Opera - Opera


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Darsteller von der Atlanta Opera das Finale singen Lucia di Lammermoor . Das Opera Orchester in dem abgesenkten Bereich vor der Bühne sichtbar.

Opera ( Italienisch:  [ɔːpera] ; Englisch Plural: Opern ; Italienisch Plural: opere [Ɔːpere] ) ist eine Form von Theater , in der Musik durch eine führende Rolle und die Teile werden genommen hat Sänger . Eine solche „Arbeit“ (die wörtliche Übersetzung von „Oper“) istRegel eine Zusammenarbeit zwischen einem Komponisten und einem Librettisten und beinhaltet eine Reihe der darstellenden Künste , wie Schauspiel , Landschaft , Kostüm , und manchmal tanzen oder Ballett . Die Leistung wirdRegel in einem bestimmten Opernhaus , begleitet von einem Orchester oder kleinere Musikensemble , das seit Anfang19. Jahrhunderts wurde von einem geführt worden Leiter .

Opera ist ein wichtiger Bestandteil der westlichen klassischen Musik Tradition. Ursprünglich als vollständig gesungen Stück verstanden, im Gegensatz zu einem Spiel mit Liedern, Oper hat sich gehören zahlreiche Genres , darunter auch einige, die den Dialog gesprochen wie umfassen Musiktheater , Singspiel und Opéra comique . In der traditionellen Nummernoper , beschäftigen Sänger zwei Arten des Singens: Rezitativ , eine sprach gebeugte Stil und in sich geschlossene Arien . Das 19. Jahrhundert sah den Aufstieg der kontinuierlichen Musikdrama .

Opera entstand am Ende des 16. Jahrhunderts in Italien (mit Jacopo Peri ‚s meist verloren Dafne , in produzierte Florenz im Jahre 1598) und bald durch den Rest Europa verbreitet: Heinrich Schütz in Deutschland, Jean-Baptiste Lully in Frankreich und Henry Purcell in England alle geholfen , ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert zu schaffen. Im 18. Jahrhundert setzte sich die italienische Oper den meisten Ländern Europas (außer Frankreich) dominieren, ausländische Komponisten wie anziehenden Georg Friedrich Händel . Opera seria war die angesehenste Form der italienischen Oper, bis Gluck gegen seine Künstlichkeit reagierte mit seiner „Reform“ Opern in den 1760er Jahren. Die bekannteste Figur der späten Oper des 18. Jahrhunderts ist Wolfgang Amadeus Mozart , der mit Opera seria begann aber ist berühmt für seine italienischen komischen Opern , vor allem Die Hochzeit des Figaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni und Così fan tutte , sowie die Entführung aus dem Serail ( die Entführung aus dem Serail ) und die Zauberflöte ( die Zauberflöte ), Wahrzeichen in der deutschen Tradition.

Das erste Drittel des 19. Jahrhunderts sah den Höhepunkt des Belcanto - Stil, mit Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti und Vincenzo Bellini alle Werke zu schaffen , die noch durchgeführt werden. Es sah auch das Aufkommen der Grand Opera verkörpert durch die Arbeiten von Auber und Meyerbeer . Die Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts war ein goldenes Zeitalter der Oper geführt und durch beherrscht Giuseppe Verdi in Italien und Richard Wagner in Deutschland. Die Popularität der Oper fortgesetzt durch die Verismo Ära in Italien und zeitgenössischer Französisch Oper bis hin zu Giacomo Puccini und Richard Strauss im frühen 20. Jahrhundert. Im Laufe des 19. Jahrhunderts entstanden parallel Operntraditionen in Mittel- und Osteuropa, insbesondere in Russland und Böhmen . Im 20. Jahrhundert wurden viele Experimente mit modernen Stilen, wie Atonalität und Serialismus ( Arnold Schönberg und Alban Berg ), Neoklassizismus ( Igor Stravinsky ) und Minimalism ( Philip Glass und John Adams ). Mit dem Aufstieg der Aufnahmetechnik , Sänger wie Enrico Caruso und Maria Callas wurde zu viel breiteren Publikum bekannt , die über den Kreis der Opernfans ging. Seit der Erfindung von Radio und Fernsehen wurden Opern auch durchgeführt (und geschrieben für) diese Medien. Ab dem Jahr 2006 begann eine Reihe von großen Opernhäuser Live zu präsentieren High-Definition - Video - Übertragungen ihrer Darbietungen in Kinos auf der ganzen Welt. Seit 2009 können komplette Leistungen heruntergeladen werden und werden Live - Streaming .

Operatic Terminologie

Die Worte einer Oper sind bekannt als das Libretto (wörtlich „kleines Buch“). Einige Komponisten, vor allem Wagner, haben ihre eigene Libretti geschrieben; andere haben in enger Zusammenarbeit mit ihren Librettisten, zB Mozart mit arbeiten Lorenzo Da Ponte . Traditionelle Oper, die oft als „ Nummernoper “, besteht aus zwei Modi des Singens: Rezitativ , die Plot-driving Passagen in einem Stil gesungen entworfen zu imitieren und die Beugungen der Sprache, und zu betonen Arie (eine „Luft“ oder formales Lied in denen) ausdrücken die Charaktere ihre Gefühle in einem strukturierten melodischen Stil. Vocal Duette, Trios und andere Ensembles häufig auftreten, und Chöre werden verwendet , auf die Aktion zu kommentieren. In einigen Formen der Oper, wie Singspiel , opéra comique , Operette und Semi-Oper wird das Rezitativ meist durch gesprochene Dialoge ersetzt. Melodische oder halb melodische Passagen in der Mitte auftreten, oder anstelle von, recitative, werden auch als bezeichnet arioso . Die Terminologie der verschiedenen Arten von Opernstimmen im Detail beschrieben unten . Während sowohl der barocken und klassischen Perioden, Rezitativ in zwei Grundformen erscheinen könnte, von denen jede durch ein begleitet verschiedene Instrumentalensemble: Secco (trocken) Rezitativ, mit einem freien Rhythmus durch den Akzent der Worte diktiert gesungen, nur begleitet von basso continuo , die in der Regel ein war Cembalo und Cello; oder accompagnato (auch bekannt als strumentato ) , in dem das Orchester vorgesehen Begleitung. Im Laufe des 18. Jahrhunderts wurden Arien zunehmend vom Orchester begleitet. Im 19. Jahrhundert, accompagnato hatte die Oberhand gewonnen, das Orchester eine viel größere Rolle gespielt, und Wagner revolutionierte Oper von fast allen Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ abzuschaffen bei seiner Suche nach was Wagner als „unendliche Melodie“. Nachfolgende Komponisten neigten dazu , Wagners Beispiel, obwohl einige, wie Strawinsky in seinem folgen The Rake Progress bockte haben den Trend. Die sich wandelnde Rolle des Orchesters in der Oper wird detaillierter beschrieben unten .

Geschichte

Ursprünge

Das italienische Wort Oper bedeutet „Arbeit“, sowohl im Sinne der Arbeit getan und das Ergebnis. Das italienische Wort leitet sich vom lateinischen Oper , ein Substantiv im Singular „Arbeit“ bedeutet und auch den Plural des Substantivs Opus . Nach dem Oxford English Dictionary wurde das italienische Wort zuerst in dem Sinne „Zusammensetzung , in der Poesie, Tanz und Musik kombiniert“ im Jahr 1639 verwendet; der erste aufgezeichnete englische Sprachgebrauch in diesem Sinne stammt aus dem Jahr 1648.

Dafne von Jacopo Peri war die früheste Komposition als Oper, wie heute verstanden. Es wurde um 1597 weitgehend unter der Inspiration eines elitären Kreis der gebildeten geschrieben Florentiner Humanisten , die als „versammelt Camerata de‘ Bardi “. Bezeichnenderweise Dafne war ein Versuchdie klassischen wiederzubeleben griechischen Dramen , Teil der größeren Wiederbelebung der Antike charakteristisch für die Renaissance . Die Mitglieder der Camerata Auffassungdass die „Chor“ Teile der griechischen Dramen wurden ursprünglich gesungen, und möglicherweise sogar der gesamte Text aller Rollen; Oper wurde somit als eine Möglichkeit der „Wiederherstellung“ diese Situation konzipiert. Dafne, jedoch verloren. Eine spätere Arbeit von Peri, Euridice , aus1600 stammt, ist die erste Opernpartitur hat bis heute überlebt. Die Ehre, die erste Oper ist nach wie vor regelmäßig durchgeführt, jedoch wird, geht an Claudio Monte ‚s L'Orfeo , für das Gericht zusammengesetzt Mantua in 1607. Der Mantua Hof des Gonzaga ,Arbeitgeber von Monte, spielten eine bedeutende Rolle in der Ursprung der Oper nicht nur Hofsänger der Einsatz - Konzert delle donne (bis 1598), sondern auch eine des ersten tatsächlichen „Opernsängers“; Madama Europa .

italienische Opern

Barock

Antonio Vivaldi , im Jahre 1723
Private Barocktheater in Český Krumlov

Opera nicht vor Gericht Publikum für lange beschränkt bleiben. Im Jahr 1637 die Idee einer „Saison“ ( Karneval entstand) öffentlich besuchen Opern unterstützt von Ticketverkauf in Venedig. Monte hatte die Stadt von Mantua bewegt und seine letzten Opern komponiert, Il ritorno d'Ulisse in patria und L'incoronazione di Poppea , für das venezianische Theater in den 1640er Jahren. Seine wichtigsten Folger Francesco Cavalli half Oper in ganz Italien verbreitet. In diesen frühen Barockopern, war breit Komödie mit tragischen Elementen in einer Mischung gemischt , das einige gebildeten Empfindlichkeiten gerüttelt, Funken die ersten von vielen Reformbewegungen Oper, gesponsert von der arkadischen Akademie , die mit dem Dichter verbunden ist gekommen sein Metastasio , der Libretti geholfen kristallisiert das Genre der opera seria , die die führende Form der italienischen Oper bis zum Ende des 18. Jahrhunderts wurden. Sobald die metastasianischen ideal fest etabliert hatte, Komödie in Oper Barock-Ära wurde reserviert , was kam , genannt zu werden opera buffa . Bevor solche Elemente aus der Opera seria gezwungen waren, hatten viele Libretti eine separat Entfaltung Comic - Handlung als eine Art eines vorgestellten „opera-im-Oper.“ Ein Grund dafür war ein Versuch , die Mitglieder der wachsenden Handelsklasse zu gewinnen, Neureichen, aber immer noch nicht so kultiviert , wie der Adel, die öffentlichen Opernhäuser . Diese separaten Parzellen wurden fast sofort in einer separat entwickelt Tradition wiederbelebt , die zum Teil aus dem abgeleiteten commedia dell'arte , einer langfris blühenden improvisatorischen Bühne Tradition Italiens. So wie Zwi einmal zwischen den Akten von Theaterstücken durchgeführt worden war, Opern in der neuen Comic - Genre „Intermezzi“, die vor allem in Neapel in den 1710er entwickelt und 20er Jahren, wurden zunächst in den Pausen der Opera seria in Szene gesetzt. Sie wurde so populär , aber, dass sie bald als getrennte Produktionen angeboten.

