L'Orfeo -L'Orfeo

L'Orfeo
Favola in musica von Claudio Monteverdi
Ein junger Mann mit langem wallendem Haar, nackter Oberkörper, hält ein Saiteninstrument in der linken Hand und blickt mit gefühlvollem Ausdruck weit nach links
Orpheus , der Held der Oper, mit einer Geige, von Cesare Gennari
Textdichter Alessandro Striggio
Sprache Italienisch
Beyogen auf Griechische Legende von Orpheus
Premiere
1607 Karneval Saison

L'Orfeo ( SV 318) ( italienische Aussprache:  [lorˈfɛːo] ), manchmal auch La favola d'Orfeo . genannt [la ˈfaːvola dorˈfɛːo] , ist eine Favola in Musica oder Oper der Spätrenaissance / Frühbarock von Claudio Monteverdi mit einem Libretto von Alessandro Striggio . Es basiert auf der griechischen Legende von Orpheus und erzählt die Geschichte seines Abstiegs in den Hades und seines erfolglosen Versuchs, seine tote Braut Eurydike in die lebendige Welt zurückzubringen. Es wurde 1607 für eine Hofaufführung während des jährlichen Karnevals in Mantua geschrieben . Während Jacopo Peri ‚s Dafne allgemein als das erste Werk in der Gattung Oper erkannt wird, und die älteste erhaltene Oper ist Peris Euridice , L'Orfeo ist die frühestedie noch regelmäßig durchgeführt wird.

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts entwickelte sich das traditionelle Intermedio – eine musikalische Abfolge zwischen den Akten eines geraden Stücks – zu einem vollständigen Musikdrama oder einer „Oper“. Monteverdis L'Orfeo rückte dieses Verfahren aus seiner experimentellen Ära heraus und lieferte das erste ausgereifte Beispiel des neuen Genres. Nach seiner ersten Aufführung wurde das Werk erneut in Mantua und möglicherweise in den nächsten Jahren in anderen italienischen Zentren aufgeführt. Ihre Partitur wurde 1609 und 1615 von Monteverdi veröffentlicht. Nach dem Tod des Komponisten 1643 blieb die Oper viele Jahre lang unaufgeführt und geriet weitgehend in Vergessenheit, bis ein Wiederaufleben des Interesses im späten 19. Jahrhundert zu einer Flut moderner Ausgaben und Aufführungen führte . Anfangs waren diese Aufführungen eher konzertante (nicht inszenierte) Versionen innerhalb von Instituten und Musikgesellschaften, aber nach der ersten modernen dramatisierten Aufführung in Paris im Jahr 1911 wurde das Werk in Theatern gezeigt. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurden viele Aufnahmen veröffentlicht, und die Oper wurde zunehmend in Opernhäusern aufgeführt, obwohl sich einige führende Spielstätten dagegen wehrten. 2007 wurde das vierhundertjährige Jubiläum der Premiere mit Aufführungen auf der ganzen Welt gefeiert.

In seiner veröffentlichten Partitur listet Monteverdi etwa 41 Instrumente auf, die eingesetzt werden sollen, mit unterschiedlichen Instrumentengruppen, die verwendet werden, um bestimmte Szenen und Charaktere darzustellen. So repräsentieren Streicher, Cembalo und Blockflöte die Hirtenfelder Thrakiens mit ihren Nymphen und Hirten, während schwere Blechbläser die Unterwelt und ihre Bewohner illustrieren. Am Übergang von der Renaissance zum Barock komponiert , verwendet L'Orfeo alle damals in der Musikkunst bekannten Mittel, mit besonders gewagtem Einsatz der Polyphonie . Das Werk ist nicht als solches orchestriert; in der Renaissance-Tradition folgten die Instrumentalisten den allgemeinen Anweisungen des Komponisten, erhielten jedoch beträchtliche Freiheit zur Improvisation.

Historischer Hintergrund

Künstlerische Darstellung eines Mannes mit Spitzbart, schwerem Halskragen und bestickter Jacke, der in der rechten Hand einen Stab und in der linken ein Schwert hält.  Oben links ist ein Abzeichen oder Wappen abgebildet und oben links eine Legende: "Vincentius Dux Mantua, Mont Ferrat 1600".
Herzog Vincenzo Gonzaga, Monteverdis Arbeitgeber in Mantua

Claudio Monteverdi, geboren 1567 in Cremona , war ein musikalisches Wunderkind , das bei Marc'Antonio Ingegneri , dem maestro di cappella (Leiter der Musik) an der Kathedrale von Cremona studierte . Nach einer Gesangs-, Streicher- und Kompositionsausbildung arbeitete Monteverdi als Musiker in Verona und Mailand, bis er 1590 oder 1591 eine Stelle als Suonatore di vivuola ( Bratschist ) am Hof des Herzogs Vincenzo Gonzaga in Mantua erhielt . Durch Können und harte Arbeit stieg Monteverdi 1601 zum Maestro della Musica (Meister der Musik) von Gonzaga auf .

Vincenzo Gonzagas besondere Leidenschaft für Musiktheater und Spektakel erwuchs aus seinen familiären Verbindungen zum Hof ​​von Florenz . Gegen Ende des 16. Jahrhunderts entwickelten innovative Florentiner Musiker das Intermedio – eine seit langem etablierte Form des musikalischen Zwischenspiels zwischen den Akten gesprochener Dramen – zu immer raffinierteren Formen. Angeführt von Jacopo Corsi , diese Nachfolger der berühmten Camerata waren verantwortlich für die erste Arbeit in der Regel als Angehörige der Gattung Oper erkannt: Dafne , komponiert von Corsi und Jacopo Peri und 1598. Diese Arbeit kombiniert Elemente in Florenz durchgeführt Madrigalgesang und Monodie mit Tanz- und Instrumentalpassagen zu einem dramatischen Ganzen. Von seiner Musik existieren nur noch Fragmente, aber mehrere andere florentinische Werke aus derselben Zeit – Rappresentatione di Anima, et di Corpo von Emilio de' Cavalieri , Peris Euridice und Giulio Caccinis gleichnamige Euridice – überleben vollständig. Diese beiden letzten Werke waren die erste von vielen musikalischen Darstellungen des Orpheus - Mythos wie in erzählt Ovid ‚s Metamorphosen , und als solche waren direkte Vorläufer von Monteverdis L'Orfeo .

