Geschichte der Animation - History of animation

Die Geschichte der Animation begann lange vor der Entwicklung der Kinematographie . Der Mensch hat wahrscheinlich schon in der Altsteinzeit versucht, Bewegung darzustellen . Viel später boten Schattenspiele und die magische Laterne (seit ca. 1659) beliebte Shows mit projizierten Bildern auf einer Leinwand, die sich durch Manipulation von Hand und / oder kleinere Mechanik bewegten. Im Jahr 1833 führte die Stroboskopscheibe (besser bekannt als Phenakistiscope ) die stroboskopischen Prinzipien der modernen Animation ein, die Jahrzehnte später auch die Grundlage für die Kinematographie bilden sollte. Zwischen 1895 und 1920, während des Aufstiegs der Filmindustrie, wurden verschiedene Animationstechniken entwickelt, darunter Stop-Motion mit Objekten, Puppen, Ton oder Ausschnitten und gezeichnete oder gemalte Animation. Handgezeichnete Animationen, meist auf Cels gemalte Animationen , waren während des größten Teils des 20. Jahrhunderts die vorherrschende Technik und wurden als traditionelle Animation bekannt .

Um die Jahrtausendwende wurde die Computeranimation in den meisten Regionen zur dominierenden Animationstechnik (während japanischer Anime und europäische handgezeichnete Produktionen weiterhin sehr beliebt sind). Computeranimation wird meist mit einer dreidimensionalen Erscheinung mit detaillierter Schattierung in Verbindung gebracht, obwohl viele verschiedene Animationsstile mit Computern erzeugt oder simuliert wurden. Einige Produktionen können als Flash-Animation erkannt werden , aber in der Praxis werden Computeranimationen mit einem relativ zweidimensionalen Erscheinungsbild, starken Umrissen und wenig Schattierungen im Allgemeinen als "traditionelle Animation" angesehen. Der erste auf Computern ohne Kamera gedrehte Spielfilm ist beispielsweise The Rescuers Down Under (1990), aber sein Stil ist kaum von Cel- Animationen zu unterscheiden .

Dieser Artikel beschreibt die Geschichte der Animation, die unabhängig von der zugrunde liegenden Technik wie gezeichnete oder gemalte Animationen aussieht.

Frühe Ansätze zur Bewegung in der Kunst

Es gibt mehrere Beispiele für frühe sequentielle Bilder, die Serien von Animationszeichnungen ähneln können. Die meisten dieser Beispiele würden nur eine extrem niedrige Bildrate erlauben , wenn sie animiert sind, was zu kurzen und groben Animationen führt, die nicht sehr lebensecht sind. Es ist jedoch sehr unwahrscheinlich, dass diese Bilder irgendwie als Animation betrachtet werden sollten. Es ist möglich, sich Technologien vorzustellen, die in der Zeit ihrer Entstehung verwendet worden sein könnten, aber es wurden keine schlüssigen Beweise in Artefakten oder Beschreibungen gefunden. Es wird manchmal argumentiert, dass diese frühen sequentiellen Bilder von Köpfen, die an Film, Comics und andere moderne sequentielle Bilder gewöhnt sind, zu leicht als "Vorkino" interpretiert werden, während es ungewiss ist, dass die Schöpfer dieser Bilder sich etwas Ähnliches vorgestellt haben. Eine flüssige Animation erfordert eine ordentliche Zerlegung einer Bewegung in die einzelnen Bilder von sehr kurzen Instanzen, die vor der Neuzeit kaum vorstellbar waren. Mit Instrumenten, die in den 1850er Jahren entwickelt wurden, wurden Messinstanzen, die kürzer als eine Sekunde waren, möglich.

Frühe Beispiele für Versuche, das Phänomen der Bewegung in einer Standzeichnung festzuhalten , finden sich in paläolithischen Höhlenmalereien , in denen Tiere manchmal mit mehreren Beinen in übereinanderliegenden Positionen oder in Serien dargestellt werden, die als ein Tier in verschiedenen Positionen interpretiert werden können. Es wurde behauptet, dass diese überlagerten Figuren für eine Form der Animation gedacht waren, bei der das flackernde Licht der Flammen eines Feuers oder einer vorbeiziehenden Fackel abwechselnd verschiedene Teile der bemalten Felswand beleuchtete und verschiedene Teile der Bewegung enthüllte.

Archäologische Funde von kleinen paläolithischen Scheiben mit einem Loch in der Mitte und Zeichnungen auf beiden Seiten sollen eine Art prähistorischer Thaumatrope sein , die sich bewegen, wenn sie an einer Schnur gedreht werden.

Um eine 5.200 Jahre alte Keramikschale, die in Shahr-e Sukhteh im Iran entdeckt wurde, sind fünf aufeinanderfolgende Bilder gemalt, die Phasen einer Ziege zu zeigen scheinen, die aufspringt, um an einem Baum zu knabbern.

Ein etwa 4000 Jahre altes ägyptisches Wandgemälde , das im Grab von Khnumhotep auf dem Friedhof von Beni Hassan gefunden wurde , zeigt eine sehr lange Reihe von Bildern, die anscheinend den Ablauf eines Ringkampfs darstellen .

Der Parthenonfries (ca. 400 v. Chr.) wurde beschrieben als Darstellung von Bewegungsanalysen und Bewegungsphasen, rhythmisch und melodisch strukturiert mit Kontrapunkten wie eine Symphonie. Es wurde behauptet, dass Teile tatsächlich eine zusammenhängende Animation bilden, wenn die Figuren Bild für Bild aufgenommen werden. Obwohl die Struktur einem einzigartigen Zeit-Raum-Kontinuum folgt, hat sie narrative Strategien.

Der römische Dichter und Philosoph Lucretius (ca. 99 v. Chr. – ca. 55 v. Chr.) schrieb in seinem Gedicht De rerum natura einige Zeilen, die den Grundprinzipien der Animation nahe kommen: „... dann an anderer Stelle erzeugt, scheint erstere seine Pose verändert zu haben, was natürlich sehr schnell vonstatten gehen muss: so groß ist ihre Geschwindigkeit, so groß ist der Teilchenvorrat in jedem einzelnen Empfindungsmoment, um die Versorgung kommen." Dies geschah im Kontext von Traumbildern und nicht von Bildern, die von einer tatsächlichen oder eingebildeten Technologie erzeugt wurden.

Der mittelalterliche Codex Sigenot (um 1470) weist sequentielle Illuminationen mit relativ kurzen Abständen zwischen verschiedenen Handlungsphasen auf. Jede Seite hat ein Bild innerhalb eines Rahmens über dem Text, mit großer Einheitlichkeit in Größe und Position im gesamten Buch (mit einem einheitlichen Größenunterschied für die Vorder- und Rückseite jeder Seite).

Eine Seite mit Zeichnungen von Leonardo da Vinci (1452–1519) zeigt anatomische Studien mit vier verschiedenen Winkeln der Schulter-, Arm- und Nackenmuskulatur eines Mannes. Die vier Zeichnungen können als rotierende Bewegung gelesen werden.

Alte chinesische Aufzeichnungen enthalten mehrere Erwähnungen von Geräten, darunter eines des Erfinders Ding Huan , das einer Reihe von Menschen- oder Tierfiguren "einen Eindruck von Bewegung vermitteln" soll, aber diese Berichte sind unklar und beziehen sich möglicherweise nur auf die tatsächlichen Bewegung der Figuren durch den Raum.

Schon vor 1000 n. Chr. hatten die Chinesen eine rotierende Laterne, auf deren dünnen Papierseiten Silhouetten projiziert wurden, die sich scheinbar gegenseitig jagten. Dies wurde die "trottende Pferdelampe" [走馬燈] genannt, da sie typischerweise Pferde und Reiter darstellen würde. Die ausgeschnittenen Silhouetten wurden im Inneren der Laterne an einer Welle befestigt, auf der sich ein Flügelrad aus Papier befindet, das durch erhitzte Luft, die aus einer Lampe aufsteigt, gedreht wird. Einige Versionen fügten zusätzliche Bewegung mit gegliederten Köpfen, Füßen oder Händen von Figuren hinzu, die durch einen quer verbundenen Eisendraht ausgelöst wurden.

Volvelles haben bewegliche Teile, aber diese und andere Papiermaterialien, die in Bewegung gebracht werden können, werden normalerweise nicht als Animation angesehen.

Schattenspiel

Schattenspiel hat viel mit Animation gemeinsam: Menschen sehen sich als beliebte Unterhaltungsform bewegte Figuren auf einem Bildschirm an, meist eine Geschichte mit Dialogen, Klängen und Musik. Die Figuren könnten sehr detailliert und sehr artikuliert sein.

Die früheste Projektion von Bildern wurde höchstwahrscheinlich in der primitiven Schattengrafie durchgeführt, die bis in die Vorgeschichte zurückreicht. Es entwickelte sich zu raffinierteren Formen des Schattenpuppenspiels, meist mit flach gegliederten, ausgeschnittenen Figuren, die zwischen einer Lichtquelle und einem durchscheinenden Bildschirm gehalten werden. Die Formen der Puppen enthalten manchmal durchscheinende Farben oder andere Arten von Details. Die Geschichte des Schattenpuppenspiels ist ungewiss, scheint aber in Asien, möglicherweise im 1. Jahrtausend v. Chr., entstanden zu sein. Klarere Aufzeichnungen scheinen auf etwa 900 n. Chr. zurückzugehen. Es breitete sich später auf das Osmanische Reich aus und scheint Europa erst im 17. Jahrhundert erreicht zu haben. In Frankreich wurde es Ende des 18. Jahrhunderts populär. François Dominique Séraphin begann 1771 mit seinen aufwendigen Schattenshows und führte sie bis zu seinem Tod im Jahr 1800 auf. Seine Erben machten weiter, bis ihr Theater 1870 geschlossen wurde. Séraphin verwendete manchmal Uhrwerkmechanismen , um die Show zu automatisieren.

Um die Zeit, in der die Kinematographie entwickelt wurde, zeigten mehrere Theater in Montmartre aufwendige, erfolgreiche "Ombres Chinoises"-Shows. Das berühmte Le Chat Noir produzierte zwischen 1885 und 1896 45 verschiedene Shows.

Die magische Laterne

Bewegte Bilder wurden möglicherweise seit ihrer Erfindung durch Christiaan Huygens im Jahr 1659 mit der Laterna Magical projiziert . Seine Skizzen für Magic Laternenfolien wurden in dieses Jahr datiert und sind das älteste bekannte Dokument über die Laterna Magical. Eine eingekreiste Skizze zeigt den Tod, der seinen Arm von den Zehen zum Kopf hebt, eine andere zeigt, wie er seinen rechten Arm vom Ellbogen auf und ab bewegt und noch eine andere, die seinen Schädel vom Hals nimmt und zurücklegt. Gepunktete Linien zeigen die beabsichtigten Bewegungen an.

Techniken, um bemalten Glasobjektträgern für die magische Laterne Bewegung zu verleihen, wurden seit ca. 1700 beschrieben. Dabei handelte es sich normalerweise um Teile (z Rest des Bildes. Beliebte Motive für mechanische Dias waren die Segel einer sich drehenden Windmühle, ein Figurenumzug, ein trinkender Mann, der sein Glas zum Mund senkt und hebt, ein Kopf mit beweglichen Augen, eine sehr lange Nase, Ratten, die in den Mund eines Schlafenden springen Mann. Ein komplexeres Dia aus dem 19. Jahrhundert zeigte die damals bekannten acht Planeten und ihre Satelliten, die um die Sonne kreisten. Zwei Schichten gemalter Wellen auf Glas könnten die überzeugende Illusion einer ruhigen See erzeugen, die sich in eine stürmische See verwandelt, die einige Boote herumwirbelt, indem sie die Geschwindigkeit der Manipulation der verschiedenen Teile erhöhen.

1770 beschrieb Edmé-Gilles Guyot, wie man ein magisches Laternenbild auf Rauch projiziert, um ein transparentes, schimmerndes Bild eines schwebenden Geistes zu erzeugen. Diese Technik wurde in den Phantasmagoria- Shows verwendet, die zwischen 1790 und den 1830er Jahren in mehreren Teilen Europas populär wurden. Andere Techniken wurden entwickelt, um überzeugende Geistererlebnisse zu erzeugen. Die Laterne wurde in der Hand gehalten, um die Projektion über den Bildschirm zu bewegen (der normalerweise ein fast unsichtbarer transparenter Bildschirm war, hinter dem der Laternenmann im Dunkeln versteckt operierte). Ein Geist könnte sich dem Publikum nähern oder größer werden, indem er die Laterne vom Bildschirm wegbewegt, manchmal mit der Laterne auf einem Wagen auf Schienen. Mehrere Laternen ließen Geister sich unabhängig voneinander bewegen und wurden gelegentlich zur Überlagerung bei der Komposition komplizierter Szenen verwendet.

Auflösende Ansichten wurden zu einer beliebten Zauberlaternenshow, insbesondere in England in den 1830er und 1840er Jahren. Diese hatten typischerweise eine Landschaft, die von einer Winterversion zu einer Frühlings- oder Sommervariante wechselte, indem das Licht einer Version langsam verringert wurde, während die ausgerichtete Projektion des anderen Dias eingeführt wurde. Eine andere Verwendung zeigte die allmähliche Umwandlung von beispielsweise Hainen in Kathedralen.

Zwischen den 1840er und 1870er Jahren wurden mehrere abstrakte magische Laterneneffekte entwickelt. Dazu gehörte das Chromotrop, das schillernde bunte geometrische Muster projizierte, indem es zwei bemalte Glasscheiben in entgegengesetzte Richtungen drehte.

Gelegentlich wurden kleine Schattenpuppen in Phantasmagoria-Shows verwendet. Magische Laternenrutschen mit gegliederten Figuren, die durch Hebel, dünne Stangen oder Nocken und Schneckenräder in Bewegung gesetzt wurden, wurden ebenfalls kommerziell hergestellt und 1891 patentiert stolpern mit baumelnden Füßen. Fantoccini-Rutschen sind nach dem italienischen Wort für Puppen wie Marionetten oder Hampelmänner benannt.

Animation vor dem Film

Zahlreiche Geräte, die erfolgreich animierte Bilder anzeigen, wurden lange vor dem Aufkommen des Zelluloidfilms und des Kinofilms im Jahr 1888 eingeführt . Diese Geräte wurden verwendet, um Menschen zu unterhalten, zu verblüffen und manchmal sogar zu erschrecken. Die meisten dieser Geräte projizierten ihre Bilder nicht und konnten nur von einer oder wenigen Personen gleichzeitig betrachtet werden. Sie galten damals weitgehend als optisches Spielzeug . Viele dieser Geräte werden immer noch von und für Filmstudenten gebaut, die die Grundprinzipien der Animation erlernen.

Auftakt

Ein Artikel im Quarterly Journal of Science, Literature, and The Arts (1821) weckte das Interesse an optischen Täuschungen gekrümmter Speichen in rotierenden Rädern, die durch vertikale Öffnungen gesehen werden. 1824 lieferte Peter Mark Roget mathematische Details über die auftretenden Krümmungen und fügte die Beobachtung hinzu, dass die Speichen bewegungslos erschienen. Roget behauptete, dass die Illusion auf die Tatsache zurückzuführen sei, "dass ein Eindruck, den ein Strahlenbündel auf der Netzhaut gemacht hat, wenn er ausreichend lebhaft ist, für eine gewisse Zeit bleibt, nachdem die Ursache aufgehört hat". Dies wurde später als Grundlage für die Theorie der "Persistenz des Sehens" angesehen, als das Prinzip, wie wir Film als Bewegung sehen und nicht als den sukzessiven Strom von Standbildern, der dem Auge tatsächlich präsentiert wird. Diese Theorie wurde seit 1912 als (alleiniges) Prinzip der Wirkung verworfen, bleibt aber in vielen filmhistorischen Erklärungen erhalten. Rogets Experimente und Erklärungen inspirierten jedoch weitere Forschungen von Michael Faraday und Joseph Plateau, die schließlich zur Erfindung der Animation führten.

Thaumatrop (1825)

Im April 1825 wurde der erste Thaumatrop von W. Phillips (in anonymer Zusammenarbeit mit John Ayrton Paris ) veröffentlicht und wurde zu einem beliebten Spielzeug. Die Bilder auf beiden Seiten einer kleinen Pappscheibe scheinen zu einem kombinierten Bild zu verschmelzen, wenn es von den angebrachten Schnüren schnell gewirbelt wird. Dies wird oft zur Veranschaulichung dessen verwendet, was oft als " Persistenz des Sehens " bezeichnet wurde, vermutlich in Bezug auf den Effekt, bei dem der Eindruck eines einzelnen Bildes bestehen bleibt, obwohl in Wirklichkeit zwei verschiedene Bilder mit Unterbrechungen präsentiert werden. Es ist unklar, inwieweit sich der Effekt auf positive Nachbilder bezieht . Obwohl ein Thaumatrop auch für zweiphasige Animationen verwendet werden kann, sind keine Beispiele mit diesem Effekt bekannt, bis lange nachdem das Phénakisticope das Prinzip der Animation etabliert hatte.

Phénakisticope (1833)

Das Phénakisticope (besser bekannt unter der falschen Schreibweise phenakistiscope oder phenakistoscope) war das erste Animationsgerät, das eine schnelle sukzessive Ersetzung aufeinanderfolgender Bilder verwendet. Die Bilder sind gleichmäßig radial um eine Scheibe verteilt, mit kleinen rechteckigen Öffnungen am Rand der Scheibe. Die Animation konnte durch die Schlitze der sich drehenden Scheibe vor einem Spiegel betrachtet werden. Es wurde im November oder Dezember 1832 vom Belgier Joseph Plateau und fast zeitgleich vom Österreicher Simon von Stampfer erfunden . Plateau veröffentlichte erstmals im Januar 1833 über seine Erfindung. Die Veröffentlichung enthielt eine Illustrationsplatte eines Fantaskops mit 16 Rahmen, die einen Pirouettentänzer darstellen.

