Darstellende Künste - Performing arts

Zwei Tänzer springen
Tanz ist eine Art darstellende Kunst, die auf der ganzen Welt praktiziert wird.

Die darstellende Kunst sind Künste wie Musik, Tanz und Drama , das für ein Publikum durchgeführt werden. Es unterscheidet sich von der bildenden Kunst , bei der Künstler Farbe, Leinwand oder verschiedene Materialien verwenden, um physische oder statische Kunstobjekte zu schaffen . Darstellende Künste umfassen eine Reihe von Disziplinen, die vor einem Live-Publikum aufgeführt werden, darunter Theater, Musik und Tanz.

Theater, Musik, Tanz und Objektmanipulation und andere Arten von Aufführungen sind in allen menschlichen Kulturen präsent. Die Geschichte der Musik und des Tanzes reicht bis in die prähistorische Zeit zurück, während die Zirkuskünste mindestens bis ins alte Ägypten zurückreichen . Viele darstellende Künste werden professionell aufgeführt. Aufführungen können in speziell gebauten Gebäuden wie Theatern und Opernhäusern, auf Open-Air-Bühnen bei Festivals, auf Bühnen in Zelten wie Zirkussen und auf der Straße stattfinden.

Live-Auftritte vor Publikum sind eine Form der Unterhaltung. Die Entwicklung der Audio- und Videoaufzeichnung hat den privaten Konsum der darstellenden Künste ermöglicht.

Die darstellende Kunst zielt oft darauf ab, die eigenen Emotionen und Gefühle auszudrücken.

Darsteller

Darstellende Künstler in Kyoto, Japan

Künstler, die vor Publikum an darstellenden Künsten teilnehmen, werden Performer genannt. Beispiele hierfür sind Schauspieler, Komiker, Tänzer, Zauberer , Zirkusartisten , Musiker und Sänger. Darstellende Künste werden auch von Arbeitern in verwandten Bereichen wie Songwriting, Choreographie und Bühnenkunst unterstützt .

Ein Darsteller, der sich durch Schauspielerei, Gesang und Tanz auszeichnet, wird allgemein als dreifache Bedrohung bezeichnet . Bekannte Beispiele historischer Triple-Threat-Entertainer sind Gene Kelly , Fred Astaire , Judy Garland , Sammy Davis Jr. , Michael Jackson , Beyoncé , Madonna , Jennifer Lopez , Justin Timberlake , Selena Gomez und Lady Gaga .

Darsteller passen oft ihr Aussehen an , beispielsweise mit Kostümen und Bühnen-Make-up , Bühnenbeleuchtung und Ton.

Typen

Darstellende Künste können Tanz, Musik, Oper, Theater und Musiktheater, Magie , Illusion , Pantomime , gesprochenes Wort , Puppenspiel , Zirkuskunst und Performancekunst umfassen .

Es gibt auch eine spezialisierte Form der bildenden Kunst, bei der die Künstler ihre Werke live vor einem Publikum aufführen . Das nennt man Performance-Kunst. Die meisten Performance-Kunst beinhaltet auch eine Form von plastischer Kunst, vielleicht in der Herstellung von Requisiten . Tanz wurde während der Modern Dance- Ära oft als plastische Kunst bezeichnet .

Theater

Theater ist der Zweig der darstellenden Künste, der sich mit dem Vorspielen von Geschichten vor einem Publikum beschäftigt, wobei eine Kombination aus Sprache, Gestik, Musik, Tanz, Klang und Spektakel verwendet wird. Jedes oder mehrere dieser Elemente gelten als darstellende Künste. Neben dem standardmäßigen narrativen Dialogstil von Theaterstücken nimmt das Theater Formen wie Theaterstücke, Musicals, Oper, Ballett, Illusion , Pantomime , klassischer indischer Tanz , Kabuki , Mummer-Stücke , Improvisationstheater , Komödie, Pantomime und unkonventionelle Or an zeitgenössische Formen wie postmodernes Theater , postdramatisches Theater oder Performancekunst.