Opera seria wurde in Ton erhöht und stark stilisiert in der Form, in der Regel bestehend aus Secco - Rezitativ setzte mit langen da capo - Arien. Dies lieferte große Chance für die virtuosen Gesang und während des goldenen Zeitalters der Opera seria der Sänger wurde wirklich der Star. Die Rolle des Helden wurde in der Regel für die schrille männlichen geschrieben Kastrat Stimme, die durch produziert wurde Kastration des Sängers vor der Pubertät , die Knaben verhinderten Larynx von in der Pubertät verwandelt. Kastraten wie Farinelli und Senesino sowie weiblich Sopranistinnen wie Faustina Bordoni , wurde in ganz Europa in dem großen Nachfrage als Opera seria die Bühne in jedem Land mit Ausnahme von Frankreich regiert. Farinelli war einer der berühmtesten Sänger des 18. Jahrhunderts. Italienische Oper des Barock - Standard. Italienisch Libretti waren die Norm, auch wenn ein deutscher Komponist wie Handel selbst gefunden , die gerne von Komponieren Rinaldo und Giulio Cesare für das Publikum in London. Italienische Libretti blieb dominant in der Klassik als auch, zum Beispiel in den Opern von Mozart , der in Wien in der Nähe des Jahrhunderts schließen schrieb. Führende Italien geborene Komponisten Opera seria gehören Alessandro Scarlatti , Vivaldi und Porpora .

Reform: Gluck, der Angriff auf die metastasianischen ideal, und Mozart

Illustration für die Partitur der Original Wiener Fassung von Orfeo ed Euridice

Opera seria hatte seine Schwächen und Kritiker. Der Geschmack für Verschönerung im Namen der hervorragend ausgebildeten Sänger, und die Verwendung von Schauspiel als Ersatz für dramatische Reinheit und Einheit zogen Angriffe. Francesco Algarotti ‚s Essay über die Oper (1755) erwies sich als Inspiration für sein Gluck ‘ s Reformen. Er befürwortete , dass Opera seria zu den Wurzeln zurückkehren musste und dass all die verschiedenen Elemente-Musik (sowohl Instrumental- und Vokal), Ballett und Staging-muss das übergeordnete Drama dienstbar sein. Im Jahr 1765 Melchior Grimm veröffentlicht „ Poème lyrique “, ein einflussreichen Artikel für die Encyclopédie auf lyrisches und Opernlibretti . Mehrere Komponisten der Zeit, darunter Niccolò Jommelli und Tommaso Traetta , versucht , diese Ideale in die Praxis umzusetzen. Die erste jedoch erfolgreich zu sein, war Gluck. Gluck strebte eine „schöne Einfachheit“ zu erreichen. Dies zeigt sich in seiner ersten Reformoper, Orfeo ed Euridice , wo seine nicht-virtuosen Gesangsmelodien durch einfache Harmonien und einem reicheren Orchester Präsenz in unterstützt werden.

Glucks Reformen Resonanz im ganzen Operngeschichte hatten. Weber, Mozart und Wagner, insbesondere wurden von seinen Idealen beeinflusst. Mozart, in vielerlei Hinsicht Glucks Nachfolger kombiniert eine hervorragende Sinn für Dramatik, Harmonie, Melodie und Kontrapunkt eine Reihe von komischen Opern mit Libretti schreiben von Lorenzo Da Ponte , insbesondere Le Nozze di Figaro , Don Giovanni und Così fan tutte , die bleiben zu den beliebtesten, beliebte und bekannte heute Opern. Aber Mozarts Beitrag zur Opera seria war gemischt; von seiner Zeit im Sterben liegt es weg, und trotz solcher feinen Arbeiten wie Idomeneo und La clemenza di Tito , würde er bringt die Kunstform wieder zurück ins Leben nicht gelingen.

Bel canto, Verdi und Verismo

Giuseppe Verdi, von Giovanni Boldini 1886

Die Belcanto - Oper Bewegung blühte im frühen 19. Jahrhundert und wird von den Opern von Ausführungs Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante und vielen anderen. Wahrsten Sinne des Wortes „schönen Gesang“, Belcanto leitet Oper von der italienischen Stilsingschule mit dem gleichen Namen. Bel canto Linien sind typisch blumig und komplizierte, höchste Agilität und Pitch - Steuerung erfordern. Beispiele für berühmte Opern des Belcanto - Stil gehören Rossinis Il barbiere di Siviglia und La Cenerentola sowie Bellinis Norma und Donizettis Lucia di Lammermoor .

Im Anschluss an die Belcanto - Ära, ein direkterer wurde kräftig Stil durch schnell populär Giuseppe Verdi , mit seiner biblischen Oper beginnt Nabucco . Diese Oper, und diejenigen , die in Verdis Laufbahn folgen würde, revolutionierte die italienische Oper, aus lediglich einer Anzeige von Stimmfeuerwerk, mit Rossinis und Donizettis Werken, zu dramatischen Erzählens zu ändern. Verdi-Opern in Resonanz mit dem wachsenden Geist des italienischen Nationalismus in der post- napoleonischen Ära, und er wurde schnell zu einer Ikone der patriotischen Bewegung für ein geeintes Italien. In den frühen 1850er Jahren produzierte Verdi seine drei beliebtesten Opern: Rigoletto , Il Trovatore und La traviata . Die erste davon, Rigoletto , erwies sich als die revolutionärste. Darin verwischt Verdi die Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ , wie es nie zuvor war, was die Oper „eine unendliche Reihe von Duetten“ zu sein. La traviata war ebenfalls neu. Es erzählt die Geschichte von Kurtisane, und wird oft als einer der ersten „realistischen“ Opern zitiert, denn anstatt mit großen Könige und Figuren aus der Literatur, auf die Tragödien des alltäglichen Lebens und der Gesellschaft konzentriert. Nach diesen setzte er seinen Stil zu entwickeln, Komponieren vielleicht die größte Französisch Grand Opera , Don Carlos , und seine Karriere mit zwei endend Shakespeare inspirierten Werke, Otello und Falstaff , die zeigen , wie weit die italienische Oper in Raffinesse seit dem frühen 19. geworden war Jahrhundert. Diese beiden letzten Werke zeigte Verdi in seiner meisterhaft orchestriert, und sind beide unglaublich einflussreich und modern. In Falstaff setzt Verdi den herausragenden Standard für die Form und Stil , die Oper während des zwanzigsten Jahrhunderts dominieren würde. Anstatt lange suspendierte Melodien, Falstaff enthält viele kleine Motive und Mottos, dass, anstatt auf, eingeführt werden erweitert und anschließend fallen gelassen, nur später wieder gebracht werden. Diese Motive nie werden erweitert auf, und ebenso wie das Publikum ein Zeichen erwartet in eine lange Melodie zu starten, ein neuer Charakter spricht, einen neuen Begriff einzuführen. Diese Art und Weise der Oper gerichtet Oper von Verdi, vorwärts, Sport treiben enormen Einfluss auf seine Nachfolger Giacomo Puccini , Richard Strauss und Benjamin Britten .

Nach Verdi, die sentimental „realistisch“ Melodram von verismo erschien in Italien. Das war eine Art eingeführt von Pietro Mascagni ‚s Cavalleria rusticana und Ruggero Leoncavallo ‘ s Pagliacci , die die Weltopernbühnen mit so bekannten Werken wie zu dominieren kam Giacomo Puccini ‚s La bohème , Tosca und Madama Butterfly . Später italienische Komponisten wie Berio und Nono , haben mit experimentiert Moderne .

Deutsch-Sprach Oper

Die Königin der Nacht in einer 1815 von Mozarts Die Zauberflöte

Die erste deutsche Oper Dafne , komponiert von Heinrich Schütz im Jahr 1627, aber das Musik - Score ist nicht überlebt hat. Italienische Oper hielt eine große Macht über den deutschsprachigen Ländern bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Trotzdem würden nativen Formen trotz dieses Einflusses entwickeln. 1644 Sigmund Staden produzierte das erste Singspiel , Seelewig , eine beliebte Form der deutschsprachigen Oper , in der Gesang im Wechsel mit gesprochenen Dialogen. Im späten 17. Jahrhundert und frühen 18. Jahrhundert, das Theater am Gänsemarkt in Hamburg präsentiert deutschen Opern von Keiser , Tele und Händel . Doch die meisten der großen deutschen Komponisten der Zeit, auch Händel selbst sowie Graun , Hasse und später Gluck , wählten die meisten ihrer Opern in fremden Sprachen zu schreiben, vor allem Italienisch. Im Gegensatz zur italienischen Oper, die in der Regel für die aristokratische Klasse zusammengesetzt war, wurde die deutsche Oper im Allgemeinen für die Massen zusammengesetzt und neigte dazu , einfache Leute artiger Melodien zu bieten, und es war nicht bis zum Eintreffen der Mozart dass deutsche Oper konnte seine anzupassen italienisches Pendant in musikalischer Raffinesse.