Das Phénakisticope war als Neuheitsspielzeug erfolgreich und innerhalb eines Jahres wurden europaweit viele Stroboskopscheiben-Sets mit fast ebenso vielen verschiedenen Namen für das Gerät veröffentlicht - darunter Fantascope (Plateau), The Stroboscope (Stampfer) und Phénakisticope (Pariser Verlag Giroux & Cie).

Zoetrop (1833/1866)

Im Juli 1833 beschrieb Simon Stampfer in einer Begleitbroschüre zur zweiten Auflage seiner Version des Phénakisticope die Möglichkeit, das Stroboskop-Prinzip in einem Zylinder (sowie auf Schleifenstreifen) zu verwenden. Der britische Mathematiker William George Horner schlug im Januar 1834 eine zylindrische Variation von Plateaus Phénakisticope vor . Horner plante, dieses Dædaleum mit dem Optiker King Jr. in Bristol zu veröffentlichen, aber es stieß "wahrscheinlich auf einige Hindernisse beim Skizzieren der Figuren".

1865 erfand William Ensign Lincoln den definitiven Zoetrop mit leicht austauschbaren Bildstreifen. Es hatte auch eine illustrierte Papierscheibe auf der Basis, die bei den kommerziell hergestellten Versionen nicht immer verwendet wurde. Lincoln lizenzierte seine Erfindung an Milton Bradley and Co., die sie am 15. Dezember 1866 erstmals bewarben.

Daumenkino (Kineograph) (1868)

John Barnes Linnett patentierte das erste Flip - Buch im Jahr 1868 als kineograph . Ein Daumenkino ist ein kleines Buch mit relativ federnden Seiten, von denen jedes eines in einer Reihe von Animationsbildern in der Nähe seines ungebundenen Randes enthält. Der Benutzer biegt alle Seiten nach hinten, normalerweise mit dem Daumen, und lässt sie dann durch eine allmähliche Bewegung der Hand einzeln frei werden. Wie beim Phenakistoskop, Zoetrop und Praxinoskop wird die Illusion von Bewegung durch das scheinbar plötzliche Ersetzen jedes Bildes durch das nächste in der Serie erzeugt, aber im Gegensatz zu diesen anderen Erfindungen ist kein blickunterbrechender Verschluss oder eine Montage von Spiegeln erforderlich und keine Betrachtung erforderlich ein anderes Gerät als die Hand des Benutzers ist unbedingt erforderlich. Frühere Filmanimatoren nannten Daumenkinos häufiger als ihre Inspiration als die früheren Geräte, die ein nicht so breites Publikum erreichten.

Die älteren Geräte schränken naturgemäß die Anzahl der Bilder, die in eine Sequenz aufgenommen werden können, stark ein, ohne das Gerät sehr groß oder die Bilder unpraktisch klein zu machen. Das Buchformat setzt immer noch eine physische Grenze, aber viele Dutzend Bilder von ausreichender Größe können problemlos untergebracht werden. Mit dem 1894 patentierten und manchmal noch in Spielhallen zu findenden Mutoskop haben die Erfinder sogar diese Grenze überschritten . Es besteht aus einem großen, kreisförmig gebundenen Daumenkino in einem Gehäuse mit einem Betrachtungsobjektiv und einer Kurbel, die einen Mechanismus antreibt, der die Bildanordnung langsam an einem Verschluss vorbeidreht, der so dimensioniert ist, dass er der Laufzeit einer ganzen Filmrolle entspricht.

Praxinoskop (1877)

Der französische Erfinder Charles-Émile Reynaud hat das Praxinoskop 1876 ​​entwickelt und 1877 patentiert. Es ähnelt dem Zoetrop, hat jedoch anstelle der Schlitze im Zylinder zwölf rechteckige Spiegel, die gleichmäßig um die Mitte des Zylinders angeordnet sind. Jeder Spiegel reflektiert ein anderes Bild des gegenüberliegenden Bildstreifens an der Innenwand des Zylinders. Beim Drehen zeigt das Praxinoskop die aufeinanderfolgenden Bilder nacheinander an, was zu einer flüssigen Animation führt. Das Praxinoskop ermöglichte im Vergleich zum Zoetrop eine viel klarere Sicht auf das bewegte Bild, da die Bilder des Zoetrops tatsächlich größtenteils durch die Zwischenräume zwischen seinen Schlitzen verdeckt waren. Im Jahr 1879 meldete Reynaud eine Modifikation des Praxinoscope-Patents an, um das Praxinoscope Théâtre einzubeziehen , das den Geistereffekt von Pepper nutzte , um die animierten Figuren in einem austauschbaren Hintergrund zu präsentieren. Spätere Verbesserungen beinhalteten das "Praxinoscope à Projection" (vermarktet seit 1882), das eine doppelte magische Laterne verwendet, um die animierten Figuren über eine Standprojektion eines Hintergrunds zu projizieren.

Zoopraxiskop (1879)

Eadweard Muybridge ließ etwa 70 seiner berühmten chronofotografischen Sequenzen für den Zoopraxiscope- Projektor, den er zwischen 1880 und 1895 in seinen populären Vorträgen verwendete, auf Glasscheiben malen. In den 1880er Jahren wurden die Bilder in dunklen Konturen auf das Glas gemalt. Spätere Scheiben, die zwischen 1892 und 1894 hergestellt wurden, hatten von Erwin F. Faber gezeichnete Umrisse, die fotografisch auf die Scheibe gedruckt und dann von Hand koloriert wurden, aber diese wurden wahrscheinlich nie in den Vorlesungen verwendet. Die gemalten Figuren wurden weitgehend von den Fotografien übernommen, aber es wurden viele fantasievolle Kombinationen vorgenommen und manchmal imaginäre Elemente hinzugefügt.

1888-1908: Früheste Animationen im Film

Théâtre Optique

Charles-Émile Reynaud entwickelte sein im Dezember 1888 patentiertes Projektionspraxinoskop zum Théâtre Optique mit transparenten handgemalten bunten Bildern in einem langen Lochstreifen zwischen zwei Spulen, patentiert im Dezember 1888. Von 28. Oktober 1892 bis März 1900 gab Reynaud insgesamt über 12.800 Vorstellungen von über 500.000 Besuchern im Musée Grévin in Paris. Seine Animationsfilmserie Pantomimes Lumineuses enthielt jeweils 300 bis 700 Bilder, die hin und her manipuliert wurden, um 10 bis 15 Minuten pro Film zu dauern. Eine Hintergrundszene wurde separat projiziert. Klaviermusik, Lieder und einige Dialoge wurden live gespielt, während einige Soundeffekte mit einem Elektromagneten synchronisiert wurden. Das erste Programm umfasste drei Cartoons: Pauvre Pierrot (entstanden 1892), Un bon bock (erstellt 1892, heute verschollen) und Le Clown et ses chiens (entstanden 1892, heute verschollen). Später waren die Titel Autour d'une Cabine (geschaffen 1894) und A rêve au coin du feu Teil der Aufführungen.

Standard-Bildfilm

Trotz des Erfolgs von Reynauds Filmen dauerte es einige Zeit, bis Animationen in der Filmindustrie adaptiert wurden, die nach der Einführung von Lumieres Cinematograph im Jahr 1895 entstanden. Georges Méliès ' frühe Fantasy- und Trickfilme (veröffentlicht zwischen 1896 und 1913) kamen gelegentlich nahe an Darunter Animationen mit Stop-Trick- Effekten, bemalte Requisiten oder bemalte Kreaturen, die vor bemalten Hintergründen bewegt wurden (meist mit Drähten), und Filmkolorierung von Hand. Méliès machte auch den Stop-Trick populär , mit einer einzigen Änderung der Szene zwischen den Einstellungen, der bereits 1895 in Edisons The Execution of Mary Stuart verwendet wurde und wahrscheinlich einige Jahre später zur Entwicklung der Stop-Motion-Animation führte. Es scheint bis 1906 gedauert zu haben, bevor richtige Animationsfilme in den Kinos erschienen. Die Datierung früherer Filme mit Animation ist umstritten, während andere Filme, die möglicherweise Stop-Motion oder andere Animationstechniken verwendet haben, verloren gehen und nicht überprüft werden können.

Gedruckter Animationsfilm

1897 hatte der deutsche Spielzeughersteller Gebrüder Bing einen ersten Prototyp seines Kinematographen. Im November 1898 präsentierten sie diesen Spielzeugfilmprojektor, möglicherweise den ersten seiner Art, auf einem Spielzeugfest in Leipzig. Bald verkauften andere Spielzeughersteller, darunter Ernst Plank und Georges Carette, ähnliche Geräte. Etwa zur gleichen Zeit brachte die französische Firma Lapierre einen ähnlichen Projektor auf den Markt. Die Spielzeugkinematographen waren angepasste Spielzeugzauberlaternen mit einer oder zwei kleinen Spulen, die standardmäßigen 35-mm-Film mit "Edison-Perforation" verwendeten. Diese Projektoren waren für die gleiche Art von "Home-Entertainment"-Spielzeugmarkt gedacht, die die meisten dieser Hersteller bereits mit Praxinoskopen und magischen Spielzeuglaternen versorgten. Abgesehen von relativ teuren Realfilmen produzierten die Hersteller viele billigere Filme durch den Druck von lithographierten Zeichnungen. Diese Animationen wurden vermutlich um 1898 oder 1899 in Schwarz-Weiß erstellt, spätestens jedoch um 1902 in Farbe. Die Bilder wurden oft aus Live-Action-Filmen nachgezeichnet (ähnlich wie die spätere Rotoskopie- Technik). Diese sehr kurzen Filme zeigten eine einfache sich wiederholende Handlung und wurden erstellt, um als Loop projiziert zu werden - endloses Spielen mit den zusammengesetzten Filmenden. Das lithographische Verfahren und das Loop-Format folgen der Tradition, die von Zoetrop und Praxinoskop gesetzt wurde.

Katsudō Shashin , von einem unbekannten Schöpfer, wurde 2005 entdeckt und spekuliert wird das älteste Werk zu Animation in Japan , mit Natsuki Matsumoto, einem Experten in Ikonographie an der Osaka University of Arts und Animation Historiker Nobuyuki Tsugata Bestimmung des Film war höchstwahrscheinlich zwischen 1907 und 1911 gedreht. Der Film besteht aus einer Serie von Zeichentrickbildern auf fünfzig Bildern eines Zelluloidstreifens und dauert drei Sekunden bei sechzehn Bildern pro Sekunde . Es zeigt einen Jungen im Matrosenanzug, der die Kanji- Zeichen „活動写真“ ( katsudō shashin oder „bewegtes Bild“)schreibt, sich dann dem Betrachter zuwendet, seinen Hut abnimmt und einen Gruß anbietet. Es gibt Hinweise darauf, dass es in Massenproduktion hergestellt wurde, um an wohlhabende Besitzer von Heimprojektoren verkauft zu werden. Für Matsumoto deuten die relativ schlechte Qualität und die Low-Tech-Drucktechnik darauf hin, dass es wahrscheinlich von einer kleineren Filmfirma stammt.

J. Stuart Blackton

J. Stuart Blackton war ein britisch-amerikanischer Filmemacher, Mitbegründer der Vitagraph Studios und einer der ersten, der Animationen in seinen Filmen einsetzte. Sein The Enchanted Drawing (1900) kann als der erste auf Standardbildfilm aufgenommene Kinofilm mit animierten Elementen angesehen werden, obwohl es sich hierbei nur um wenige Frames von Änderungen in Zeichnungen handelt. Es zeigt Blackton, wie er "Blitzskizzen" von einem Gesicht, Zigarren, einer Flasche Wein und einem Glas macht. Das Gesicht ändert seinen Ausdruck, wenn Blackton Wein in den Mund gießt und Blackton seine Zigarre nimmt. Die in diesem Film verwendete Technik war im Grunde der Stop-Trick: Die einzige Änderung der Szenen bestand darin, eine Zeichnung durch eine ähnliche Zeichnung mit einem anderen Gesichtsausdruck zu ersetzen. In einigen Szenen wurden eine gezeichnete Flasche und ein Glas durch echte Gegenstände ersetzt. Blackton hatte möglicherweise dieselbe Technik in einem verschollenen Blitzskizzenfilm von 1896 verwendet.

Blacktons Film Humorous Phases of Funny Faces aus dem Jahr 1906 wird oft als die älteste bekannte gezeichnete Animation des Standardfilms angesehen. Es enthält eine Sequenz aus Tafelzeichnungen, die zwischen den Frames geändert werden, um zwei Gesichter mit wechselnden Ausdrücken und etwas aufsteigendem Zigarrenrauch zu zeigen, sowie zwei Sequenzen, die eine Ausschnittanimation mit einem ähnlichen Aussehen für flüssigere Bewegungen aufweisen.

Blacktons Verwendung von Stop-Motion in The Haunted Hotel (1907) war sehr einflussreich.

mile Cohl

Der französische Künstler Émile Cohl schuf den ersten Animationsfilm mit sogenannten traditionellen Animationsmethoden: die Fantasmagorie von 1908 . Der Film bestand hauptsächlich aus einem Strichmännchen, das sich umher bewegte und auf alle Arten von sich verwandelnden Objekten traf, wie zum Beispiel eine Weinflasche, die sich in eine Blume verwandelt. Es gab auch Abschnitte mit Live-Action, in denen die Hände des Animators die Szene betraten. Der Film wurde erstellt, indem jedes Bild auf Papier gezeichnet und dann jedes Bild auf Negativfilm geschossen wurde , was dem Bild einen Tafel-Look verlieh. Später ging Cohl 1912 nach Fort Lee, New Jersey in der Nähe von New York City, wo er für das französische Studio Éclair arbeitete und dessen Animationstechnik in den USA verbreitete.

1910er: Vom Originalkünstler zum Fließband-Produktionsstudio

Winsor McCay

Beginnend mit einem kurzen Film von 1911 über seine beliebteste Figur Little Nemo gab der erfolgreiche Zeitungs-Karikaturist Winsor McCay seinen handgezeichneten Animationen viel mehr Details als jede Animation, die zuvor in Kinos zu sehen war. Sein Film Gertie the Dinosaur von 1914 zeigte ein frühes Beispiel für die Charakterentwicklung in gezeichneter Animation. Es war auch der erste Film, der Live-Action-Aufnahmen mit Animationen kombinierte. Ursprünglich verwendete McCay den Film in seinem Varieté-Act: Er stand neben der Leinwand und sprach mit Gertie, die mit einer Reihe von Gesten reagierte. Am Ende des Films ging McCay hinter die Projektionsfläche und wurde nahtlos durch ein aufgezeichnetes Bild von sich selbst ersetzt, das die Leinwand betrat, auf den Rücken des Cartoon-Dinosauriers stieg und aus dem Bild ritt. McCay hat fast jede der Tausenden von Zeichnungen für seine Filme persönlich von Hand gezeichnet. Andere bemerkenswerte Titel von McCay sind How a Mosquito Operates (1912) und The Sinking of the Lusitania (1918).

Cartoon Film Company – Buxton und Dyer

Zwischen 1915 und 1916 produzierten Dudley Buxton und Anson Dyer während des Ersten Weltkriegs eine Reihe von 26 aktuellen Cartoons, die hauptsächlich ausgeschnittene Animationen verwendeten, die als animiertes Skizzenbuch von John Brown veröffentlicht wurden Lusitania, Nr.4 (Juni 1915)

Barré-Studio

In den 1910er Jahren wurden größere Animationsstudios zur industriellen Norm und Künstler wie McCay verschwanden aus der Öffentlichkeit.

Um 1913 entwickelte Raoul Barré das Stiftsystem, das das Ausrichten von Zeichnungen erleichterte, indem er zwei Löcher unter jeder Zeichnung perforierte und sie auf zwei feste Stifte setzte. Er verwendete auch eine "Slash-and-Tear"-Technik, um nicht für jedes Bild den kompletten Hintergrund oder andere bewegungslose Teile zeichnen zu müssen. Die Teile, an denen für den nächsten Rahmen etwas geändert werden musste, wurden sorgfältig aus der Zeichnung herausgeschnitten und mit der erforderlichen Änderung auf dem untenstehenden Blatt ausgefüllt. Nachdem Barré seine Animationskarriere bei den Edison Studios begonnen hatte , gründete er 1914 (zunächst zusammen mit Bill Nolan ) eines der ersten Filmstudios, das sich der Animation widmete . Barré Studio hatte Erfolg mit der Produktion der Adaption des beliebten Comics Mutt und Jeff (1916-1926). Das Studio beschäftigte mehrere Animatoren, die bemerkenswerte Karrieren im Animationsbereich hatten, darunter Frank Moser , Gregory La Cava , Vernon Stallings , Tom Norton und Pat Sullivan .

Bray Productions

1914 eröffnete John Bray die John Bray Studios , die die Art und Weise revolutionierten, wie Animationen erstellt wurden. Earl Hurd , einer von Brays Mitarbeitern, patentierte die Cel- Technik. Dabei wurden bewegte Objekte auf transparenten Zelluloidplatten animiert. Animatoren fotografierten die Blätter über einem stehenden Hintergrundbild, um die Bildfolge zu generieren. Dies sowie Brays innovative Anwendung der Fließbandmethode ermöglichten es den John Bray Studios, Colonel Heeza Liar , die erste Zeichentrickserie, zu erstellen . Viele aufstrebende Karikaturisten begannen ihre Karriere bei Bray, darunter Paul Terry (später von Heckle und Jeckle ), Max Fleischer (später von Betty Boop und Popeye ) und Walter Lantz (später von Woody Woodpecker ). Das Cartoon-Studio war von ca. 1914 bis 1928 in Betrieb. Einige der ersten Cartoon-Stars aus den Bray-Studios waren Farmer Alfalfa (von Paul Terry) und Bobby Bumps (von Earl Hurd).