Der Hof von Gonzaga hatte eine lange Geschichte der Förderung dramatischer Unterhaltung. Ein Jahrhundert vor Herzog Vincenzos Zeit hatte der Hof Angelo Polizianos lyrisches Drama La favola di Orfeo inszeniert , von dem mindestens die Hälfte eher gesungen als gesprochen wurde. In jüngerer Zeit, im Jahr 1598, hatte Monteverdi dem musikalischen Establishment des Hofes geholfen, Giovanni Battista Guarinis Theaterstück Il pastor fido zu produzieren , das vom Theaterhistoriker Mark Ringer als "Wasserscheiden-Theaterwerk" beschrieben wurde, das die italienische Leidenschaft für pastorale Dramatik inspirierte. Am 6. Oktober 1600 besuchte Herzog Vincenzo während eines Besuchs in Florenz zur Hochzeit von Maria de' Medici mit König Heinrich IV. von Frankreich die Uraufführung von Peris Euridice . Es ist wahrscheinlich, dass auch seine wichtigsten Musiker, darunter Monteverdi, bei dieser Aufführung anwesend waren. Der Herzog erkannte schnell die Neuheit dieser neuen Form der dramatischen Unterhaltung und ihr Potenzial, denjenigen, die bereit waren, sie zu sponsern, Prestige zu verleihen.

Schaffung

Libretto

Unter den Anwesenden bei der Euridice- Aufführung im Oktober 1600 war ein junger Anwalt und Berufsdiplomat von Gonzagas Hof, Alessandro Striggio , Sohn eines bekannten Komponisten gleichen Namens . Der jüngere Striggio war selbst ein begabter Musiker; als 16-Jähriger hatte er 1589 bei den Hochzeitsfeierlichkeiten des Herzogs Ferdinando von Toskana die Gambe gespielt. Zusammen mit den beiden jungen Söhnen des Herzogs Vincent, Francesco und Fernandino , war er Mitglied der exklusiven intellektuellen Gesellschaft Mantuas, der Accademia degli Invaghiti  [ it ] , die den Hauptabsatz für die Theaterwerke der Stadt darstellte. Es ist nicht klar, zu welchem ​​Zeitpunkt Striggio mit seinem Libretto für L'Orfeo begann , aber die Arbeiten waren offensichtlich im Januar 1607 im Gange Dienste eines hochkarätigen Kastraten aus dem Hause des Großherzogs für ein "Musikstück", das für den Karneval von Mantuan vorbereitet wird.

Striggios wichtigsten Quellen für seine Libretto waren Bücher 10 und 11 von Ovid ‚s Metamorphosen und Viertes Buch von Virgil ‘ s Georgics . Diese lieferten ihm den Grundstoff, aber nicht die Struktur für ein inszeniertes Drama; die Ereignisse der Akte 1 und 2 des Librettos werden in den Metamorphosen von nur 13 Zeilen abgedeckt . Als Hilfe bei der Gestaltung einer dramatischen Form griff Striggio auf andere Quellen zurück – Polizianos Theaterstück von 1480, Guarinis Il pastor fido und Ottavio Rinuccinis Libretto für Peris Euridice . Der Musikwissenschaftler Gary Tomlinson bemerkt die vielen Ähnlichkeiten zwischen Striggios und Rinuccinis Texten und stellt fest, dass einige der Reden in L'Orfeo "in Inhalt und sogar in der Sprache ihren Gegenstücken in L'Euridice sehr entsprechen ". Die Kritikerin Barbara Russano Hanning schreibt, dass Striggis Verse weniger subtil sind als die von Rinuccini, obwohl die Struktur von Striggis Libretto interessanter ist. Rinuccini, dessen Werk für die Feierlichkeiten einer Medici- Hochzeit geschrieben worden war, musste den Mythos ändern, um ein dem Anlass angemessenes "Happy End" zu bieten. Im Gegensatz dazu, da Striggio nicht für eine formelle Hoffeier schrieb, könnte er dem Geist des Abschlusses des Mythos treuer sein, in dem Orfeo von geistesgestörten Mänaden oder "Bacchanten" getötet und zerstückelt wird . Tatsächlich entschied er sich, eine etwas gedämpfte Version dieses blutigen Finales zu schreiben, in dem die Bacchantinnen Orfeos Vernichtung drohen, sein tatsächliches Schicksal jedoch zweifelhaft bleibt.

Das Libretto wurde 1607 in Mantua zeitgleich mit der Uraufführung veröffentlicht und enthielt Striggios zweideutiges Ende. Monteverdis 1609 in Venedig veröffentlichte Partitur von Ricciardo Amadino zeigt jedoch eine ganz andere Auflösung, bei der Orpheus durch die Intervention von Apollo in den Himmel befördert wird. Laut Ringer wurde Striggios ursprüngliches Ende mit ziemlicher Sicherheit bei der Uraufführung der Oper verwendet, aber es besteht kein Zweifel, dass Monteverdi glaubte, dass das überarbeitete Ende ästhetisch korrekt war. Der Musikwissenschaftler Nino Pirrotta argumentiert, dass das Apollo-Ende Teil des ursprünglichen Plans für das Werk war, aber bei der Premiere nicht inszeniert wurde, da der kleine Raum, in dem die Veranstaltung stattfand, die für dieses Ende erforderliche Theatermaschinerie nicht enthalten konnte. Die Bacchantszene war ein Ersatz; Monteverdis Absichten wurden wiederhergestellt, als diese Einschränkung aufgehoben wurde.

Komposition

ein verziertes Blatt mit der Überschrift "L'Orfeo: favola in musica da Claudio Monteverdi".  Die Widmung ist "Serenissimo Dignor D. Francesco Gonzaga" und das gezeigte Datum ist MDIX (1609)
Titelseite der Partitur von L'Orfeo , die 1609 in Venedig veröffentlicht wurde

Als Monteverdi L'Orfeo komponierte, hatte er eine gründliche Ausbildung in Theatermusik. Er war 16 Jahre lang am Hof ​​von Gonzaga beschäftigt gewesen, einen Großteil davon als Interpret oder Arrangeur von Bühnenmusik, und 1604 schrieb er den Ballo Gli amori di Diane ed Endimone für den Karneval von Mantua 1604–05. Die Elemente, aus denen Monteverdi seine erste Opernpartitur konstruierte – Arie , Strophenlied , Rezitativ , Chöre, Tänze, dramatische Musikeinlagen – wurden, wie der Dirigent Nikolaus Harnoncourt betonte, nicht von ihm geschaffen, sondern „er ​​hat den gesamten Bestand vermischt“. neuester und älterer Möglichkeiten zu einer tatsächlich neuen Einheit". Ähnlich schreibt der Musikwissenschaftler Robert Donington : „[Die Partitur] enthält kein Element, das nicht auf Präzedenzfällen basiert, aber es erreicht in dieser neu entwickelten Form seine volle Reife ... Hier sind Worte, die so direkt in der Musik zum Ausdruck kommen, wie [die Pioniere der Oper] wollten sie ausgedrückt; hier ist Musik, die sie ausdrückt ... mit der vollen Inspiration des Genies."