Richard Wagner

Mozart ‚s Singspiele , Die Entführung aus dem Serail (1782) und Die Zauberflöte (1791) war ein wichtiger Durchbruch bei der Erreichung internationale Anerkennung für die deutsche Oper. Die Tradition wurde im 19. Jahrhundert entwickelten sich Beethoven mit seinem Fidelio , inspiriert durch das Klima der Französisch Revolution . Carl Maria von Weber gegründet deutschen romantischen Oper gegen die Dominanz des italienischen Belcanto . Sein Der Freischütz (1821) zeigt sein Genie für eine übernatürliche Atmosphäre. Andere Opernkomponisten der Zeit gehören Marschner , Schubert und Lortzing , aber die wichtigste Figur war zweifellos Wagner .

Brünnhilde wirft sich auf Siegfrieds Scheiterhaufens in Wagners Götterdämmerung

Wagner war einer der revolutionärsten und umstrittenen Komponisten in der Musikgeschichte. Ab unter dem Einfluss von Weber und Meyerbeer , er entwickelte sich nach und nach einem neuen Konzept der Oper als Gesamtkunstwerk (ein „Gesamtkunstwerk“), eine Fusion von Musik, Poesie und Malerei. Er erhöhte stark die Rolle und die Leistung des Orchesters, punktet mit einem komplexen Netz schaffen Leitmotive , wiederkehrende Themen oft im Zusammenhang mit den Figuren und Konzepten des Dramas, deren Prototypen in seinen früheren Opern wie zu hören Den fliegenden Holländer , Tannhäuser und Lohengrin ; und er war bereit, musikalische Konventionen, wie violate akzeptiert Tonalität , in seinem Streben nach mehr Expressivität. In seinen reifen Musikdramen, Tristan und Isolde , Meistersinger von Nürnberg , Den Ring des Nibelungen und Parsifal , schaffte er die Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ zugunsten einem nahtlosen Fluss von „unendlicher Melodie“. Wagner brachte auch eine neue philosophische Dimension Oper in seinen Werken, die in der Regel auf Geschichten aus beruhten germanischer oder Artuslegende. Schließlich Wagner gebaut sein eigenes Opernhaus in Bayreuth mit einem Teil der Schirmherrschaft von Ludwig II von Bayern , die ausschließlich für seine eigenen Werke im Stil der Durchführung er wollte.

Opera würde nie gleich nach Wagner sein und für viele Komponisten sein Vermächtnis eine schwere Belastung erwiesen. Auf der anderen Seite, Richard Strauss akzeptiert Wagnerianer Ideen , sondern nahm sie in ganz neue Richtungen, zusammen mit der neuen Form von Verdi eingeführt enthält. Er gewann die ersten Ruhm mit dem skandalösen Salome und die dunklen Tragödie Elektra , in der Tonalität bis an die Grenzen gestoßen wurde. Dann änderte es Strauss tack in seinem größten Erfolg, Der Rosenkavalier , wo Mozart und Wienerer Walzer als wichtige Einfluss als Wagner wurden. Strauss weiterhin einen sehr abwechslungsreichen Körper Opernwerke zu produzieren, oft mit Libretti von dem Dichter Hugo von Hofmannsthal . Andere Komponisten , die einzelnen Beiträge zur deutschen Oper am Anfang des 20. Jahrhunderts gehören Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill und die in Italien geborene Ferruccio Busoni . Die Opern-Innovationen von Arnold Schönberg und seine Nachfolger werden im Abschnitt diskutiert Moderne .

Während des späten 19. Jahrhunderts, der österreichische Komponist Johann Strauss II , ein Bewunderer der Französisch sprachigen Operetten komponiert von Jacques Offenbach , der sich aus mehreren deutschsprachigen Operetten, die bekannteste davon war Die Fledermaus , die noch heute regelmäßig durchgeführt wird. Dennoch, anstatt das Kopieren der Stil von Offenbach, die Operetten von Strauß II hatte deutlich Wiener Geschmack zu ihnen, die die Strauss II Platz als einer der bekanntesten Operettenkomponisten aller Zeiten zementiert haben.

Französisch Oper

Eine Leistung von Lully Oper Armide im Salle du Palais-Royal im Jahre 1761

In Konkurrenz mit importierten italienischen Opernproduktionen, eine separate Französisch Tradition wurde von dem italienischen gründet Jean-Baptiste Lully am Hof von König Ludwig XIV . Trotz seiner ausländischen Herkunft, gegründet Lully eine Hochschule für Musik und pachtete Französisch Oper von 1672. Beginnend mit Cadmus et Hermione , Lully und seinem Librettist Quinault erstellt Tragédie en musique , eine Form , in der Tanzmusik und Chorsatz besonders ausgeprägt war. Lully-Opern zeigen auch eine Sorge für expressive Rezitativ , die die Konturen der Französisch Sprache angepasst. Im 18. Jahrhundert, Lully wichtigsten Nachfolger Jean-Philippe Rameau , der fünf zusammengesetzt tragédies en musique sowie zahlreiche Werke in anderen Genres wie opéra-ballet , alle zeichnen sich durch ihre reiche Orchestrierung und harmonische Kühnheit. Trotz der Popularität der italienischen Opera seria durch fast ganz Europa in der Barockzeit, die italienische Oper gewann nie ein Standbein in Frankreich, wo seine eigene nationale Operntradition immer beliebter statt war. Nach Rameaus Tod, die Deutsche Gluck war überzeugt , sechs Opern für die zur Herstellung von Pariseren Bühne in den 1770er Jahren. Sie zeigen den Einfluss von Rameau, sondern vereinfacht und mit mehr Fokus auf das Drama. Zur gleichen Zeit, von der Mitte des 18. Jahrhunderts war ein weiteres Genre Popularität in Frankreich zu gewinnen: opéra comique . Dies war das Äquivalent der deutschen Singspiel , wo Arien mit gesprochenen Dialogen abwechselten. Bemerkenswerte Beispiele in diesem Stil wurden hergestellt von Monsigny , Philidor und vor allem Grétry . Während der Revolutionszeit Komponisten wie Méhul und Cherubini , die Anhänger von Gluck waren, brachte eine neue Ernsthaftigkeit in dem Genre, das nie ganz gewesen „Comic“ auf jeden Fall. Ein weiteres Phänomen dieser Zeit war die ‚Propaganda Oper‘ feierte revolutionären Erfolge, zum Beispiel Gossecs Le triomphe de la République (1793).

Durch die 1820er Jahre, war einen Geschmack für italienisches Gluckian Einfluss in Frankreich gegeben Belcanto , vor allem nach der Ankunft von Rossini in Paris. Rossinis Guillaume Tell half das neue Genre der gefundenen Grand Opera , eine Form , deren berühmteste Vertreter war ein weiterer Ausländer, Giacomo Meyerbeer . Meyerbeers Werken wie Les Huguenots , betont virtuosen Gesang und außergewöhnlichen Bühneneffekte. Lighter opéra comique genossen auch enormen Erfolg in den Händen von Boïeldieu , Auber , Hérold und Adam . In diesem Klima, die Opern des Französisch-geborenen Komponisten Hector Berlioz versuchte sich Gehör zu verschaffen. Berlioz 'episches Meisterwerk Les Troyens , der Höhepunkt der Gluckian Tradition wurde keine volle Leistung für fast hundert Jahre.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, Jacques Offenbach erstellt Operette mit witzigen und zynisch Werken wie Orphée aux enfers , sowie die Oper Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod erzielte einen großen Erfolg mit Faust ; und Georges Bizet komponiert Carmen , die, sobald sie das Publikum lernte seine Mischung aus zu akzeptieren , Romantik und Realismus, wurde das populärste aller opéra comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns und Léo Delibes alle komponierten Werken , die nach wie vor Teil der Standard - Repertoires sind, beispielsweise von Massenet Manon , Saint-Saëns' Samson et Dalila und Delibes' Lakmé . Ihre Opern ein anderes Genre gebildet, die Opera Lyrique, kombiniert Oper comique und große Oper. Es ist weniger pompös als große Oper, aber ohne den gesprochenen Dialog der Oper comique. Zur gleichen Zeit wird der Einfluss von Richard Wagner wurde als Herausforderung an die Französisch Tradition zu spüren. Viele Französisch Kritiker wies wütend Wagners Musikdramen , während viele Französisch Komponisten sie mit wechselndem Erfolg eng imitiert. Die vielleicht interessanteste Reaktion kam von Claude Debussy . Wie in Wagners Werken spielt das Orchester eine führende Rolle in Debussys einzigartigen Oper Pelléas et Mélisande (1902) , und es gibt keine wirklichen Arien, nur Rezitativ. Aber das Drama ist dezent, rätselhaft und völlig un-Wagnerianer.

Andere bemerkenswerte 20. Jahrhundert Namen sind Ravel , Dukas , Roussel und Milhaud . Francis Poulenc ist einer der wenigen Nachkriegs Komponisten jeder Nationalität , dessen Opern (darunter Dialogues des Carmélites ) haben einen Einstieg in den internationalen Repertoire gewonnen. Olivier Messiaen ‚s lange heiliges Drama Saint François d'Assise (1983) hat auch große Aufmerksamkeit erregt.