Internationaler Filmdienst von Hearst

Der Zeitungsmagnat William Randolph Hearst gründete 1916 den International Film Service . Hearst lockte die meisten Animatoren von Barré Studio weg, Gregory La Cava wurde der Leiter des Studios. Sie produzierten in eher begrenzter Weise Adaptionen vieler Comics aus den Zeitungen von Heart's, die den Charakteren nur ein wenig Bewegung gaben, während sie hauptsächlich die Dialogballons verwendeten, um die Geschichte zu vermitteln. Die bemerkenswerteste Serie ist Krazy Kat , wahrscheinlich die erste von vielen anthropomorphen Comic-Katzenfiguren und anderen sprechenden Tieren . Bevor das Studio 1918 aufhörte, hatte es einige neue Talente eingestellt, darunter Vernon Stallings , Ben Sharpsteen , Jack King , John Foster , Grim Natwick , Burt Gillett und Isadore Klein.

Fleischer Studios

1915 meldete Max Fleischer ein Patent an (erteilt 1917) für eine Technik, die als Rotoskopie bekannt wurde : das Verfahren, bei dem Live-Action-Filmaufnahmen als Bezugspunkt verwendet werden, um einfacher realistische animierte Bewegungen zu erzeugen. Die Technik wurde oft in der Serie Out of the Inkwell (1918-1929) für John Bray Productions (und andere) verwendet. Die Serie entstand aus experimentellen rotoskopierten Bildern von Dave Fleischer als Clown, der sich zu einer Figur entwickelte, die als Koko the Clown bekannt wurde .

Felix die Katze

1919 schuf Otto Messmer von den Pat Sullivan Studios Felix the Cat . Pat Sullivan , der Studioleiter, hat Felix alle Ehre gemacht, eine gängige Praxis in den frühen Tagen der Studioanimation. Felix the Cat wurde von Paramount Studios vertrieben und zog ein großes Publikum an und wurde schließlich zu einer der bekanntesten Zeichentrickfiguren der Filmgeschichte. Felix war der erste Cartoon, der vermarktet wurde.

Quirino Cristiani: die ersten animierten Features

Die erste animierte bekannte Spielfilm war El Apóstol von Quirino Cristiani , am 9. November 1917 in veröffentlicht Argentinien . Diese erfolgreiche 70-minütige Satire nutzte eine Karton-Ausschnitt-Technik, angeblich mit 58.000 Bildern bei 14 Bildern pro Sekunde . Cristianis nächster Spielfilm Sin dejar rastros wurde 1918 veröffentlicht, erhielt jedoch keine Presseberichterstattung und wenig öffentliche Aufmerksamkeit, bevor er aus diplomatischen Gründen von der Polizei beschlagnahmt wurde. Keiner von Cristianis Spielfilmen hat überlebt.

1920er: Absoluter Film, Übergang zum Synchronton und der Aufstieg von Disney

Absoluter Film

In den frühen 1920er Jahren machte die absolute Filmbewegung mit Künstlern wie Walter Ruttmann , Hans Richter , Viking Eggeling und Oskar Fischinger kurze abstrakte Animationen, die sich als einflussreich erwiesen. Obwohl einige spätere abstrakte Animationswerke von beispielsweise Len Lye und Norman McLaren allgemein geschätzt würden, blieb das Genre weitgehend eine relativ obskure Avantgarde-Kunstform, während direkte Einflüsse oder ähnliche Ideen gelegentlich in der Mainstream-Animation auftauchten (z in Disneys Toccata und Fuge in d-Moll in Fantasia (1940) – an denen Fischinger ursprünglich mitgearbeitet hatte, bis sein Werk verschrottet wurde und die teilweise von den Werken von Lye inspiriert waren – und in The Dot and the Line (1965) von Chuck Jones).

Früher synchronisierter Sound: Song Car-Tunes und Aesop's Sound Fables

Von Mai 1924 bis September 1926 produzierten die Inkwell Studios von Dave und Max Fleischer 19 Toncartoons, Teil der Song Car-Tunes- Serie, im Phonofilm „ Sound-on-Film “-Verfahren. Die Serie führte auch den " hüpfenden Ball " über den Texten ein, um das Publikum dazu zu bringen, zur Musik mitzusingen. My Old Kentucky Home vom Juni 1926 war wahrscheinlich der erste Film, der ein wenig synchronisierte animierte Dialoge enthielt, mit einer frühen Version von Bimbo, die die Worte "Folge dem Ball und mach mit, alle" sprach. Die Bimbo-Figur wurde in Fleischers Talkartoons (1929-1932) weiterentwickelt.

Paul Terry ‚s Dinner Time , von seinen Fabeln des Äsop (1921-1936) Serie, Premiere am 1. September 1928 mit einem synchronisierten Soundtrack mit Dialog. Terry wurde vom neuen Studiobesitzer Van Beuren gedrängt, die Neuheit gegen seinen Willen hinzuzufügen. Obwohl die Serie und ihre Hauptfigur Farmer Al Falfa beliebt waren, war das Publikum von dieser ersten Episode mit Ton nicht beeindruckt.

Lotte Reiniger

Der früheste erhaltene animierte Spielfilm ist der Silhouette-animierte Die Abenteuer des Prinzen Achmed aus dem Jahr 1926 , in dem farbiger Film verwendet wurde . Regie führten die Deutsche Lotte Reiniger und ihr Mann Carl Koch . Walter Ruttmann schuf visuelle Hintergrundeffekte. Die französisch-ungarischen Kollaborateure Berthold Bartosch und/oder Reiniger schufen Tiefenschärfe, indem sie szenografische Elemente und Figuren auf mehreren Ebenen von Glasplatten mit Beleuchtung von unten und der Kamera vertikal oben platzierten. Später wurde eine ähnliche Technik zur Grundlage der Multiplane-Kamera .

Early Disney: Laugh-O-Grams, Alice, Oswald und Mickey

Zwischen 1920 und 1922 arbeiteten die Cartoonisten Walt Disney , Ub Iwerks und Fred Harman bei der Slide Company (bald umbenannt in Kansas City Film Ad Company), die ausgeschnittene Animationswerbespots produzierte. Disney und Ub studierten Muybridges Chronofotografie und das eine Buch über Animation in der örtlichen Bibliothek, und Disney experimentierte mit gezeichneten Animationstechniken in der Garage seiner Eltern. Sie konnten einige Neuerungen ins Unternehmen einbringen, doch ihr Arbeitgeber wollte nicht auf die bewährte Ausschnitttechnik verzichten. Disneys Heimexperimente führten zu einer Serie, die aktuelle lokale Themen verspottete, die er 1921 als wöchentliches Newman Laugh-O-Grams an den Besitzer der drei lokalen Newman Theatres verkaufte eine Gewinnspanne einbeziehen, aber er war froh, dass jemand für sein "Experiment" bezahlt und durch die Vorführungen lokale Bekanntheit erlangt hat. Disney schuf auch seinen ersten wiederkehrenden Charakter, Professor Whosis, der in humorvollen öffentlichen Ankündigungen für Newman auftrat.

Disney und Harman gründeten nebenbei ihr eigenes Kaycee Studio und experimentierten mit rückwärts abgespielten Filmen, aber ihre Bemühungen, mit Werbespots und Wochenschaumaterial Geld zu verdienen, waren nicht sehr erfolgreich und Harman verließ 1922. Durch eine Zeitungsanzeige "heute" Disney Rudolph Ising an im Austausch dafür, ihm die Besonderheiten der Animation beizubringen. Inspiriert von Terrys Aesops Fabeln startete Disney mit Isings Hilfe eine Reihe von etwa siebenminütigen modernisierten Märchencartoons und eine neue Reihe satirischer Aktualitäten namens Lafflets . Nach zwei märchenhaften Cartoons kündigte Disney seinen Job bei Film Ad und gründete mit Hilfe von Investoren Laugh-O-Gram Films, Inc.. Iwerks, Freds Bruder Hugh Harman und Carman Maxwell gehörten zu den Animatoren, die 1922 fünf weitere Laugh-O-Gram- Märchen-Cartoons und den gesponserten Tommy Tucker's Tooth produzierten . Die Serie konnte kein Geld verdienen und 1923 versuchte das Studio etwas anderes mit die Live-Action "Song-O-Reel" Martha und Alice's Wonderland . Der 12-minütige Film zeigte ein Live-Action-Mädchen ( Virginia Davis ), das mit zahlreichen Zeichentrickfiguren interagierte, darunter dem von Felix inspirierten Julius the Cat (der bereits in den Laugh-O-Gram-Märchen ohne Namen aufgetreten war). Bevor Disney das Bild verkaufen konnte, ging sein Studio in Konkurs.

Disney zog nach Hollywood und konnte einen Vertrag mit der New Yorker Filmverleihin Margaret J. Winkler abschließen , die gerade die Rechte an Felix the Cat und Out of the Inkwell verloren hatte . Für die Serie Alice Comedies (1923–1927) zog Iwwerks auch nach Hollywood, später folgten Ising, Harman, Maxwell und Film Ad-Kollege Friz Freleng . Die Serie war erfolgreich genug, um 57 Episoden zu dauern, aber Disney zog es schließlich vor, eine neue vollständig animierte Serie zu erstellen.

Oswald the Lucky Rabbit folgte 1927 und wurde ein Hit, aber nach gescheiterten Verhandlungen über eine Fortsetzung im Jahr 1928 übernahm Charles Mintz die direkte Kontrolle über die Produktion und Disney verlor seinen Charakter und die meisten seiner Mitarbeiter an Mintz.

Disney und Iwerks entwickelten 1928 Mickey Mouse , um Oswald zu ersetzen. Ein erster Film mit dem Titel Plane Crazy konnte ein Testpublikum nicht beeindrucken und weckte nicht genügend Interesse potenzieller Verleiher. Nachdem einige Live-Action-Filme mit synchronisiertem Ton erfolgreich waren, legte Disney den neuen Mickey-Mouse-Cartoon The Gallopin' Gaucho auf Eis, um mit der Arbeit an einer speziellen Soundproduktion zu beginnen, die die Serie überzeugender starten sollte. Ein Großteil der Handlung im resultierenden Steamboat Willie (November 1928) beinhaltet das Erzeugen von Geräuschen, beispielsweise mit Mickey, der mit Vieh an Bord des Bootes Musik macht. Der Film wurde ein großer Erfolg und Mickey Mouse wurde bald die beliebteste Zeichentrickfigur der Geschichte.

Bosko

Bosko wurde 1927 von Hugh Harman und Rudolf Ising speziell für Tonfilme entwickelt. Sie arbeiteten zu dieser Zeit noch für Disney, aber sie verließen 1928, um etwa ein Jahr lang bei Universal an den Oswald the Lucky Rabbit- Cartoons zu arbeiten, und produzierten dann im Mai 1929 Bosko, den Talk-Ink Kid- Piloten, um für einen Händler einzukaufen . Sie unterzeichneten mit Produktionen Leon Schlesinger und begann die Looney Tunes Serie für Warner Bros. 1930 Bosko der Stern von 39 Warner Bros. Cartoons war vor Harman und Ising Bosko zu MGM nahm nach Warner Bros verlassen .. Nach zwei MGM Karikaturen, der Charakter erhielt eine dramatische Überarbeitung, die vom Publikum viel weniger geschätzt wurde. Boskos Karriere endete 1938.

1930er: Farbe, Tiefe, Cartoon-Superstars und Schneewittchen

Die lithographierten Filme für den Heimgebrauch, die in den ersten Jahrzehnten des 20. Während die Originalabzüge von Die Abenteuer des Prinzen Achmed kennzeichnete Tonung , die meisten theatralisch Animationsfilme veröffentlicht vor 1930 schlicht schwarz und weiß waren. Effektive Farbprozesse waren in Hollywood eine willkommene Neuerung und schienen besonders für Cartoons geeignet.

Zwei-Streifen-Farbe

Ein Zeichentrick-Segment im Spielfilm King of Jazz (April 1930) von Walter Lantz und Bill Nolan war die erste Animation, die in Technicolor-Zweistreifen gezeigt wurde.

Fiddlesticks , zusammen mit King of Jazz herausgebracht , war der erste Flip the Frog Film und das erste Projekt, an dem Ub Iwerks arbeitete, nachdem er Disney verlassen hatte, um sein eigenes Studio zu gründen. In England wurde der Cartoon in Harris Color, einem zweifarbigen Verfahren, veröffentlicht, wahrscheinlich als erster im Kino veröffentlichter eigenständiger Zeichentrickfilm, der sowohl Ton als auch Farbe aufweist.

Disneys alberne Symphonien in Technicolor

Als die 1929 gestartete Silly Symphonies- Serie weniger populär war, als Disney erhofft hatte, wandte er sich einer neuen technischen Innovation zu, um die Wirkung der Serie zu verbessern. 1932 arbeitete er mit der Firma Technicolor zusammen, um die erste Vollfarb-Animation Flowers and Trees zu erstellen , wobei er die Drei-Streifen- Technik debütierte (die erste Verwendung in Live-Action-Filmen erfolgte etwa zwei Jahre später). Der Cartoon war erfolgreich und gewann einen Oscar für kurze Themen, Cartoons . Disney hatte vorübergehend einen exklusiven Vertrag über die Verwendung der Vollfarbtechnik von Technicolor in Animationsfilmen. Er wartete sogar eine Weile, bevor er die laufende Mickey-Mouse-Serie in Farbe produzierte, damit die Silly Symphonies ihren besonderen Reiz für das Publikum haben. Nachdem der Exklusivvertrag im September 1935 auslief, wurde Vollfarbanimation bald zum Industriestandard.

Silly Symphonies inspirierten viele Cartoon-Serien, die verschiedene andere Farbsysteme aufwiesen, bis Technicolor nicht mehr exklusiv für Disney war, darunter Ub Iwerks' ComiColor Cartoons (1933-1936), Van Beuren Studios ' Rainbow Parade (1934-1936), Fleischers Color Classics ( 1934–1941), Charles Mintz’ Color Rhapsody (1936–1949), MGM’s Happy Harmonies (1934–1938), George Pal ’s Puppetoons (1932–1948) und Walter Lantz’ Swing Symphony (1941–1945).

Multiplane-Kameras und das Stereoptische Verfahren

Um einen Eindruck von Tiefe zu erzeugen , wurden verschiedene Techniken entwickelt. Die gebräuchlichste Technik bestand darin, Figuren zwischen mehreren Hintergrund- und/oder Vordergrundebenen bewegen zu lassen, die unabhängig voneinander bewegt werden konnten, entsprechend den Gesetzen der Perspektive (zB je weiter weg von der Kamera, desto langsamer).

Lotte Reiniger hatte bereits für Die Abenteuer des Prinzen Achmed eine Art Multiplane-Kamera entworfen und ihr Mitarbeiter Berthold Bartosch nutzte ein ähnliches Setup für seinen detailreichen 25-minütigen Film L'Idée (1932).

1933 entwickelte Ub Iwerks eine Multiplane-Kamera und verwendete sie für eine Reihe von Willie Whopper (1933-1934) und ComiColor Cartoons- Episoden.

Das ganz andere "Stereoptische Verfahren" entwickelten die Fleischers 1933 für ihre Color Classics . Es wurde in der ersten Episode Betty Boop in Poor Cinderella (1934) und den meisten der folgenden Episoden verwendet. Der Prozess umfasste dreidimensionale Sets, die auf einem großen Plattenspieler gebaut und geformt wurden. Die Cels wurden innerhalb des beweglichen Sets platziert, so dass sich die animierten Charaktere vor und hinter den 3D-Elementen innerhalb der Szene zu bewegen schienen, wenn der Drehteller rotiert wurde.

Disney-Mitarbeiter William Garity entwickelte eine Multiplane-Kamera, die bis zu sieben Bildebenen aufweisen konnte. Es wurde in der Oscar-prämierten Silly Symphony The Old Mill (1937) getestet und prominent in Schneewittchen und späteren Spielfilmen verwendet.

Neue bunte Cartoon-Superstars

Nachdem die Ergänzungen von Ton und Farbe für Disney ein großer Erfolg waren, folgten andere Studios. Bis zum Ende des Jahrzehnts wurden fast alle Kinofilme in Farbe produziert.

Anfangs standen Musik und Lieder im Mittelpunkt vieler Serien, wie Serientitel wie Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies und Looney Tunes zeigen , aber es waren die erkennbaren Charaktere, die beim Publikum wirklich haften blieben. Mickey Mouse war der erste Cartoon-Superstar, der die Popularität von Felix the Cat übertraf, aber bald folgten Dutzende weiterer Cartoon-Superstars, von denen viele jahrzehntelang beliebt blieben.

Warner Bros. verfügte über eine riesige Musikbibliothek, die durch Cartoons basierend auf den verfügbaren Melodien populär gemacht werden konnte. Während Disney die Musik für jeden Cartoon erstellen musste, lieferten die leicht verfügbaren Noten und Lieder bei Warner Bros. Inspiration für viele Cartoons. Leon Schlesinger verkaufte Warner Bros. eine zweite Reihe namens Merrie Melodies , die bis 1939 vertraglich mindestens einen Refrain aus dem Musikkatalog enthalten musste. Im Gegensatz zu Looney Tunes mit Bosko gab es bei Merrie Melodies nur wenige wiederkehrende Charaktere wie Foxy , Piggy und Goopy Geer, bevor Harman und Ising 1933 verließen. Bosko wurde für die Looney Tunes-Serie durch Buddy ersetzt , hielt aber nur zwei Jahre, während Merrie Melodies anfangs ohne wiederkehrende Zeichen fortgesetzt. Schließlich wurden die beiden Serien nicht mehr zu unterscheiden und brachten viele neue Charaktere hervor, die populär wurden. Animator/Regisseur Bob Clampett entwarf Porky Pig (1935) und Daffy Duck (1937) und war für einen Großteil der energetischen Animation und des respektlosen Humors verantwortlich, der mit der Serie verbunden ist. In den 1930er Jahren gab es auch frühe anonyme Inkarnationen von Charakteren, die später die Superstars Elmer Fudd (1937/1940), Bugs Bunny (1938/1940) und Sylvester the Cat (1939/1945) wurden. Seit 1937 spielte Mel Blanc die meisten Stimmen der Charaktere.

