Primavera (Botticelli) - Primavera (Botticelli)

Primavera
Botticelli-primavera.jpg
Künstler Sandro Botticelli
Jahr Ende der 1470er oder Anfang der 1480er Jahre
Mittel Tempera auf Tafel
Maße 202 cm × 314 cm (80 Zoll × 124 Zoll)
Standort Uffizien , Florenz

Primavera ( italienische Aussprache:  [primaˈvɛːra] , was "Frühling" bedeutet) ist ein großes Tafelgemälde in Temperafarbe des italienischen Renaissance- Malers Sandro Botticelli, das in den späten 1470er oder frühen 1480er Jahren entstanden ist (Datierungen variieren). Es wurde als "eines der am meisten geschriebenen und umstrittensten Gemälde der Welt" und auch als "eines der beliebtesten Gemälde der westlichen Kunst" beschrieben.

Das Gemälde zeigt eine Gruppe von Figuren aus der klassischen Mythologie in einem Garten, aber es wurde keine Geschichte gefunden, die diese besondere Gruppe zusammenbringt. Die meisten Kritiker stimmen darin überein, dass das Gemälde eine Allegorie ist, die auf dem üppigen Wachstum des Frühlings basiert, aber die genaue Bedeutung variiert, obwohl viele den Neuplatonismus der Renaissance betreffen, der dann intellektuelle Kreise in Florenz faszinierte . Das Thema wurde erstmals von dem Kunsthistoriker Giorgio Vasari als Primavera beschrieben, der es 1550 in der Villa Castello außerhalb von Florenz sah.

Obwohl heute bekannt ist, dass die beiden kein Paar sind, wird das Gemälde unweigerlich mit Botticellis anderem sehr großen mythologischen Gemälde, Die Geburt der Venus , ebenfalls in den Uffizien diskutiert . Sie gehören zu den berühmtesten Gemälden der Welt und Ikonen der italienischen Renaissance ; Von den beiden ist die Geburt noch bekannter als die Primavera . Als Darstellungen von Sujets aus der klassischen Mythologie in sehr großem Maßstab waren sie in der abendländischen Kunst seit der Antike praktisch beispiellos.

Die Geschichte des Gemäldes ist nicht sicher bekannt; es kann von einem der Medici-Familie in Auftrag gegeben worden sein , aber die Gewissheit seiner Beauftragung ist unbekannt. Es stützt sich auf eine Reihe von literarischen Quellen der Klassik und der Renaissance, darunter die Werke des antiken römischen Dichters Ovid und weniger sicher Lucretius , und kann auch auf ein Gedicht von Poliziano anspielen , dem Dichter des Medici-Hauses, der Botticelli möglicherweise bei der Ausarbeitung der Komposition geholfen hat . Seit 1919 ist das Gemälde Teil der Sammlung der Uffizien in Florenz , Italien.

Komposition

Venus steht in ihrem Bogen.

Das Gemälde zeigt sechs weibliche und zwei männliche Figuren sowie einen Amor in einem Orangenhain. Die Bewegung der Komposition ist von rechts nach links, so dass die Standardidentifikation der Figuren in dieser Richtung ist: ganz rechts " Zephyrus , der beißende Wind des März, entführt und besitzt die Nymphe Chloris , die er später heiratet und in eine verwandelt Gottheit; sie wird die Göttin des Frühlings, ewige Trägerin des Lebens und streut Rosen auf die Erde." Chloris, die Nymphe, überlappt Flora , die Göttin, in die sie sich verwandelt.

In der Mitte (aber nicht genau so) und etwas zurückversetzt von den anderen Figuren steht Venus, eine rot gekleidete Frau in Blau. Wie die Blumensammler erwidert sie den Blick des Betrachters. Die Bäume hinter ihr bilden einen gebrochenen Bogen, um die Aufmerksamkeit auf sich zu ziehen. In der Luft über ihr richtet ein Amor mit verbundenen Augen seinen Bogen nach links. Auf der linken Seite des Gemäldes schließen sich die Drei Grazien , eine Gruppe von drei Frauen, ebenfalls in durchscheinendem Weiß, zu einem Tanz an den Händen. Ganz links hebt Merkur , rot gekleidet mit Schwert und Helm, seinen Caduceus oder seine Holzstange zu einigen grauen Wolkenfetzen.

