. Und Harmonie umfasst nicht nur die ("vertikale") Struktur von Akkorden, sondern auch ihre ("horizontale") Bewegung. Wie die Musik als Ganzes ist Harmonie ein Prozess.

Beschreibungen und Definitionen von Harmonie und harmonischer Praxis zeigen oft eine Tendenz zu europäischen (oder westlichen ) Musiktraditionen, obwohl viele Kulturen vertikale Harmonie praktizieren. Darüber hinaus wird die südasiatische Kunstmusik ( hindustanische und karnatische Musik ) häufig zitiert, da sie wenig Wert auf das legt, was in der westlichen Praxis als konventionelle Harmonie wahrgenommen wird; die zugrunde liegende harmonische Grundlage für die meisten südasiatischen Musik ist der Bordun , ein offen gehaltenes Quintintervall (oder Quartintervall), das sich im Laufe einer Komposition nicht in der Tonhöhe ändert. Vor allem die Gleichzeitigkeit von Pitch ist selten ein wichtiges Kriterium. Nichtsdestotrotz sind viele andere Tonhöhenüberlegungen für die Musik, ihre Theorie und ihre Struktur relevant, wie zum Beispiel das komplexe System von Rāgas , das sowohl melodische als auch modale Überlegungen und Kodifizierungen in sich vereint.

In der klassischen indischen Musik kommen also komplizierte Tonhöhenkombinationen vor, die gleichzeitig klingen – aber sie werden selten als teleologische harmonische oder kontrapunktische Progressionen untersucht – wie bei notierter westlicher Musik. Diese gegensätzliche Betonung (insbesondere in Bezug auf die indische Musik) manifestiert sich in den unterschiedlichen Aufführungsmethoden: In der indischen Musik nimmt Improvisation eine große Rolle im strukturellen Rahmen eines Stückes ein, während in der westlichen Musik Improvisation seit Ende des 20 das 19. Jahrhundert. Wo sie in der westlichen Musik vorkommt (oder in der Vergangenheit), verschönert die Improvisation entweder vornotierte Musik oder greift auf musikalische Modelle zurück, die zuvor in notierten Kompositionen etabliert wurden, und verwendet daher bekannte harmonische Schemata.

Die Betonung des Vorkomponierten in der europäischen Kunstmusik und die sie umgebende schriftliche Theorie zeigt eine beträchtliche kulturelle Voreingenommenheit. Das Grove Dictionary of Music and Musicians ( Oxford University Press ) weist dies eindeutig aus:

In der westlichen Kultur werden die Musiken, die am meisten auf Improvisation angewiesen sind, wie der Jazz, traditionell als minderwertig gegenüber der Kunstmusik angesehen, in der die Vorkomposition an erster Stelle steht. Die Auffassung von Musik, die in mündlichen Traditionen lebt, als etwas, das mit improvisatorischen Techniken komponiert wurde, trennt sie von den höherstehenden Werken, die Notation verwenden.

Doch die Entwicklung harmonischer Praxis und Sprache selbst in der westlichen Kunstmusik wurde und wurde durch diesen Prozess der vorherigen Komposition erleichtert, der es Theoretikern und Komponisten ermöglichte, einzelne vorkonstruierte Werke zu studieren und zu analysieren, in denen Tonhöhen (und bis zu einem gewissen Grad) Rhythmen) blieben unabhängig von der Art der Aufführung unverändert.

Historische Regeln

Frühe religiöse Musik des Westens weist oft parallele perfekte Intervalle auf; diese Intervalle würden die Klarheit des ursprünglichen Klargesangs bewahren . Diese Werke wurden in Kathedralen geschaffen und aufgeführt und nutzten die Resonanzmodi ihrer jeweiligen Kathedralen, um Harmonien zu schaffen. Mit der Entwicklung der Polyphonie wurde die Verwendung paralleler Intervalle jedoch langsam durch den englischen Konsonanzstil ersetzt, der Terzen und Sexten verwendet. Der englische Stil wurde als süßer empfunden und war besser für die Polyphonie geeignet, da er eine größere lineare Flexibilität beim Stimmensatz bot.

