Spielen (Theater) - Play (theatre)

Eine Aufführung von Macbeth (2018)

Ein Spiel ist ein Werk von Drama , in der Regel meist bestehend aus Dialog zwischen Zeichen und bei beabsichtigtem Theater Leistung und nicht nur Lesen . Der Autor eines Theaterstücks ist ein Dramatiker .

Stücke werden auf verschiedenen Ebenen aufgeführt, vom Londoner West End und dem Broadway in New York City – dem höchsten Niveau des kommerziellen Theaters im englischsprachigen Raum – über regionales Theater bis hin zu Gemeinschaftstheater sowie Universitäts- oder Schulproduktionen . Ein Bühnenstück ist ein Theaterstück, das auf der Bühne aufgeführt und geschrieben wird, um es aufzuführen, anstatt es zu übertragen oder zu einem Film zu machen. Bühnenstücke sind solche, die auf jeder Bühne vor einem Publikum aufgeführt werden. Es gibt seltene Dramatiker, insbesondere George Bernard Shaw , die wenig Vorliebe dafür hatten, ob ihre Stücke aufgeführt oder gelesen wurden. Der Begriff "Stück" kann sich sowohl auf die geschriebenen Texte von Dramatikern als auch auf ihre gesamte Theateraufführung beziehen.

Komödie

Komödien sind Theaterstücke, die humorvoll gestaltet sind. Komödien sind oft gefüllt mit witzigen Bemerkungen, ungewöhnlichen Charakteren und seltsamen Umständen. Bestimmte Komödien richten sich an verschiedene Altersgruppen. Komödien waren neben Tragödien eine der beiden ursprünglichen Spielarten des antiken Griechenlands . Ein Beispiel für eine Komödie wäre William Shakespeares Stück Ein Sommernachtstraum oder für ein moderneres Beispiel die Sketche von Saturday Night Live .

Farce

Als allgemein unsinniges Spielgenre werden Farcen oft gespielt und beinhalten oft Humor. Ein Beispiel für eine Farce ist William Shakespeares Stück The Comedy of Errors oder Mark Twains Stück Is He Dead? .

Satirisch

Ein Satirestück wirft einen komischen Blick auf das aktuelle Geschehen und versucht gleichzeitig ein politisches oder gesellschaftliches Statement zu setzen, beispielsweise auf Korruption hinzuweisen . Ein Beispiel für eine Satire wäre Nikolai Gogol ‚s Der Revisor und AristophanesLysistrata . Satirestücke sind im Allgemeinen eine der beliebtesten Formen der Komödie und werden oft als ihr eigenes Genre angesehen.

Restaurierungskomödie

Restaurationskomödie ist ein Genre, das die Beziehungen zwischen Männern und Frauen erforschte und zu seiner Zeit als gewagt galt. Charaktere, die in der Restaurierungskomödie vorkommen, enthielten Stereotypen aller Art, und dieselben Stereotypen wurden in den meisten Stücken dieses Genres gefunden, so dass die meisten Stücke in Botschaft und Inhalt sehr ähnlich waren. Da sich die Restaurationskomödie jedoch mit unausgesprochenen Aspekten von Beziehungen beschäftigte, schuf sie eine Art von Verbindung zwischen Publikum und Aufführung, die informeller und privater war.

Es wird allgemein angenommen, dass die Restaurierungskomödie ihren Ursprung in Molières Komödientheorien hat, sich jedoch in Absicht und Ton unterscheidet. Die Inkonsistenz zwischen der Moral der Restaurationskomödie und der Moral der damaligen Zeit tritt oft während des Studiums dieses Genres auf. Dies mag Hinweise darauf geben, warum die Restaurierungskomödie trotz ihres ursprünglichen Erfolgs im 17. Jahrhundert nicht lange Bestand hatte. In den letzten Jahren ist es jedoch zu einem interessanten Thema für Theatertheoretiker geworden, die sich mit Theaterstilen befasst haben, die ihre eigenen Aufführungskonventionen haben.