Disney führte neue Charaktere in das Mickey-Mouse-Universum ein , die sehr beliebt werden sollten, um zusammen mit Mickey und Minnie Mouse (1928) die Hauptrolle zu spielen : Pluto (1930), Goofy (1932) und eine Figur, die bald zum neuen Favoriten werden sollte: Donald Duck (1934). Disney hatte erkannt, dass der Erfolg von Animationsfilmen davon abhängt, emotional packende Geschichten zu erzählen; Er entwickelte eine "Story-Abteilung", in der sich Storyboard-Künstler, getrennt von den Animatoren, allein auf die Entwicklung der Story konzentrieren würden, was sich als wertvoll erwies, als das Disney-Studio 1933 den ersten animierten Kurzfilm mit gut entwickelten Charakteren herausbrachte , Three Little Pigs . Disney würde sein Studio erweitern und immer mehr Produktionsaktivitäten starten, darunter Comics, Merchandise und Themenparks. Die meisten Projekte basierten auf den Charakteren, die für Kinokurzfilme entwickelt wurden.

Fleischer Studios führten in Dizzy Dishes (1930) eine namenlose Hundefigur als Bimbos Freundin ein , die sich zur menschlichen Frau Betty Boop (1930-1939) entwickelte und Fleischers bekannteste Kreation wurde. In den 1930er Jahren nahmen sie auch Hunky and Spunky (1938) und die beliebte Animationsadaption von Popeye (1933) in ihr Repertoire auf.

Hays-Code und Betty Boop

Hays ' Motion Picture Production Code für moralische Richtlinien wurde 1930 angewendet und zwischen 1934 und 1968 streng durchgesetzt. Er hatte einen großen Einfluss auf Filmemacher, die gerne relativ freches Material schufen. Als ein berüchtigtes Beispiel litt Betty Boop sehr darunter, als sie von einer sorglosen Flapper mit unschuldigem Sexappeal in eine gesündere und viel zahmere Figur in voller Kleidung verwandelt werden musste . Das Verschwinden ihres Freundes Bimbo war wahrscheinlich auch das Ergebnis der Codes, die gemischte Beziehungen ablehnen.

Schneewittchen und der Durchbruch des Animationsfilms

Mindestens acht animierte Spielfilme wurden vor Disneys Schneewittchen und die sieben Zwerge veröffentlicht , während mindestens zwei weitere frühere animierte Spielfilmprojekte unvollendet blieben. Die meisten dieser Filme (von denen nur vier überleben) wurden mit Cutout- , Silhouette- oder Stop-Motion- Techniken gedreht. Unter den verschollenen Zeichentrickfilmen befanden sich drei Spielfilme von Quirino Cristiani , der seinen dritten Spielfilm Peludópolis am 18. September 1931 in Buenos Aires mit einem Vitaphone- Sound-on-Disc- synchronisierten Soundtrack uraufgeführt hatte . Es wurde von Kritikern durchaus positiv aufgenommen, wurde aber kein Hit und war für den Filmemacher ein wirtschaftliches Fiasko. Cristiani merkte bald, dass er mit Animation in Argentinien keine Karriere mehr machen konnte. Nur die Oscar-Rezension von Walt Disney Cartoons – ebenfalls von Disney – wurde vollständig von Hand gezeichnet. Es wurde vor Snow White 7 Monate veröffentlicht die bevorstehende Veröffentlichung von fördern Snow White .. Viele betrachten nicht ein echter Spielfilm dies, weil es sich um ein Paket Film und dauert nur 41 Minuten. Er erfüllt die offiziellen Definitionen eines Spielfilms des British Film Institute , der Academy of Motion Picture Arts and Sciences und des American Film Institute , die eine Filmlänge von über 40 Minuten vorschreiben.

Als bekannt wurde, dass Disney an einer abendfüllenden Animation arbeitete, bezeichneten Kritiker das Projekt regelmäßig als "Disneys Torheit" und glaubten nicht, dass das Publikum die erwarteten bunten Farben und Witze so lange ertragen konnte. Schneewittchen und die sieben Zwerge feierten am 21. Dezember 1937 Premiere und wurden ein Welterfolg. Der Film setzte Disneys Tradition fort, sich alte Märchen und andere Geschichten anzueignen (begonnen mit den Laugh-O-Grams im Jahr 1921), wie es auch die meisten folgenden Disney-Filme taten.

Die Fleischer-Studios folgten dem Beispiel von Disney mit Gullivers Reisen im Jahr 1939, das an den Kinokassen ein kleiner Erfolg war.

Frühe TV-Animation

Im April 1938, als etwa 50 Fernsehgeräte angeschlossen waren, strahlte NBC den achtminütigen Low-Budget-Cartoon Willie the Worm aus . Es wurde speziell für diese Sendung vom ehemaligen Disney-Mitarbeiter Chad Grothkopf angefertigt, hauptsächlich mit Ausschnitten und ein bisschen Cel-Animation.

Etwa ein Jahr später, am 3. Mai 1939, wurde Disneys Donald's Cousin Gus wenige Wochen vor dem Kinostart auf dem experimentellen NBC- Kanal W2XBS uraufgeführt . Der Cartoon war Teil des ersten abendfüllenden Programms.

1940er Jahre

Kriegspropaganda

Mehrere Regierungen hatten bereits Animationen in öffentlichen Informationsfilmen verwendet, wie beispielsweise in den Filmen der GPO Film Unit in Großbritannien und in japanischen Lehrfilmen. Während des Zweiten Weltkriegs wurde Animation zu einem gängigen Propagandamedium. Die USA hatten ihre besten Studios, die für die Kriegsanstrengungen arbeiteten.

Um das Servicepersonal über alle möglichen militärischen Themen zu unterrichten und die Moral zu stärken, wurde Warner Bros. für mehrere Kurzfilme und die spezielle Zeichentrickserie Private Snafu unter Vertrag genommen . Die Figur wurde von dem berühmten Filmregisseur Frank Capra erstellt , Dr. Seuss war am Drehbuch beteiligt und die Serie wurde von Chuck Jones inszeniert. Disney produzierte auch mehrere lehrreiche Kurzfilme und finanzierte sogar persönlich den abendfüllenden Victory Through Air Power (1943), der die Idee der Langstreckenbombardierung förderte.

Viele beliebte Charaktere haben für Kriegsanleihen geworben , wie Bugs Bunny in Any Bonds Today? , Disneys kleine Schweinchen in The Thrifty Pig und eine ganze Reihe von Disney-Figuren in All Together . Daffy Duck bat in Scrap Happy Daffy um Schrott für die Kriegsanstrengungen . Minnie Mouse und Pluto luden Zivilisten ein, ihr Kochfett zu sammeln, damit es für die Herstellung von Sprengstoff in Out of the Bratpfanne in die Schusslinie verwendet werden konnte . Es gab noch einige weitere politische Propaganda-Kurzfilme wie Warner Bros.' Fifth Column Mouse , Disneys Chicken Little und die ernsthaftere Education for Death and Reason and Emotion (nominiert für einen Oscar).

Solche Kriegsfilme wurden sehr geschätzt. Bugs Bunny wurde so etwas wie eine nationale Ikone und Disneys Propagandakurzfilm Der Führer's Face (mit Donald Duck) gewann dem Unternehmen den zehnten Oscar für Cartoon-Kurzfilme .

Japans erster Spielfilm-Anime桃太郎 海の神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) wurde 1944 im Auftrag des japanischen Marineministeriums gedreht . Es wurde für Kinder entworfen und sollte, teilweise von Fantasia inspiriert, Träume und Hoffnung auf Frieden wecken. Die Hauptfiguren sind ein anthropomorpher Affe, ein Hund, ein Bär und ein Fasan, die zu Fallschirmjägern werden (außer dem Fasan, der Pilot wird) mit der Aufgabe, Celebes einzudringen . Ein Epilog deutet an, dass Amerika das Ziel der nächsten Generation ist.

Spielfilmanimation in den 1940er Jahren

Hohe Ambitionen, Rückschläge und Kürzungen in der US-Spielfilmanimation

Disneys nächste Spielfilme ( Pinocchio und der sehr ehrgeizige Konzertfilm Fantasia , beide im Jahr 1940 veröffentlicht) und der zweite Animationsfilm der Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941/1942), wurden alle von den Kritikern positiv aufgenommen, scheiterten jedoch an den Kinokassen ihre ersten Kinostarts. Die Hauptursache war, dass der Zweite Weltkrieg die meisten Auslandsmärkte abgeschnitten hatte. Diese Rückschläge entmutigten die meisten Unternehmen, die Pläne für animierte Features hatten.

Disney senkte die Kosten für die nächsten Spielfilme und veröffentlichte zunächst The Reluctant Dragon , größtenteils bestehend aus einer Live-Action-Tour durch das neue Studio in Burbank, teilweise in Schwarzweiß, mit vier kurzen Cartoons. Es war ein leichter Erfolg an den weltweiten Kinokassen. Einige Monate später folgte Dumbo (1941), nur 64 Minuten lang und in einem einfacheren ökonomischen Stil animiert. Dies half, einen Gewinn an den Kinokassen zu erzielen, und Kritiker und Publikum reagierten positiv. Disneys nächster Spielfilm Bambi (1942) kehrte zu einem größeren Budget und einem aufwendigeren Stil zurück, aber die dramatischere Geschichte, die dunklere Stimmung und das Fehlen von Fantasy-Elementen wurden während der ersten Auflage nicht gut aufgenommen und verloren Geld an den Kinokassen.

Obwohl alle anderen acht Disney der 1940er Jahre verfügt über Paket Filme waren, und / oder Kombinationen mit Live-Action (zum Beispiel Saludos Amigos (1943) und The Three Caballeros (1944)), gehalten Disney Glauben in Animationsfilm Animation. Jahrzehntelang war Disney das einzige amerikanische Studio, das regelmäßig animierte Kinospielfilme herausbrachte, obwohl einige andere amerikanische Studios vor Beginn der 1990er Jahre mehr als eine Handvoll herausbrachten.

Animationskräfte außerhalb der USA

Amerikanische Cel-Animationsfilme dominierten seit den 1920er Jahren die weltweite Produktion und den Konsum von Kinofilmen. Vor allem Disneys Arbeiten erwiesen sich weltweit als sehr beliebt und einflussreich. Studios aus anderen Ländern konnten mit den amerikanischen Produktionen kaum mithalten. Relativ viele Animationsproduzenten außerhalb der USA haben sich dafür entschieden, mit anderen Techniken als der "traditionellen" oder Cel-Animation zu arbeiten, wie beispielsweise Puppen-Animation oder Cut-Out-Animation. Mehrere Länder (vor allem Russland, China und Japan) entwickelten jedoch ihre eigenen relativ großen "traditionellen" Animationsindustrien. Das 1936 gegründete russische Animationsstudio Sojusmultfilm beschäftigte bis zu 700 Facharbeiter und produzierte während der Sowjetzeit durchschnittlich 20 Filme pro Jahr. Einige Titel, die außerhalb ihrer jeweiligen Heimatmärkte aufgefallen sind, sind铁扇公主 (Prinzessin Iron Fan) (China 1941, einflussreich in Japan), Конёк-Горбуно́к (Das Buckelpferd) (Russland 1947, Gewinner des Sonderpreises der Jury in Cannes 1950), I Fratelli Dinamite (The Dynamite Brothers) (Italien 1949) und La Rosa di Bagdad (Die Rose von Bagdad) (Italien 1949, die englische Synchronsprecher von 1952 spielte Julie Andrews in der Hauptrolle ).

Erfolgreiche Theaterkurzfilme der 1940er Jahre

Während des „Goldenen Zeitalters der amerikanischen Animation“ konkurrierten neue Studios mit den Studios, die die Ton- und Farbinnovationsschlachten der vergangenen Jahrzehnte überlebten. Cartoon-Tiere waren immer noch die Norm und Musik war immer noch ein relevantes Element, verlor jedoch oft seinen Hauptbühnen-Appeal durch Disneys melodramatisches Geschichtenerzählen oder den wilden Humor in Looney Tunes und anderen Cartoons.

Disney setzte seine Cartoon-Erfolge fort und fügte Daisy Duck (1940) und Chip 'n' Dale (1943/1947) dem Mickey-Mouse-Universum hinzu , während Warner Bros. neue Charaktere entwickelte, um sich ihrer beliebten Merrie Melodies / Looney Tunes-Besetzung anzuschließen, darunter Tweety ( 1941/1942), Henery Hawk (1942), Yosemite Sam (1944/1945), Foghorn Leghorn (1946), Barnyard Dawg (1946), Marvin the Marsian (1948) und Wile E. Coyote and Road Runner (1949).

Andere neue beliebte Charaktere und Serien waren Terrytoons ' Mighty Mouse (1942–1961) und Heckle and Jeckle (1946) und Screen Gems ' The Fox and the Crow (1941–1948).

Fleischer/Berühmte Studios

Fleischer startete 1941 seine spektakuläre Superman-Adaption . Der Erfolg kam zu spät, um das Studio aus seinen finanziellen Problemen zu retten, und 1942 übernahm Paramount Pictures das Studio von den ausscheidenden Fleischer Brothers. Die umbenannten Famous Studios setzten die Popeye- und Superman- Serien fort, entwickelten beliebte Adaptionen von Little Lulu (1943–1948, lizenziert von Gold Key Comics), Casper the friendly Ghost (1945) und schufen neue Serien wie Little Audrey (1947) und Baby Huey (1950).

Walter Lantz Productions

Walter Lantz hatte seine Animationskarriere im Alter von 16 Jahren in Hearsts Studio begonnen. Er hatte auch für die Bray Studios und Universal Pictures gearbeitet , wo er 1929 die Kontrolle über die Oswald the Lucky Rabbit- Cartoons erlangt hatte (angeblich durch den Gewinn des Charakters und der Kontrolle). des Studios bei einer Pokerwette mit Universal-Präsident Carl Laemmle ). 1935 wurde das Universal-Studio in die unabhängige Walter Lantz Productions umgewandelt , blieb aber auf dem Universal-Lot und produzierte weiterhin Cartoons für Universal zum Vertrieb. Wenn Oswalds Popularität schwand und wurde der Charakter schließlich im Jahr 1938 im Ruhestand, ging Lantz Produktionen ohne erfolgreiche Zeichen , bis er entwickelte Andy Panda im Jahr 1939. Der anthropomorphe Panda spielte in mehr als zwei Dutzend Karikaturen bis 1949, aber er wurde bald von der ikonischen überschattete Woody Woodpecker , der 1940 in dem Andy Panda-Cartoon Knock Knock debütierte . Andere beliebte Lantz-Charaktere sind Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory und Doc (1959).

MGM

Nach dem Vertrieb von Ub Iwerks' Cartoons Flip the Frog und Willie Whopper und Happy Harmonies von Harman und Ising gründete Metro-Goldwyn-Mayer 1937 ein eigenes Cartoon-Studio . Das Studio hatte großen Erfolg mit Barney Bear (1939–1954), Hanna und Joseph Barbera ‚s Tom und Jerry (1940) und Spike und Tyke (1942).

1941 verließ Tex Avery Warner Bros. für MGM und gründete dort Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) und George and Junior (1944).

UPA

Während Disney und die meisten anderen Studios ein Gefühl von Tiefe und Realismus in der Animation suchten, hatten die UPA- Animatoren (einschließlich des ehemaligen Disney-Mitarbeiters John Hubley ) eine andere künstlerische Vision. Sie entwickelten eine viel sparsamere und stilisiertere Art der Animation, inspiriert von russischen Beispielen. Das Studio wurde 1943 gegründet und arbeitete zunächst an Regierungsaufträgen. Einige Jahre später unterzeichneten sie einen Vertrag mit Columbia Pictures, übernahmen The Fox and the Crow von Screen Gems und erhielten für ihre ersten beiden Kinokurzfilme 1948 und 1949 Oscar-Nominierungen einen neuen Charakter erschaffen durfte, kam ihnen der kurzsichtige Alte aus. Mr. Magoo (1949) wurde ein Hit und war in vielen Kurzfilmen zu sehen. Zwischen 1949 und 1959 erhielt UPA 15 Oscar-Nominierungen und gewann ihren ersten Oscar mit der Dr. Seuss- Adaption Gerald McBoing-Boing (1950), gefolgt von zwei weiteren für When Magoo Flew (1954) und Magoos Puddle Jumper (1956). Der unverwechselbare Stil war einflussreich und beeinflusste sogar die großen Studios, darunter Warner Bros. und Disney. Abgesehen von einer effektiven Freiheit im künstlerischen Ausdruck hatte UPA bewiesen, dass sparsamere Animationen genauso geschätzt werden konnten wie (oder sogar mehr) als die teuren aufwendigen Stile.

Fernsehanimation in den 1940er Jahren

Der Backkatalog von Zeichentrickfilmen vieler Studios, der ursprünglich für eine kurze Kinolaufzeit produziert wurde, erwies sich für die Fernsehübertragung als sehr wertvoll. Movies for Small Fry (1947), präsentiert von "großem Bruder" Bob Emery am Dienstagabend auf dem New Yorker WABD-TV-Kanal, war eine der ersten Fernsehserien für Kinder und enthielt viele klassische Van Beuren Studios-Cartoons. Es wurde im DuMont Television Network als tägliche Show Small Fry Club (1948-1951) mit Live-Publikum in einer Studioumgebung fortgesetzt .

Viele klassische Serien von Walter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGM und Disney fanden in TV-Shows für Kinder mit vielen Wiederholungen seit Jahrzehnten ebenfalls ein neues Leben. Anstelle von Studioeinstellungen und Live-Action-Präsentation würden einige Shows neue Animationen enthalten, um die älteren Cartoons zu präsentieren oder aneinanderzureihen.

Die früheste amerikanische Zeichentrickserie, die speziell für das Fernsehen produziert wurde, entstand 1949 mit Adventures of Pow Wow (43 fünfminütige Episoden, die von Januar bis November sonntagmorgens ausgestrahlt wurden ) und Jim and Judy in Teleland (52 Episoden, später auch an Venuzuela verkauft und Japan).