Beispiel für implizierte Harmonien in JS Bachs Cello Suite Nr. 1 in G, BWV 1007, Takt 1-2. Spielen oder Harmonie spielenÜber diesen Ton Über diesen Ton 

Typen

Geschlossene Position C-Dur-Dreiklang. SpielenÜber diesen Ton 
Offene Position C-Dur-Dreiklang. SpielenÜber diesen Ton 

Carl Dahlhaus (1990) unterscheidet zwischen koordinierter und untergeordneter Harmonie . Untergeordnete Harmonie ist die heute wohlbekannte hierarchische Tonalität oder tonale Harmonie. Coordinate Harmonie ist die ältere mittelalterliche und Renaissance tonalité ancienne „Der Begriff ist gemeint , dass Klänge zu bezeichnen , werden einer nach dem anderen verbunden , ohne den Eindruck einer zielgerichteten Entwicklung. Eine erste Akkord bildet eine‚Progression‘mit einem zweiten BEGRÜNDE Akkord und ein zweiter mit einem dritten. Aber die erste Akkordfolge ist unabhängig von der späteren und umgekehrt." Die Koordinatenharmonie folgt eher direkten (benachbarten) Beziehungen als indirekten wie bei untergeordneten. Intervallzyklen schaffen symmetrische Harmonien, die von den Komponisten ausgiebig verwendet wurden , Alban Berg , George Perle , Arnold Schönberg , Béla Bartók und Edgard Varèse ‚s Dichte 21.5 .

Close Harmony und Open Harmony verwenden Close-Position- bzw. Open-Position-Akkorde. Siehe: Voicing (Musik) und Close and Open Harmony .

Andere Arten von Harmonien basieren auf den Intervallen der Akkorde, die in dieser Harmonie verwendet werden. Die meisten Akkorde in der westlichen Musik basieren auf "tertianischen" Harmonien oder Akkorden, die mit dem Terzintervall aufgebaut sind. Im Akkord C-Dur7 ist C–E eine große Terz; E–G ist eine kleine Terz; und G nach B ist eine große Terz. Andere Arten von Harmonie bestehen aus Quartal- und Quintalharmonie .

Ein Unisono wird wie eine Quinte oder Terz als harmonisches Intervall betrachtet, ist jedoch einzigartig, da es sich um zwei identische Töne handelt, die zusammen erzeugt werden. Der Unisono als Bestandteil der Harmonie ist besonders in der Orchestrierung wichtig. In der Popmusik wird Unisono-Gesang normalerweise als Verdoppelung bezeichnet , eine Technik, die die Beatles in vielen ihrer früheren Aufnahmen verwendeten. Als eine Art von Harmonie wird das gleichzeitige Singen im Einklang oder das Spielen derselben Noten, oft unter Verwendung verschiedener Musikinstrumente, allgemein als monophone Harmonisierung bezeichnet .

Intervalle

Ein Intervall ist die Beziehung zwischen zwei getrennten musikalischen Tonhöhen. Zum Beispiel, in der Melodie „ Twinkle Twinkle Little Star “ ist zwischen den ersten beiden Noten (dem ersten „Twinkle“) und den zweiten beiden Noten (dem zweiten „Twinkle“) das Intervall einer Quinte. Dies bedeutet, dass, wenn die ersten beiden Noten die Tonhöhe C wären, die zweiten beiden Noten die Tonhöhe "G" wären – vier Tonleiternoten oder sieben chromatische Noten (eine perfekte Quinte) darüber.

Folgende Intervalle sind üblich:

Wurzel Großes Drittel Kleines Drittel Fünfte
C E E g
D F F A
D F F EIN
E g G B
E G g B
F EIN A C
F A EIN C
g B B D
A C C E
EIN C C E
B D D F
B D D F

Daher erzeugt die Kombination von Noten mit ihren spezifischen Intervallen – einem Akkord – Harmonie. In einem C-Akkord gibt es beispielsweise drei Noten: C, E und G. Die Note C ist der Grundton. Die Noten E und G sorgen für Harmonie, und bei einem G7 (G Dominant-7)-Akkord sorgt der Grundton G mit jeder nachfolgenden Note (in diesem Fall B, D und F) für die Harmonie.