Tragödie

Diese Stücke enthalten dunklere Themen wie Tod und Katastrophe. Oft hat die Protagonistin des Stücks einen tragischen Fehler , eine Eigenschaft, die zu ihrem Untergang führt. Tragische Stücke vermitteln alle Emotionen und haben sehr dramatische Konflikte. Tragödie war eine der beiden ursprünglichen Spielarten des antiken Griechenlands. Einige Beispiele für Tragödien sind William Shakespeares Hamlet und auch John Websters Stück The Duchess of Malfi .

Historisch

Eine Schauspielerin führt ein Theaterstück vor 2 Statuen aus dem Mausoleum von Halikarnassos auf. Raum 21, British Museum, London
Ein Schauspieler und eine Schauspielerin, die ein Theaterstück vor dem Nereid-Denkmal, Raum 17, British Museum, London, aufführen

Diese Stücke konzentrieren sich auf aktuelle historische Ereignisse. Sie können Tragödien oder Komödien sein, sind aber oft keines von beidem. Geschichte als eigenständiges Genre wurde von William Shakespeare populär gemacht. Beispiele für historische Stücke umfassen Friedrich Schiller ‚s Demetrius und Shakespeare - König John .

Musiktheater

Die Ballad Opera, zu dieser Zeit ein beliebter Theaterstil, war der erste Musicalstil, der in den amerikanischen Kolonien aufgeführt wurde. Das erste Musical amerikanischer Herkunft wurde 1767 in Philadelphia uraufgeführt und hieß „The Disappointment“, dieses Stück schaffte es jedoch nie zur Produktion.

Modernes westliches Musiktheater entstand in der viktorianischen Ära, mit vielen strukturellen Elementen, die durch die Werke von Gilbert und Sullivan in Großbritannien und denen von Harrigan und Hart in Amerika begründet wurden. Um die 1920er Jahre begannen sich die Theaterstile klarer zu definieren. Für das Musiktheater bedeutete dies, dass Komponisten das Recht erhielten, jedes Lied im Stück zu kreieren, und diese neuen Stücke wurden an spezifischere Konventionen gehalten, wie zum Beispiel Lieder mit zweiunddreißig Takten. Als die Weltwirtschaftskrise kam, verließen viele Menschen den Broadway, um nach Hollywood zu gehen, und die Atmosphäre der Broadway-Musicals änderte sich erheblich. Eine ähnliche Situation ereignete sich in den 1960er Jahren, als Komponisten knapp waren und Musicals keine Lebendigkeit und keinen Unterhaltungswert hatten.

In den 1990er Jahren gab es nur sehr wenige originale Broadway-Musicals, da viele Nachbildungen von Filmen oder Romanen waren.

Musikproduktionen haben Lieder, die helfen, die Geschichte zu erklären und die Ideen des Stücks voranzutreiben. Sie werden in der Regel von Tanz begleitet. Musicals können in Einstellungen und Schauspieleraufführungen sehr aufwendig sein. Beispiele für Musikproduktionen sind Wicked und Fiddler on the Roof .

Theater der Grausamkeit

Dieser Theaterstil entstand in den 1940er Jahren, als Antonin Artaud Hypothesen über die Auswirkungen des Ausdrucks durch den Körper im Gegensatz zu „durch sozial bedingtes Denken“ aufstellte. 1946 verfasste er ein Vorwort zu seinen Werken, in dem er erläuterte, wie und wie er zum Schreiben kam.

Vor allem traute Artaud der Sprache als Kommunikationsmittel nicht. Theaterstücke im Genre des Grausamkeitstheaters sind in Konvention und Inhalt abstrakt. Artaud wollte, dass seine Stücke wirken und etwas bewirken. Seine Absicht war es, das Unterbewusstsein durch körperliche Leistungen zu symbolisieren, da er nicht glaubte, dass Sprache wirksam sein könnte. Artaud betrachtete seine Stücke eher als Inszenierung als als Nachstellung, was bedeutete, dass er glaubte, dass seine Schauspieler in der Realität waren, anstatt die Realität nachzustellen.

Seine Stücke behandelten schwere Themen wie Patienten in Psychiatrien und Nazi-Deutschland. Durch diese Aufführungen wollte er „die Ursachen des Leidens hörbar machen“, jedoch reagierte das Publikum zunächst schlecht, da es von dem, was es sah, so verblüfft war. Viele seiner Werke waren damals in Frankreich verboten.