1950er: Übergang von klassischen Kinofilmen zu begrenzten Animationen in TV-Serien für Kinder

Die meisten Theaterkarikaturen waren für ein unspezifisches Publikum produziert worden. Dynamische Action und Gags mit sprechenden Tieren in klaren Zeichenstilen und leuchtenden Farben reizten natürlich kleine Kinder, aber die Cartoons enthielten regelmäßig Gewalt und sexuelle Anspielungen und wurden oft zusammen mit Wochenschauen und Spielfilmen gezeigt, die nichts für Kinder waren. Im US-Fernsehen wurden Zeichentrickfilme hauptsächlich für Kinder in günstigen Zeitfenstern am Wochenende vormittags, werktags nachmittags oder am frühen Abend programmiert.

Die zeitlichen Beschränkungen des amerikanischen TV-Animationsprozesses der 1950er Jahre, insbesondere Fragen des Ressourcenmanagements (im Vergleich zur Theateranimation musste eine größere Menge in kürzerer Zeit für ein geringeres Budget hergestellt werden), führten zur Entwicklung verschiedener Techniken, die heute als begrenzte Animation bekannt sind . Die sparsamere Art der Animation, die ursprünglich eine künstlerische Stilwahl für UPA war, wurde als Mittel zur Reduzierung von Produktionszeit und -kosten genutzt. Vollbildanimationen ("on ones") wurden in den Vereinigten Staaten außerhalb ihrer Verwendung für immer weniger Theaterproduktionen selten. Chuck Jones prägte den Begriff "Illustrated Radio", um sich auf den schäbigen Stil der meisten Fernseh-Cartoons zu beziehen, der mehr auf ihren Soundtracks als auf Visuals beruhte. Einige Produzenten stellten auch fest, dass begrenzte Animationen auf den kleinen (Schwarzweiß-) Fernsehbildschirmen der Zeit besser aussahen.

Animierte Fernsehserie der 1950er Jahre

Jay Ward produzierte den beliebten Crusader Rabbit (getestet 1948, Originalsendungen 1949–1952 und 1957–1959) mit erfolgreicher Verwendung eines begrenzten Animationsstils.

Ende der 1950er Jahre begannen mehrere Studios, die sich der Produktion von TV-Animationen widmeten, miteinander zu konkurrieren. Während der Fokus des Wettbewerbs im Bereich Kinoanimation auf Qualität und Innovation lag, verlagerte er sich nun auf die schnelle und kostengünstige Bereitstellung von Animationen. Kritiker stellten fest, dass die Qualität vieler Shows im Vergleich zu den klassischen Cartoons oft schlecht war, mit überstürzten Animationen und alltäglichen Geschichten. Die Verantwortlichen des Senders waren zufrieden, solange genügend Zuschauer da waren, und die vielen jungen Zuschauer störten sich nicht an der mangelnden Qualität, die von den Kritikern wahrgenommen wurde. Das Anschauen von bis zu vier Stunden langen Zeichentrickprogrammen am Samstagmorgen wurde seit Mitte der 1960er Jahre zu einem beliebten Zeitvertreib der meisten amerikanischen Kinder und war jahrzehntelang eine tragende Säule.

Disney war relativ früh in die TV-Produktion eingestiegen, hatte aber jahrzehntelang darauf verzichtet, neue Zeichentrickserien zu kreieren. Stattdessen hatte Disney seit 1954 eine eigene Anthologie-Serie in dreistündigen Hauptsendezeiten ausgestrahlt, beginnend mit der Disneyland- Serie von Walt Disney (1954-1958), die eindeutig für den 1955 eröffneten Disneyland- Themenpark wirbt . Walt Disney moderierte die Serie persönlich das abgesehen von älteren Cartoons Segmente mit beispielsweise Blicken hinter die Kulissen von Filmprozessen oder neuen Live-Action-Abenteuern enthielt.

William Hanna und Joseph Barbera (die Schöpfer von Tom und Jerry) fuhren als Hanna-Barbera fort, nachdem Metro-Goldwyn-Mayer 1957 ihr Animationsstudio geschlossen hatte, als MGM ihren Backkatalog für ausreichend für weitere Verkäufe hielt. Während Hanna-Barbera mit Loopy de Loop (1959–1965) nur eine Kinoserie drehte, erwiesen sie sich über mehrere Jahrzehnte als die produktivsten und erfolgreichsten Produzenten von animierten Fernsehserien. Angefangen mit The Ruff and Reddy Show (1957–1960), setzten sie erfolgreiche Serien wie The Huckleberry Hound Show (1958, die erste halbstündige Fernsehsendung mit ausschließlich Animation) und The Quick Draw McGraw Show (1959–1961) fort.

Andere bemerkenswerte Programme umfassen UPA 's Gerald McBoing Boing (1956-1957), Soundac des Colonel Bleep (1957-1960, der erste animierte TV - Serie in Farbe), Terrytoons ' s Tom Terrific (1958) und Jay Ward Die Abenteuer von Rocky und Bullwinkle und Freunde (1959-1964).

Im Gegensatz zum internationalen Filmmarkt (entstanden während der Stummfilmzeit, als sich die Sprachprobleme auf Titelkarten beschränkten), konzentrierte sich die TV-Pionierarbeit in den meisten Ländern (oft in Verbindung mit Radiosendungen) auf die heimische Produktion von Live-Programmen. Anstatt Animationsserien zu importieren, die normalerweise synchronisiert werden müssten, könnten Kindersendungen auf andere Weise einfacher und kostengünstiger produziert werden (z. B. mit Puppenspiel). Eine bemerkenswerte Methode war die Echtzeit-"Animation" von ausgeschnittenen Figuren in Captain Pugwash (1957) auf der BBC . Eine der wenigen frühen Zeichentrickserien für das Fernsehen, die im Ausland zu sehen war , war Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Belgien 1957–1964, Regie: Ray Goossens ) von Belvision Studios , die 1962 von der BBC ausgestrahlt wurde und in den Vereinigten Staaten von 1963 bis 1971 syndiziert .

Theaterkurzfilme in den 1950er Jahren

Warner Bros. stellte neue Charaktere vor Sylvester Jr. (1950), Speedy Gonzales (1953), Ralph Wolf und Sam Sheepdog (1953) und Tasmanian Devil (1954).

Kinofilmanimation in den 1950er Jahren

Disney

Nach einer Reihe von Paketfeatures und Live-Action/Animations-Kombinationen kehrte Disney 1950 mit Cinderella (dem ersten seit Bambi ) zu vollständig animierten Spielfilmen zurück . Der Erfolg rettete das Unternehmen praktisch vor der Insolvenz. Es folgte Alice im Wunderland (1951), die an den Kinokassen floppte und kritisch geschwenkt wurde. Peter Pan (1953) und Lady and the Tramp (1955) waren Hits. Das ehrgeizige, viel verspätete und teurere Dornröschen (1959) verlor Geld an den Kinokassen und ließ Zweifel an der Zukunft der Animationsabteilung von Walt Disney aufkommen. Wie "Alice im Wunderland" und die meisten Flops von Disney wurde es später durch Wiederveröffentlichungen kommerziell erfolgreich und würde schließlich als echter Klassiker gelten.

Nicht-USA

• Jeannot l'intrépide (Johnny the Giant Killer) (Frankreich, 1950 Spielfilm)
• Le Roi et l'Oiseau (Der König und die Spottdrossel) (Frankreich, 1952 unvollendeter Spielfilm, 1980 fertiggestellter Release, einflussreich für Hayao Miyazaki und Isao Takahata )
• Tierfarm (UK/USA, 1954 Feature)
• 乌鸦为什么是黑的 (Why Is the Crow Black-Coated) (China, 1956 Kurzfilm, Filmfestspiele von Venedig )
• Снежная королева (Die Schneekönigin) (Sowjetunion, 1957 Spielfilm)
• Krtek (Maulwurf) (Tschechoslowakei, 1956 Kurzfilmreihe)
• 白蛇伝 (Panda und die magische Schlange) (Japan, 1958 Spielfilm)
• 少年猿飛佐助 (Magic Boy) (Japan, Spielfilm von 1959, erster Anime, der 1961 in den USA veröffentlicht wurde)

1960er Jahre

US-Zeichentrickserien und -Specials in den 1960er Jahren

Total Television wurde 1959 gegründet, um General Mills- Produkte mit Original-Zeichentrickfiguren in Cocoa Puffs- Werbespots (1960–1969) und der von General Mills gesponserten TV-Serie King Leonardo and His Short Subjects (1960–1963, neu verpackte Shows bis 1969), Tennessee, zu bewerben Tuxedo and His Tales (1963-1966, neu verpackte Shows bis 1972), The Underdog Show (1964-1967, neu verpackte Shows bis 1973) und The Beagles (1966-1967). Die Animationen für alle Serien wurden in den Gamma Studios in Mexiko produziert. Total Television stellte die Produktion nach 1969 ein, als General Mills sie nicht mehr sponsern wollte.

Viele der amerikanischen Zeichentrickserien der 1960er bis 1980er Jahre basierten auf Charakteren und Formaten, die sich bereits in anderen Medien bewährt hatten. UPA produzierte The Dick Tracy Show (1961–1962), basierend auf den Comics. Filmation , aktiv von 1962 bis 1989, schuf nur wenige Originalcharaktere, aber viele Adaptionen von DC Comics , Live-Action-TV-Serien (einschließlich Lassies Rescue Rangers (1973-1975) und Star Trek: The Animated Series ), einige Live-Action-Features ( einschließlich Reise zum Mittelpunkt der Erde (1967–1969) und vieles mehr ). Grantray-Lawrence Animation war das erste Studio, das 1966 Marvel-Comics- Superhelden adaptierte . Popgruppen erhielten animierte Versionen in The Beatles (1965-1966) und Rankin/Bass 's The Jackson 5ive (1971-1972) und The Osmonds (1972). Hanna-Barbera machte mit Laurel and Hardy (1966-1967) und The Abbott and Costello Cartoon Show (1967-1968) Komiker zu Zeichentrickfiguren . Format Films ' The Alvin Show (1961–1962) war ein Spin-off eines 1958er Neuheitsliedes und der nachfolgenden Comics mit neu gestalteten Versionen von Alvin and the Chipmunks . Andere Serien enthielten nicht lizenzierte Mittel. Hanna-Barberas The Flintstones (1960–1966) zum Beispiel wurde eindeutig von der Sitcom The Honeymooners und Schöpferin Jackie Gleason inspiriert , Hanna-Barbera zu verklagen, aber er wollte nicht als "der Kerl bekannt werden, der Fred Flintstone aus der Luft gerissen hat". .

The Flintstones war die erste Zeichentrickserie zur Hauptsendezeit und wurde immens populär, sie blieb die am längsten laufende Netzwerk-Animationsfernsehserie, bis dieser Rekord drei Jahrzehnte später gebrochen wurde. Hanna-Barbera erzielte weitere Hits mit The Yogi Bear Show (1960–1962), The Jetsons (1962–1963, 1985, 1987) und Scooby-Doo, Where Are You! (1969-1970, später gefolgt von anderen Scooby-Doo-Serien).

Ab etwa 1968, nach der Ermordung von Martin Luther King Jr. , dann durch Robert F. Kennedys und andere Gewalttaten, die die Öffentlichkeit mit Gewalt in der Unterhaltung weniger wohl machten, heuerten Netzwerke Zensoren an, um alles, was als zu gewalttätig oder anzüglich erachtet wurde, aus dem Kinderprogramm zu verbannen .

Neben regelmäßigen TV - Serien gibt es einige bemerkenswerte animierte TV (Urlaub) waren Specials, beginnend mit UPA des Herrn Magoo des Christmas Carol (1962), gefolgt einige Jahre später durch andere klassische Beispiele wie die Kette von Bill Melendez ' Peanuts - Specials (1965- 2011, basierend auf dem Comicstrip von Charles M. Schulz ) und Chuck Jones' How the Grinch Stole Christmas! (1966, nach der Erzählung von Dr. Seuss ).

Cambria-Produktionen

Cambria Productions verwendete nur gelegentlich traditionelle Animationen und griff oft auf Kamerabewegungen, Echtzeitbewegungen zwischen Vordergrund- und Hintergrund-Cels und die Integration von Live-Action-Filmmaterial zurück. Der Schöpfer Clark Haas erklärte: „Wir machen keine Zeichentrickfilme. Wir fotografieren ‚motorisierte Bewegung‘ und – der größte Trick von allen – kombinieren sie mit Live-Action … Filmmaterial, das Disney für 250.000 US-Dollar macht, machen wir für 18.000 US-Dollar.“ Ihr berühmtester Trick war die Syncro-Vox- Technik, bei der die Gesichter von Comicfiguren mit sprechenden Lippen überlagert wurden, anstatt animierte Münder, die zu Dialogen synchronisiert wurden. Dieses optische Drucksystem war 1952 von Cambria-Partner und Kameramann Edwin Gillette patentiert worden und wurde zuerst für populäre Werbespots für "sprechende Tiere" verwendet. Die Methode wurde später häufig für komödiantische Effekte verwendet, aber Cambria verwendete sie direkt in ihren Serien Clutch Cargo (1959-1960), Space Angel (1962) und Captain Fathom (1965). Dank fantasievoller Geschichten war Clutch Cargo ein Überraschungshit. Ihre letzte Serie The New 3 Stooges (1965-1966) verwendete Syncro-Vox nicht mehr. Es enthielt 40 neue Live-Action-Segmente mit den ursprünglichen Three Stooges , die über 156 Episoden verteilt und zusammen mit neuen Animationen wiederholt wurden (gelegentlich veranlasste die Leute, ihren Fernseher auszuschalten, wenn Live-Action-Filmmaterial wiederholt wurde, überzeugt, dass sie die Episode bereits gesehen hatten ).

US-Kinofilm in den 1960er Jahren

Für One Hundred and One Dalmatiner (1961) wurden die Produktionskosten durch den Xerographie- Prozess, der das Einfärben eliminierte, eingeschränkt. Obwohl der relativ skizzenhafte Look von Walt Disney persönlich nicht geschätzt wurde, störte er weder Kritiker noch Publikum und der Film war ein weiterer Hit für das Studio. Das Schwert im Stein (1963) war ein weiterer finanzieller Erfolg, aber im Laufe der Jahre wurde es zu einem der am wenigsten bekannten Disney-Features. Es folgte der Live-Action/Animation-Hit Mary Poppins (1964), der 13 Oscar-Nominierungen erhielt, darunter für den besten Film. Disneys größter Animationsfilm der 1960er Jahre war The Jungle Book (1967), der sowohl ein kritischer als auch kommerzieller Erfolg war. Dies war auch der letzte Film, der vor seinem Tod im Jahr 1966 von Walt Disney betreut wurde . Ohne Walts Fantasie und kreatives Bemühen waren die Animationsteams in den 1970er und 1980er Jahren nicht in der Lage, viele erfolgreiche Filme zu produzieren. Dies war bis zur Veröffentlichung von The Little Mermaid (1989), 22 Jahre später.

UPA produzierte ihren ersten Spielfilm 1001 Arabian Nights (1959) (mit Mr. Magoo als Alladins Onkel) für Columbia Pictures, mit wenig Erfolg. Sie versuchten es erneut mit Gay Purr-ee im Jahr 1962, veröffentlicht von Warner Bros.. Es wurde von Kritikern gut aufgenommen, scheiterte jedoch an den Kinokassen und sollte das letzte Feature sein, das das Studio jemals produzierte.

Niedergang des Kinokurzfilms

Das Urteil des Obersten Gerichtshofs im Hollywood-Kartellverfahren von 1948 verbot "Blockbuchungen", bei denen Kinohits exklusiv in Paketen zusammen mit Wochenschauen und Cartoons oder Live-Action-Kurzfilmen an Theaterbesitzer angeboten wurden. Anstatt einen angemessenen Prozentsatz eines Pauschalangebots zu erhalten, mussten kurze Zeichentrickfilme zu den Preisen, die die Theaterbesitzer bereit waren, dafür zu zahlen bereit waren, separat verkauft werden. Kurze Zeichentrickfilme waren relativ teuer und konnten nun aus dem Programm gestrichen werden, ohne dass die Leute das Interesse am Hauptfilm verloren . Die meisten Cartoons mussten mehrmals neu aufgelegt werden, um das investierte Budget wieder hereinzuholen. Ende der 1960er-Jahre hatten die meisten Studios die Produktion von Zeichentrickfilmen eingestellt. Sogar Warner Bros. und Disney stellten mit gelegentlichen Ausnahmen nach 1969 die Produktion von kurzen Kinofilmen ein. Walter Lantz gab als letzter der klassischen Cartoon-Produzenten auf, als er 1973 sein Studio schloss.

DePatie–Freleng

DePatie-Freleng Enterprises wurde 1963 von Friz Freleng und David H. DePatie gegründet, nachdem Warner Bros. ihre Animationsabteilung geschlossen hatte. Sie schufen Pink Panther 1963 für den Vor- und Abspann der Live-Action -Filmreihe The Pink Panther mit Peter Sellers . Sein Erfolg führte zu einer Reihe von Kurzfilmen (1964–1980) und Fernsehserien (1969–1980). Auf Pink Panther folgten das Spin-off The Inspector (1965–1969), The Ant and the Aardvark (1969–1971) und eine Handvoll weiterer Theaterserien. The Dogfather (1974–1976) war die letzte neue Serie, aber Pink Panther-Cartoons erschienen bis 1980 in den Kinos, kurz vor dem Untergang des Studios 1981. Von 1966 bis 1981 produzierte DePatie-Freleng auch viele TV-Serien und Specials.

Aufstieg des Anime

Japan war besonders produktiv und erfolgreich mit seinem eigenen Animationsstil, der in der englischen Sprache zunächst als Japanimation und schließlich als Anime bekannt wurde . Im Allgemeinen wurde Anime mit limitierten Animationstechniken entwickelt, die im Vergleich zur US-Animation mehr Wert auf die ästhetische Qualität als auf die Bewegung legen. Es wendet auch einen relativ "kinematischen" Ansatz mit Zoomen, Schwenken, komplexen dynamischen Aufnahmen und viel Aufmerksamkeit für Hintergründe an, die zur Schaffung von Atmosphäre beitragen.