Englisch-sprachige Oper

In England war Oper Vorläufer aus dem 17. Jahrhundert jig . Dies war ein Nachspiel , das am Ende eines Spiels kam. Es war oft verleumderisch und skandalös und bestand in der Haupt des Dialogs zu Musik aus beliebten Melodien angeordnet eingestellt. In dieser Hinsicht erwartet Jigs die Ballade Opern des 18. Jahrhunderts. Zur gleichen Zeit, das Französisch Masque wurde einen festen Halt an dem englischen Hof zu gewinnen, mit noch mehr verschwenderischen Pracht und sehr realistischer Landschaft als zuvor gesehen worden war. Inigo Jones wurde zum Inbegriff Designer dieser Produktionen, und dieser Stil war die englische Bühne für drei Jahrhunderte dominieren. Diese Masken enthalten Lieder und Tänze. In Ben Jonson ‚s - Liebhaber Made Men (1617), "wurde die ganze Masque nach der italienischen Art und Weise gesungen, stilo recitativo". Der Ansatz des englischen Commonwealth geschlossen Theater und hielt alle Entwicklungen, die zur Gründung der englischen Oper geführt haben. Doch im Jahr 1656, der Dramatiker Sir William Davenant produzierte die Belagerung von Rhodos . Seit seinem Theater nicht Drama zu produzieren lizenziert wurde, bat er mehrere der führenden Komponisten (Lawes, Cooke, Locke, Coleman und Hudson) Teile davon vertonen. Dieser Erfolg wurde durch folgt die Grausamkeit der Spanier in Peru (1658) und der Geschichte von Sir Francis Drake (1659). Diese Stücke wurden durch ermutigt Oliver Cromwell , weil sie kritisch von Spanien waren. Mit der englischen Restauration , ausländische (vor allem Französisch) Musiker wurden begrüßt zurück. 1673 Thomas Shadwell ‚s Psyche , gemustert auf der 1671 'comédie-ballet' des gleichen Namens hergestellt von Molière und Jean-Baptiste Lully . William Davenant produzierte den Sturm noch im selben Jahr, die die erste musikalische Adaption eines war Shakespeare spielen (komponiert von Locke und Johnson). Über 1683, John Blow komponiert Venus und Adonis , oft als die erste echte englischsprachige Oper gedacht.

Schlag unmittelbarer Nachfolger wurde der bekannteren Henry Purcell . Trotz des Erfolg seines Meister Dido und Aeneas (1689), in dem die Aktion durch die Verwendung von italienischen Stil Rezitativ gefördert wird, viel der besten Arbeiten des Purcell war nicht im Komponieren von typischer Oper beteiligt, sondern arbeitete er in der Regel innerhalb von die Einschränkungen des semi-Opera - Format, in dem isolierten Szenen und masques innerhalb der Struktur eines gesprochenen spielen, wie beispielsweise enthalten sind Shakespeare in Purcell die Fee-Königin (1692) und Beaumont und Fletcher in der Prophetin (1690) und Bonduca (1696 ). Die Hauptfiguren des Spiels sind in der Regel nicht in den musikalischen Szenen beteiligt zu sein, was bedeutet , dass Purcell selten in der Lage war , seine Figuren durch Gesang zu entwickeln. Trotz dieser Hindernisse, sein Ziel (und die seinen Mitarbeiters John Dryden ) waren die ernste Oper in England zu schaffen, aber diese Hoffnungen endeten mit frühem Tod Purcell im Alter von 36.

Nach Purcell, schwand die Popularität der Oper in England seit mehreren Jahrzehnten. Ein belebtes Interesse an der Oper trat in den 1730er Jahren , die weitgehend zugeschrieben Thomas Arne , sowohl für seine eigenen Kompositionen und Handel zu den kommerziellen Möglichkeiten von Groß arbeitet in englischer Sprache zu alarmieren. Arne war der erste englische Komponist mit italienischen Stil all-sung komische Oper zu experimentieren, mit seinem größten Erfolg ist Thomas und Sally in 1760. Seine Oper Artaxerxes (1762) war der erste Versuch , ein ausgewachsene einstellen Opera seria in Englisch und war ein großer Erfolg, die Bühne , bis die 1830er Jahre zu halten. Obwohl Arne viele Elemente der italienischen Oper nachgeahmt, er war vielleicht der einzige Komponist damals in der Lage war , über die italienischen Einflüsse zu bewegen und seine eigene einzigartige und deutlich englische Stimme erstellen. Seine modernisierte Ballade Oper, Liebe in einem Dorf (1762), begann eine Mode für Pastiche Oper , das bis weit ins 19. Jahrhundert dauerte. Charles Burney schrieb , dass Arne eingeführt „eine leichte, luftige, originell und ansprechend Melodie, ganz verschieden von der Purcell oder Händel, dem alle englischen Komponisten hatten entweder geplündert oder imitiert“.

Die Mikado (Lithographie)

Neben Arne, der andere war dominierende Kraft in Englisch Oper in dieser Zeit Georg Friedrich Händel , dessen Oper Serias füllte die Londoner Opernbühnen seit Jahrzehnten und beeinflusst die meisten heimischen Komponisten wie John Frederick Lampe , die italienischen Modelle geschrieben werden. Diese Situation weiter in den 18. und 19. Jahrhundert, darunter in der Arbeit von Michael William Balfe und die Opern der großen italienischen Komponisten, sowie diejenigen von Mozart, Beethoven und Meyerbeer, setzte die musikalische Bühne in England zu beherrschen.

Die einzigen Ausnahmen waren Ballade Opern , wie John Homosexuell ist die Oper des Bettlers (1728), Musik Burlesken , European Operetten und späte viktorianische Ära Licht Opern , vor allem der Savoy Oper von WS Gilbert und Arthur Sullivan , von denen alle Arten von Musik Unterhaltung häufig Opernkonventionen gefälscht. Sullivan schrieb nur eine große Oper, Ivanhoe (nach den Anstrengungen einer Reihe von jungen englischen Komponisten über 1876 beginnen), aber er behauptete , dass seine Operetten in einer Schule von „English“ Oper konstituierten selbst, sollte die Französisch Operetten verdrängen ( in der Regel in einem schlechten Übersetzungen durchgeführt), die die Londoner Bühne aus der Mitte des 19. Jahrhunderts in den 1870er Jahren beherrscht hatte. Londoner Daily Telegraph vereinbart, beschreibt die kleinen Grundbesitzer des Schutzes als „echten englischen Oper, Vorläufer von vielen anderen, lassen Sie uns hoffen, und möglicherweise erhebliche eines Vorschusses in Richtung einer nationalen lyrischen Bühne“. Sullivan produzierte ein paar leichten Opern in den 1890er Jahren , die in der G & S - Serie , als das eine ernsteren Natur waren, einschließlich Haddon Hall und The Beauty Stein , aber Ivanhoe (die für 155 aufeinander folgende Leistungen liefen, mit abwechselnd wirft-einen Rekord bis Broadway La bohème ) überlebt als seinen einzigen Grand Opera .

Im 20. Jahrhundert begann englische Oper mehr Unabhängigkeit zu behaupten, mit Werken von Ralph Vaughan Williams und insbesondere Benjamin Britten , der in einer Reihe von Arbeiten , die heute in Standardrepertoire bleiben, ein ausgezeichnetes Gespür für die Dramatische und hervorragende Musikalität enthüllt. In jüngerer Zeit Sir Harrison Birtwistle hat als einer von Großbritannien bedeutendsten zeitgenössischen Komponisten aus seiner ersten Oper entsteht Kasperl zu seinem jüngsten kritischen Erfolg in der Minotaurus . Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts, der Librettist einer frühen Birtwistle Oper, Michael Nyman , die sich auf das Komponieren Opern wurde, inklusive Facing Goya , Man and Boy: Dada , und die Liebe zählt . Heute Komponisten wie Thomas Adès weiterhin im Ausland Englisch Oper exportieren.

Auch im 20. Jahrhundert amerikanische Komponisten wie Leonard Bernstein , George Gershwin , Gian Carlo Menotti , Douglas Moore und Carlisle Floyd begannen englischsprachige Opern mit einem Hauch von populären Musikstilen infundiert beizutragen. Sie wurden von Komponisten wie folgt Philip Glass , Mark Adamo , John Corigliano , Robert Moran , John Coolidge Adams , André Previn und Jake Heggie .

russische Oper

Opera wurde von dem nach Russland in den 1730er Jahren bringen italienisches Opernensemble und bald wurde es ein wichtiger Teil der Unterhaltung für die russische Imperial Court und Aristokratie . Viele ausländische Komponisten wie Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti , und Domenico Cimarosa (sowie verschiedene andere) wurden nach Russland eingeladen , neue Opern zu komponieren, vor allem in der italienischen Sprache . Gleichzeitig einige inländische Musiker wie Maksym Berezovsky und Dmitri Bortniansky wurden im Ausland zu lernen , schreiben Opern geschickt. Die erste Oper in russischer Sprache geschrieben war Tsefal i Prokris der italienische Komponist Francesco Araja (1755). Die Entwicklung der russisch-sprachigen Oper wurde von den russischen Komponisten unterstützt Vasily Pashkevich , Jewstignei Ipatowitsch Fomin und Alexey Werstowski .

Doch die wirkliche Geburt russischer Oper kam mit Michail Glinka und seinen beiden großen Opern Ein Leben für die Zaren (1836) und Ruslan und Ljudmila (1842). Nach ihm im 19. Jahrhundert in Russland, wurden solche Opernmeisterwerke wie geschrieben Rusalka und The Stone Guest von Alexander Dargomyzhsky , Boris Godunov und Chowanschtschina von Modest Mussorgski , Fürst Igor von Alexander Borodin , Eugene Onegin und Pique Dame von Pjotr Tschaikowski und Schneeflöckchen und Sadko von Nikolai Rimsky-Korsakov . Diese Entwicklungen spiegelten das Wachstum des russischen Nationalismus über das künstlerische Spektrum im Rahmen der allgemeineren Slawophilismus Bewegung.