Tanzen

Szene aus dem Ballett Les Sylphides

Im Kontext der darstellenden Künste bezieht sich Tanz im Allgemeinen auf menschliche Bewegung , typischerweise rhythmisch und auf Musik, die als eine Form der Publikumsunterhaltung in einer Aufführungsumgebung verwendet wird. Definitionen dessen, was Tanz ausmacht, hängen von sozialen , kulturellen , ästhetischen , künstlerischen und moralischen Zwängen ab und reichen von funktionaler Bewegung (wie Volkstanz ) bis hin zu kodifizierten, virtuosen Techniken wie Ballett .

Es gibt eine weitere moderne Tanzform, die im 19.-20. Jahrhundert unter dem Namen Free Dance Style entstand. Diese Tanzform wurde strukturiert, um eine harmonische Persönlichkeit zu schaffen, die Merkmale wie körperliche und geistige Freiheit beinhaltete. Isadora Duncan war die erste Tänzerin, die über die "Frau der Zukunft" argumentierte und mit Nietzsches Idee des "supreme mind in free mind" eine neuartige Choreografie entwickelte .

Tanz ist ein kraftvoller Impuls, aber die Kunst des Tanzens ist dieser Impuls, der von geschickten Darstellern in etwas kanalisiert wird, das intensiv ausdrucksstark wird und Zuschauer begeistern kann, die keine Lust haben, selbst zu tanzen. Diese beiden Konzepte der Tanzkunst – Tanz als kraftvoller Impuls und Tanz als gekonnt choreografierte Kunst, die größtenteils von wenigen Profis praktiziert wird – sind die beiden wichtigsten verbindenden Gedanken, die sich durch jede Betrachtung des Themas ziehen. Im Tanz ist die Verbindung zwischen den beiden Konzepten stärker als in einigen anderen Künsten, und keine kann ohne die andere existieren.

Choreografie ist die Kunst, Tänze zu machen, und die Person, die diese Kunst ausübt, wird Choreograf genannt.

Musik

Musik ist eine Kunstform, die Tonhöhe , Rhythmus und Dynamik kombiniert , um Klang zu erzeugen. Es kann mit einer Vielzahl von Instrumenten und Stilen gespielt werden und ist in Genres wie Folk , Jazz , Hip Hop , Pop und Rock usw. unterteilt. Musik kann als Kunstform in Live- oder aufgezeichneten Formaten auftreten und kann geplant werden oder improvisiert.

Da Musik eine proteanische Kunst ist, lässt sie sich leicht mit Worten für Lieder koordinieren, wie es körperliche Bewegungen im Tanz tun. Darüber hinaus hat es die Fähigkeit, menschliches Verhalten zu formen, da es unsere Emotionen beeinflusst.

Geschichte

Darstellende Künste des Westens

Ab dem 6. Jahrhundert v. Chr. begann in Griechenland die klassische Periode der darstellenden Kunst , die von tragischen Dichtern wie Sophokles eingeleitet wurde . Diese Dichter schrieben Theaterstücke, die in einigen Fällen Tanz beinhalteten (siehe Euripides ). Die hellenistische Zeit begann mit der weit verbreiteten Verwendung der Komödie.

Im 6. Jahrhundert n. Chr. war die westliche darstellende Kunst jedoch weitgehend beendet, als das Mittelalter begann. Zwischen dem 9. und 14. Jahrhundert beschränkte sich die darstellende Kunst im Westen auf religiöse historische Inszenierungen und Moralaufführungen , die von der Kirche zur Feier von Feiertagen und anderen wichtigen Ereignissen organisiert wurden.

