Italienische klassische Musik - Italian classical music
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Mittelalterliche Musik
Choral
Plainsong, auch bekannt als plainchant, und insbesondere Gregorian , Ambrosian und Gallican Chant , beziehen sich im Allgemeinen auf einen Stil des monophonen , unbegleiteten, frühchristlichen Gesangs, der von Mönchen aufgeführt wird und sich in der römisch-katholischen Kirche hauptsächlich in der Zeit von 800-1000 entwickelt hat. Die Unterschiede können marginal sein – in manchen Fällen sogar groß. Diese Unterschiede spiegeln die große ethnische, kulturelle und sprachliche Vielfalt wider, die nach dem Untergang des Römischen Reiches auf der italienischen Halbinsel bestand. Innerhalb der römisch-katholischen Kirche entstanden in ganz Italien unterschiedliche klösterliche Traditionen , jedoch an unterschiedlichen Orten und zu unterschiedlichen Zeiten. Auch ein musikalischer Nichtfachmann kann den Unterschied beispielsweise zwischen der geradlinigen Tonerzeugung in den Ambosischen Gesängen aus Mailand und den Gesängen aus Benevento hören , die in der Stimme ein ausgeprägtes "östliches" Zierzittern aufweisen , das die Gesangstraditionen der of Griechisch-orthodoxe Kirche . Doch trotz der Unterschiede sind die Gemeinsamkeiten groß. Auf jeden Fall wurde der gregorianische Gesang um 1100 in ganz Italien eingeführt, obwohl die Musik griechischer Riten an verschiedenen Orten auf der Halbinsel weiterhin zu hören war, insbesondere an den Orten, die einst Byzanz innehatte , wie Ravenna oder auf der südlichen Halbinsel , die vor dem Jahr 1000 eine Zuflucht für die Griechen gewesen war, die vor den großen byzantinischen Bilderstürmern flohen. Wo griechische Riten praktiziert wurden, wurden die Gesänge offensichtlich in griechischer Sprache und nicht in lateinischer Sprache gesungen , wie es in der römisch-katholischen Liturgie der Fall war.
Musik des Trecento
Das Trecento , von etwa 1300 bis 1420, war eine Periode lebhafter Aktivität in Italien in den Künsten, einschließlich Malerei, Architektur, Literatur und Musik. Die Musik des Trecento leistete Pionierarbeit für neue Ausdrucksformen, insbesondere im weltlichen Gesang und im Gebrauch der Volkssprache Italienisch . In dieser Hinsicht mag die Musik des Trecento eher wie ein Renaissance- Phänomen erscheinen; die vorherrschende Musiksprache war jedoch näher mit der des späten Mittelalters verwandt , und Musikwissenschaftler klassifizieren das Trecento im Allgemeinen als das Ende des Mittelalters.
Weltliche Musik
Weltliche Musik vor dem Jahr 1500 war größtenteils das Werk von Jongleuren, Troubadours und Pantomimen. Dies war das Zeitalter der großen Vernakularisierung der Sprache in Italien, ja in ganz Europa; das heißt, die Leute begannen, Lieder in ihrer Muttersprache zu schreiben und zu singen, die nicht Latein war, sondern die in ihrer Gegend gesprochene Sprache des mittelalterlichen Neo-Latein. So zeigte Dante 1300 mit der Göttlichen Komödie, dass die gemeinsame Sprache (er wurde erst im 18. Jahrhundert "Toskanisch" und nicht "Italienisch" genannt) ein Vehikel für die schöne Literatur sein kann. Logischerweise erstreckte sich das auch auf die Texte der Lieder, die die Leute sangen.