Monteverdi gibt die Orchesteranforderungen zu Beginn seiner veröffentlichten Partitur an, aber gemäß der damaligen Praxis legt er deren genaue Verwendung nicht fest. Damals war es üblich, jedem Interpreten des Werkes die Freiheit zu lassen, lokale Entscheidungen zu treffen, basierend auf den ihm zur Verfügung stehenden Orchesterkräften. Diese können sich von Ort zu Ort stark unterscheiden. Darüber hinaus, wie Harnoncourt betont, wären die Instrumentalisten alle Komponisten gewesen und hätten erwartet, bei jeder Aufführung kreativ zusammenzuarbeiten, anstatt einen festgelegten Text zu spielen. Eine andere Praxis der Zeit bestand darin, den Sängern zu erlauben, ihre Arien zu verschönern. Monteverdi schrieb einfache und verzierte Versionen einiger Arien, wie zum Beispiel Orfeos „ Possente spirto “, aber Harnoncourt zufolge „ist es offensichtlich, dass er dort, wo er keine Ausschmückungen schrieb, auch keine gesungen haben wollte“.

Jeder Akt der Oper behandelt ein einzelnes Element der Geschichte und jeder endet mit einem Refrain. Trotz der fünfaktigen Struktur mit zwei Szenenwechseln ist es wahrscheinlich, dass L'Orfeo der damaligen Standardpraxis für höfische Unterhaltungen entsprach und als kontinuierliche Einheit ohne Pausen oder Vorhangabgänge zwischen den Akten gespielt wurde. Es war zeitgemäßer Brauch, dass Szenenwechsel in Sichtweite des Publikums stattfanden, die sich musikalisch durch Veränderungen in Instrumentation, Tonart und Stil widerspiegelten.

Instrumentierung

Eine dekorierte Seite mit zwei Listen mit der Überschrift "Personaggi" (eine Liste von Charakteren) und "Stromenti"
1609 Partitur: Monteverdis Instrumentenliste ist rechts abgebildet.

Zur Analyse hat die Musikwissenschaftlerin Jane Glover Monteverdis Instrumentenliste in drei Hauptgruppen unterteilt: Streicher, Blechbläser und Continuo , mit einigen weiteren, nicht leicht zu klassifizierenden Elementen. Die Streicherbesetzung besteht aus zehn Mitgliedern der Geigenfamilie ( viole da brazzo ), zwei Kontrabässen ( Kontrabassi de Viola ) und zwei Kit-Geigen ( violi piccoli alla francese ). Die viole da brazzo sind in zwei fünfstimmigen Ensembles mit jeweils zwei Violinen, zwei Bratschen und einem Cello besetzt. Die Blechbläsergruppe enthält vier oder fünf Posaunen ( Sackbuts ), drei Trompeten und zwei Kornetts . Zu den Continuo- Besetzungen gehören zwei Cembalo ( duoi gravicembani ), eine Doppelharfe ( arpa doppia ), zwei oder drei Chitarroni , zwei Pfeifenorgeln ( organi di legno ), drei Bassviola da gamba und eine königliche oder kleine Rohrblattorgel. Außerhalb dieser Gruppierungen befinden sich zwei Blockflöten ( flautini alla vigesima secunda ) und möglicherweise eine oder mehrere Zisternen – von Monteverdi nicht aufgeführt, aber in den Anweisungen zum Ende von Akt 4 enthalten.

Instrumental werden die beiden in der Oper vertretenen Welten unverwechselbar dargestellt. Die pastorale Welt der Felder Thrakiens wird durch Streicher, Cembalo, Harfe, Orgel, Blockflöte und Chitarroni repräsentiert. Die übrigen Instrumente, hauptsächlich Blechbläser, werden mit der Unterwelt in Verbindung gebracht, obwohl es keine absolute Unterscheidung gibt; Saiten erscheinen bei mehreren Gelegenheiten in den Hades- Szenen. Innerhalb dieser allgemeinen Ordnung werden bestimmte Instrumente oder Kombinationen verwendet, um einige der Hauptfiguren zu begleiten – Orpheus von Harfe und Orgel, Hirten von Cembalo und Chitarrone, die Götter der Unterwelt von Posaunen und König. All diese musikalischen Unterscheidungen und Charakterisierungen entsprachen der langjährigen Tradition des Renaissance-Orchesters, für die das große L'Orfeo- Ensemble typisch ist.

Monteverdi weist seine Spieler generell an, „das Werk so einfach und korrekt wie möglich zu spielen und nicht mit vielen floriden Passagen oder Läufen“. Spielern von Zierinstrumenten wie Streichern und Flöten wird geraten, "edel, mit viel Erfindungsreichtum und Abwechslung zu spielen", aber vor Übertreibung gewarnt, wobei "nichts zu hören ist als Chaos und Verwirrung, beleidigend für den Hörer". Da zu keinem Zeitpunkt alle Instrumente zusammen gespielt werden, ist die Anzahl der benötigten Spieler geringer als die Anzahl der Instrumente. Harnoncourt weist darauf hin, dass zu Monteverdis Zeiten die Anzahl der Musiker und Sänger zusammen und die kleinen Räume, in denen Aufführungen stattfanden, oft dazu führten, dass das Publikum kaum mehr zählte als die Interpreten.

Drei der Instrumente, die in der ursprünglichen Aufführung von L'Orfeo verwendet wurden, wurden kürzlich wiederbelebt: das Cornetto (normalerweise gepaart mit Sackbuts), die Doppelharfe  [ it ] (eine mehrgängige Harfe mit Spitz und B) und die Regal (eine Orgel). mit gebrochenen Zungenrohren ). Instrumentalfarbe wurde im 17. Jh. in bestimmten dramatischen Situationen häufig verwendet: insbesondere wurde das Königliche mit dem Hades in Verbindung gebracht .