Renaissance

Im 15. Jahrhundert Kunst, zusammen mit der Kunst im Allgemeinen, sah eine Renaissance als die Renaissance begann in Italien und verbreitete sich in Europa spielt, von denen einige Incorporated Tanz, die durchgeführt wurden und die Durchführung Domenico da Piacenza gutgeschrieben mit der ersten Verwendung des Begriffs ballo (in De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) statt danza (Tanz) für seine Baletti oder Balli . Der Begriff wurde schließlich Ballett . Als erstes Ballett an sich gilt Balthasar de Beaujoyeulx ' Ballet Comique de la Reine (1581).

Commedia dell'arte- Truppe auf einem Wagen , von Jan Miel , 1640

Mitte des 16. Jahrhunderts wurde die Commedia Dell'arte in Europa populär und führte die Improvisation ein . In dieser Zeit wurde auch die elisabethanische Maske mit Musik, Tanz und aufwendigen Kostümen sowie professionellen Theatergruppen in England eingeführt. Aus dieser neuen Klasse professioneller Aufführung entwickelten sich die Stücke William Shakespeares im späten 16. Jahrhundert.

Im Jahr 1597, die erste Oper, Dafne wurde durchgeführt , und im 17. Jahrhundert, Oper wäre die Unterhaltung der Wahl für die schnell worden Aristokratie in den meisten Ländern Europa, und schließlich für eine große Anzahl von Menschen in Städten und Gemeinden in ganz Europa leben.

Moderne Ära

Die Einführung des Bühnenbogens in Italien im 17. Jahrhundert begründete die bis heute bestehende traditionelle Theaterform. Unterdessen verboten die Puritaner in England die Schauspielerei, wodurch die darstellenden Künste bis 1660 eingestellt wurden. Danach traten Frauen sowohl in französischen als auch in englischen Stücken auf. Die Franzosen führten Ende des 17. Jahrhunderts einen formalen Tanzunterricht ein.

In dieser Zeit wurden auch die ersten Theaterstücke in den amerikanischen Kolonien aufgeführt .

Im 18. Jahrhundert brachte die Einführung der beliebten Opera buffa die Oper als zugängliche Aufführungsform in die breite Masse. Mozart ‚s Die Hochzeit des Figaro und Don Giovanni sind Wahrzeichen der Ende des 18. Jahrhunderts Oper.

Um die Wende zum 19. Jahrhundert leiteten Beethoven und die Romantik eine neue Ära ein, die zunächst zu den Spektakeln der großen Oper und dann zu den Musikdramen von Giuseppe Verdi und dem Gesamtkunstwerk der Opern von Richard . führte Wagner führt direkt zur Musik des 20. Jahrhunderts.

Vaslav Nijinsky tanzt den Faun in L'après-midi d'un faune (1912)

Das 19. Jahrhundert war eine Zeit des Wachstums für die darstellenden Künste für alle sozialen Schichten, technische Fortschritte wie die Einführung der Gaslaterne in den Theatern, Burlesque , Minnesängertanz und Varieté-Theater. Im Ballett machen Frauen große Fortschritte in der vormals männlich dominierten Kunst.

Der moderne Tanz begann im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert als Reaktion auf die Einschränkungen des traditionellen Balletts. Die Ankunft von Sergei Diaghilev ‚s Ballets Russes (1909-1929) revolutionierte Ballett und der darstellenden Künste im Allgemeinen in der westlichen Welt, vor allem durch Diaghilev den Schwerpunkt auf die Zusammenarbeit, die Choreografen, Tänzer, Bühnenbildner / Künstler, Komponisten und Musiker zusammengebracht beleben und revolutionieren das Ballett. Es ist äußerst komplex.

Konstantin Stanislawski ‚s ‚System‘ revolutionierte in den Anfang des 20. Jahrhunderts handelt, und weiterhin einen großen Einfluss auf Akteure der Bühne und der Leinwand auf den aktuellen Tag haben. Sowohl der Impressionismus als auch der moderne Realismus wurden in dieser Zeit auf die Bühne gebracht.