In der Tonleiter gibt es zwölf Tonhöhen. Jede Tonhöhe wird als "Grad" der Tonleiter bezeichnet. Die Namen A, B, C, D, E, F und G sind unbedeutend. Die Intervalle sind es jedoch nicht. Hier ist ein Beispiel:

C D E F g EIN B C
D E F g EIN B C D

Wie zu sehen ist, wird keine Note immer den gleichen Tonleitergrad haben. Die Tonika oder Note ersten Grades kann eine der 12 Noten (Tonhöhen) der chromatischen Tonleiter sein. Alle anderen Notizen werden eingefügt. Wenn beispielsweise C die Grundtonika ist, ist die vierte Stufe oder Subdominante F. Wenn D die Grundtonika ist, ist die vierte Stufe G. Während die Notennamen konstant bleiben, können sie sich auf unterschiedliche Tonleiterstufen beziehen, was unterschiedliche Intervalle in Bezug auf impliziert das Tonika. Die große Kraft dieser Tatsache besteht darin, dass jedes Musikwerk in jeder Tonart gespielt oder gesungen werden kann. Es ist dasselbe Musikstück, solange die Intervalle gleich sind – also die Melodie in die entsprechende Tonart transponiert. Wenn die Intervalle die perfekte Oktave (12 Halbtöne) übertreffen, werden diese Intervalle als zusammengesetzte Intervalle bezeichnet , zu denen insbesondere das 9., 11. und 13. Intervall gehört – weit verbreitet in Jazz- und Bluesmusik .

Zusammengesetzte Intervalle werden wie folgt gebildet und benannt:

  • 2. + Oktave = 9.
  • 3. + Oktave = 10.
  • 4. + Oktave = 11.
  • 5. + Oktave = 12.
  • 6. + Oktave = 13.
  • 7. + Oktave = 14.

Der Grund, warum die beiden Zahlen nicht richtig "addiert" werden, ist, dass eine Note zweimal gezählt wird. Abgesehen von dieser Kategorisierung können Intervalle auch in Konsonanten und Dissonanten unterteilt werden. Wie in den folgenden Abschnitten erläutert, erzeugen konsonante Intervalle ein Gefühl der Entspannung und dissonante Intervalle ein Spannungsgefühl. In der tonalen Musik bedeutet der Begriff Konsonant auch „Auflösung bringen“ (zumindest bis zu einem gewissen Grad, während Dissonanz „Auflösung erfordert“).

Die Konsonantenintervalle werden als perfektes Unisono , Oktave , Quinte , Quarte und Dur und kleine Terz und Sexte und ihre zusammengesetzten Formen betrachtet. Ein Intervall wird als "perfekt" bezeichnet, wenn die harmonische Beziehung in der natürlichen Obertonreihe gefunden wird (nämlich im Unisono 1:1, Oktave 2:1, Quinte 3:2 und Quarte 4:3). Die anderen Grundintervalle (zweite, dritte, sechste und siebte) werden als "unvollkommen" bezeichnet, weil die harmonischen Beziehungen in der Obertonreihe mathematisch nicht exakt gefunden werden. In der klassischen Musik kann die perfekte Quarte über dem Bass als dissonant angesehen werden, wenn ihre Funktion kontrapunktisch ist . Andere Intervalle, die Sekunde und die Septime (und ihre zusammengesetzten Formen) gelten als dissonant und erfordern eine Auflösung (der erzeugten Spannung) und normalerweise eine Vorbereitung (je nach Musikstil).

Beachten Sie, dass die Wirkung von Dissonanzen im musikalischen Kontext relativ wahrgenommen wird: Beispielsweise kann ein großes Septimen-Intervall allein (dh C bis H) als dissonant wahrgenommen werden, aber dasselbe Intervall als Teil eines großen Septakkords kann relativ konsonant klingen . Ein Tritonus (das Intervall vom vierten bis zum siebten Schritt der Dur-Tonleiter, dh von F bis H) klingt allein sehr dissonant, aber weniger im Kontext eines Dominantseptakkords (G7 oder D 7 in diesem Beispiel) .