Rollen

In seiner Personaggi, die in der Partitur von 1609 aufgeführt ist, lässt Monteverdi unerklärlicherweise La messaggera (der Gesandte) aus und weist darauf hin, dass der letzte Chor der Hirten, der die Moresca (maurischer Tanz) am Ende der Oper aufführt, eine separate Gruppe ist ( che fecero la moresca nel fine .). ). Es gibt nur wenige Informationen darüber, wer die verschiedenen Rollen in der Uraufführung gesungen hat. Ein 1612 in Mantua veröffentlichter Brief berichtet, dass der angesehene Tenor und Komponist Francesco Rasi mitwirkte, und es wird allgemein angenommen, dass er die Titelpartie sang. Rasi könne sowohl im Tenor- als auch im Bassbereich "mit exquisitem Stil ... und außergewöhnlichem Gefühl" singen. Die Beteiligung an der Uraufführung eines florentinischen Kastraten, Giovanni Gualberto Magli , wird durch die Korrespondenz der Gonzaga-Fürsten bestätigt. Magli sang den Prolog, Proserpina und möglicherweise eine weitere Rolle, entweder La messaggera oder Speranza. Der Musikwissenschaftler und Historiker Hans Redlich ordnet Magli fälschlicherweise die Rolle des Orfeo zu.

Ein Hinweis darauf, wer Euridice spielte, ist in einem Brief von 1608 an Herzog Vincenzo enthalten. Es bezieht sich auf "den kleinen Priester, der die Rolle der Euridice im Orfeo des heiteren Prinzen spielte ". Dieser Priester war möglicherweise Padre Girolamo Bacchini , ein Kastrat, von dem bekannt war, dass er im frühen 17. Jahrhundert Verbindungen zum mantuanischen Hof hatte. Der Monteverdi-Wissenschaftler Tim Carter spekuliert, dass zwei prominente mantuanische Tenöre, Pandolfo Grande und Francesco Campagnola, kleinere Rollen in der Uraufführung gesungen haben könnten.

Es gibt Solostimmen für vier Hirten und drei Geister. Carter berechnet, dass durch die im Text erlaubte Verdoppelung der Rollen insgesamt zehn Sänger – drei Soprane, zwei Alt, drei Tenöre und zwei Bässe – für eine Aufführung benötigt werden, wobei die Solisten (außer Orfeo) auch den Chor bilden. Carters vorgeschlagene Rollenverdopplungen umfassen La musica mit Euridice, Ninfa mit Proserpina und La messaggera mit Speranza.

Rolle Sprachtyp Auftritte Anmerkungen
La Musica (Musik) Mezzosopran Kastrat ( en travesti ) Prolog
Orfeo (Orpheus) Tenor oder hoher Bariton Akt 1, 2, 3, 4, 5
Euridike (Eurydike) Mezzosopran Kastrat (en travesti) Akt 1, 4
La messaggera (Der Bote) Mezzosopran Kastrat (en travesti) Akt 2 Im Libretto als "Silvia" bezeichnet
La Speranza (Hoffnung) Mezzosopran Kastrat (en travesti) Akt 3
Caronte (Charon) Bass Akt 3
Proserpina (Proserpina) Mezzosopran Kastrat (en travesti) Akt 4
Pluton (Pluto) Bass Akt 4
Apollo Tenor Akt 5
Ninfa (Nymphe) Mezzosopran Kastrat (en travesti) Akt 1
Öko (Echo) Tenor Akt 5
Ninfe e pastori (Nymphen und Hirten) Mezzosopran-Kastraten (en travesti), Alt- Kastraten (en travesti), Tenöre, Bässe Akt 1, 2, 5 Solisten: Altkastrato (en travesti), zwei Tenöre
Spiriti infernali (Höllische Geister) Tenöre, Bässe Akt 3, 4 Solisten: zwei Tenöre, ein Bass

Zusammenfassung

Die Handlung spielt an zwei gegensätzlichen Orten: den Feldern von Thrakien (Akt 1, 2 und 5) und der Unterwelt (Akt 3 und 4). Eine instrumentale Toccata (englisch: "tucket", was ein Schnörkeln auf Trompeten bedeutet) geht dem Auftritt von La musica voraus, die den "Geist der Musik" repräsentiert, der einen Prolog von fünf Strophen von Versen singt. Nach einer liebenswürdigen Begrüßung des Publikums verkündet sie, dass sie mit süßen Klängen "jedes aufgewühlte Herz beruhigen kann". Sie singt einen weiteren Lobgesang auf die Macht der Musik, bevor sie den Hauptprotagonisten des Dramas, Orfeo, vorstellt, der "die wilden Tiere mit seinem Lied in den Bann zog".

Akt 1

Nach La musicas letzter Bitte um Stille öffnet sich der Vorhang zum ersten Akt, um eine pastorale Szene zu enthüllen. Orfeo und Euridice treten zusammen mit einem Chor von Nymphen und Hirten ein, die wie ein griechischer Chor agieren und das Geschehen sowohl als Gruppe als auch als Individuen kommentieren. Ein Hirte verkündet, dass dies der Hochzeitstag des Paares ist; der Chor antwortet, zuerst in einer stattlichen Anrufung ("Come, Hymen , O come") und dann in einem freudigen Tanz ("Verlasse die Berge, verlasse die Brunnen"). Orfeo und Euridice besingen ihre Liebe zueinander, bevor sie mit dem größten Teil der Gruppe zur Hochzeitszeremonie im Tempel aufbrechen. Diejenigen, die auf der Bühne blieben, singen einen kurzen Refrain und kommentieren, wie Orfeo einst war, "für den Seufzer Essen und Weinen war Trinken", bevor die Liebe ihn in einen Zustand erhabenen Glücks brachte.

Akt 2

Orfeo kehrt mit dem Hauptchor zurück und singt mit ihnen von den Schönheiten der Natur. Orfeo sinniert dann über sein früheres Unglück, verkündet aber: "Nach der Trauer ist man zufriedener, nach dem Schmerz ist man glücklicher". Die Stimmung der Zufriedenheit wird abrupt beendet, als La messaggera hereinkommt und die Nachricht bringt, dass Euridice beim Blumensammeln einen tödlichen Schlangenbiss erlitten hat. Der Chor drückt seine Angst aus: "Ah, bitteres Geschehen, ach, gottloses und grausames Schicksal!", während sich die Messaggera als Überbringer schlechter Nachrichten geißelt ("Für immer werde ich fliehen und in einer einsamen Höhle ein Leben in Ordnung führen mit meinem Kummer"). Nachdem Orfeo seinem Kummer und seiner Ungläubigkeit Luft gemacht hat ("Du bist tot, mein Leben, und ich atme?"), erklärt seine Absicht, in die Unterwelt hinabzusteigen und ihren Herrscher zu überreden, Euridice wieder zum Leben zu erwecken. Sonst, sagt er, "bleibe ich bei dir in der Gesellschaft des Todes". Er geht, und der Chor nimmt seine Klage wieder auf.