Mit der Erfindung des Kinofilms im späten 19. Jahrhundert durch Thomas Edison und dem Wachstum der Filmindustrie in Hollywood im frühen 20. Jahrhundert wurde der Film im 20. und 21. Jahrhundert zu einem dominierenden Aufführungsmedium.

Rhythm and Blues , ein kulturelles Phänomen des schwarzen Amerikas, wurde im frühen 20. Jahrhundert bekannt; eine Reihe späterer populärer Musikstile international beeinflusst.

In den 1930er Jahren führte Jean Rosenthal die moderne Bühnenbeleuchtung ein und veränderte die Natur der Bühne, als das Broadway-Musical zu einem Phänomen in den Vereinigten Staaten wurde.

Nachkriegszeit

Die darstellenden Künste nach dem Zweiten Weltkrieg wurden durch das Wiederaufleben von Ballett und Oper in der westlichen Welt hervorgehoben.

Modernes Straßentheater in La Chaux-de-Fonds

Die Postmoderne in den darstellenden Künsten dominierte die 1960er Jahre weitgehend.

Östliche darstellende Künste

Naher Osten

Das früheste aufgezeichnete Theaterereignis stammt aus dem Jahr 2000 v. Chr. mit den Passionsspielen des alten Ägyptens . Die Geschichte des Gottes Osiris wurde jährlich auf Festivals in der gesamten Zivilisation aufgeführt und markierte den bekannten Beginn einer langen Beziehung zwischen Theater und Religion.

Die beliebtesten Theaterformen in der mittelalterlichen islamischen Welt waren das Puppentheater (das Handpuppen, Schattenspiele und Marionettenproduktionen umfasste ) und Live- Passionsspiele, bekannt als ta'ziya , in denen Schauspieler Episoden aus der muslimischen Geschichte nachspielen . Insbesondere drehten sich die schiitischen islamischen Stücke um den Shaheed (das Martyrium) von Alis Söhnen Hasan ibn Ali und Husayn ibn Ali . Lebende weltliche Theaterstücke waren als Akhraja bekannt , die in der mittelalterlichen Adab- Literatur aufgezeichnet wurden , obwohl sie weniger verbreitet waren als Puppentheater und Ta'ziya- Theater.

Valiollah Torabi, iranischer Naqqāl (Geschichtenerzähler) von Shahnameh.

Iran

Im Iran gibt es andere Formen von Theaterveranstaltungen wie Naghali oder Naqqāli (Geschichtenerzählen), ٰRu-Howzi , Siah-Bazi , Parde-Khani und Mareke giri . Vor dem 20. Jahrhundert war das Geschichtenerzählen die bekannteste Form der Unterhaltung, auch wenn heute noch einige Formen bestehen. Eine Form, Naghali, wurde traditionell in Kaffeehäusern aufgeführt, in denen die Geschichtenerzähler oder Naghals (Naqqāls) nur Abschnitte einer Geschichte auf einmal rezitierten und so regelmäßige Kunden hielten. Diese Geschichten basierten auf Ereignissen von historischer oder religiöser Bedeutung und viele bezogen sich auf Poesie aus dem Shahnameh . Oft wurden diese Geschichten verändert, um sich an die Atmosphäre oder Stimmung des Publikums zu binden.

Indien

Bharatanatyam, ein klassischer indischer Tanz aus Tamil Nadu
Der Gotikua-Volkstanz ist eine der bekanntesten Aufführungen, die von allen Jungengruppen durchgeführt werden, die in der indischen Damenkleidung Saree . gekleidet sind

Volkstheater und Schauspiel lassen sich auf den religiösen Ritualismus der vedischen Völker im 2. Jahrtausend v . Chr . zurückführen . Dieses Volkstheater der nebligen Vergangenheit war gemischt mit Tanz, Essen, Ritualen und einer Darstellung von Ereignissen aus dem täglichen Leben. Das letzte Element machte es zum Ursprung des klassischen Theaters der späteren Zeit. Viele Historiker, insbesondere DD Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya usw. haben auf die Prävalenz von Ritualen unter indoarischen Stämmen hingewiesen, bei denen einige Mitglieder des Stammes sich wie wilde Tiere und andere als Jäger verhielten. Diejenigen, die als Säugetiere wie Ziegen, Büffel, Rentiere, Affen usw. agierten, wurden von denen gejagt, die die Rolle der Jäger spielten.