Anime wurde erstmals 1960 im Fernsehen im Inland ausgestrahlt. Etwa zur gleichen Zeit begann der Export von Anime-Kinofilmen. Innerhalb weniger Jahre wurden mehrere Anime-TV-Serien gedreht, die auch in den Vereinigten Staaten und anderen Ländern unterschiedlich stark ausgestrahlt wurden, beginnend mit dem sehr einflussreichen鉄腕アトム (Astro Boy) (1963), gefolgt vonジャングル大帝 (Kimba the White Löwe) (1965-1966),エイトマン (8. Mann) (1965),魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966-1967) undマッハGoGoGo (Mach GoGoGo aka Speed ​​Racer) (1967).

Die im Inland populäreサザエさん / Sazae-san begann 1969 und ist mit mehr als 7.700 Episoden wahrscheinlich die am längsten laufende animierte TV-Show der Welt.

Frühe Erwachsenen-orientierte und Gegenkultur-Animation

Vor Ende der 1960er Jahre wurden kaum erwachsenenorientierte Animationen produziert. Eine bemerkenswerte Ausnahme war der pornografische Kurzfilm Eveready Harton in Buried Treasure (1928), der vermutlich von berühmten Animatoren für eine private Party zu Ehren von Winsor McCay gedreht und bis Ende der 1970er Jahre nicht öffentlich gezeigt wurde. Nach 1934 gab der Hays-Code den Filmemachern in den Vereinigten Staaten wenig Spielraum, riskantes Material zu veröffentlichen, bis der Code 1968 durch das Filmbewertungssystem der Motion Picture Association of America ersetzt wurde ein Medium für Kinder oder für Familienunterhaltung, neue Theateranimationen bewiesen das Gegenteil.

Die philosophischen, psychologischen und soziologischen Untertöne der Peanuts- TV-Specials waren wohl relativ auf Erwachsene ausgerichtet, während die Specials auch für Kinder unterhaltsam waren. 1969 weitete Regisseur Bill Mendelez mit A Boy Named Charlie Brown den Erfolg der Serie auf die Kinos aus . Der Kinofolger Snoopy Come Home (1972) war trotz positiver Kritiken ein Kassenflop. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) und Bon Voyage, Charlie Brown (und Don't Come Back!!) (1980) waren die einzigen anderen traditionell animierten Kinofilme für Peanuts , während die TV-Specials bis 2011 andauerten.

Der Boom der Anti-Establishment- Gegenkultur Ende der 1960er-Jahre wirkte sich schon früh auf Hollywood aus. In Animation, waren Antikrieg Gefühle klar in mehreren kurzen U - Bahn - Filmen wie Wird Kimball ‚s Escalation (1968) und die Parodie (unabhängig von seiner Tätigkeit bei Disney gemacht) Mickey Mouse in Vietnam (1969). Die weniger politische Parodie Bambi meets Godzilla (1969) von Marv Newland, ein weiterer Underground-Kurzfilm für Erwachsene, gilt als großer Klassiker und wurde in The 50 Greatest Cartoons (1994) aufgenommen (basierend auf einer Umfrage unter 1.000 Menschen, die in der Animationsindustrie tätig sind .) ).

Die Popularität von Psychedelia machte Berichten zufolge die Wiederveröffentlichung von Disneys Fantasia 1969 bei Teenagern und College-Studenten beliebt, und der Film begann, Gewinn zu machen. In ähnlicher Weise wurde Disneys Alice im Wunderland in dieser Zeit bei Fernsehvorführungen und mit seiner Wiederveröffentlichung im Kino 1974 populär.

Ebenfalls von der psychedelischen Revolution beeinflusst, zeigte das animierte Musical Yellow Submarine (1968) der Beatles einem breiten Publikum, wie sich Animation von den bekannten Fernsehzeichentrickfilmen und Disney-Features stark unterscheiden kann. Sein unverwechselbares Design stammt von Art Director Heinz Edelman . Der Film erhielt breite Anerkennung und sollte sich als einflussreich erweisen. Peter Max hat einen ähnlichen visuellen Stil in seinen Kunstwerken weiter populär gemacht.

Animation außerhalb der USA in den 1960er Jahren

• わんぱく王子の大蛇退治 (Der kleine Prinz und der achtköpfige Drache) (Japan, 1963 Feature)
• 大鬧天宮 (Havoc in Heaven) (China, 1963 Spielfilm)
• ガリバーの宇宙旅行 (Gullivers Reisen jenseits des Mondes) (Japan, 1965 Spielfilm)
• Calimero (Italien/Japan 1963–1972, Fernsehserie)
• Belvision ‚s Pinocchio in Outer Space (Belgien / USA 1965, Feature Regie Ray Goossens )
• West und Soda (Italien 1965, erster Spielfilm von Bruno Bozzetto )

1970er

Durchbruch der erwachsenenorientierten und gegenkulturellen Feature-Animation

Ralph Bakshi fand die Vorstellung, dass "erwachsene Männer in Kabinen sitzen und Schmetterlinge über einer Blumenwiese zeichnen, während amerikanische Flugzeuge in Vietnam Bomben abwerfen und Kinder durch die Straßen marschieren, lächerlich ist". Er schuf daher eine eher gesellschaftspolitische Art der Animation, beginnend mit Fritz the Cat (1972), basierend auf den Comics von Robert Crumb und dem ersten animierten Spielfilm, der ein X-Rating erhielt . Das X-Rating wurde verwendet, um den Film zu promoten und er wurde zum umsatzstärksten unabhängigen Animationsfilm aller Zeiten. Der Erfolg von Heavy Traffic (1973) machte Bakshi zum ersten seit Disney, der zwei finanziell erfolgreiche animierte Spielfilme hintereinander hatte. Der Film verwendete eine künstlerische Mischung von Techniken mit teilweise stiller Fotografie als Hintergrund, eine Live-Action-Szene von Modellen mit bemalten Gesichtern, die in negativer Kinematografie wiedergegeben wurden, eine Szene, die in sehr begrenzter skizzenhafter Animation wiedergegeben wurde, die nur teilweise koloriert war, detaillierte Zeichnung, Archiv Filmmaterial und die meisten Charaktere in einem einheitlichen Cartoon-Stil animiert, mit Ausnahme der letzten zehn Minuten, die vollständig als Standard-Live-Action-Film gedreht wurden. In den meisten seiner nächsten Projekte experimentierte er weiterhin mit verschiedenen Techniken. Seine nächsten Projekte Hey Good Lookin' (1975 fertiggestellt, aber von Warner Bros. bis zur Veröffentlichung in einer angepassten Version 1982 zurückgestellt) und Coonskin (1975, litt unter Protesten gegen den wahrgenommenen Rassismus, während er ihn tatsächlich persiflierte) waren weit weniger erfolgreich, aber erhielt später mehr Anerkennung und wurde zu Kultfilmen.

Bakshi fand mit den Fantasy-Filmen Wizards (1977) und Der Herr der Ringe (1978) neue Erfolge . Beide verwendeten Rotoskopie für massive Kampfszenen. Für Wizards wurde die Technik auf Archivmaterial als Lösung für Haushaltsprobleme verwendet und in einem psychedelischen und künstlerischen Stil gerendert. Für Der Herr der Ringe wurde es zu einem Mittel, um einen Look zu kreieren, den Bakshi als "echte Illustration im Gegensatz zu Cartoons" für einen Film bezeichnete, der Tolkiens Arbeit treu bleiben wollte , mit Referenzmaterial, das mit kostümierten Schauspielern in Spanien gedreht wurde. Der eher familienorientierte Fernsehfilm The Return of the King (1979) von Rankin/Bass und Topcraft wird manchmal als inoffizielle Fortsetzung angesehen, nachdem Bakshis beabsichtigter zweiter Teil nicht gedreht wurde, aber sie hatten bereits unabhängig mit der Adaption der Geschichte im Fernsehen begonnen mit Der Hobbit im Jahr 1977.

Die fantasievolle französisch-tschechische Science-Fiction-Produktion La Planète sauvage (1973) wurde bei den Filmfestspielen von Cannes 1973 mit dem Grand Prix-Sonderpreis der Jury ausgezeichnet und 2016 vom Rolling Stone als 36. größter Animationsfilm aller Zeiten eingestuft .

Die britische Produktion Watership Down (Film) (1978) war ein großer internationaler Erfolg. Es zeigte Tierfiguren, die vor Aquarellhintergründen realistischer als anthropomorph aussahen. Trotz seiner dunklen und gewalttätigen Aspekte wurde es in Großbritannien als für alle Altersgruppen geeignet erachtet und in den Vereinigten Staaten als PG eingestuft .

Anime in Europa

Anime-Import bot relativ billige Animationsserien, aber einige europäische Sender dachten an Animationen etwas für kleine Kinder und programmierten Anime-Serien allzu leicht entsprechend. Dies führte zu viel Kritik, als einige Programme als zu gewalttätig für Kinder erachtet wurden. Für viel mehr Erfolg in Europa sorgten kindgerechte Adaptionen europäischer Geschichten mit populären Titeln wie (Heidi, Mädchen der Alpen) (1974) und (Die Honigbiene Maja) (1975).

In Europa waren nur wenige Animationsstudios aktiv und die Gründung eines neuen Studios erforderte viel Zeit, Mühe und Geld. Für europäische Produzenten, die sich für Animationsserien interessieren, war es sinnvoll, mit japanischen Studios zusammenzuarbeiten, die erschwingliche Animationen in relativ hoher Qualität anbieten konnten. Daraus entstandene Produktionen sind Barbapapa (Niederlande/Japan/Frankreich 1973–1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ(Österreich/Deutschland/Japan 1974), Il était une fois... (Once Upon a Time...) (Frankreich/Japan 1978) und Doctor Snuggles (Niederlande/Westdeutschland/Japan/USA 1979).

Künstlerische Kurzanimations-Highlights

Kurze Animationsfilme wurden meist zu einem Medium für Filmfestivals, in denen unabhängige Animatoren ihr Talent präsentierten. Mit den großen Studios abseits des Feldes wurden der Oscar für den besten animierten Kurzfilm und Nominierungen der 1970er und 1980er Jahre meist für relativ unbekannte Künstler vergeben.

La Linea (Italien 1971, 1978, 1986) ist eine beliebte Animationsserie mit einer Hauptfigur, die aus einem Teil einer ansonsten geraden weißen Linie besteht, die horizontal über den Bildschirm verläuft.

Der sowjetisch-russische Animator Yuri Norstein "wird von vielen nicht nur als der beste Animator seiner Zeit, sondern als der beste aller Zeiten angesehen". In den 1970er Jahren veröffentlichte er eine Handvoll preisgekrönter Kurzfilme:

• Die Schlacht von Kerschenez ( Сеча при Керженце , 1971), in Zusammenarbeit mit Ivan Ivanov-Vano
• Der Fuchs und der Hase ( иса и заяц , 1973).
• Der Reiher und der Kranich ( Цапля и журавль , 1974).
• Igel im Nebel ( ик в тумане , 1975).
• Tale of Tales ( казка сказок , 1979).

Er arbeitet seit 1981 an The Overcoat ( Шинель ) und wirkte bei Winter Days (冬の日, 2003) mit .

Frühe animierte Musikvideos

Obwohl die Kombination von Musik und Animation eine lange Tradition hatte, dauerte es einige Zeit, bis Animationen Teil der Musikvideos wurden, nachdem das Medium Mitte der 1970er Jahre zu einem eigenen Genre wurde.

Halas und Batchelor produzierten ein animiertes Video zu Roger Glovers Love Is All (1974), das über Jahrzehnte international ausgestrahlt wurde, oft als Zwischenprogramm .

Pink Floyds 1977 Welcome to the Machine Musikvideo , animiert von Gerald Scarfe, diente zunächst nur als Kulisse für Konzertaufführungen.

Elvis Costello ‚s Accidents Will Happen (1979) wurde hergestellt von Annabelle Janckel und Rocky Morton, bekannt für ihre animierten Werbespots. Trotz einer zunächst lauwarmen Aufnahme hat das Video inzwischen Beifall erfahren.

Roger Mainwood und John Halas erstellten 1979 ein animiertes Musikvideo für Kraftwerk 's Autobahn . Der kurze wortlose Dokumentarfilm Making it move... zeigte den Produktionsprozess.

Eine Karikatur für Linda McCartney ‚s Meer Frau wurde von Oscar Grillo und gewann eine Goldene Palme für den besten Kurzfilm beim Festival von Cannes im Jahr 1980 gemacht.

1980er Jahre

Tiefpunkt der US-Animation (Anfang der 1980er Jahre)

Die Animation für das US-Fernsehprogramm war formelhaft geworden, basierte oft auf Charakteren, die aus anderen Medien bekannt waren, und ein Großteil der eigentlichen (begrenzten) Animationsarbeit wurde an billige asiatische Arbeitskräfte ausgelagert. Mehrere beliebte animierte TV - Serien für Kinder konnten so wenig mehr als Werbung wahrgenommen werden, da sie auf Spielzeuglinien beruhten, einschließlich Mattell ‚s He-Man und die Masters of the Universe (1983-1985) und Hasbro ‘ s GI Joe (1983 -1986), The Transformers (1984-1987) und My Little Pony (1986-1987).

Vor allem im Nachhinein wurden Disney-Spielfilme in den ersten Jahrzehnten nach Walt Disneys Tod im Jahr 1966 als ein dunkles Zeitalter wahrgenommen (trotz einer stetigeren Reihe von Kassenerfolgen als in den Jahrzehnten, in denen Walt lebte). Das Scheitern von The Black Cauldron (1985), das mit einem ehrgeizigen Budget erstellt wurde, war eindeutig ein neuer Tiefpunkt.

Animationshighlights außerhalb der USA

Im Vergleich zum US-amerikanischen Animationsoutput um Anfang der 1980er Jahre erschienen Anime und internationale Koproduktionen einfallsreicher und vielversprechender.

Einer der größten TV-Hits seit Jahren war Die Schlümpfe (1981–1989), produziert von SEPP International des Belgiers Freddy Monnickendam in Zusammenarbeit mit Hanna-Barbera. Sie arbeiteten auch erfolgreich an Snorks (1984–1989) und Foofur (1986–1988) zusammen. Auch die Produktion für Bibifoc (Seabert) von Bzz Films (1984–1988) wurde von SEPP übernommen.

Weitere bemerkenswerte internationale Koproduktionen sind Inspector Gadget (Frankreich/USA 1983) und The Wonderful Wizard of Oz (Kanada/Japan 1986–1987).

Zu den neuen japanischen Anime-Serien, die auf europäischem Material basieren, gehörten (The Wonderful Adventures of Nils) (1980-1981) undスプーンおばさん (Mrs. Pepper Pot) (1983-1984).

Anime hatte zusammen mit gedruckten Mangas in Japan eine enorme Fangemeinde aufgebaut und wurde zu einem großen Teil der Mainstream-Kultur des Landes. Unter den vielen Genres des Anime wurde Mecha (Riesenroboter-Science-Fiction) besonders ikonisch. Der relativ neue Heimvideomarkt wurde sehr groß und Original Video Animation (OVA) wurde zu einem sehr geschätzten Medium, oft mit qualitativ hochwertigeren Produktionen als denen für das Fernsehen (im Gegensatz zu den USA, wo Direct-to-Video hauptsächlich ein Medium für Veröffentlichungen, von denen erwartet wurde, dass sie nicht populär genug sind, um einen Kinostart oder eine Fernsehübertragung zu rechtfertigen und die daher oft mit einem viel geringeren Budget produziert werden). Natürlich eignete sich das Medium OVA für den Konsum von erotischen und pornografischen Animationen. Die erste Erotik-Ova-Veröffentlichung war die Serieロリータアニメ (Lolita Anime) von Februar 1984 bis Mai 1985, kurz darauf folgte die Cream Lemon- Serie (August 1984 – 2005). Das Genre wurde international als Hentai bekannt und ist berüchtigt dafür, dass es oft perverse Themen enthält, einschließlich Sex mit Minderjährigen, Monstersex und Tentakelsex (ursprünglich entwickelt, um die japanischen Zensurbestimmungen zu umgehen).

Hayao Miyazakis epische Kinofilme Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), basierend auf seinem eigenen Manga, und天空の城ラピュタ (Castle in the Sky) (1986) werden regelmäßig als einige der größten Animationsfilme überhaupt gelobt Zeit . Castle in the Sky war der erste Spielfilm für Studio Ghibli , das 1985 von Miyazaki mit Isao Takahata und anderen gegründet wurde. Studio Ghibli setzte seinen Erfolg mit Takahatas WWII-Film火垂るの墓 (Grab der Glühwürmchen) (1988) und Miyazakis ikonischenとなりのトトロ (Mein Nachbar Totoro) (1988) und魔女の宅急便 (Kikis Lieferservice) (1989) fort.

Renaissance der US-Animation

Don Bluth , der Disney 1979 zusammen mit neun anderen Animatoren verlassen hatte, begann 1982 mit The Secret of NIMH in den Kinos mit seinem ehemaligen Arbeitgeber zu konkurrieren . Der Film erntete Kritikerlob, war aber an den Kinokassen nur ein bescheidener Erfolg. In Zusammenarbeit mit Steven Spiel ‚s Amblin Entertainment , Feivel (1986) wurde die erfolgreichste nicht-Disney Animationsfilm an der Zeit. The Land Before Time (1988) war ebenso erfolgreich, aber Bluths nächste fünf Spielfilme floppten.

Mighty Mouse: The New Adventures (1987–1989) war eine der ersten animierten TV-Shows, die die frühere Qualität und Originalität amerikanischer Cartoons wiedererlangte. Es wurde von Ralph Bakshi produziert und die erste Staffel wurde von John Kricfalusi betreut, mit viel Freiheit für die Künstler, in ihrem eigenen Stil zu arbeiten. Anstatt eine nostalgische Aufarbeitung der ursprünglichen Terrytoons-Serie zu machen, wurde versucht, die Qualität und den verrückten Humor der Looney Tunes- Klassiker nachzubilden .