Im 20. Jahrhundert wurden die Traditionen der russischen Oper wurden von vielen Komponisten wie entwickelt Sergei Rachmaninoff in seinen Werken Der geizige Ritter und Francesca da Rimini , Igor Strawinsky in Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex und The Rake Progress , Sergej Prokofjew in The Gambler , Die Liebe zu den drei Orangen , Der feurige Engel , Verlobung im Kloster , und Krieg und Frieden ; sowie Dmitri Schostakowitsch in der Nase und Lady Macbeth von Mzensk , Edison Denisov in L'Ecume des jours , und Alfred Schnittke in Leben mit einem Idioten und Historia von D. Johann Fausten .

Andere nationale Oper

Score von Smetanas Die verkaufte Braut

Spanien produziert auch seine eigene unverwechselbare Form der Oper, wie bekannt Zarzuela , die zwei getrennte flowerings hatte: eine aus der Mitte des 17. Jahrhunderts bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts und ein neuer Anfang um 1850. Im späten 18. Jahrhundert bis zur Mitte 19. Jahrhundert war die italienische Oper sehr beliebt in Spanien, die native Form zu verdrängen.

Tschechische Komponisten entwickelten auch eine florierende nationale Oper Bewegung ihrer eigenen im 19. Jahrhundert, beginnend mit Bedřich Smetana , der acht Opern , einschließlich der international beliebte schrieb Die verkaufte Braut . Antonín Dvořák , am bekanntesten für Rusalka , schrieb 13 Opern; und Leoš Janáček erlangte internationale Anerkennung im 20. Jahrhundert für seine innovativen Arbeiten einschließlich Jenufa , Das schlaue Füchslein und Katja Kabanowa .

In der russischen Osteuropa begannen mehrere nationale Opern entstehen. Ukrainischen Oper wurde entwickelt von Semen Hulak-Artemovsky (1813-1873) , deren bekanntesten Werk Zaporozhets za Dunayem (A Kosak jenseits der Donau) wird regelmäßig auf der ganzen Welt durchgeführt. Andere ukrainischen Opernkomponisten sind Mykola Lysenko ( Taras Bulba und Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda und yuliy meitus . An der Wende des Jahrhunderts eine deutliche nationale Oper Bewegung begann auch in aufzutauchen Georgien unter der Leitung Zacharia Paliashvili , die lokale fusionierten Volkslieder und Geschichten mit dem 19. Jahrhundert Romantischen klassischen Themen.

Ferenc Erkel , der Vater der ungarischen Oper

Die Schlüsselfigur der ungarischen Nationaloper im 19. Jahrhundert war Ferenc Erkel , dessen Werk meist mit historischen Themen behandelt. Zu seinen meistgespielten Opern sind Hunyadi László und Bánk Bán . Die berühmteste moderne ungarische Oper ist Béla Bartók ‚s Castle Herzog Blau .

Stanisław Moniuszko ‚s Oper Straszny Dwór (in Englisch The Haunted Manor ) (1861-1864) einen neunzehnten Jahrhundert Gipfel der polnischen Nationaloper . Im 20. Jahrhundert, andere polnischen Komponisten erstellt Opern enthielten König Roger von Karol Szymanowski und Ubu Rex von Krzysztof Penderecki .

Die erste bekannte Oper aus der Türkei (das Osmanische Reich ) war Arshak II , die eine von einem armenischen Oper ethnischen armenischen Komponisten zusammengesetzt war Tigran Tchoukhajian 1868 und teilweise ausgeführt in 1873. Es wurde vollständig in 1945 in Armenien statt.

Die ersten Jahre der Sowjetunion sahen die Entstehung neuer Nationalopern, wie die Koroğlu (1937) von den aserbaidschanischen Komponisten Uzeyir Hajibeyov . Die erste kirgisische Oper, Ai-Churek , Premiere auf dem in Moskau Bolschoi - Theater am 26. Mai 1939 während der kirgisischen Kunst Dekade. Es wurde von komponiert Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybajew und Vladimir Fere . Das Libretto stammt von Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov und Kybanychbek Malikov. Die Oper basiert auf dem kirgisischen Heldenepos Manas .

Chinesische zeitgenössische klassische Oper , eine chinesische Sprachform der westlichen Stil Oper , die sich von der traditionellen chinesischen Oper ist, hat Opern hatte zurückgehend auf The White behaartes Mädchen im Jahr 1945.

In Lateinamerika begann Oper als Folge der europäischen Kolonisation. Die erste Oper jemals in Amerika geschrieben war La Purpura de la Rosa , von Tomás de Torrejón y Velasco , obwohl Partenope , von dem mexikanischen Manuel de Zumaya , die ersten Oper von einem in Lateinamerika geborenen Komponisten geschrieben wurde (Musik jetzt verloren). Die erste brasilianische Oper für ein Libretto in Portugiesisch war A Noite de São João , von Elias Álvares Lobo . Doch Antonio Carlos Gomes wird allgemein als der bedeutendste brasilianische Komponist angesehen, einen relativen Erfolg in Italien mit mit seinen brasilianischen Themen Opern mit italienischen Librettos, wie Il Guarany . Opera in Argentinien entwickelte im 20. Jahrhundert nach der Einweihung des Teatro Colón in Buenos Aires-mit der Oper Aurora , von Ettore Panizza , wird von der italienischen Tradition geprägt, durch die Zuwanderung. Weitere wichtige Komponisten aus Argentinien gehören Felipe Boero und Alberto Ginastera .

Moderne, neu, und modernistische Tendenzen

Modernismus

Vielleicht ist die naheliegendste stilistische Manifestation der Moderne in der Oper ist die Entwicklung von Atonalität . Die Abkehr von den traditionellen Tonalität in der Oper hatte damit begonnen , Richard Wagner den, insbesondere Tristan - Akkord . Komponisten wie Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini , Paul Hindemith , Benjamin Britten und Hans Pfitzner schoben Wagnerianer Harmonie weiter mit einer extremeren Verwendung von Chromatik und die verstärkten Nutzung von Dissonanz. Ein weiterer Aspekt der modernen Oper ist die Abkehr von den langen, abgehängte Melodien, kurze schnellen mottos, als erstes illustriert von Giuseppe Verdi in seinem Falstaff . Komponisten wie Strauss, Britten, Schostakowitsch und Strawinsky angenommen und auf diesem Stil erweitert.

Arnold Schönberg 1917; Porträt von Egon Schiele

Operatic Moderne wirklich in den Opern von zwei Wieneren Komponisten begann, Arnold Schönberg und seine Schüler Alban Berg , beiden Komponisten und Befürworter der Atonalität und seine spätere Entwicklung (wie ausgearbeitet von Schönberg), Dodekaphonie . Schönberge frühe musikdramatische Werke, Erwartung (1909, uraufgeführt im Jahr 1924) und Die glückliche Hand Display starken Gebrauch von chromatischer Harmonie und Dissonanz im Allgemeinen. Schönberg auch verwendet gelegentlich Sprechstimme .

Die beiden Opern von Schönbergs Schüler Alban Berg, Wozzeck (1925) und Lulu (incomplete bei seinem Tod im Jahr 1935) teilen viele der gleichen Eigenschaften wie oben beschrieben, obwohl Berg seine sehr persönliche Interpretation von Schönbergs Zwölftonmusik mit melodischen Passagen kombiniert von eine traditionell tonal Natur (ganz in Zeichen Mahlers) , die vielleicht teilweise erklärt , warum seine Opern in Standardrepertoire geblieben, trotz ihrer umstrittenen Musik und Plots. Schönbergs Theorien beeinflusst haben (entweder direkt oder indirekt) eine erhebliche Zahl von Opernkomponisten seitdem, auch wenn sie selbst hat mit seinen Techniken nicht komponieren.

Strawinsky 1921

So beeinflusst Komponisten gehören der Engländer Benjamin Britten , dem Deutschen Hans Werner Henze und die russische Dmitri Schostakowitsch . ( Philip Glass macht auch Gebrauch von Atonalität, obwohl sein Stil im Allgemeinen wie beschrieben ist minimalistisch , in der Regel gedacht als ein anderes 20. Jahrhundert Entwicklung.)

Die Verwendung von Atonalität Opern Moderne löste auch einen Rückschlag in Form von Neoklassizismus . Ein früher Führer dieser Bewegung war Ferruccio Busoni , der das Libretto für seine neoklassischen 1913 schrieb Nummer Oper Arlecchino (ersten im Jahr 1917 durchgeführt). Auch unter der Spitze war der russische Igor Strawinsky . Nach dem Komponieren von Musik für die Diaghilew -produzierten Ballette Petruschka (1911) und The Rite of Spring (1913), wandte sich Strawinsky Neoklassizismus, eine Entwicklung , die ihren Höhepunkt in seiner Oper-Oratorium Oedipus Rex (1927). Strawinsky hatte sich bereits von den modernistischen Tendenzen seiner frühen Ballette weg kleinformatigen Arbeiten zu produzieren , die nicht in vollem Umfang als Oper qualifizieren, doch sicherlich viele Opern Elemente enthalten, darunter Renard (1916: „Burleske in Gesang und Tanz“) und der die Geschichte vom Soldaten (1918: „ zu lesen, gespielt und getanzt“, in beiden Fällen sind die Beschreibungen und Anleitungen denen des Komponisten sind). Im letzteren, deklamieren die Schauspieler Sprachabschnitte auf einen bestimmten Rhythmus über Instrumentalbegleitung, besonders ähnlich das ältere deutsche Genre Melodrama . Nun , nachdem seine Rimski-Korsakow-inspirierten Werk The Nightingale (1914), und Mavra (1922), Strawinsky weiter ignorieren Seria Technik und schließlich ein vollwertiges dem 18. Jahrhundert im Stil schrieb diatonischen Nummer Oper The Rake Progress (1951). Sein Widerstand gegen Serialismus (eine Haltung , die er folgende Schönbergs Tod umgekehrt) erwies sich als Inspiration für viele andere Komponisten sein.