Bharata Muni (fl. 5.-2. Jahrhundert v. Chr.) war ein alter indischer Schriftsteller, der am besten dafür bekannt ist, die Natya Shastra von Bharata zu schreiben , eine theoretische Abhandlung über die indischen darstellenden Künste, einschließlich Theater, Tanz, Schauspiel und Musik, die mit Aristoteles verglichen wurde ‚s Poetik . Bharata wird oft als Vater der indischen Theaterkunst bezeichnet. Seine Natya Shastra scheint der erste Versuch zu sein, die Technik bzw. Kunst des Dramas systematisch zu entwickeln. Die Natya Shastra sagt uns nicht nur, was in einem Drama dargestellt werden soll, sondern auch, wie die Darstellung erfolgen soll. Drama, wie Bharata Muni sagt, ist die Nachahmung von Menschen und ihren Taten ( loka-vritti ). Da Männer und ihre Taten auf der Bühne respektiert werden müssen, ist das Drama im Sanskrit auch unter dem Begriff Roopaka bekannt , was Darstellung bedeutet.

Das Ramayana und Mahabharata können als die ersten anerkannten Theaterstücke betrachtet werden, die ihren Ursprung in Indien haben. Diese Epen dienten den frühesten indischen Dramatikern als Inspiration und tun dies auch heute noch. Indische Dramatiker wie Bhāsa schrieben im 2. Jahrhundert v. Chr. Stücke, die stark vom Ramayana und Mahabharata inspiriert waren .

Kālidāsa im 1. Jahrhundert v. Chr. gilt wohl als der größte Dramatiker des alten Indiens . Drei berühmte romantische Stücke von Kālidāsa sind Mālavikāgnimitram ( Mālavikā und Agnimitra ), Vikramōrvaśīyam ( bezieht sich auf Vikrama und Urvashi ) und Abhijñānaśākuntala ( Die Anerkennung von Shakuntala ). Der letzte wurde von einer Geschichte im Mahabharata inspiriert und ist der berühmteste. Es war das erste, das ins Englische und Deutsche übersetzt wurde. Im Vergleich zu Bhāsa, der sich stark an den Epen orientierte, kann Kālidāsa als origineller Dramatiker angesehen werden.

Der nächste große indische Dramatiker war Bhavabhuti (ca. 7. Jahrhundert). Er soll die folgenden drei Stücke geschrieben haben: Malati-Madhava , Mahaviracharita und Uttar Ramacharita . Unter diesen drei decken die letzten beiden das gesamte Epos von Ramayana ab . Dem mächtigen indischen Kaiser Harsha (606–648) wird zugeschrieben, drei Stücke geschrieben zu haben: die Komödie Ratnavali , Priyadarsika und das buddhistische Drama Nagananda . Im Mittelalter folgten viele andere Dramatiker .

Es gab viele darstellende Kunstformen im südlichen Teil Indiens, Kerala ist ein solcher Staat mit verschiedenen solchen Kunstformen wie Koodiyattam , Nangyarkoothu , Kathakali , Chakyar Koothu , Thirayattam und es gab viele prominente Künstler wie Painkulam Raman Chakyar und andere.

China

Handschattendrama, China

Es gibt Hinweise auf theatralische Unterhaltungen in China bereits 1500 v. Chr. während der Shang-Dynastie ; sie beinhalteten oft Musik, Clownerie und akrobatische Darbietungen.

Die Tang-Dynastie wird manchmal als "Das Zeitalter der 1000 Unterhaltungen" bezeichnet. Während dieser Ära gründete Kaiser Xuanzong eine Schauspielschule, die als die Kinder des Birnengartens bekannt war , um ein hauptsächlich musikalisches Drama zu produzieren.