Akkorde und Spannung

In der westlichen Tradition wird in der Musik nach dem 17. Jahrhundert die Harmonie mit Akkorden manipuliert , die Kombinationen von Tonhöhenklassen sind . In der Tertian- Harmonie, die so nach dem Terzintervall benannt ist, werden die Mitglieder von Akkorden gefunden und benannt, indem Intervalle der Terz gestapelt werden, beginnend mit dem "Grundton", dann der "Terze" über dem Grundton und der "Fünfte" darüber der Grundton (der eine Terz über der Terz ist) usw. (Beachten Sie, dass Akkordmitglieder nach ihrem Intervall über dem Grundton benannt sind.) Dyaden , die einfachsten Akkorde, enthalten nur zwei Mitglieder (siehe Powerchords ).

Ein Akkord mit drei Mitgliedern wird als Dreiklang bezeichnet, weil er drei Mitglieder hat, nicht weil er unbedingt in Terzen aufgebaut ist (siehe Quartal und Quintalharmonie für Akkorde mit anderen Intervallen). Je nach Größe der gestapelten Intervalle werden unterschiedliche Akkordqualitäten gebildet. In der Populär- und Jazzharmonie werden Akkorde nach ihrer Wurzel sowie verschiedenen Begriffen und Charakteren benannt, die ihre Qualitäten angeben. Um die Nomenklatur so einfach wie möglich zu halten, werden einige Vorgaben akzeptiert (hier nicht tabellarisch aufgeführt). Zum Beispiel bilden die Akkordmitglieder C, E und G einen C-Dur-Dreiklang, der standardmäßig einfach als C-Akkord bezeichnet wird. In einem A -Akkord (ausgesprochen As) sind die Mitglieder A , C und E .

In vielen Musikrichtungen, insbesondere Barock, Romantik, Modern und Jazz, werden Akkorde oft mit "Spannungen" verstärkt. Eine Spannung ist ein zusätzliches Akkordelement, das ein relativ dissonantes Intervall in Bezug auf den Bass erzeugt. Nach der tertianischen Praxis, Akkorde durch Stapeln von Terzen aufzubauen, wird die einfachste erste Spannung zu einem Dreiklang hinzugefügt, indem über den bestehenden Grundton Terz und Quinte gestapelt werden, eine weitere Terz über der Quinte, wodurch ein neues, potenziell dissonantes Mitglied einer Septime hinzugefügt wird weg vom Grundton (genannt "Siebte" des Akkords) und erzeugte einen Vier-Noten-Akkord, der als " Septakkord " bezeichnet wird.

Abhängig von der Breite der einzelnen Terzen, die zum Aufbau des Akkords gestapelt sind, kann der Abstand zwischen dem Grundton und der Septime des Akkords Dur, Moll oder vermindert sein. (Das Intervall einer überhöhten Septime reproduziert den Grundton und wird daher aus der Akkordnomenklatur weggelassen.) Die Nomenklatur erlaubt, dass "C7" standardmäßig einen Akkord mit einem Grundton, Terz, Quinte und Septime buchstabiert C, E . anzeigt , G und B . Andere Arten von Septakkord müssen expliziter benannt werden, wie "C-Dur 7" (C, E, G, B geschrieben), "C augmented 7" (hier bezieht sich das Wort augmented auf die Quinte, nicht auf die Septime, geschrieben C , E, G , B ) usw. (Für eine vollständigere Darstellung der Nomenklatur siehe Akkord (Musik) .)

Das weitere Stapeln von Terzen über einem Septakkord erzeugt Erweiterungen und bringt die "erweiterten Spannungen" oder "oberen Spannungen" (die mehr als eine Oktave über dem Grundton, wenn sie in Terzen gestapelt sind), die Neunten, Elften und Dreizehnte ein. Dadurch werden die nach ihnen benannten Akkorde erstellt. (Beachten Sie, dass Tertian-Akkordtypen mit Ausnahme von Dyaden und Triaden nach dem Intervall mit der größten Größe und Größe benannt werden, das im Stapel verwendet wird, nicht nach der Anzahl der Akkordmitglieder: Somit hat ein neunter Akkord fünf Mitglieder [Tonika, 3., 5. , 7., 9. ] , nicht neun.) Erweiterungen über die Dreizehnte hinaus reproduzieren vorhandene Akkordglieder und werden (normalerweise) aus der Nomenklatur weggelassen. Komplexe Harmonien auf der Grundlage ausgedehnter Akkorde finden sich im Jazz, in der spätromantischen Musik, in modernen Orchesterwerken, in der Filmmusik usw. in Hülle und Fülle.