Akt 3

Orfeo wird von Speranza zu den Toren des Hades geführt. Nachdem Speranza auf die Worte am Tor hingewiesen hat ("Gebt die Hoffnung auf, alle, die ihr hier eintretet"), geht Speranza. Orfeo wird nun mit dem Fährmann Caronte konfrontiert , der Orfeo hart anspricht und sich weigert, ihn über den Fluss Styx zu bringen . Orfeo versucht, Caronte zu überreden, indem er ihm ein schmeichelhaftes Lied vorsingt ("Mighty Spirit and Power Divinity"), aber der Fährmann bleibt ungerührt. Als jedoch Orfeo seine Leier aufnimmt und spielt, wird Caronte in den Schlaf beruhigt. Orfeo nutzt seine Chance, stiehlt das Boot des Fährmanns, überquert den Fluss und betritt die Unterwelt, während ein Chor von Geistern widerspiegelt, dass sich die Natur nicht gegen den Menschen wehren kann: "Er hat das Meer mit zerbrechlichem Holz gezähmt und die Wut der Winde verschmäht."

Akt 4

In der Unterwelt bittet Proserpina , Königin des Hades, die von Orfeos Gesang tief betroffen ist, König Plutone , ihren Ehemann, um Euridices Freilassung. Von ihren Bitten bewegt, stimmt Plutone zu, unter der Bedingung, dass Orfeo, während er Euridice zur Welt führt, nicht zurückschauen darf. Wenn er dies tut, "verurteilt ihn ein einziger Blick zum ewigen Verlust". Orfeo tritt ein, führt Euridice und singt selbstbewusst, dass er an diesem Tag auf dem weißen Busen seiner Frau ruhen wird. Doch während er singt, schleicht sich ein Zweifel ein: "Wer versichert mir, dass sie folgt?". Vielleicht, denkt er, hat Plutone, von Neid getrieben, die Bedingung aus Trotz auferlegt? Plötzlich von einer Aufregung außerhalb der Bühne abgelenkt, sieht Orfeo sich um; sofort beginnt das Bild von Euridike zu verblassen. Sie singt verzweifelt: "Verlierst du mich durch zu viel Liebe?" und verschwindet. Orfeo versucht ihr zu folgen, wird aber von einer unsichtbaren Kraft weggezogen. Der Chor der Geister singt, dass Orfeo, nachdem er den Hades besiegt hatte, seinerseits von seinen Leidenschaften überwältigt wurde.

Akt 5

Zurück auf den Feldern Thrakiens führt Orfeo ein langes Selbstgespräch, in dem er seinen Verlust beklagt, Euridices Schönheit lobt und beschließt, dass sein Herz nie wieder von Amors Pfeil durchbohrt wird. Ein Echo hinter der Bühne wiederholt seine letzten Sätze. Plötzlich steigt Apollo in einer Wolke vom Himmel herab und züchtigt ihn: "Warum gibst du dich der Wut und dem Kummer zum Opfer?" Er lädt Orfeo ein, die Welt zu verlassen und sich ihm in den Himmel anzuschließen, wo er Euridices Abbild in den Sternen erkennen wird. Orfeo antwortet, dass es unwürdig wäre, dem Rat eines so weisen Vaters nicht zu folgen, und gemeinsam steigen sie auf. Ein Hirtenchor beschließt: „Wer in Leiden sät, wird die Frucht aller Gnaden ernten“, bevor die Oper mit einer kräftigen Moresca endet .

Originales Libretto-Ende

In Striggios Libretto von 1607 wird Orfeos Selbstgespräch im fünften Akt nicht durch Apollos Erscheinen unterbrochen, sondern durch einen Chor von Mänaden oder Bacchanten – wilde, betrunkene Frauen –, die von der "göttlichen Wut" ihres Herrn, des Gottes Bacchus , singen . Die Ursache ihres Zorns ist Orfeo und sein Verzicht auf Frauen; er wird ihrem himmlischen Zorn nicht entkommen, und je länger er ihnen ausweicht, desto schwerer wird sein Schicksal sein. Orfeo verlässt die Szene und sein Schicksal bleibt ungewiss, während sich die Bacchantinnen für den Rest der Oper wildem Gesang und Tanz zu Ehren des Bacchus widmen. Der Autor für Alte Musik, Claude Palisca, glaubt, dass die beiden Enden nicht unvereinbar sind; Orfeo könnte der Wut der Bacchanten entgehen und von Apollo gerettet werden. Diese Alternative endet jedoch auf jeden Fall näher am ursprünglichen klassischen Mythos, in dem auch die Bacchantinnen auftreten, aber es wird explizit gemacht, dass sie ihn zu Tode quälen, gefolgt von einer Wiedervereinigung als Schatten mit Euridice, aber keine Apotheose oder irgendeine Interaktion mit Apollo.

Empfangs- und Leistungshistorie

Uraufführung und frühe Aufführungen

Ein langer, grauer Steinbau mit ebenerdiger Bogenreihe, darüber eine Reihe kleiner Fenster mit Balkonen.  Oberhalb dieser Reihe befindet sich eine Reihe größerer Fenster unter einer zinnenbesetzten Dachlinie.
Der Herzogspalast in Mantua , wo L'Orfeo 1607 uraufgeführt wurde

Das Datum der Uraufführung von L'Orfeo , der 24. Februar 1607, wird durch zwei Briefe belegt, die beide auf den 23. Februar datiert sind. Im ersten teilt Francesco Gonzaga seinem Bruder mit, dass das "Musikstück" morgen aufgeführt wird; aus früheren Korrespondenzen geht hervor, dass sich dies auf L'Orfeo bezieht . Der zweite Brief stammt von einem Beamten des Gonzaga-Gerichts, Carlo Magno, und enthält weitere Einzelheiten: "Morgen Abend wird der Aller Gelassenste Lord, der Prinz, ein [Stück] in einem Raum in den Gemächern sponsern, die der Gelassensten Dame zur Verfügung standen. ..es sollte sehr ungewöhnlich sein, da alle Schauspieler ihre Rollen singen sollen." Die "Serene Lady" ist die verwitwete Schwester des Herzogs Vincenzo, Margherita Gonzaga d'Este, die im Herzogspalast lebte . Der Raum der Premiere ist nicht sicher zu identifizieren; laut Ringer könnte es die Galleria dei Fiumi gewesen sein, die die Dimensionen hat, eine Bühne und ein Orchester mit Platz für ein kleines Publikum unterzubringen.