Weitere Trends

Eine allgemeine Tendenz im 20. Jahrhundert, sowohl in der Oper und allgemeines Orchesterrepertoire, ist die Verwendung von kleineren Orchestern als Maßnahme zur Kostenreduzierung; die großen Romantic-Ära Orchester mit großen Streichergruppen, mehr Harfen, extra Hörnern und exotischen Schlaginstrumenten waren nicht mehr möglich. Als Regierung und private Mäzenatentum im 20. Jahrhundert abgenommen hat , wurden neue Werke oft in Auftrag gegeben und mit kleineren Budgets durchgeführt, sehr oft zu Kammer großer Werke und kurzem, Einakter. Viele von Benjamin Britten ‚s Opern werden für so wenig wie 13 Instrumentalisten haben; Mark Adamo ‚s zweiaktiges Realisierung von Little Women ist für 18 Instrumentalisten erzielt.

Ein weiteres Merkmal der späten Oper des 20. Jahrhunderts ist die Entstehung der zeitgenössischen historischen Opern, im Gegensatz zu der Tradition von Opern auf entferntere Geschichte, die Nacherzählung der zeitgenössischen fiktive Geschichten oder Theaterstücke oder auf Mythos oder Legende zu stützen. Der Tod von Klinghoffer , Nixon in China und Doktor Atomic von John Adams , Dead Man Walking von Jake Heggie und Anna Nicole von Mark-Anthony Turnage beispielhaft für die Dramatisierung der Bühne der Ereignisse in der letzten lebendem Gedächtnis, wo in der Oper porträtierten Charaktere waren lebendig zum Zeitpunkt der Uraufführung.

Die Metropolitan Opera in den USA berichtet , dass das Durchschnittsalter des Publikums ist jetzt 60. Viele Opern Unternehmen einen ähnlichen Trend erlebt haben, und Opern Unternehmens - Websites sind voll ausgestattet mit Versuche , ein jüngeres Publikum zu gewinnen. Dieser Trend ist Teil des größeren Trends des Publikums für Vergrauung klassische Musik seit den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. In dem Bemühen , ein jüngeres Publikum zu gewinnen, bietet die Metropolitan Opera einen Studentenrabatt auf Ticketkauf.

Kleinere Unternehmen in den USA haben eine fragile Existenz, und sie hängen in der Regel auf einem „Flickenteppich“ der Unterstützung von staatlichen und lokalen Regierungen, lokale Unternehmen und Fundraiser. Dennoch haben einige kleinere Unternehmen Möglichkeiten des Zeichnens ein neues Publikum gefunden. Opera Carolina bieten Rabatte und Happy Hour Veranstaltungen der 21- bis 40-jährigen demographischen. Neben Rundfunk- und Fernsehsendungen von Opernaufführungen, die bei der Gewinnung neuer Zuschauer einen gewissen Erfolg gehabt haben, Übertragungen von Live - Auftritten in HD - Kinos haben das Potenzial gezeigt , neue Zielgruppen zu erreichen. Seit 2006 hat die Met Live - Performance ausgestrahlt mehrere hundert Kinoleinwände in der ganzen Welt.

Von Musicals zurück in Richtung Oper

In den späten 1930er Jahren, einige Musicals begannen mit einer Opern-Struktur geschrieben werden. Diese Arbeiten umfassen komplexe polyphone Ensembles und reflektieren musikalische Entwicklungen ihrer Zeit. Porgy and Bess (1935), beeinflusst von Jazz - Stile, und Candide (1956), mit seiner geschwungenen, lyrischen Passagen und Farce Parodien der Oper eröffnet sowohl auf Broadway , aber wurde als Teil des Opernrepertoire akzeptiert. Beliebte Musicals wie Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Leidenschaft , Evita , das Licht in der Piazza , Das Phantom der Oper und anderen erzählen dramatische Geschichten über komplexe Musik und in den 2010er sie manchmal in Opernhäusern gesehen . Die glücklichste Fella (1952) ist quasi-opern und wurde von dem neu belebt New York City Opera . Weitere Rock beeinflusst Musicals , wie Tommy (1969) und Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Mieten (1996), Spring Awakening (2006) und Natasha, Pierre & The Great Comet von 1812 (2012) beschäftigen verschiedene opernhaft Konventionen, wie durch die Zusammensetzung , Rezitativ anstelle des Dialogs, und Leitmotive .

Schallverstärkung in Oper

Eine subtile Art von Sound elektronischer Verstärkung genannt Schallverstärkung ist in einigen modernen Konzertsälen und Theatern eingesetzt , wo Opern aufgeführt werden. Obwohl keiner der großen Opernhäuser „... verwenden traditionelle, Broadway-Stil Beschallungs, in denen die meisten , wenn nicht alle Sänger mit Funkmikrofonen zu einer Reihe von unschönen Lautsprecher gemischt ausgestattet sind im ganzen Theater verstreut“, viele verwenden eine Beschallungs System zur akustischen Verstärkung und für subtile Steigerung von hinter der Bühne Stimmen, Kind Sänger, Bühne Dialog und Sound - Effekte (zB Kirchenglocken in Tosca oder Donner Effekte in Wagnersche Opern).

Operatic Stimmen

Operatic Gesangstechnik entwickelt hat, in einer Zeit, bevor elektronische Verstärkung, Sänger, damit genügend Volumen produzieren mehr als ein Orchester zu hören, ohne die Instrumentalisten mit im wesentlichen ihr Volumen beeinträchtigt.

Vocal Klassifikationen

Sänger und die Rollen , die sie spielen , werden durch klassifiziert Stimme Art , auf der Grundlage der tessitura , Beweglichkeit, Kraft und Timbre ihrer Stimme. Männliche Sänger können klassifiziert werden Stimmumfang als Bass , Bass-Bariton , Bariton , Tenor und Altus und weibliche Sänger als Altistin , Mezzosopran und Sopran . (Männer manchmal in den „weiblichen“ Stimmlagen singen, in welchem Fall sie genannt werden Sopranistin oder Altus . Die Altus häufig in der Oper begegnet, manchmal Teile geschrieben für das Singen Kastraten -men kastriert in jungen Jahren speziell ihnen einen höheren Gesang zu geben Bereich.) Sänger werden dann durch weitere klassifiziert Größe -für Beispiel eine Sopranstimme kann als Sopranistin, beschrieben coloratura , soubrette , spinto oder dramatischer Sopran. Diese Begriffe, wenn auch nicht vollständig eine Singstimme zu beschreiben, assoziieren die Stimme des Sängers mit den Rollen am besten geeignet für die Stimmeigenschaften des Sängers.

Noch eine weitere Untergliederung kann entsprechend handeln Fähigkeiten oder Anforderungen vorgenommen wird, zum Beispiel der Baßbuffo , die oft ein Spezialist in seinem Geplapper sowie ein Komiker. Dies ist im Detail in dem durchgeführt Fach System der deutschsprachigen Länder, in denen historisch Oper und gesprochenen Dramen wurden oft von den gleichen setzen auf Repertoire Unternehmen.

Die Stimme einer bestimmten Sänger kann seine Lebensdauer ändern sich drastisch in selten stimmliche Reife bis zum dritten Jahrzehnt erreicht, und manchmal nicht bis mittleren Alters. Zwei Französisch Sprachtypen, Premiere Dugazon und deuxieme Dugazon wurden in der Karriere nach aufeinanderfolgenden Stufen namens Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). Andere Begriffe im Sterne Gießanlage der Ursprung Pariseren Theater sind Baryton-martin und Sopran Falke .

Historische Verwendung von Sprachteilen

Im Folgenden wird nur als kurze Übersicht gedacht. Für die wichtigsten Artikel finden Sopran , Mezzosopran , Alt , Tenor , Bariton , Bass , Altus und Kastraten .

Die Sopranstimme hat in der Regel als die Stimme der Wahl für die weibliche Protagonistin der Oper seit der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verwendet. Früher war es üblich , dass ein Teil von einer weiblichen Stimme, oder sogar eine gesungen werden Kastraten . Der aktuelle Schwerpunkt auf einem breiten Stimmumfang war in erster Linie eine Erfindung der klassischen Periode . Davor ist die Stimm Virtuosität, nicht reicht, war die Priorität, mit dem Sopranistin Teilen selten über einem hohen erstreckt A ( Handel , zum Beispiel schrieb nur eine Rolle zu einem hohen erstreckt C ), obwohl der Kastrat Farinelli wurde eine Spitze besitzen angeblich D (sein unterer Bereich war auch außergewöhnlich, zu Tenor C erstreckt). Die Mezzosopranistin, ein Begriff , der vergleichsweise neueren Ursprungs, hat auch ein großes Repertoire, angefangen von der weiblichen Hauptrolle in Purcells Dido und Aeneas auf solche Schwergewicht Rollen als Brangäne in Wagners Tristan und Isolde (diese sind beide Rollen manchmal von Sopranistinnen gesungen, es ist eine Menge ziemlich Bewegung zwischen diesen beiden Voice-Typen). Für den wahren Altstimme, ist der Bereich der Teile mehr begrenzt, die zu den Insider - Witz gegeben hat , die Altstimmen nur „Hexen, Hündinnen und singen britches “ Rollen. In den letzten Jahren viele der „Hosenrollen“ aus dem Barock, die ursprünglich für Frauen geschrieben, und diejenigen , die ursprünglich von Kastraten gesungen haben Counter neu zugewiesen worden.