Während der Han-Dynastie entwickelte sich das Schattenpuppenspiel erstmals als anerkannte Theaterform in China. Es gab zwei verschiedene Formen des Schattenpuppenspiels, Kantonesisch im Süden und Pekingesisch im Norden. Die beiden Stile unterschieden sich durch die Herstellungsweise der Puppen und die Positionierung der Stäbe auf den Puppen, im Gegensatz zu der Art des Spiels, das von den Puppen ausgeführt wurde. Beide Stile führten im Allgemeinen Theaterstücke auf, die große Abenteuer und Fantasie darstellten, selten wurde diese sehr stilisierte Theaterform für politische Propaganda verwendet. Kantonesische Schattenpuppen waren die größeren der beiden. Sie wurden aus dickem Leder gebaut, das stärkere Schatten erzeugte. Auch symbolische Farben waren sehr verbreitet; ein schwarzes Gesicht stand für Ehrlichkeit, ein rotes für Tapferkeit. Die Stäbe zur Steuerung der kantonesischen Puppen wurden senkrecht an den Köpfen der Puppen befestigt. Daher wurden sie von den Zuschauern nicht gesehen, als der Schatten erstellt wurde. Pekinesische Puppen waren zarter und kleiner. Sie wurden aus dünnem, durchscheinendem Leder hergestellt, das normalerweise aus dem Bauch eines Esels stammt. Sie wurden mit kräftigen Farben bemalt, wodurch sie einen sehr bunten Schatten werfen. Die dünnen Stäbe, die ihre Bewegungen kontrollierten, waren an einem Lederhalsband am Hals der Puppe befestigt. Die Stäbe verliefen parallel zu den Körpern der Puppe und wurden dann in einem Winkel von neunzig Grad gedreht, um sich mit dem Hals zu verbinden. Während diese Stäbe sichtbar waren, wenn der Schatten geworfen wurde, lagen sie außerhalb des Schattens der Puppe; somit störten sie das Aussehen der Figur nicht. Die an den Hälsen angebrachten Stäbe erleichtern die Verwendung mehrerer Köpfe mit einem Körper. Wenn die Köpfe nicht verwendet wurden, wurden sie in einem Musselin-Buch oder einer mit Stoff ausgekleideten Schachtel aufbewahrt. Die Köpfe wurden immer nachts entfernt. Dies entsprach dem alten Aberglauben, dass die Puppen nachts zum Leben erwachen würden, wenn sie intakt blieben. Einige Puppenspieler gingen sogar so weit, die Köpfe in einem Buch und die Körper in einem anderen aufzubewahren, um die Möglichkeit der Reanimation von Puppen weiter zu reduzieren. Das Schattenpuppenspiel soll im 11. Jahrhundert seinen Höhepunkt seiner künstlerischen Entwicklung erreicht haben, bevor es zu einem Instrument der Regierung wurde.

In der Song-Dynastie gab es viele beliebte Stücke mit Akrobatik und Musik. Diese entwickelten sich in der Yuan-Dynastie zu einer anspruchsvolleren Form mit einem vier- oder fünfaktigen Aufbau. Das Yuan-Drama verbreitete sich über ganz China und diversifizierte sich in zahlreiche regionale Formen, von denen die bekannteste die Peking-Oper ist, die noch heute beliebt ist.

Thailand

Hanuman auf seinem Streitwagen, eine Szene aus den Ramakien im Wat Phra Kaeo , Bangkok

In Thailand ist es seit dem Mittelalter Tradition, Theaterstücke zu inszenieren, die auf Handlungen aus indischen Epen basieren. Insbesondere die Theaterfassung von Thailands Nationalepos Ramakien , einer Version des indischen Ramayana , ist in Thailand bis heute beliebt.