In den Kinos erinnerte Robert Zemeckis 'Live-Action-/Animationshit Who Framed Roger Rabbit (1988) ebenfalls an die Qualität und verrückte Komödie des goldenen Zeitalters der Cartoons, mit Cameo-Auftritten vieler Superstars dieser Ära, darunter Mickey, Minnie , Donald, Goofy, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker und die Mel Blanc-stimmigen Bugs Bunny, Daffy Duck, Porky Pig, Tweety und Sylvester. Der Film gewann mehrere Oscars und trug dazu bei, das Interesse an Kinofilmanimationen und den klassischen Zeichentrickfilmen wiederzubeleben. Der vollständig animierte Roger Rabbit-Kurzfilm Tummy Trouble (1989) wurde dann mit der Live-Action-Familienkomödie Honey, I Shrunk the Kids verpackt und soll dem Film zu einem schnellen Start an den Kinokassen verholfen haben.

Matt Groening ‚s Die Simpsons im April 1987 als kurzes Segment begannen in-Sketch - Comedy - Show The Tracey Ullman Show und bekam ihre eigene Primetime halbe Stunde Sitcom im Dezember 1989. Es wurde zu einem der größten Comic - Hits in der Geschichte und ist die am längsten laufende US-amerikanische Primetime-Fernsehserie .

Während die Erfolge von The Great Mouse Detective (1986) und Oliver and Company (1988) bereits dazu beigetragen hatten, das Disney-Studio wieder auf Kurs zu bringen, schlugen sie mit dem Kassenrekord-Hit The Little Mermaid (1989) Gold . Eine Aufnahme für die Regenbogensequenz am Ende von The Little Mermaid war die erste Feature-Animation, die mit dem Computer Animation Production System (CAPS) erstellt wurde, das Disney und Pixar gemeinsam zusammengestellt hatten. Dieses digitale Tinten- und Farbsystem ersetzte die teure Methode des manuellen Einfärbens und Färbens von Cels und bot Filmemachern neue kreative Werkzeuge.

1990 wurde der Boom der animierten Hits als Comeback angekündigt, das mit dem goldenen Zeitalter der Cartoons konkurrieren könnte.

Erwachsenenorientierte Theateranimation in den 1980er Jahren

Bakshis Rockmusical American Pop (1981) war ein weiterer Erfolg, hauptsächlich mit der Rotoskop-Technik in Kombination mit einigen Aquarellen, Computergrafiken, Live-Action-Aufnahmen und Archivmaterial. Sein nächster Film Fire and Ice (1983) war eine Zusammenarbeit mit dem Künstler Frank Frazetta . Es war einer von vielen Filmen im Genre Schwert und Hexerei, die nach dem Erfolg von Conan der Barbar (1982) und The Beastmaster (1982) veröffentlicht wurden. Kritiker schätzten die Grafiken und Actionsequenzen, aber nicht das Drehbuch, und der Film floppte an den Kinokassen. Nachdem er mehrere Projekte nicht auf den Weg gebracht hatte, zog sich Bakshi für einige Jahre zurück.

Der kanadische Anthologie-Hitfilm Heavy Metal (1981) basierte auf Comics, die im beliebten Heavy Metal- Magazin veröffentlicht und von seinem Gründer koproduziert wurden. Gemischte Kritiken hielten den Film für ungleichmäßig, jugendlich und sexistisch. Es folgte schließlich im Jahr 2000 der schlecht aufgenommene Heavy Metal 2000 und wurde 2019 als Netflix- Serie Love, Death & Robots neu interpretiert.

Der düstere Rockopernfilm Pink Floyd – The Wall (1982) enthielt 15 Minuten lang animierte Segmente des britischen Karikaturisten Gerald Scarfe , der bereits für das Album von 1979 und die Konzerttournee 1980-81 entsprechende Artworks entworfen hatte . Ein Teil des Animationsmaterials des Films wurde bereits 1979 für das Musikvideo zu „ Another Brick in the Wall: Part 2 “ und für die Tour verwendet. Scarfe hatte auch Animationen für Pink Floyds 1977 In the Flesh- Tour gemacht.

Der erfolgreiche britische Atomkatastrophenfilm When the Wind Blows (1986) zeigte handgezeichnete Charaktere vor realen Hintergründen, mit Stop-Motion für bewegte Objekte.

Der gewalttätige postapokalyptische Cyberpunk- Anime Akira (1988) erlangte außerhalb Japans zunehmende Popularität und wird heute weithin als Klassiker angesehen.

MTV und animierte Videos

MTV startete 1981 und machte das Medium Musikvideo weiter populär, das relativ viel künstlerischen Ausdruck und kreative Techniken zuließ, da alle Beteiligten wollten, dass ihr Video auffällt. Viele der berühmtesten Musikvideos der 1980er Jahre enthielten Animationen, die oft mit Techniken erstellt wurden, die sich von der Standard-Cel-Animation unterschieden. Zum Beispiel zeigte das ikonische Video zu Peter Gabriels Sledgehammer (1986) Claymation , Pixelation und Stop Motion von Aardman Animations und dem Brothers Quay .

A-ha 's " Take On Me " (1985) kombinierte bekanntermaßen Live-Action mit realistischer Bleistiftzeichnungsanimation von Michael Patterson . Das Video wurde von Steve Barron gedreht , der im selben Jahr auch die bahnbrechende computeranimierte Dire Straits " Money for Nothing " inszenieren sollte . Das a-ha-Video wurde von Alex Pattersons CalArts- Abschlussfilm Commuter (1984) inspiriert , der die Aufmerksamkeit von Warner Bros. Records-Managern auf sich gezogen hatte und teilweise wieder für A-ha's Train of Thought- Video verwendet werden sollte.

Patterson auch Regie Paula Abdul ‚s Opposites Attract (1989), mit seiner animierten Kreation MC Skat Kat .

" The Harlem Shuffle " (1986) der Rolling Stones zeigte animierte Elemente unter der Regie von Ralph Bakshi und John Kricfalusi , die in wenigen Wochen erstellt wurden.

Die ursprünglichen Stoßfänger für die Mondlandung auf MTV wurden Anfang 1986 nach der Challenger- Katastrophe gezogen. MTV förderte dann sein wildes künstlerisches postmodernes Image durch eine Vielzahl experimenteller Ident-Stoßfänger, die meisten davon animiert. Animatoren wurden normalerweise nicht im Abspann genannt, konnten aber in ihren eigenen identifizierbaren Stilen arbeiten. Zum Beispiel zeigte der Beitrag des kanadischen Animators Danny Antonucci anonym seinen Lupo the Butcher- Charakter, der sein psychotisches Geschwafel äußern durfte.

Ab etwa 1987 hatte MTV eine eigene Animationsabteilung und begann langsam, mehr Animation zwischen seinen musikbezogenen Programmen einzuführen. Bill Plympton ist Microtoons ist ein frühes Beispiel.

1990er Jahre

Disneys Die Schöne und das Biest (1991) (der erste Animationsfilm der Geschichte, der für den Oscar als bester Film nominiert wurde ), Aladdin (1992) und Der König der Löwen (1994) brachen nacheinander die Kassenrekorde. Pocahontas (1995) wurde für gemischte Kritiken geöffnet, war aber ein finanzieller Erfolg und erhielt zwei Oscars . Mulan (1998) und Tarzan (1999) übertrafen Der König der Löwen als den umsatzstärksten (traditionell) Animationsfilm aller Zeiten , spielten jedoch beide weltweit über 300 Millionen Dollar ein. Der Glöckner von Notre Dame (1996) war zu dieser Zeit ein finanzieller Erfolg, enthielt jedoch sehr dunkle und erwachsene Themen und ist seitdem zu einem der weniger bekannten Filme von Disney geworden. Alle Filme, die in dieser Zeit veröffentlicht wurden, gelten als Teil der Disney-Renaissance oder des Zweiten Goldenen Zeitalters. Nur die Fortsetzungen The Rescuers Down Under (1990) und Hercules (1997) blieben hinter den Erwartungen an den Kinokassen zurück. Ab 1994 produzierte Disney weiterhin Fortsetzungen erfolgreicher Titel in Spielfilmlänge , jedoch nur als Direct-to-Video-Veröffentlichungen.

Der Erfolg der Disney Renaissance zog die Aufmerksamkeit vieler Animationsstudios und Filmstudios auf sich. Große Filmstudios gründeten neue Animationsabteilungen wie Amblimation , Fox Animation Studios oder Warner Bros. Feature Animation, um den Erfolg von Disney zu wiederholen, indem sie ihre Animationsfilme in Musicals im Disney-Stil verwandelten.

John Kricfalusis einflussreiche The Ren & Stimpy Show (1991–1995) erntete breite Anerkennung. Eine Zeit lang war es die beliebteste Kabelfernsehsendung in den Vereinigten Staaten. Als Kinderzeichentrickfilm programmiert, war er wegen seines schwarzen Humors , seiner sexuellen Anspielungen , seiner Witze für Erwachsene und seines Schockwertes berüchtigt umstritten .

Der enorme Erfolg von The Simpsons und The Ren & Stimpy Show führte zu originelleren und relativ gewagten Serien, darunter South Park (seit 1997), King of the Hill (1997–2010), Family Guy (seit 1999) und Futurama (1999– 2003).

Die Verwendung von Animationen auf MTV nahm zu, als der Sender anfing, immer mehr Shows zu machen, die nicht wirklich zu ihrem "Musikfernsehen"-Namen passten. Liquid Television (1991 bis 1995) präsentierte Beiträge, die größtenteils von unabhängigen Animatoren speziell für die Show erstellt wurden, und brachte separate Serien Æon Flux und Beavis and Butt-Head (1993–1997) hervor. Andere Zeichentrickserien der 1990er Jahre auf MTV waren The Head (1994-1996) und The Maxx (1995), beide unter dem MTV- Banner Oddities . Bis 2001 schloss MTV seine Animationsabteilung, begann, ihre Zeichentrickserien auszulagern und importierte schließlich Shows aus verbundenen Netzwerken.

Der 24-Stunden- Kabelkanal Cartoon Network wurde am 1. Oktober 1992 in den Vereinigten Staaten gestartet und es folgten bald seine ersten internationalen Versionen . Ursprünglich bestand das Programm aus klassischen Cartoons aus den Backkatalogen von Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous und Hanna-Barbera. Von 1996 bis 2003 liefen neue Originalserien als Cartoon Cartoons und führten die beliebten Titel Dexter's Laboratory (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Cow and Chicken (1997–1999), I Am Weasel (1997–2000) ein. , The Powerpuff Girls (1998–2005) und Ed, Edd n Eddy (1999–2009).

Auch Fernsehanimationen für Kinder florierten in den Vereinigten Staaten weiterhin auf speziellen Kabelkanälen wie Nickelodeon , Disney Channel / Disney XD , PBS Kids und in syndizierten Nachmittags-Slots.

2000er–2010er: Im Schatten der Computeranimation

Nach dem Erfolg von Pixar ‚s Toy Story (1995) und Dreamworks Animation ‘ s Shrek (2001), wuchs die Computeranimation in die dominante Animationstechnik in den USA und vielen anderen Ländern. Selbst traditionell aussehende Animationen wurden immer häufiger vollständig mit Computern erstellt. Bis 2004 wurden nur noch kleine Produktionen mit traditionellen Techniken erstellt.

In den ersten Jahrzehnten des 21. Jahrhunderts wurde der 3D-Film auch in den Kinos zum Mainstream. Der Produktionsprozess und der visuelle Stil von CGI eignen sich perfekt für die 3D-Betrachtung, viel mehr als herkömmliche Animationsstile und -methoden. Viele traditionell animierte Filme können jedoch in 3D sehr effektiv sein. Disney veröffentlichte 2011 erfolgreich eine 3D-Version von The Lion King , gefolgt von Beauty and the Beast im Jahr 2012. Eine geplante 3D-Version von The Little Mermaid wurde abgesagt, als Beauty and the Beast und zwei 3D-konvertierte Pixar-Titel bei der Theaterkasse.

Disney-Pixar

Disney begann mit Dinosaur und Chicken Little , eigene computeranimierte Features im 3D-Stil zu produzieren , produzierte jedoch weiterhin animierte Features mit einem traditionellen Look: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002 .). ), Treasure Planet (2002), Brother Bear (2003) und Home on the Range (2004).

Treasure Planet und Home on the Range waren große Flops mit großen Budgets und es sah so aus, als würde Disney nur mit 3D-Computeranimationen fortfahren. Eine Finanzanalyse im Jahr 2006 bewies, dass Disney mit seinen Animationsproduktionen der letzten zehn Jahre tatsächlich Geld verloren hatte. In der Zwischenzeit haben sich die CGI-Funktionen von Pixar sehr gut entwickelt. Um die Dinge zu ändern, erwarb Disney Pixar im Jahr 2006 und übertrug als Teil des Deals die kreative Kontrolle über Pixar und Walt Disney Animation Studios in die Hände von Pixars John Lasseter . Die Studios würden eigenständige juristische Personen bleiben . Unter Lasseter entwickelte das Disney-Studio sowohl traditionell gestylte als auch 3D-animierte Animationsprojekte.

Der Kinokurzfilm How to Hook Up Your Home Theatre (2007) testete, ob neue papierlose Animationsverfahren für einen Cartoon-ähnlichen Look der 1940er und 1950er Jahre verwendet werden könnten, wobei Goofy bei seinem ersten Soloauftritt in 42 . zu seiner „ Jedermann “ -Rolle zurückkehrte Jahre.

Ron Clements und John Muskers Spielfilm The Princess and the Frog (2009) war ein mäßiger kommerzieller und kritischer Erfolg, aber nicht der Comeback-Hit für traditionelle Spielfilme , den sich das Studio erhofft hatte. Sein wahrgenommenes Versagen wurde hauptsächlich auf die Verwendung von "Prinzessin" im Titel zurückgeführt, was potenzielle Kinobesucher denken ließ, dass es nur für kleine Mädchen und altmodisch sei.

Winnie the Pooh (2011) erhielt positive Kritiken, scheiterte jedoch an den Kinokassen und wurde bis heute Disneys letzter traditioneller Spielfilm. Frozen (2013) wurde ursprünglich im traditionellen Stil konzipiert, wechselte jedoch zu 3D-CGI, um die Erstellung bestimmter erforderlicher visueller Elemente zu ermöglichen, und wurde zu dieser Zeit zu Disneys größtem Hit und übertraf sowohl The Lion King als auch Toy Story 3 als die umsatzstärksten Animationsfilme Film aller Zeiten . Es gewann den ersten Oscar des Studios für den besten Animationsfilm.

Anime

Außerhalb Nordamerikas erfreuten sich handgezeichnete Animationen weiterhin großer Beliebtheit. Vor allem in Japan, wo traditionell gestylter Anime noch immer die dominierende Technik war. Die Popularität von Anime stieg im Inland weiter an, mit einer rekordhohen 340 Anime-Serie, die 2015 im Fernsehen ausgestrahlt wurde, sowie international mit einem eigenen Toonami- Block auf Cartoon Network (1997–2008) und Adult Swim (seit 2012) und mit Streaming Dienste wie Netflix und Amazon Prime lizenzieren und immer mehr Anime produzieren.

Ghibli setzte seinen enormen Erfolg mit Miyazakis Spirited Away (2001),ハウルの動く城 (Howls Moving Castle) (2004),崖の上のポニョ (Ponyo) (2008) und風立ちぬ (The Wind Rises) (2013) und Hiromasa Yonebayashi借りぐらしのアリエッティ (The Secret World of Arrietty) (2010), die alle weltweit mehr als 100 Millionen US-Dollar einspielten und in den Top 10 der umsatzstärksten Anime-Filme aller Zeiten erscheinen (Stand 2020). Takahatasかぐや姫の物語 (The Tale of the Princess Kaguya) (2013) wurde für einen Oscar für den Oscar als bester animierter Spielfilm und viele andere Auszeichnungen nominiert.

Makoto Shinkai führte Regie bei (Your Name) (2016, international erfolgreichster Anime-Film aller Zeiten) und (Weathering with You) (2019).

Vergleich mit Stop-Motion

Nach der Pionierarbeit von J. Stuart Blackton , Segundo de Chomón und Arthur Melbourne-Cooper wurde Stop Motion zu einem Zweig der Animation, der viel weniger dominant war als handgezeichnete Animation und Computeranimation. Dennoch gab es viele erfolgreiche Stop-Motion-Filme und Fernsehserien. Zu den Animatoren, deren Arbeit mit animierten Puppen die höchste Anerkennung erhielt, gehören Wladyslaw Starewicz , George Pal und Henry Selick . Beliebte Titel, die animierten Ton verwenden, sind Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) und viele Aardman Animations- Produktionen ( Morph (1977) und Wallace und Gromit (1989)) .

In den Händen einflussreicher Filmemacher wie Jan Svankmajer und Brothers Quay ist Stop Motion ein hochkünstlerisches Medium. Außerhalb der abstrakten Animation, des absoluten Films und der direkten Animation hat (figurative) handgezeichnete Animation relativ weniger Assoziationen mit künstlerischem Gebrauch.

Bis sie weitgehend durch computeranimierte Effekte ersetzt wurde, war Stop-Motion auch eine beliebte Technik für Spezialeffekte in Live-Action-Filmen. Pionier Willis O'Brien und sein Schützling Ray Harryhausen animierten viele Monster und Kreaturen für Live-Action-Hollywood-Filme mit Modellen oder Puppen mit Armaturen. Im Vergleich dazu wurden handgezeichnete Animationen relativ oft mit Live-Action kombiniert, jedoch meist auf offensichtliche Weise und oft als überraschendes Gimmick verwendet, das eine "reale" Welt und eine Fantasie- oder Traumwelt kombiniert. Nur sehr selten wurden handgezeichnete Animationen als überzeugende Spezialeffekte eingesetzt (zB im Höhepunkt von Highlander (1986)).

Vergleich zur Ausschnittanimation

Ausschnitttechniken wurden in Animationsfilmen relativ häufig verwendet, bis die Cel-Animation zur Standardmethode wurde (zumindest in den Vereinigten Staaten). Die frühesten animierten Spielfilme von Quirino Cristiani und Lotte Reiniger waren ausgeschnittene Animationen.