Der Tenor, der Klassik ab, hat traditionell die Rolle des männlichen Protagonisten zugeordnet. Viele der schwierigsten Tenorpartien im Repertoire wurden im schriftlichen Belcanto - Ära, wie Donizetti ‚s Folge von 9 Cs über dem mittleren C während La fille du régiment . Mit Wagner kam einen Schwerpunkt auf Vokal heft für seine Protagonisten Rollen, mit diesem Stimmfach, wie Heldentenor ; diese heroische Stimme hatte seine mehr Italianate Pendant in Rollen wie Calaf in Puccinis Turandot . Bass hat eine lange Geschichte in der Oper, wurde in genutzt hat Seria in Nebenrollen, und manchmal für Comic Relief (sowie einen Kontrast zu dem Übergewicht der hohen Stimmen in diesem Genre bereitstellt). Das Bass - Repertoire ist breit und vielfältig, von der Komödie von Leporello in Reck Don Giovanni mit dem Adel des Wotan in Wagners Ring - Zyklus, zu dem Konflikt König Philipp von Verdis Don Carlos . Zwischen dem Bass und Tenor ist der Bariton, der von etwa Guglielmo in Mozarts in Gewicht variiert auch Così fan tutte zu Posa in Verdis Don Carlos ; die eigentliche Bezeichnung „Bariton“ war bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts nicht Standard.

berühmte Sänger

Der Kastrat Senesino , c. 1720

Frühe Aufführungen der Oper waren zu selten für Sänger ein lebender ausschließlich aus der Art zu machen, aber mit der Geburt des Handels Oper in der Mitte des 17. Jahrhunderts begann professionelle Künstler entstehen. Die Rolle des männlichen Helden wurde in der Regel zu einem anvertraut Kastraten , und durch das 18. Jahrhundert, als die italienische Oper wurde in ganz Europa durchgeführt, führende Kastraten , die außergewöhnliche stimmliche Virtuosität besaß, wie Senesino und Farinelli , wurde internationale Stars. Die Karriere der ersten großen weibliche Stars (oder Primadonna ), Anna Renzi stammt aus der Mitte des 17. Jahrhundert. Im 18. Jahrhundert wurde eine Reihe von italienischen Sopranistinnen erlangte internationale Bekanntheit und oft in heftige Rivalität beschäftigt, wie es der Fall mit war Faustina Bordoni und Francesca Cuzzoni , die einen Faustkampf miteinander während einer Aufführung einer Händel - Oper begann. Das Französisch unbeliebt Kastraten, ihre männlichen Helden lieber von einem gesungen werden haut-contre (ein hoher Tenor), von denen Joseph Legros (1739-1793) war ein herausragendes Beispiel.

Obwohl Oper Schirmherrschaft im letzten Jahrhundert zugunsten anderer Kunst und Medien (wie Musicals, Kino, Radio, Fernsehen und Aufnahmen), Massenmedien und das Aufkommen der Aufnahme verringert hat hat die Popularität von vielen bekannten Sängern einschließlich unterstützt Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , Nestor Mesta Chayres , Mario Del Monaco , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé , Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Schaljapin , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel und " Die drei Tenöre " ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo und José Carreras ).

Wandelnde Rolle des Orchesters

Vor den 1700er Jahren verwendeten italienische Opern ein kleines Streichorchester , aber es spielte selten die Sänger zu begleiten. Opera Solo in dieser Zeit durch die begleitet wurden basso continuo Gruppe, die aus dem bestand Cembalo „Zupfinstrumente“ wie Laute und ein Bassinstrument. Das Streichorchester der Regel nur gespielt , wenn der Sänger nicht, wie während eines Sängers „... und Ausfahrten, zwischen Stimmzahlen, [oder] für [Begleit] tanzen“ zu singen. Eine weitere Rolle für das Orchester in dieser Zeit spielt ein Orchester Ritornell das Ende eines Sängers Solo zu markieren. In den frühen 1700er Jahren begannen einige Komponisten das Streichorchester zu verwenden , um bestimmte Arie oder Rezitative „... als besondere“ zu markieren; von 1720, wurden die meisten Arien von Orchester begleitet. Opernkomponisten wie Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo und Johann Adolf Hasse hat neue Instrumente zur Oper Orchester und gab den Instrumenten neue Rollen. Sie fügten hinzu , Blasinstrumente zu den Saiten und verwendeten Orchesterinstrumente Instrumentalsoli zu spielen, als eine Möglichkeit , bestimmte Arien als Sondermüll zu markieren.

Deutsch Opernorchester aus den frühen 1950er Jahren

Das Orchester hat ferner eine instrumentale Ouvertüre , bevor die Sänger seit den 1600er Jahren auf der Bühne kommen. Peri ‚s Euridice beginnt mit einem kurzen instrumentalen Ritornell und Monte ‘ s L'Orfeo (1607) beginnt mit einer Toccata , in diesem Fall eine Fanfare für gedämpfte Trompeten . Das Französisch Ouvertüre wie in gefunden Jean-Baptiste Lully ‚s Opern bestehen aus einer langsamen Einleitung in einem deutlichen‚punktierten Rhythmus‘, eine lebhafte Bewegung in gefolgt Fugato Stil. Die Ouvertüre wurde häufig durch eine Reihe von Tanzmelodien folgt , bevor der Vorhang aufging. Dieser Ouvertüre Stil wurde auch in Englisch Oper, vor allem in verwendet Henry Purcell ‚s Dido und Aeneas . Händel verwendet auch die Französisch Ouvertüre Form in einigen seiner italienischen Opern wie Giulio Cesare .

In Italien, eine besondere Form „Ouvertüre“ genannt entstand in den 1680er Jahren und wurde vor allem durch die Opern von etablierten Alessandro Scarlatti , und in ganz Europa verbreitet, die Französisch Form als Standard Opernouvertüre von der Mitte des 18. Jahrhunderts verdrängte. Es verwendet drei Allgemeinen homophonic Bewegungen : schnell-langsam-schnell. Die Öffnungsbewegung war in der Regel in Zweiertakt und in einem Hauptschlüssel; der langsame Satz in früheren Beispielen war kurz, und in einem kontrastier Schlüssel sein könnte; die abschließende Bewegung war tanzartigen, meist mit Rhythmen der Gigue oder Menuett und dem Schlüssel des Öffnungsabschnitts zurückgeführt . Als Form entwickelt hat , kann die erste Bewegung fanfare artige Elemente enthält und nahm auf dem Muster von „sonatina Form“ (sogenannten sonata Form ohne Entwicklungsabschnitt) und der langsame Abschnitt wurde ausgedehntere und lyrisch.

In der italienischen Oper nach etwa 1800, die „Ouvertüre“ wurde bekannt als die Sinfonia . Fisher stellt auch den Begriff Sinfonia avanti l'opera (wörtlich : die „Sinfonie vor der Oper“) war „ein früher Ausdruck für eine Sinfonia verwendet , eine Oper zu beginnen, das heißt, als Ouvertüre im Gegensatz zu einem dazu dienen , eine später zu beginnen Abschnitt der Arbeit“. Im 19. Jahrhundert Oper, in einigen Opern, die Ouvertüre, Vorspiel , Einleitung , Einleitung, oder was auch immer es genannt werden kann, war der Teil der Musik , die Stelle vor dem Vorhang aufgeht nimmt; eine spezifische, starre Form war nicht mehr für die Ouvertüre erforderlich.

Die Rolle des Orchesters in den Sängern begleitet änderte sich im 19. Jahrhundert, als der klassische Stil der Epoche der Romantik übergegangen ist . In der Regel bekamen Orchester größer wurden neue Instrumente hinzugefügt, wie zB zusätzliche Perkussionsinstrumente (zB Bassdrum, Becken, Snare Drum, etc.). Die Orchestrierung von Orchesterstimmen auch über das 19. Jahrhundert entwickelt. In Wagnersche Opern ging das forefronting des Orchesters über die Ouvertüre. In Wagnersche Opern wie Tristan , das Orchester spielte oft die wiederkehrenden musikalischen Themen oder Leitmotive , eine Rolle , die eine Bedeutung dem Orchester gab , die „... erhöht seinen Status zu dem eines Primadonna .“ Wagners Opern wurden mit noch nie da gewesenen Umfang und Komplexität erzielt, mehr Blechbläser und riesige Ensemble Größen fügte hinzu: in der Tat, seine Partitur zu Das Rheingold fordert sechs Harfen .

Da die Rolle des Orchesters und anderen Instrumentalensembles verändert über die Geschichte der Oper, so hat die Rolle , die Musiker zu führen. In der Barockzeit wurden die Musiker in der Regel von der Cembalistin gerichtet, obwohl der Französisch Komponisten Lully mit einem langen Stab durchgeführt hat , ist bekannt. In den 1800er Jahren, während der klassischen Periode, der erste Geiger, auch bekannt als die Konzertmeister , würde das Orchester führt beim Sitzen. Im Laufe der Zeit begannen einige Direktoren, aufzustehen und Hand zu benutzen und Gesten Arm die Darsteller zu führen. Schließlich diese Rolle von Musikdirektor wurde der genannte Leiter und ein Podium verwendet wurde , um es einfacher für alle Musiker , ihn oder sie zu sehen. Mit der Zeit wurden Wagnersche Opern eingeführt, die Komplexität der Arbeiten und die großen Orchester verwendet , um sich zu spielen , gab den Leiter eine immer wichtigere Rolle. Moderne Operndirigenten haben eine herausfordernde Rolle: sie beide das Orchester im direkten haben Orchestergraben und die Sänger auf der Bühne.

Sprach- und Übersetzungsprobleme

Seit den Tagen von Händel und Mozart, haben viele Komponisten als Sprache für das Libretto ihrer Opern Italienisch begünstigt. Von der Bel Canto Ära zu Verdi, Komponisten würden manchmal Versionen ihrer Opern in italienischen und Französisch überwachen. Aus diesem Grund , Opern wie Lucia di Lammermoor oder Don Carlos sind heute kanonische in ihren beiden Französisch und Italienisch Versionen gelten.