Die Uraufführung ist nicht detailliert beschrieben, obwohl Francesco am 1. März schrieb, das Werk sei "zur großen Zufriedenheit aller Hörer" gewesen und habe den Herzog besonders gefreut. Der mantuische Hoftheologe und Dichter Cherubino Ferrari schrieb: „Sowohl der Dichter als auch der Musiker haben die Neigungen des Herzens so geschickt dargestellt, dass es nicht besser hätte sein können … Nirgendwo ist Schöneres zu hören". Nach der Uraufführung bestellte Herzog Vincenzo für den 1. März eine zweite Aufführung; eine dritte Aufführung war geplant, um mit einem geplanten Staatsbesuch des Herzogs von Savoyen in Mantua zusammenzufallen . Francesco schrieb am 8. März an den Herzog von Toskana und fragte, ob er die Dienste des Kastraten Magli noch etwas länger behalten könne. Der Besuch wurde jedoch abgesagt, ebenso wie die feierliche Aufführung.

Es gibt Hinweise darauf, dass L'Orfeo in den Jahren nach der Uraufführung in Florenz, Cremona, Mailand und Turin aufgeführt worden sein könnte, obwohl festere Beweise darauf hindeuten, dass das Werk über den mantuanischen Hof hinaus nur begrenztes Interesse weckte. Francesco hat möglicherweise eine Inszenierung in Casale Monferrato , wo er Gouverneur war, für den Karneval 1609–10 inszeniert, und es gibt Hinweise darauf, dass das Werk zwischen 1614 und 1619 mehrmals in Salzburg unter der Leitung von Francesco Rasi aufgeführt wurde. Jahre später, während der ersten Blütezeit der venezianischen Oper in den Jahren 1637–43, beschloss Monteverdi, dort seine zweite Oper, L'Arianna , wiederzubeleben , aber nicht L'Orfeo . Es gibt einige Hinweise auf Aufführungen kurz nach Monteverdis Tod: 1643 in Genf und 1647 in Paris im Louvre . Obwohl das Werk laut Carter in den 1650er Jahren noch in ganz Italien bewundert wurde, geriet es später wie weitgehend in Vergessenheit Monteverdi, bis das Interesse an seinen Werken im späten 19.

Erweckungen des 20. Jahrhunderts

Kopf- und Oberkörperporträt eines Mannes mittleren Alters mit dunklem Haar und dickem Schnurrbart, der eine Zigarette in der rechten Hand hält
Vincent d'Indy, der 1904 die erste Wiederbelebung von L'Orfeo im 20

Nach Jahren der Vernachlässigung begann Monteverdis Musik im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert das Interesse wegweisender Musikhistoriker auf sich zu ziehen, und ab dem zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts wird er zunehmend in wissenschaftlichen Werken diskutiert. 1881 veröffentlichte Robert Eitner in Berlin eine verkürzte Version der L'Orfeo- Partitur, die eher zum Studium als zur Aufführung gedacht war . 1904 gab der Komponist Vincent d'Indy eine Ausgabe in französischer Sprache heraus, die nur den 2. Akt, einen verkürzten 3. und 4. Akt umfasste. Diese Edition war die Grundlage für die erste öffentliche Aufführung des Werkes seit zweieinhalb Jahrhunderten , eine konzertante Aufführung in d'Indys Schola Cantorum am 25. Februar 1904. Der anwesende bedeutende Schriftsteller Romain Rolland lobte d'Indy dafür, dass er die Oper zum Leben erweckte und sie "zu ihrer Schönheit zurückführte, sie von der plumpe Restaurationen, die es entstellt haben" - vermutlich ein Hinweis auf Eitners Edition. Die d'Indy-Ausgabe war auch die Grundlage für die erste moderne szenische Aufführung des Werks am 2. Mai 1911 im Théâtre Réjane , Paris.

Eine Ausgabe der Partitur des kleinen italienischen Komponisten Giacomo Orefice (Mailand, 1909) wurde vor und nach dem Ersten Weltkrieg in Italien und anderswo konzertant aufgeführt. Diese Ausgabe war die Grundlage für das USA-Debüt der Oper, eine weitere konzertante Aufführung an der New Yorker Met im April 1912. Die Oper wurde in London in d'Indys Ausgabe vorgestellt, als sie am Institut Français am 8 . zu Klavierbegleitung gesungen wurde März 1924. Die erste britische Inszenierung, mit nur kleinen Kürzungen, wurde am 7. Dezember 1925 von der Oxford University Operatic Society gegeben, wobei eine von Jack Westrup für die Veranstaltung vorbereitete Ausgabe verwendet wurde . In der London Saturday Review bezeichnete der Musikkritiker Dyneley Hussey den Anlass als "eines der wichtigsten Ereignisse der letzten Jahre"; die Inszenierung habe "sofort den Anspruch von Monteverdi angedeutet, zu den großen Genies zu gehören, die dramatische Musik geschrieben haben". Westrups Ausgabe wurde im Dezember 1929 in London im Scala Theatre wiederbelebt , im selben Jahr, in dem die Oper ihre erste US-amerikanische Aufführung am Smith College in Northampton, Massachusetts, erlebte. Die drei Scala-Aufführungen führten zu einer finanziellen Katastrophe, und die Oper wurde in Großbritannien 35 Jahre lang nicht mehr gesehen.

Zu einer Reihe von Wiederaufführungen nach 1945 gehörte Paul Hindemiths Ausgabe, eine vollständige Rekonstruktion des 1943 vorbereiteten Werkes, die 1954 bei den Wiener Festspielen aufgeführt und aufgenommen wurde. Diese Aufführung hatte einen großen Einfluss auf den jungen Nikolaus Harnoncourt , und wurde als Meisterwerk der Gelehrsamkeit und Integrität gefeiert. Die erste inszenierte New Yorker Aufführung der New York City Opera unter Leopold Stokowski am 29. September 1960 erlebte das amerikanische Operndebüt von Gérard Souzay , einem von mehreren Baritonen, die die Rolle des Orfeo gesungen haben. Das Theater wurde vom New York Times- Kritiker Harold C. Schonberg kritisiert, weil für eine Aufführung von Luigi Dallapiccolas zeitgenössischer Oper Il prigioniero etwa ein Drittel von L'Orfeo gekürzt wurde. Schönberg schrieb: „Auch die größte Arie in der Oper‚Poss spirito‘, einen ziemlich großen Schrägstrich in der Mitte hat ... [ L'Orfeo ] ist lang genug, und wichtig genug, nicht schön genug , um zu erwähnen, haben war die Oper des ganzen Abends."