Kambodscha

In Kambodscha , Inschriften zurück zu dem 6. Jahrhundert AD zeigt Zeugnisse der Tänzer in einem örtlichen Tempel und mit Marionettentheater für religiöse Spiele. In der alten Hauptstadt Angkor Wat wurden in die Wände von Tempeln und Palästen Geschichten aus den indischen Epen Ramayana und Mahabharata eingraviert. Ähnliche Reliefs findet man in Borobudur in Indonesien.

Philippinen

In den Philippinen , das berühmte Epos Gedicht Ibong Adarna ursprünglich, mit dem Titel "Korido bei Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid bei Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania NINA Haring Fernando na Anak" (englisch: " Corrido und Leben durch die drei Prinzen gelebt, Kinder König Fernando und Königin Valeriana im Königreich Berbania ") aus dem 16. Jahrhundert wurde von geschrieben José de la Cruz während der spanischen Kolonialzeit . Neben Theateraufführungen wurden verschiedene Filme von verschiedenen Filmstudios/Fernsehproduktionen produziert. Der erste produzierte "Ang Ibong Adarna"-Film wurde von LVN Pictures produziert , dem größten Filmstudio in der Geschichte der Philippinen.

Florante at Laura ist ein Awit oder ein Gedicht bestehend aus 12-silbigen Vierzeilern mit dem vollen Titel „Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya“ (deutsch: „Die Geschichte von Florante und Laura im Königreich Albanien “) wurde von Francisco Balagtas im Jahr 1838 während seiner Gefangenschaft geschrieben, die seiner Geliebten Maria Asuncuion Rivera (Spitzname "MAR", bezeichnet als "Selya") gewidmet ist. Das Gedicht hat einen besonderen Teil mit dem Titel „ Kay Selya “ (deutsch: „Für Celia“), der speziell Rivera gewidmet ist.

Der Nationalheld der Philippinen , José Rizal, der auch Romanautor ist, hat die beiden berühmten Gedichte auf den Philippinen geschaffen, Noli Me Tángere ( lateinisch für "Berühre mich nicht", mit einem scharfen Akzent, der gemäß spanischer Rechtschreibung am letzten Wort hinzugefügt wurde) (1887)) , die wahrgenommen Ungerechtigkeiten der spanische katholischen Brüder beschreibt und die herrschende Regierung und El Filibusterismo (Übersetzungen: der filibusterism; Das Subversive oder Subversion, wie in der Locsin englischen Übersetzung, sind auch möglich , Übersetzungen, auch durch sein alternatives Englisch bekannt Titel Die Herrschaft der Gier) (1891). Das dunkle Thema des Romans weicht dramatisch von der hoffnungsvollen und romantischen Atmosphäre des vorherigen Romans ab und bedeutet, dass Ibarra die Probleme seines Landes mit gewaltsamen Mitteln löst, nachdem sein vorheriger Versuch, das System des Landes zu reformieren, keine Wirkung zeigte und mit der korrupten Haltung der Spanier gegenüber unmöglich schien die Filipinos. Diese Romane wurden während der Kolonialisierung der Philippinen durch das spanische Reich geschrieben .

Alle diese literarischen Stücke standen unter dem Lehrplan des K-12-Programms für Mittelschulen , Ibong Adarna ist unter dem Lehrplan der 7. Klasse; Florante bei Laura (Klasse 8); Noli Me Tangere (Klasse 9); und El Filibusterismo (Klasse 10).

Japan

Kabuki-Spiel
Aufführung in Kagoshima

Im 14. Jahrhundert gab es in Japan kleine Schauspielerkompanien, die kurze, manchmal vulgäre Komödien aufführten. Ein Direktor einer dieser Kompanien, Kan'ami (1333–1384), hatte einen Sohn, Zeami Motokiyo (1363–1443), der als einer der besten Kinderschauspieler in Japan galt. Als Kan'amis Kompanie für Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), den Shōgun Japans, auftrat, flehte er Zeami an, eine höfische Ausbildung für seine Künste zu erhalten. Nachdem Zeami seinem Vater nachfolgte, trat er weiterhin auf und passte seinen Stil an das heutige Noh an . Der Noh-Theaterstil ist eine Mischung aus Pantomime und Vokalakrobatik und hat sich zu einer der raffiniertesten Formen der Theateraufführung in Japan entwickelt.