Typischerweise löst sich in der klassischen Common-Practice-Periode ein dissonanter Akkord (Akkord mit Spannung) in einen konsonanten Akkord auf. Harmonisierung klingt normalerweise angenehm für das Ohr, wenn ein Gleichgewicht zwischen den konsonanten und dissonanten Klängen besteht. In einfachen Worten, das passiert, wenn ein Gleichgewicht zwischen "angespannten" und "entspannten" Momenten besteht. Aus diesem Grund wird Spannung normalerweise „vorbereitet“ und dann „aufgelöst“, wobei das Vorbereiten der Spannung bedeutet, eine Reihe von konsonanten Akkorden zu platzieren, die sanft zum dissonanten Akkord führen. Auf diese Weise sorgt der Komponist für eine reibungslose Einführung der Spannung, ohne den Hörer zu stören. Sobald das Stück seinen Sub-Höhepunkt erreicht hat, braucht der Hörer einen Moment der Entspannung, um die Spannung aufzulösen, die durch das Spielen eines Konsonantenakkords erreicht wird, der die Spannung der vorherigen Akkorde auflöst. Das Auflösen dieser Spannung klingt für den Hörer meist angenehm, obwohl dies in der Musik des späten 19. Jahrhunderts, wie etwa Tristan und Isolde von Richard Wagner, nicht immer der Fall ist.

Wahrnehmung

Der harmonische Dur-Dreiklang besteht aus drei Tönen. Ihr Frequenzverhältnis entspricht etwa 6:5:4. In realen Aufführungen ist das Drittel jedoch oft größer als 5:4. Das Verhältnis 5:4 entspricht einem Intervall von 386 Cent , aber eine gleich temperierte große Terz beträgt 400 Cent und eine pythagoräische Terz mit einem Verhältnis von 81:64 beträgt 408 Cent. Frequenzmessungen bei guten Darbietungen bestätigen, dass die Größe der großen Terz über diesen Bereich variiert und sogar außerhalb davon liegen kann, ohne verstimmt zu klingen. Somit besteht kein einfacher Zusammenhang zwischen Frequenzverhältnissen und harmonischer Funktion.

Eine Reihe von Merkmalen trägt zur Wahrnehmung der Harmonie eines Akkords bei.

Tonale Fusion

Tonale Fusion trägt zur wahrgenommenen Konsonanz eines Akkords bei und beschreibt den Grad, in dem mehrere Tonhöhen als ein einziger, einheitlicher Ton gehört werden. Akkorde mit mehr zusammenfallenden Teiltönen (Frequenzkomponenten) werden als konsonanter wahrgenommen, wie zum Beispiel Oktave und Quinte . Die Spektren dieser Intervalle ähneln denen eines einheitlichen Tons. Nach dieser Definition verschmilzt ein Dur-Dreiklang besser als ein Moll-Dreiklang und ein Dur-Moll-Septakkord besser als eine Dur-Dur-September oder Moll-Moll-Septakkord . Diese Unterschiede sind in temperierten Kontexten möglicherweise nicht ohne weiteres erkennbar, können aber erklären, warum Dur-Dreiklänge im Allgemeinen häufiger als Moll-Dreiklänge und Dur-Moll-Septime im Allgemeinen häufiger vorkommen als andere Septimen (trotz der Dissonanz des Tritonusintervalls) in der Mainstream-Tonmusik .