In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde die Oper auf der ganzen Welt gezeigt. 1965 veranstaltete Sadler's Wells , der Vorläufer der English National Opera (ENO), die erste von vielen ENO-Aufführungen, die bis ins 21. Jahrhundert andauern sollten. Unter den verschiedenen Feierlichkeiten zum 400. Jahrestag im Jahr 2007 Oper Markierung waren eine halbszenische Aufführung im Teatro Bibiena in Mantua , eine groß angelegte Produktion im Englisch Bach Festival (EBF) am Whitehall Banketthaus in London am 7. Februar und einem unkonventionellen Produktion an der Glimmerglass Opera in Cooperstown, New York , unter der Leitung von Antony Walker und unter der Regie von Christopher Alden . Am 6. Mai 2010 strahlte die BBC eine Aufführung der Oper von der Mailänder Scala aus . Trotz der Zurückhaltung einiger großer Opernhäuser, L'Orfeo zu inszenieren , ist es ein beliebtes Werk bei den führenden Barockensembles. Von 2008 bis 2010 präsentierten die in Frankreich ansässigen Les Arts Florissants unter ihrem Direktor William Christie die Monteverdi-Operntrilogie ( L'Orfeo , Il ritorno d'Ulisse und L'incoronazione di Poppea ) in einer Reihe von Aufführungen bei das Teatro Real in Madrid .

Musik

Vier Notensysteme der Notenhandschrift mit der Überschrift "Prologo. La musica", mit dekorativer Signatur "D"
Eine Seite aus der 1609-Partitur von L'Orfeo

L'Orfeo ist nach Redlichs Analyse das Produkt zweier musikalischer Epochen. Es verbindet Elemente der traditionellen Madrigal Stil des 16. Jahrhunderts mit denen der Schwellen Florentiner Modus, insbesondere die Verwendung von Rezitativ und monodischen Gesang wie von der Camerata und ihre Nachfolger entwickelt. In diesem neuen Stil dominiert der Text die Musik; während Sinfonien und instrumentale Ritornellen das Geschehen illustrieren, wird die Aufmerksamkeit des Publikums immer primär auf die Worte gelenkt. Von den Sängern wird mehr verlangt, als angenehme Stimmklänge zu erzeugen; sie müssen ihre Charaktere in der Tiefe darstellen und entsprechende Emotionen vermitteln.

Monterverdis Rezitativstil wurde von Peris in Euridice beeinflusst , obwohl in L'Orfeo das Rezitativ weniger überwiegt, als es zu dieser Zeit in der dramatischen Musik üblich war. Es macht weniger als ein Viertel der Musik des ersten Akts aus, etwa ein Drittel des zweiten und dritten Akts und etwas weniger als die Hälfte in den letzten beiden Akten.

Die Bedeutung von L'Orfeo besteht nicht darin, dass es das erste Werk dieser Art war, sondern dass es der erste Versuch war, die vollen Ressourcen der Musikkunst, wie sie sich damals entwickelte, auf das entstehende Genre der Oper anzuwenden. Insbesondere machte Monteverdi gewagte Innovationen in der Verwendung der Polyphonie , deren Hauptvertreter Palestrina gewesen war. In L'Orfeo erweitert Monteverdi die Regeln über die Konventionen hinaus, die polyphone Komponisten, die Palestrina treu waren, zuvor als unantastbar angesehen hatten. Monteverdi war kein Orchestrator im allgemein verstandenen Sinne; Ringer findet, dass es das Element der instrumentalen Improvisation ist, das jede Aufführung einer Monteverdi-Oper zu einem "einzigartigen Erlebnis macht und sein Werk vom späteren Opernkanon trennt".

Die Oper beginnt mit einer martialisch klingenden Toccata für Trompeten, die zweimal wiederholt wird. Auf historischen Blasinstrumenten gespielt, kann der Klang für das moderne Publikum verblüffend sein; Redlich nennt es "zerschmetternd". Solche Schnörkel waren das Standardsignal für den Beginn der Aufführungen am Hof ​​von Mantua; der Eröffnungschor von Monteverdis Vesper von 1610 , die ebenfalls für Gonzagas Hof komponiert wurde, verwendet dieselbe Fanfare. Die Toccata diente dem Herzog als Gruß; nach Donington hätte es, wenn es nicht geschrieben worden wäre, ein Präzedenzfall erfordert, dass es improvisiert wurde. Während der Blechbläserklang der Toccata verblasst, wird er durch den sanfteren Ton des Streicher-Ritornells ersetzt, das den Prolog von La musica einleitet. Das Ritornell wird in verkürzter Form zwischen jedem der fünf Verse des Prologs und nach dem letzten Vers vollständig wiederholt. Ihre Funktion innerhalb der Oper als Ganzes besteht darin, die "Macht der Musik" zu repräsentieren; Als solches ist es am Ende Akt 2 und wieder am Anfang des Aktes 5, eines der frühesten Beispiele für eine Oper gehört Leitmotivs . Es ist zeitlich als Palindrom strukturiert und seine Form der strophischen Variationen erlaubt es Monteverdi, die musikalische Zeit für ausdrucksvolle und strukturelle Zwecke im Kontext der Seconda prattica sorgfältig zu gestalten .

Nach dem Prolog folgt Akt 1 in Form einer pastoralen Idylle. Zwei Chöre, ein feierlicher und ein fröhlicher, werden in umgekehrter Reihenfolge um das zentrale Liebeslied "Rosa del ciel" ("Rose des Himmels") wiederholt, gefolgt von den Lobgesängen der Hirten. Die heitere Stimmung setzt sich im zweiten Akt fort, mit Gesang und Tanzmusik, die laut Harnoncourt von Monteverdis Erfahrungen mit französischer Musik beeinflusst sind. Der plötzliche Auftritt von La messaggera mit der traurigen Nachricht von Euridices Tod und die darauf folgende Verwirrung und Trauer werden musikalisch durch harte Dissonanzen und das Nebeneinander von Tonarten widergespiegelt. Die Musik bleibt in dieser Richtung, bis der Akt mit dem Ritornell von La musica endet, ein Hinweis darauf, dass die "Macht der Musik" noch einen Triumph über den Tod herbeiführen könnte. Monteverdis Anweisungen am Ende des Aktes sind, dass die Geigen, die Orgel und das Cembalo verstummen und die Musik von den Posaunen, den Kornetts und dem König aufgenommen wird , während die Szene in die Unterwelt wechselt.