Artaud glaubte nicht, dass das konventionelle Theater der damaligen Zeit dem Publikum eine kathartische Erfahrung ermöglichen und helfen würde, die Wunden des Zweiten Weltkriegs zu heilen. Aus diesem Grund wandte er sich dem Radiotheater zu, in dem die Zuschauer ihre Vorstellungskraft nutzen konnten, um die Worte, die sie hörten, mit ihrem Körper zu verbinden. Dies machte seine Arbeit viel persönlicher und individualisierter, was seiner Meinung nach die Wirksamkeit der Darstellung von Leiden erhöhen würde.

Theater des Absurden

Theater des Absurden: Dieses Genre umfasst im Allgemeinen metaphysische Darstellungen von existenziellen Bedenken und Fragen. Theater des Absurden verleugnet Rationalität und nimmt die Unvermeidlichkeit in den Abgrund des menschlichen Daseins auf. Anstatt diese Themen zu diskutieren, ist das Theater des Absurden jedoch eine Demonstration derselben. So kann das Publikum den Inhalt des Stücks selbst diskutieren und hinterfragen.

Einer der Hauptaspekte des absurden Theaters ist der physische Widerspruch zur Sprache. Oftmals steht der Dialog zwischen den Charakteren ihren Handlungen direkt entgegen.

Berühmte Dramatiker dieses Genres sind Beckett, Sartre, Ionesco, Adamov und Genet.

Terminologie

Der Begriff "Spiel" kann entweder ein allgemeiner Begriff sein oder sich spezieller auf ein nicht-musikalisches Spiel beziehen. Manchmal wird der Begriff "Straight Play" im Gegensatz zu " Musical " verwendet, was sich auf ein Stück bezieht, das auf Musik , Tanz und Liedern basiert , die von den Charakteren des Stücks gesungen werden. Für ein kurzes Spiel wird manchmal der Begriff "Playlet" verwendet.

Der Begriff "Skript" bezieht sich auf den geschriebenen Text des Stücks. Nach der Titelei , wie Titel und Autor, beginnt es in herkömmlicher Weise mit einem dramatis personae : (zB „einer Liste jeden der Hauptfiguren des Stückes mit Namen präsentiert, durch eine kurze Charakterisierung gefolgt Stephano ., Ein betrunkener Butler“)

Für ein Musikstück ( Oper , leichte Oper oder Musical ) wird anstelle von „Skript“ häufig der Begriff „ Libretto “ verwendet.

Ein Theaterstück ist normalerweise in Akte unterteilt , ähnlich wie die Kapitel in einem Roman. Ein kurzes Theaterstück kann nur aus einem einzigen Akt bestehen und wird dann als "Einakter" bezeichnet. Akte sind in Szenen unterteilt . Die Akte sind nummeriert, ebenso die Szenen; die Szenennummerierung beginnt für jeden nächsten Akt wieder bei 1 , sodass auf Akt 4, Szene 3 Akt 5, Szene 1 folgen kann . Jede Szene wird an einer bestimmten Stelle festgelegt, die im Skript am Anfang der Szene angegeben ist (zB " Szene 1. Vor der Zelle von Prospero "). Ein Ortswechsel erfordert in der Regel einen Wechsel der Szenerie , was – selbst wenn es sich nur um einen gemalten Hintergrund handelt – Zeit braucht und nur zwischen den Szenen erfolgen kann.

Neben dem von den Schauspielern zu sprechenden Text enthält ein Drehbuch "Regieanweisungen" (nicht zu verwechseln mit der Verwendung dieses Begriffs beim Blockieren , der Inszenierung von Schauspielern mit bestimmten Bewegungen über die Bühne). Der gebräuchlichste Typ ist für das Ein- und Aussteigen von Schauspielern, zB "[ Exeunt Caliban, Stephano und Trinculo .]" ( Exeunt ist der lateinische Plural von Exit , was "[sie] gehen" bedeutet). Andere Regieanweisungen können die Art der Textanlieferung, wie "[Aside]" oder "[Sings]", oder geben Geräusche an, die außerhalb der Bühne produziert werden sollen, wie "[Donner]".

Siehe auch

Listen

Verweise

Externe Links