Zwei Punkte sind in diesem Zusammenhang erwähnenswert: (1) Wir wissen viel mehr über den Text von Liedern als über den tatsächlichen Klang der Musik. Worte wurden viel leichter aufgeschrieben als Melodien notiert. (Siehe Notenschrift ). So wissen wir, dass es im 12. Jahrhundert in der Provence in ihrer Sprache eine lebendige Troubador-Tradition gab und wir wissen, dass es auf der Insel Sizilien 1000 Meilen entfernt auch am staufischen Hof Friedrichs II. eine lebendige Troubador-Tradition gab , Lieder gesungen im Dialekt des Volkes (sehr stark beeinflusst, zum Beispiel vom Arabischen ), aber es ist eine Vermutung, wie genau einer der beiden klang . Wir wissen nur, dass südfranzösische Volksmusik heute ganz anders klingt als sizilianische Volksmusik. Da Volksmusik insofern relativ konservativ ist, als sie schnellen Veränderungen standhält, können wir davon ausgehen, dass zumindest einige der offensichtlichen Unterschiede in Melodie, Tonleitern und Herangehensweise an das Vokalisieren damals existierten. Der Ruf-und-Antwort-Charakter vieler populärer Chorgesänge im Mittelalter – also ein Solist, der eine Zeile singt, die dann von einer Gruppe beantwortet wird – fand seinen Weg in die mittelalterliche Kirchenmusik, um alle Mitglieder der Gemeinde einzubeziehen.
Die komplizierten Polyphonien der sogenannten Ars Nova begannen im 14. und 15. Jahrhundert zu hören; populäre Stücke wie Madrigale verwendeten immer dichtere Überlagerungen verschiedener gleichzeitig gesungener Melodien, um eine verwobene und wohlklingende Klangstruktur zu schaffen; Dies ist NICHT dasselbe wie Harmonie , das gemeinsame Erklingen vieler Töne, um einen Akkord zu bilden. Das ist eine spätere Erfindung. Dennoch stellt der Wechsel von den monophonen Klängen der Gesänge hin zu den vielen simultanen Melodien der Polyphonie eine Revolution in unserer musikalischen Wahrnehmung dar: Man kann nämlich mehr eines gleichzeitig erklingen lassen und es trotzdem angenehm hören.
Die Renaissance
Die meisten Leute denken nicht an Musik, wenn sie den Begriff Renaissance hören . Im gleichen Sinne, in dem Architekten, Maler und Bildhauer des 16. Jahrhunderts den neu entdeckten Werten des klassischen Griechenlands Tribut zollten, versuchten Dichter und Musiker dieser Zeit dasselbe zu tun. Die Jahre zwischen 1500 und 1600 sind die revolutionärste Periode der europäischen Musikgeschichte; es ist das Jahrhundert, in dem die Harmonie entwickelt wurde und das Jahrhundert, in dem die Oper geboren wurde .
Diese beiden Entwicklungen hängen zusammen. Die Leser werden den Übergang von der Monophonie gregorianischer Gesänge zu den komplizierten Polyphonien der Madrigale und anderer Musik der wenigen Jahrhunderte vor 1500 bemerkt haben. Die nächste Verschiebung in der musikalischen Wahrnehmung beinhaltet einen weniger gebräuchlichen Begriff: Homophonie; das heißt, das Erklingen eines harmonischen Akkords oder einer Akkordfolge, die nicht auffallen sollen, sondern eine offensichtliche Melodie zusätzlich zur Harmonie unterstützen.
Der Wunsch – vielleicht sogar das Bedürfnis – nach homophoner Musik entstand aus einer Reihe von Faktoren. Erstens wurde eine allzu komplizierte Polyphonie vieler gleichzeitig ablaufender Melodien abgelehnt: zweitens eine allgemeine, neue Musikästhetik der Zeit, die am besten mit den Worten von Leonardo da Vinci im Jahr 1500 zusammengefasst wurde, der sagte, Musik sei „die gleichzeitige Verbindung proportionaler Teile“ – das heißt das Zusammenklingen von Noten basierend auf einfachen arithmetischen Verhältnissen wie 2:1 (was den Klang einer Oktave erzeugt), 3:2 (das den Klang einer Quinte erzeugt) und 5:4 (was den Klang einer großen Terz erzeugt). Wenn Sie also Noten mit 400, 600, 800 und 1000 Zyklen pro Sekunde erzeugen, haben Sie alle Noten des einfachsten und harmonischsten Klangs unserer Musik – des Dur-Akkords. Es ist wirklich so einfach. (Siehe Musikakustik .) Der dritte auf der Liste der Faktoren, die das 16. Jahrhundert so wichtig machen, war der Wunsch der Renaissance, eine Geschichte zu erzählen, die Menschen auf eine kleine Bühne zu stellen und sie Lieder über die griechische Mythologie singen zu lassen – die Geschichte von Orpheus . beispielsweise. Das ist schwierig, wenn alle gleichzeitig eine Melodie singen; so wich die Polyphonie der Homophonie, und die frühe Oper bestand aus relativ einfachen Melodien mit Texten über die griechische Mythologie, die auf Italienisch gesungen und von einfachen Harmonien unterstützt wurden. Die wichtigste Stadt Italiens in dieser Entwicklung der Musik im 16. Jahrhundert war Florenz . (Siehe auch: Florentine Camerata , Vincenzo Galilei , Jacopo Peri , Claudio Monteverdi , Palestrina , Arcangelo Corelli .)