Vor 1934 wurden in der japanischen Animation meistens Ausschnitttechniken anstelle von Cel-Animationen verwendet, da Zelluloid zu teuer war.

Da Ausschnitte oft von Hand gezeichnet wurden und einige Produktionen mehrere Animationstechniken kombinieren, kann die Ausschnittanimation manchmal der handgezeichneten traditionellen Animation sehr ähnlich sehen.

Während sie manchmal als einfache und billige Animationsmethode in Kinderprogrammen verwendet wird (z. B. in Ivor the Engine ), ist die Cutout-Animation in den Händen von z. B. Harry Everett Smith , Terry Gilliam und Jim Blashfield ein relativ künstlerisches und experimentelles Medium geblieben .

Heute werden Animationen im Cutout-Stil häufig mit Computern erstellt , wobei gescannte Bilder oder Vektorgrafiken an die Stelle von physisch geschnittenem Material treten . South Park ist ein bemerkenswertes Beispiel für den Übergang, da seine Pilotfolge mit Scherenschnitten gedreht wurde, bevor er auf Computersoftware umgestellt wurde . Ähnliche stilistische Entscheidungen und Mischungen mit verschiedenen Techniken in der Computeranimation haben es schwieriger gemacht, zwischen "traditionellen", ausgeschnittenen und Flash-Animationsstilen zu unterscheiden .

Computeranimation

Erste Experimente mit Computern zur Erzeugung von (abstrakten) Bewegtbildern wurden seit den 1940er Jahren durchgeführt.

Das früheste bekannte interaktive elektronische Spiel wurde 1947 entwickelt und ebnete den Weg für ein Medium, das als interaktiver Zweig der Computeranimation betrachtet werden kann (der sich stark von Animationsfilmen unterscheidet).

Eine kurze Vektoranimation eines Autos, das auf einer geplanten Autobahn fährt, wurde am 9. November 1961 im schwedischen Fernsehen ausgestrahlt.

1968 erstellten sowjetische Physiker und Mathematiker ein mathematisches Modell für die Bewegung einer Katze, mit dem sie einen kurzen Animationsfilm produzierten.

1971 wurde das erste kommerzielle (münzbetriebene) Videospiel vermarktet. Pong von Atari, Inc. im nächsten Jahr , mit sehr einfachen zweidimensionalen Grafiken, war ein großer Erfolg.

Seit den 1970er Jahren wurden digitale Bildverarbeitung und computergenerierte Bilder, darunter frühe 3D- Drahtmodell- Animationen, gelegentlich in Werbespots sowie zur Darstellung futuristischer Computertechnik in großen Hollywood-Produktionen (u. a. Star Wars ) eingesetzt.

Seit 1974 werden die jährlichen SIGGRAPH- Kongresse organisiert, um aktuelle Entwicklungen und neue Forschungen auf dem Gebiet der Computergrafik vorzustellen.

3D-Animationen begannen in den 1980er Jahren mehr kulturelle Auswirkungen zu haben, was beispielsweise im Film Tron von 1982 und dem Musikvideo zu Money for Nothing (1985) von den Dire Straits demonstriert wurde . Das Konzept brachte sogar einen beliebten künstlichen 3D-animierten KI- Charakter hervor: Max Headroom .

In den 1990er Jahren wurde die 3D-Animation vor allem in Videospielen immer mehr zum Mainstream und hatte schließlich 1995 mit Pixars Spielfilmhit Toy Story einen großen Durchbruch .

Für Spezialeffekte in Werbespots und Filmen werden seit den 1980er Jahren mehr oder weniger fotorealistische 3D-Animationen eingesetzt. Durchbruchseffekte wurden in Terminator 2: Judgement Day (1991) und Jurassic Park (1993) beobachtet. Seitdem haben sich die Techniken so weit entwickelt, dass der Unterschied zwischen CGI und realer Kinematografie selten offensichtlich ist. Filmemacher können beide Arten von Bildern nahtlos mit der virtuellen Kinematografie kombinieren . The Matrix (1999) und seine beiden Fortsetzungen gelten in der Regel als bahnbrechende Filme auf diesem Gebiet.

Aufgrund der Komplexität der menschlichen Körperfunktionen, Emotionen und Interaktionen waren Filme mit wichtigen Rollen für vollständig 3D-animierte realistisch aussehende menschliche Charaktere selten. Je realistischer ein CG-Charakter wird, desto schwieriger ist es, die Nuancen und Details einer lebenden Person zu erzeugen und desto größer ist die Wahrscheinlichkeit, dass der Charakter ins unheimliche Tal fällt . Filme, die versucht haben, realistisch aussehende Menschen zu erschaffen, sind Final Fantasy: The Spirits Within im Jahr 2001, Final Fantasy: Advent Children im Jahr 2005, The Polar Express im Jahr 2004, Beowulf im Jahr 2007 und Resident Evil: Degeneration im Jahr 2009.

Die Schaffung virtueller Welten ermöglicht Echtzeitanimation in der virtuellen Realität , einem Medium, mit dem seit 1962 experimentiert wird und in den 1990er Jahren kommerzielle Unterhaltungsanwendungen zu sehen begannen.

In den ersten Jahrzehnten des 21. Jahrhunderts wurden Computeranimationstechniken langsam viel häufiger als traditionelle Cel-Animationen. Um die sehr geschätzte Aussehen der traditionellen Animation für 3D - animierte Techniken, CEL neu Shading - Techniken wurden entwickelt. Echtes Echtzeit-Cel-Shading wurde erstmals im Jahr 2000 von Sega 's Jet Set Radio für ihre Dreamcast- Konsole eingeführt.

Premiere in der Animation

Jahr	Meilenstein	Film	Anmerkungen
1917	Spielfilm	El Apóstol	Erstellt mit Ausschnitt-Animation ; gilt jetzt als verloren
1926		Die Abenteuer des Prinzen Achmed	Ältester überlebender animierter Spielfilm, Silhouettenanimation ausgeschnitten
1919	Im Rotoskop gefilmt	Der Welpe des Clowns	Kurzfilm
1924	Synchronisierter Ton auf Film	Oh Mabel	Kurzfilm; verwendet den Phonofilm- Sound von Lee de Forest beim Filmprozess , obwohl keiner der Charaktere auf dem Bildschirm "spricht".
1926	Synchronisierter Ton auf Film mit animierten Dialogen	Mein altes Haus in Kentucky	Kurzfilm; verwendet den Phonofilm-Sound von Lee de Forest beim Filmprozess; eine Hundefigur mundet die Worte: "Folgt dem Ball und macht mit, alle!"
1930	Gefilmt in zweifarbigem Technicolor	König des Jazz	In diesem abendfüllenden Live-Action-Technicolor-Spielfilm erscheint im April 1930 eine dreiminütige Zeichentricksequenz, die von Walter Lantz produziert wurde .
1930	Zweifarbiges Technicolor in einem eigenständigen Cartoon	Geigenstöcke	Dieser von Ub Iwerks produzierte Kurzfilm wurde im August 1930 veröffentlicht und ist der erste eigenständige Farbcartoon.
1930	Spielfilmlänge Puppen animiert ( Stop-Motion ) -Film	Das Märchen vom Fuchs
1931	Tonfilm in Spielfilmlänge	Peludópolis
1932	Gefilmt in Dreistreifen-Technicolor	Blumen und Bäume	Kurzfilm
1937	Erster Film mit Disneys Multiplane-Kamera	Die alte Mühle	Kurzfilm. Ein Vorläufer der Mehrebenentechnik wurde bereits für Die Abenteuer des Prinzen Achmed verwendet . Ub Iwerks hatte 1934 eine frühe Version der Multiplane-Kamera für seinen Comicolor Cartoon The Headless Horseman entwickelt .
	Spielfilm in Technicolor-Dreistreifen gedreht	Schneewittchen und die sieben Zwerge
1940	Stereophonischer Ton	Fantasie	Aufgenommen in Fantasound mit 33 Mikrofonen auf acht Kanälen, aber die Wiedergabe von Mehrkanal-Fantasound in Kinos war schließlich eingeschränkter als beabsichtigt
1942	Erster Film mit eingeschränkter Animation	Die Jungs von Dover	Kurzfilm
1951	Erste animierte 3-D-Filme	Jetzt ist es an der Zeit - Brille aufzusetzen	Abstrakte stereoskopische Dual-Strip-Kurzfilme von Norman McLaren für das Festival of Britain
		Rund ist rund
1953	Erster Cartoon im Breitbildformat	Toot, Whistle, Plunk und Boom	Kurzfilm
1955	Erstes animiertes Feature im Widescreen-Format	Dame und der Tramp
	Erste Stop-Motion-Fernsehserie	Die Gumby-Show
1956	Erste US-animierte Primetime-TV-Serie	CBS Cartoon Theater	Zusammenstellung Fernsehserien
1957	Erste animierte TV-Serie in Farbe ausgestrahlt	Oberst Bleep	Fernsehserie
1959	Syncro-Vox	Kupplungsfracht	Fernsehserie
1960	Xerographieverfahren (ersetzt Handeinfärbung)	Goliath II	Kurzfilm
	Erste animierte Sitcom zur Primetime	Die Feuersteine; 'Familie Feuerstein	Fernsehserie
1961	Spielfilm im Xerographieverfahren	Hundert und ein Dalmatiner
1964	Erster Spielfilm nach einer Fernsehsendung	Hey, es ist Yogi Bear!
1969	Erstes animiertes Feature mit X-Rating	Tausendundeine Nacht	Japanischer Anime-Hit. Für das Phénakisticope und den Kurzfilm Buried Treasure mit Eveready Harton (ca. 1928) wurden bereits pornografische Animationen gedreht.
1978	Animierte Funktion zur Präsentation in Dolby- Sound	Wasserschiff unten
1983	3D- Spielfilm - Stereoskopische Technik	Abra Cadabra
	Animierte Funktion mit computergenerierten Bildern	Rock und Regel
	Animierte Fernsehserien, die in Stereoton aufgenommen werden sollen	Inspektor Gadget
1985	Spielfilmlänge clay-animierter Film	Die Abenteuer von Mark Twain
1988	Erster Spielfilm mit Live-Action und Cartoon-Animation, die sich den Bildschirm für den gesamten Film teilen	Wer hat Roger Rabbit eingerahmt?
1989	TV-Cartoon soll in Dolby Surround- Sound ausgestrahlt werden.	Hanna-Barberas 50.: Eine Yabba-Dabba-Doo-Feier
1990	Ohne Kamera produziert Spielfilm mit digitaler Tinte und Farbe	Die Retter von Down Under	Erster Spielfilm, der vollständig mit Disneys Computer Animation Production System produziert wurde
1991	Erster Animationsfilm für den Oscar als bester Film nominiert	Die Schöne und das Biest	Ab 2019 hat kein Animationsfilm den Preis für den besten Film gewonnen.
1994	CGI-animierte Fernsehserien	Insektoren
1995	Spielfilm vollständig mit Computern animiert G-bewerteter CGI-Spielfilm	Spielzeuggeschichte
	Animierte Fernsehserie, die in Dolby Surround ausgestrahlt wird	Pinky und das Gehirn
1997	Erste für das Internet produzierte Animationsserie Flash-animierte Serie	Das Goddamn George Liquor-Programm
1999	Erste animierte IMAX-Funktion	Fantasie 2000
2001	Motion-Capture-Animation PG-13-bewerteter CGI-Animationsfilm	Final Fantasy: Die Geister im Inneren
	Erster Oscar für den besten Animationsfilm	Shrek	Auch Monsters, Inc. und Jimmy Neutron: Boy Genius wurden nominiert.
2002	Flash-animierte Fernsehserien	Mucha Lucha!
2003	Erster Flash-Animationsfilm	Zauberer und Riesen
2004	Cel-shaded Animation	Apfelkern- Steamboy
	Erster Film, der vollständig mit Motion Capture animiert wurde .	Der Polarexpress
2005	Feature-Aufnahme mit digitalen Fotokameras	Leichenbraut
2007	Feature digital animiert von einer Person	Flaches Land
	Präsentiert in 7.1 Surround Sound	Ultimative Rächer	Blu-ray-Veröffentlichung
2008	Spielfilm entworfen, erstellt und exklusiv in 3D veröffentlicht	Flieg mich zum Mond
2009	Stop-Motion-Charakter animiert mit Rapid Prototyping	Coraline
	Erster Spielfilm direkt in stereoskopischem 3D produziert und nicht nach Fertigstellung mit InTru3D . in 3D umgewandelt	Monster gegen Aliens
2010	Animierter Spielfilm, der weltweit mehr als 1.000.000.000 US-Dollar verdient Kinospielfilm in 7.1 Surround Sound	Toy Story 3
2012	Stop-Motion-Film zur Verwendung der Farb-3D-Drucktechnologie für Modelle	ParaNorman

Sonstige Entwicklungen pro Region

Amerika

Geschichte der kubanischen Animation

• 1970: Juan Padrón erschafft die Figur von Elpidio Valdés , dem Star einer langjährigen Serie von Kurzfilmen und zwei Spielfilmen.
• 1985: Juan Padróns Vampiros en la Habana!
• 1992: Das Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano wird um eine Animationskategorie erweitert .

Geschichte der mexikanischen Animation

• 1935: Alfonso Vergara produziert Paco Perico en Premier , einen animierten Kurzfilm.
• 1974: Fernando Ruiz produziert Los tres reyes magos , Mexikos ersten animierten Spielfilm.
• 1977: Anuar Badin kreiert den Film Los supersabios , basierend auf dem Comic.
• 1983: Roy del Espacio
• 2003: Ánima Estudios veröffentlichen mit Magos y gigantes einen mexikanischen Animationsfilm in voller Länge nach vielen Jahren der Pause in der Branche des Landes.

Moderne Animation in den Vereinigten Staaten (1986 bis heute)

• Erfolg der Disney-Zeichentrickserie: The Disney Afternoon (1985–1997).
• Steven Spielbergs Zusammenarbeit mit Warner Bros. Animation (1990–1999).
• Der Rückgang der Samstagmorgen-Cartoons in den 1990er Jahren.
• Der Late-Night-Animationsblock Adult Swim von Cartoon Network wird immens populär und führt zu einem Wiederaufleben der kurzen Animationen für Erwachsene.
• "Disney Revival"-Filme (2009-2018).

Europa

Geschichte der estnischen Animation

Die estnische Animation begann in den 1930er Jahren und hat sich bis in die Moderne fortgesetzt.

• 1931 – Die Abenteuer des Hundes Juku , erster estnischer Animationskurzfilm
• 1950er – Gründung der Puppen-Animationsabteilung von Tallinnfilm durch Elbert Tuganov
• 1970er – Gründung der Abteilung für gezeichnete Animation, Joonisfilm , durch Rein Raamat

Geschichte der italienischen Animation

• 1914: Erster Einsatz von Stop-Motion-Animationen als Spezialeffekte in Cabiria
• 1936: Die Abenteuer des Pinocchio , unvollendet, als verschollen betrachtet
• 1949: Die ersten beiden italienischen Animationsfilme werden veröffentlicht: La Rosa di Bagdad unter der Regie von Anton Gino Domeneghini und Die Dynamite Brothers unter der Regie von Nino Pagot
• 1962: Die italienische Zeichentrickkunst und -industrie ( La Linea , Mio Mao , Calimero ...) wird geboren.
• 1977: Der animierte italienische Klassiker Allegro non troppo ist sowohl eine Parodie als auch eine Hommage an Disneys Fantasia ; Dies ist das ehrgeizigste Werk von Regisseur Bruno Bozzetto und sein dritter abendfüllender Animationsfilm nach West und Soda , einem animierten Spaghetti-Western , und VIP my Brother Superman , einer Parodie auf Superhelden, obwohl er auch mehrere bemerkenswerte kürzere Werke inszenierte, darunter Mr. Rossi und die Oscar-nominierten Grasshoppers (Cavallette) .
• 2001: Magic Bloom , der Pilot für Winx Club
• 2004: Winx Club , produziert von Rainbow SpA
• 2009: Huntik: Geheimnisse & Sucher
• 2016: Königliche Akademie

Geschichte der Animation in Kroatien (im ehemaligen Jugoslawien)

• 1953: Zagreb Film gründet die Zagreber Animationsschule.
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (saf) weiht die Čakovec Schule der Animation.

Asien

Animation war bereits in den 1920er Jahren Teil des chinesischen Kinos, wie in bestehenden Filmen zu sehen ist. Princess Iron Fan (1941) der Wan-Brüder gilt als Chinas erster abendfüllender Animationsfilm.

Ozeanien

Geschichte der australischen Animation

Siehe: Animal Logic , Yoram Gross , Flying Bark Productions

• 1977: Punkt und das Känguru
• 1979: Der kleine Sträfling
• 1982: Das siebte Spiel (auch bekannt als Sarah )
• 1984: Der Kameljunge
• 1984: Epic: Days of the Dinosaurs (auch bekannt als EPIC )
• 1991: Das magische Rätsel
• 1992: Blinky Bill: Der schelmische Koala
• 1992: FernGully: Der letzte Regenwald
• 2000: Der Zauberpudding (2000)
• 2006: Happy Feet (Koproduktion mit America)

Geschichte der neuseeländischen Animation

Siehe: Weta Digital

• 1986: Footrot Flats: The Dog's Tale
• 2015: 25. April
• 2019: Mosley

Medien

• Medien abspielen

  Eine Fortsetzung von 1921 zu Winsor McCays " Gertie the Dinosaur ", 1914, dem ersten Cartoon mit Persönlichkeitsanimation

Anmerkungen

Verweise

Zitate

zitierte Werke

Externe Links

• Llewellyn, Richard (2013). "Chronologie der Animation Einführung" . Richards animierte Divots .
• "Liste der in Europa produzierten Animationsfilme" . Animation Europa .
• Herbert, Stephan. "Animation vor Film" . Rad des Lebens .
• Chinesische Filmklassiker: Animation und Cartoons (Manhua) : Beispiele und Diskussion über Animation in der frühen chinesischen Filmindustrie, von der wissenschaftlichen Website chinesefilmclassics.org