Bis Mitte der 1950er Jahre war es akzeptabel Opern in Übersetzungen zu erzeugen , auch wenn diese vom Komponisten oder den ursprünglichen Librettisten nicht autorisiert worden war. Zum Beispiel Opernhäuser in Italien inszenierten Wagner routinemäßig in Italienisch. Nach dem Zweiten Weltkrieg, Oper Stipendium verbessert, neu ausgerichteter Künstler auf den ursprünglichen Versionen und Übersetzungen in Ungnade fiel. Die Kenntnis der europäischen Sprachen, vor allem Italienisch, Französisch und Deutsch, ist heute ein wichtiger Teil der Ausbildung für professionelle Sänger. „Der größte Brocken der Opernausbildung ist in der Linguistik und Musikalität“ , erklärt Mezzosopran Dolora Zajick . „[Ich habe zu verstehen] nicht nur das, was ich singe, aber was für alle anderen zu singen. Ich singe Italienisch, Tschechisch, Russisch, Französisch, Deutsch, Englisch.“

In den 1980er Jahren Titel (manchmal auch als Übertitelung ) zu erscheinen begannen. Obwohl Titeln wurden liefern erste fast allgemein als Ablenkung verurteilt, heute viele Opernhäuser entweder Titeln, im allgemeinen oberhalb des Theaters projiziert Proszenium Bogen oder einzelne Sitz Bildschirme , in denen Zuschauer aus mehr als eine Sprache auswählen können. TV - Übertragungen umfassen typischerweise Untertitel auch wenn für ein Publikum gedacht , die auch die Sprache kennt (beispielsweise eine RAI - Übertragung von einer italienischen Oper). Diese Untertitel Ziel nicht nur die schwerhörig , aber das Publikum im Allgemeinen, da ein gesungen Diskurs ist viel schwieriger zu verstehen als ein in den Ohren der Muttersprachler ein selbst gesprochen. Untertitel in einer oder mehreren Sprachen haben Standard in Opernübertragungen, Simulcasts und DVD - Editionen werden.

Heute Opern werden nur selten in der Übersetzung durchgeführt. Ausnahmen sind die English National Opera , die Oper von St. Louis , Oper von Pittsburgh und Opera South East, die englischen Übersetzungen bevorzugen. Eine weitere Ausnahme sind Opernproduktionen für junges Publikum bestimmt sind , wie Humperdincks Hänsel und Gretel und einige Produktionen von Mozarts Zauberflöte .

Finanzierung

Schwedischer Opernsänger in einer Hommage an Kjerstin Dellert und Ulriksdal Palace Theater an dem 40-jährigen Jubiläum im Jahr 2016 von der Finanzierung, Sanierung und anschließender Wiederaufnahme

Außerhalb der USA und vor allem in Europa, erhalten die meisten Opernhäuser öffentliche Subventionen von den Steuerzahlern. In Mailand, Italien, 60% des Jahreshaushalts der La Scala von 115 Mio. € ist aus dem Ticketverkauf und private Spenden, die restlichen 40% aus öffentlichen Mitteln kommen. Im Jahr 2005 erhielt La Scala 25% der gesamten staatliche Subvention Italiens von 464 Mio. € für die darstellende Kunst. In Großbritannien, den Arts Council England stellt Mittel zur Opera North , das Royal Opera House , Welsh National Opera und die English National Opera . Zwischen 2012 und 2015 diese vier Opernhäuser zusammen mit dem English National Ballet , Birmingham Royal Ballet und Northern Ballet entfielen 22% der Mittel in den nationalen Portfolio des Arts Council. Während dieser Zeit hat der Rat eine Analyse der Finanzierung für große Oper und Ballett - Kompanien, Empfehlungen und Ziele für die Gründung eines Unternehmen vor den Entscheidungen 2015-2018 Finanzierung gerecht zu werden. Im Februar 2015 Sorgen über die English National Opera Geschäftsplan führten zu dem Arts Council sie „unter besonderen Finanzierungsvereinbarungen“ bei der Platzierung , was The Independent als „den beispiellosen Schritt“ der Bedrohung der öffentlichen Mittel zu entziehen , wenn die Bedenken des Rates wurden bis zum Jahr 2017 nicht erfüllt. Europäische öffentliche Mittel zur Oper hat zu einer Diskrepanz zwischen der Zahl der ganzjährigen Opernhäuser in Europa und den Vereinigten Staaten geführt. Zum Beispiel : „ In Deutschland gibt es etwa 80 ganzjährig Opernhäuser [ab 2004], während die USA, mit mehr als drei Mal der Bevölkerung, jede nicht haben. Auch die Met nur eine siebenmonatige Saison haben.“

Fernsehen, Kino und das Internet

Ein Meilenstein für die Oper Rundfunk in den USA wurde am 24. Dezember erreicht 1951 mit der Live - Übertragung von Amahl und die nächtlichen Besucher , eine Oper in einem Akt von Gian Carlo Menotti . Es war die erste Oper speziell für das Fernsehen komponiert in Amerika. Ein weiterer Meilenstein war das in Italien im Jahr 1992 , als Tosca live aus seinen ursprünglichen römischen Einstellungen und Zeiten des Tages ausgestrahlt wurde: Der erste Akt kam aus der 16. Jahrhundert Kirche Sant'Andrea della Valle mittags am Samstag; aus dem 16. Jahrhundert Palazzo Farnese war für die zweite um 8:15 Uhr die Einstellung; und am Sonntag um 06.00 Uhr, wurde der dritte Akt von der Engelsburg ausgestrahlt. Die Produktion wurde via Satellit in 105 Ländern übertragen.

Die wichtigsten Opernhäuser haben damit begonnen , ihre Auftritte in lokalen Kinos in den Vereinigten Staaten und vielen anderen Ländern zu präsentieren. Die Metropolitan Opera eine begann Reihe von Live - HD-Video - Übertragungen in den Kinos auf der ganzen Welt im Jahr 2006. Im Jahr 2007 wurden Met Aufführungen in über 424 Kinos in 350 Städten in den USA gezeigt. La bohème ging weltweit auf 671 Bildschirmen aus. San Francisco Opera vorbespielte Videoübertragungen im März 2008. Ab Juni 2008 rund 125 Kinos in 117 Städten der USA tragen die Vorführungen begann. Die HD - Video - Oper - Übertragungen werden über die gleichen präsentiert HD - Digitalkinoprojektoren verwendet für die großen Hollywood - Filmen . Europäische Opernhäuser und Festivals einschließlich der Royal Opera in London, La Scala in Mailand, die Salzburger Festspiele , La Fenice in Venedig und das Maggio Musicale in Florenz haben auch seit 2006 ihre Produktionen in den Kinos in Städten auf der ganzen Welt übertragen, darunter 90 Städte in den USA

Das Aufkommen des Internets hat auch Auswirkungen auf die Art und Weise , in der das Publikum Oper verbrauchen. Im Jahr 2009 das britische Glyndebourne Festival Opera zum ersten Mal eines digitalen Online-Video - Download von seiner kompletten Produktion 2007 des angebotenen Tristan und Isolde . In Saison 2013 das Festival strömten alle sechs seiner Produktionen online. Im Juli 2012 wird die erste Online - Community Oper wurde an der Premiere Savonlinna Opera Festival . Betitelt Free Will , wurde es von den Mitgliedern der Internet - Gruppe Opera By You erstellt. Seine 400 Mitglieder aus 43 Ländern schrieben das Libretto, die Musik komponiert und entwickelt , um die Bühnenbilder und Kostüme , die mit Wreckamovie Web - Plattform. Savonlinna Opera Festival zur Verfügung gestellt professionellen Solisten, ein 80-köpfiger Chor, ein Sinfonieorchester und die Bühnentechnik. Es wurde auf dem Festival live gespielt und per Streaming live im Internet.

Verweise

Anmerkungen

  1. ^ Einige Definitionen der Oper: „dramatische Leistung oderZusammensetzung von denen Musik ist ein wesentlicher Bestandteil, Kunstzweig beschäftigtmit diesem“ ( Concise Oxford English Dictionary ); „jede dramatische Arbeitdie gesungen werden kann (oder manchmal deklamieren oder gesprochener) an einem Ort fürLeistung, für Sänger zu OriginalMusik gesetzt (Regel im Kostüme) und Instrumentalisten“ (Amanda Holden, Viking Opera Führer ); „musikalische Bühnenwerk mit Gesang Zeichen, entstanden infrühen Jahren des 17. Jahrhunderts“ ( Birnen Cyclopaedia 1983 Hrsg.).
  2. ^ Richard Wagner und Arrigo Boito zeichnen Kreativendie beide Rollen kombiniert.
  3. ^ Vergleichbare Kunstformen aus verschiedenen anderen Teilen der Welt, alten viele von ihnen in Herkunft, wird manchmal auch„Oper“ in Analogie genannt,Regel mit einem Adjektivwelche die Region (zum Beispiel voran chinesische Oper ). Diese unabhängigen Traditionen sind nicht Derivat der westlichen Opersondern sind vielmehr verschiedene Formen des Musiktheaters . Opera ist auch nicht die einzige Art von westlichen Musiktheatern: in der alten Welt, die griechische Drama vorgestellt und Instrumentalbegleitungsingen; und inheutigen Zeit, andere Formen wie die musikalischen erschienen.
  4. ^ A b Apel , p. 718.
  5. ^ Allgemeine Informationen in diesem Abschnitt stammen aus dem entsprechenden Artikel in The Oxford Companion to Music , durch. P.Scholes (10. Aufl., 1968).
  6. ^ Oxford English Dictionary , 3. Aufl., Sv " Oper ".
  7. ^ Oxford Illustrated Geschichte der Oper , Kapitel 1; Artikel auf Peri und Monte in The Viking Opera Führer .
  8. ^ Karin Pendeln Frauen und Musik 2001 p. 65 „Von 1587 bis 1600 ein jüdischer Sänger zitierte nur als Madama Europa im Solde des Herzogs von Mantua war“
  9. ^ Oxford Illustrated History of Opera , Kapitel 1-3.
  10. ^ Larousse Dictionnaire de la musique
  11. ^ Thomas, Downing A (1995.06.15). Musik und die Ursprünge der Sprache: Theorien der Aufklärung Französisch . Seite 148. ISBN  978-0521473071 .
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Siehe auch

Literaturverzeichnis

Weiterführende Literatur

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Externe Links