Neben Florenz sind in der Zeit um 1600 zwei weitere italienische Städte besonders erwähnenswert. Es besteht eine freundschaftliche Rivalität zwischen den Verfechtern der beiden Städte, welche für die Geschichte der Musikentwicklung in Italien wichtiger ist. Venedig beansprucht zu Recht seinen Platz als Geburtsort der kommerziellen Oper; Neapel weist auf seine eigene Geschichte von kirchlichen Musikkonservatorien hin, Institutionen, die sich zu "Feeder-Systems" entwickelten und Komponisten und ausübende Musiker für einen Großteil des Musiklebens in Italien und sogar in ganz Europa zur Verfügung stellten. (Siehe auch: Musik von Venedig und Musik von Neapel .)
17 th Jahrhundert
Der Zeitraum von etwa 1600 bis 1750 umfasst die Barockzeit der Musik . Viele wichtige Dinge sind in dieser Zeit passiert. Eine war die Rückkehr zu den melodischen Komplexitäten der Polyphonie; die Melodien liefen jedoch innerhalb eines modernen, etablierten Harmoniesystems, das auf Akkorden und Dur- und Moll-Tonleitern basiert. Dieses letztere Element ist eine Erweiterung des Konzepts der homophonen Musik und ermöglichte es melodischer Komplexität jeglicher Varianz, die Bedeutung des Textes zu dominieren. Der Kampf um die Vorherrschaft zwischen Text und Musik geht auf die Musik der Griechen zurück und findet bis heute in allen Formen der europäischen Kunst- und Popmusik statt. Diese neue Dominanz der Melodie innerhalb der Harmonie auf Kosten des Textes führte zu großen Veränderungen, einschließlich der Erweiterung und Erfindung instrumentaler Ressourcen des Orchesters; die Tastatur wurde in beide Richtungen ausgefahren; die Herstellung von Instrumenten wie denen von Stradivari wurde in Cremona zu einer großen Industrie; und Instrumentalmusik begann sich als separater "Track" zu entwickeln, ganz abgesehen von der traditionellen Rolle, die menschliche Stimme zu begleiten. Zu den Instrumentalformen gehören solche Dinge wie die Sonate und die Fuge. Bekannte und einflussreiche Musiker dieser Zeit in Italien sind Alessandro und Domenico Scarlatti , Benedetto Marcello und Antonio Vivaldi , die die Bedeutung von Neapel bzw. Venedig in dieser Zeit repräsentieren.
18 th Jahrhundert
Vom frühen 18. Jahrhundert bis zum Ende dieses Jahrhunderts umfasst das, was Historiker "klassische Musik" nennen. (Beachten Sie, dass diese Verwendung des Begriffs „klassisch“ nicht dem entspricht, was Nicht-Historiker meinen, wenn sie „klassische Musik“ sagen – d. h. alle Opern- und Symphoniemusik im Gegensatz zu „Volksmusik“.)
Der Begriff „Klassik“ ist für diese Musikperiode insofern angemessen, als er die Vereinheitlichung von Musikformen wie Sinfonie und Konzert bezeichnet . So wird der Begriff „klassisch“ im Renaissance-Sinn der klassischen griechischen Philosophie verwendet – platonische Form , die Idee, dass Dinge wie Schönheit ewig als Ideale existieren und dass die Arbeit des Künstlers – in diesem Fall die des Komponisten – in Form gebracht wird dieses Ideal. So haben wir zum Beispiel eine als Standardwerk formalisierte Symphonie in vier Sätzen für Orchester und so weiter.