Das Herzstück des dritten Aktes, vielleicht der gesamten Oper, ist Orfeos erweiterte Arie „Possente spirto e formidabil nume“ („Mächtiger Geist und mächtige Göttlichkeit“), mit der er Caronte zu überreden versucht, ihn in den Hades zu betreten. Monteverdis stimmliche Verzierungen und virtuose Begleitung liefern, was Carter als "eine der überzeugendsten visuellen und klanglichen Darstellungen" in der frühen Oper beschreibt. Für die instrumentale Farbgebung sorgen eine Chitarrone , eine Pfeifenorgel, zwei Geigen, zwei Kornetts und eine Doppelharfe. Laut Musikhistoriker und Analyst John Whenham soll diese Anordnung darauf hindeuten, dass Orfeo alle verfügbaren Kräfte der Musik nutzt, um sein Plädoyer zu unterstützen. In Akt 4 wird die unpersönliche Kälte der Unterwelt durch die Wärme von Proserpinas Gesang für Orfeo gebrochen, eine Wärme, die bis zu dem dramatischen Moment erhalten bleibt, in dem Orfeo "zurückblickt". Die kalten Klänge der Sinfonia zu Beginn des 3. Aktes erinnern uns dann daran, dass die Unterwelt doch völlig menschenleer ist. Der kurze Schlussakt, in dem Orfeos Rettung und Metamorphose gezeigt werden, wird umrahmt vom letzten Auftritt des Ritornells von La musica und der lebhaften Moresca , die die Oper beendet. Dieser Tanz, sagt Ringer, erinnert an die Jigs, die am Ende von Shakespeares Tragödien getanzt wurden , und bietet ein Mittel, das Publikum in seine Alltagswelt zurückzubringen, "so wie die Toccata sie vor zwei Stunden in ein anderes Reich geführt hatte Toccata und Moresca vereinen höfische Realität mit Opernillusion."

Aufnahmehistorie

Die erste Aufnahme von L'Orfeo wurde 1939 veröffentlicht, eine frei adaptierte Version von Monteverdis Musik von Giacomo Benvenuti , gegeben vom Orchester der Mailänder Mailänder Scala unter der Leitung von Ferrucio Calusio . 1949 wurde für die Einspielung der gesamten Oper durch das Berliner Rundfunkorchester unter der Leitung von Helmut Koch das neue Medium der Langspielplatte (LP) verwendet. Das Aufkommen von LP-Aufnahmen war, wie Harold C. Schonberg später schrieb, ein wichtiger Faktor für die Wiederbelebung des Interesses an Renaissance- und Barockmusik in der Nachkriegszeit, und seit Mitte der 1950er Jahre wurden Aufnahmen von L'Orfeo auf vielen Labels veröffentlicht. Die 1969 von Nikolaus Harnoncourt und dem Wiener Concentus Musicus aufgenommene Aufnahme mit Harnoncourts auf historischen Instrumenten basierender Ausgabe wurde dafür gelobt, "Monteverdis Musik so klingen zu lassen, wie er sich das vorstellte". 1981 nahm Siegfried Heinrich mit dem Atelier für Alte Musik des Hessischen Kammerorchesters eine Version auf, die das ursprüngliche Striggio-Libretto-Ende nachbildete und Musik aus Monteverdis Ballett Tirsi e Clori von 1616 für die Bacchantszenen hinzufügte . Unter den neueren Aufnahmen wurde die von Emmanuelle Haïm im Jahr 2004 für ihre dramatische Wirkung gelobt.

Editionen

Nach der Veröffentlichung der L'Orfeo- Partitur im Jahr 1609 brachte derselbe Verleger ( Ricciardo Amadino von Venedig) sie 1615 erneut heraus. Faksimile dieser Ausgaben wurden 1927 bzw. 1972 gedruckt. Seit Eitners erster "moderner" Ausgabe von L'Orfeo im Jahr 1884 und d'Indys Aufführungsausgabe 20 Jahre später – beides gekürzte und angepasste Versionen der Partitur von 1609 – gab es viele Versuche, das Werk zu bearbeiten und zu präsentieren, nicht alle veröffentlicht. Die meisten Ausgaben, die d'Indy bis zum Zweiten Weltkrieg folgten, waren meist stark verkürzte Bearbeitungen, die eine Grundlage für Aufführungen in der modernen Opernsprache boten. Viele von ihnen waren das Werk von Komponisten, darunter Carl Orff (1923 und 1939) und Ottorino Respighi im Jahr 1935. Orffs Partitur von 1923, die einen deutschen Text verwendete, enthielt einige historische Instrumentierungen, ein Experiment, das er bei der Produktion seiner späteren Version aufgab.

In der Nachkriegszeit haben sich die Editionen zunehmend verschoben, um die Aufführungskonventionen von Monteverdis Zeit widerzuspiegeln. Diese Tendenz wurde durch zwei frühere Ausgaben eingeleitet, die von Jack Westrup, die in den Oxford-Aufführungen von 1925 verwendet wurden, und die Gesamtausgabe von Gian Francesco Malipiero von 1930, die sich eng an Monteverdis Original von 1609 anlehnt. Nach dem Krieg folgte dem Versuch einer Rekonstruktion des Werkes durch Hindemith 1955 eine Edition von August Wenzinger , die viele Jahre in Gebrauch blieb. In den nächsten 30 Jahren gab es zahlreiche Ausgaben, die meist von wissenschaftlichen Interpreten und nicht von Komponisten erstellt wurden und im Allgemeinen auf Authentizität, wenn nicht immer auf die vollständige Wiederherstellung der ursprünglichen Instrumentierung abzielten. Darunter Versionen von Raymond Leppard (1965), Denis Stevens (1967), Nikolaus Harnoncourt (1969), Jane Glover (1975), Roger Norrington (1976) und John Eliot Gardiner . Lediglich die Komponisten Valentino Bucchi (1967), Bruno Maderna (1967) und Luciano Berio (1984) produzierten Ausgaben nach der Konvention eines großen modernen Orchesters. Auch im 21. Jahrhundert werden weiterhin Ausgaben produziert, oft zur Verwendung in Verbindung mit einer bestimmten Aufführung oder Aufnahme.

Hinweise und Referenzen

Anmerkungen

Verweise

Quellen

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Externe Links