Japan war nach einer langen Periode von Bürgerkriegen und politischen Unordnungen vor allem durch Shōgun Tokugawa Ieyasu (1600–1668) vereint und in Frieden . Beunruhigt über die steigende Zahl von Christen im Land aufgrund der missionarischen Bemühungen christlicher Missionare brach er jedoch den Kontakt von Japan nach Europa und China ab und verbot das Christentum. Als der Frieden kam, verlangten ein Aufblühen des kulturellen Einflusses und die wachsende Kaufmannsklasse ihre eigene Unterhaltung. Die erste Form des Theaters, die aufblühte, war Ningyō jōruri (allgemein als Bunraku bezeichnet ). Der Gründer und Hauptbeitrag von Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653–1725), machte seine Theaterform zu einer wahren Kunstform. Ningyō jōruri ist eine stark stilisierte Theaterform mit Puppen, die heute etwa 13 so groß wie ein Mensch sind. Die Männer, die die Puppen kontrollieren, trainieren ihr ganzes Leben lang, um Meisterpuppenspieler zu werden, wenn sie dann den Kopf und den rechten Arm der Puppe bedienen und während der Aufführung ihr Gesicht zeigen können. Die anderen Puppenspieler, die die weniger wichtigen Gliedmaßen der Puppe kontrollieren, bedecken sich und ihre Gesichter mit einem schwarzen Anzug, um ihre Unsichtbarkeit anzudeuten. Der Dialog wird von einer einzigen Person geführt, die mit unterschiedlichen Stimmlagen und Sprechweisen verschiedene Charaktere simuliert. Chikamatsu schrieb zu seinen Lebzeiten Tausende von Theaterstücken, von denen die meisten noch heute verwendet werden.

Kabuki begann kurz nach Bunraku, der Legende nach von einer Schauspielerin namens Okuni, die gegen Ende des 16. Jahrhunderts lebte. Das meiste Material von Kabuki stammt von Noh und Bunraku, und auch seine unregelmäßigen tänzerischen Bewegungen sind ein Effekt von Bunraku. Kabuki ist jedoch weniger formell und distanziert als Noh, aber bei der japanischen Öffentlichkeit sehr beliebt. Schauspieler werden in vielen verschiedenen Dingen ausgebildet, darunter Tanz, Gesang, Pantomime und sogar Akrobatik. Kabuki wurde zuerst von jungen Mädchen, dann von Jungen aufgeführt, und Ende des 16. Jahrhunderts bestanden die Kabuki-Kompanien ausschließlich aus Männern. Die Männer, die Frauen auf der Bühne porträtierten, wurden speziell darauf trainiert, in ihren subtilen Bewegungen und Gesten das Wesen einer Frau zu entlocken.

Geschichte der afrikanischen darstellenden Künste

Geschichte der darstellenden Künste in Amerika

Geschichte der darstellenden Künste in Ozeanien

Der melanesische Tanz zeigt oft ein kulturelles Thema der Männlichkeit, bei dem Führung und einzigartige Fähigkeiten wichtig sind, um sie mit der Gemeinschaft zu teilen. Diese Tänze demonstrieren die Soldateska eines Mannes, können aber auch Profitabilität darstellen, wie zum Beispiel zur Förderung von Konfliktlösungen oder Heilung. Die Kostüme der sich ausgebenden Tänzer enthalten große Masken und unmenschliche Merkmale, die mythische Figuren imitieren. Die Musik kann auch als Stimme für diese magischen Persönlichkeiten fungieren.

Siehe auch

Verweise

Externe Links