Die physische Anlage zur Komposition und Aufführung von Musik in Italien hat sich in diesem Jahrhundert stark weiterentwickelt. Es ist die Zeit, in der die großen Opernhäuser in Neapel und Mailand gebaut wurden: das Theater San Carlo bzw. die Mailänder Scala . Es ist auch das Zeitalter des Aufstiegs zur Bekanntheit der neapolitanischen – und dann der italienischen – komischen Oper . Wichtig ist auch, ein gewisses Gleichgewicht zwischen Text und Musik in der Oper wiederzufinden, hauptsächlich durch die Libretti von Metastasio .
Wichtige italienische Komponisten dieses Jahrhunderts sind: Giovanni Battista Pergolesi , Niccolò Piccinni , Giovanni Paisiello , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Muzio Clementi , Luigi Cherubini , Giovanni Battista Viotti und Niccolò Paganini . Es ist auch das Zeitalter, in dem die "italienische Musik" sozusagen international wurde und viele dieser italienischen Komponisten begannen, im Ausland zu arbeiten.
19 th Jahrhundert
Dies ist das Jahrhundert der Romantik in der europäischen Literatur, Kunst und Musik. Die Romantik in der Musik zeichnet sich durch viele der gleichen Merkmale aus, die die Literatur und Malerei dieses Jahrhunderts ausmachen: weniger Aufmerksamkeit für die Formalitäten des Klassizismus, mehr Einbeziehung menschlicher Leidenschaften wie Liebe, Heldentum, Mut, Freiheit usw direktes Ergebnis des Humanismus der französischen Aufklärung . Die italienische Oper neigt dazu, die Unbeschwertheit der komischen Oper zugunsten der ernsteren Kost der italienischen lyrischen Romantik aufzugeben. Obwohl die allseits beliebte Rossini sicherlich eine Ausnahme das heißt, italienische Musik des 19. Jahrhunderts von Künstlern wie am Anfang dominierte Bellini , Donizetti , und dann, natürlich, für die letzten 50 Jahre des Jahrhunderts von Giuseppe Verdi , die größte Musikikone der italienischen Geschichte. Es ist auch die Zeit der frühen Karriere von Giacomo Puccini , dem vielleicht größten Komponisten reiner Melodien in der Geschichte der italienischen Musik, und sicherlich der letzte. Puccini ist die Brücke in das Zeitalter der Neuen Musik des 20. Jahrhunderts.
20 th Jahrhundert
Die Romantik in der gesamten europäischen Musik hielt sich sicherlich auch über die Jahrhundertwende hinweg. In Italien dominierte noch einige Jahre die Musik von Verdi und Puccini. Andere italienische Komponisten der Romantik , zumindest Komponisten , die in der Klang Traditionen der westlichen Musik zu komponieren fortgesetzt (im Gegensatz zu der neuen Atonalität und Dissonanzen der nach dem Ersten Weltkrieg Europa-Komponisten , die „made it“ ins 20. Jahrhundert gehört Arrigo Boito , Ruggiero Leoncavallo , Pietro Mascagni , Francesco Cilea und Ottorino Respighi .
Es war jedoch unvermeidlich, dass italienische Komponisten auf die schwindenden Werte der Romantik und den Zynismus reagierten, der in vielen europäischen Künstlerkreisen durch Dinge wie den Ersten Weltkrieg und solche kulturell-wissenschaftlichen Phänomene wie die Psychoanalyse hervorgerufen wurde, in der – zumindest nach Robert Louis Stevenson - "Alle Männer haben geheime Gedanken, die die Hölle beschämen würden." Die Romantik starb – trotz ihrer anhaltenden Popularität bei den Opernbesuchern – im Ersten Weltkrieg. Romantische Musik in Italien, kann jedoch nicht gesagt werden , unter seinem eigenen Gewicht zu haben , starb, als eine der überlangen und über instrumentierte Werke der spätromantischen Musik in sagen könnte Deutschland die wichen minimalistische Musik . Aber Abstraktion und Atonalität und einfach "schwierige" Musik kamen nach Puccinis Tod nach Italien. Zu den wichtigsten italienischen Namen in der Musik des 20. Jahrhunderts zählen Luciano Berio , Luigi Dallapiccola , Goffredo Petrassi und Luigi Nono .