In Orgelregistern werden bestimmte harmonische Intervallkombinationen und Akkorde durch eine einzige Taste aktiviert. Die erzeugten Klänge verschmelzen zu einem Ton mit neuem Timbre. Dieser tonale Fusionseffekt wird auch in Synthesizern und Orchesterarrangements verwendet; zum Beispiel ähneln in Ravels Bolero #5 die parallelen Stimmen von Flöte, Horn und Celesta dem Klang einer elektrischen Orgel.

Rauheit

Wenn benachbarte Harmonische in komplexen Tönen miteinander interferieren, erzeugen sie die Wahrnehmung von sogenannten "Schwebungen" oder "Rauheiten". Diese Vorschriften stehen in engem Zusammenhang mit der wahrgenommenen Dissonanz von Akkorden. Um zu stören, müssen Teiltöne innerhalb einer kritischen Bandbreite liegen, die ein Maß für die Fähigkeit des Ohrs ist, verschiedene Frequenzen zu trennen. Die kritische Bandbreite liegt zwischen 2 und 3 Halbtönen bei hohen Frequenzen und wird bei niedrigeren Frequenzen größer. Das gröbste Intervall in der chromatischen Tonleiter ist die kleine Sekunde und ihre Umkehrung die große Septime. Bei typischen spektralen Hüllkurven im Mittelbereich ist das zweitrauhste Intervall die große Sekunde und die kleine Septime, gefolgt vom Tritonus, der kleinen Terz ( große Sexte ), der großen Terz ( kleine Sexte ) und der perfekten Quarte (Finfte).

Vertrautheit

Vertrautheit trägt auch zur wahrgenommenen Harmonie eines Intervalls bei. Akkorde, die oft in musikalischen Kontexten gehört wurden, klingen tendenziell konsonanter. Dieses Prinzip erklärt die allmähliche historische Zunahme der harmonischen Komplexität westlicher Musik. So wurden etwa 1600 unvorbereitete Septakkord allmählich vertraut und wurden daher nach und nach als konsonanter wahrgenommen.

Auch individuelle Merkmale wie Alter und musikalische Erfahrung wirken sich auf die Harmoniewahrnehmung aus.

Neuronale Korrelate der Harmonie

Der Colliculus inferior ist eine Struktur des Mittelhirns, die der erste Ort der binauralen auditiven Integration ist und auditive Informationen vom linken und rechten Ohr verarbeitet. Frequenz folgenden Reaktionen (FFR) aus den aufgezeichneten Mittelhirn zeigen Peaks in der Aktivität , die mit den Frequenzkomponenten eines tonalen Reiz entsprechen. Das Ausmaß, in dem FFRs die harmonischen Informationen eines Akkords genau darstellen, wird als neuronale Salienz bezeichnet, und dieser Wert korreliert mit Verhaltensbewertungen der wahrgenommenen Annehmlichkeit von Akkorden.

Als Reaktion auf harmonische Intervalle unterscheidet die kortikale Aktivität Akkorde auch durch ihre Konsonanz und reagiert robuster auf Akkorde mit größerer Konsonanz.

Konsonanz und Dissonanz im Gleichgewicht

Die Erzeugung und Zerstörung harmonischer und „statistischer“ Spannungen ist wesentlich für die Aufrechterhaltung des kompositorischen Dramas. Jede Komposition (oder Improvisation), die durchgehend konsistent und "regelmäßig" bleibt, ist für mich gleichbedeutend damit, einen Film mit nur "guten Jungs" zu sehen oder Hüttenkäse zu essen.

—  Frank Zappa , The Real Frank Zappa Book , Seite 181, Frank Zappa und Peter Occhiogrosso, 1990

Siehe auch

Verweise

Fußnoten

Zitate

  • Dahlhaus, Carl. Gjerdingen, Robert O. trans. (1990). Studien über den Ursprung der harmonischen Tonalität , p. 141. Princeton University Press. ISBN  0-691-09135-8 .
  • van der Merwe, Peter (1989). Ursprünge des populären Stils: Die Vorläufer der populären Musik des 20. Jahrhunderts . Oxford: Clarendon Press. ISBN  0-19-316121-4 .
  • Nettles, Barrie & Graf, Richard (1997). Die Akkordskalentheorie und Jazzharmonie . Advance Music, ISBN  3-89221-056-X

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Externe Links