Die Wechselwirkungen zwischen den Figuren sind rätselhaft. Zephyrus und Chloris sehen sich an. Flora und Venus blicken auf den Betrachter hinaus, dem Amor sind die Augen verbunden, und Merkur hat den anderen den Rücken gekehrt und blickt zu den Wolken empor. Die zentrale Grace sieht ihn an, während die anderen beiden sich scheinbar anzuschauen. Floras Lächeln war zu diesem Zeitpunkt in der Malerei sehr ungewöhnlich.

Die pastorale Landschaft ist aufwendig. Auf dem Gemälde sind 500 identifizierte Pflanzenarten mit etwa 190 verschiedenen Blüten dargestellt, von denen mindestens 130 spezifisch identifiziert werden können. Das Gesamtbild und die Größe des Gemäldes ähneln denen der Millefleur ("tausend Blumen") flämischen Wandteppiche, die zu dieser Zeit beliebte Dekorationen für Paläste waren.

Diese Wandteppiche hatten die künstlerischen Entwicklungen der italienischen Renaissance in den 1480er Jahren nicht eingeholt, und die Komposition des Gemäldes weist Aspekte auf, die zu diesem immer noch gotischen Stil gehören. Die Figuren sind in einer groben Linie über die Vorderseite des Bildraums verteilt, "wie Perlen an einer Schnur nebeneinander gestellt". Es ist heute bekannt, dass sich in der Umgebung, für die das Gemälde entworfen wurde, der Boden etwa auf Augenhöhe oder etwas darüber befand, was zum Teil "die sanft ansteigende Ebene" erklärt, auf der die Figuren stehen.

Die Füße der Venus sind beträchtlich höher als die der anderen, was zeigt, dass sie sich hinter ihnen befindet, aber sie ist im gleichen Maßstab, wenn nicht sogar größer, als die anderen Figuren. Die Überlappung anderer Figuren durch Merkurs Schwert und Chloris' Hände zeigt, dass sie etwas vor der linken Grace bzw. Flora stehen, was sonst, beispielsweise von ihren Füßen, nicht zu erkennen wäre. Es wurde argumentiert, dass die Blumen im hinteren Teil des Bildraums nicht kleiner werden, was sicherlich ein Merkmal der Millefleur-Wandteppiche ist.

Die Kostüme der Figuren sind Versionen der Kleidung des zeitgenössischen Florenz, obwohl die Art von "quasi-theatralischen Kostümen, die für Maskeraden entworfen wurden, wie sie Vasari schrieb, von Lorenzo de' Medici für Bürgerfeste und Turniere erfunden wurden". Das Fehlen einer offensichtlichen Erzählung kann sich sowohl auf die Welt der Festzüge und Tableaux vivants als auch auf typisch statische gotische Allegorien beziehen .

Bedeutung

Die drei Grazien

Es wurden verschiedene Interpretationen der Figuren dargelegt, aber allgemein ist man sich einig, dass das Gemälde zumindest auf einer Ebene "eine ausgeklügelte mythologische Allegorie der aufkeimenden Fruchtbarkeit der Welt" ist. Es wird vermutet, dass Botticelli bei der Gestaltung des Bildes und der Bedeutung, die es enthalten sollte, geholfen hatte, da das Gemälde anscheinend ein tiefes Wissen der klassischen Literatur und Philosophie widerspiegelt, das Botticelli wahrscheinlich nicht besessen hat. Es wird allgemein angenommen, dass Poliziano daran beteiligt war, obwohl auch Marsilio Ficino , ein weiteres Mitglied des Kreises von Lorenzo de' Medici und eine Schlüsselfigur des Neuplatonismus der Renaissance , oft erwähnt wurde.

Ein Aspekt des Gemäldes ist eine von rechts nach links gelesene Darstellung des Verlaufs der Frühlingssaison. Der Wind des frühen Frühlings weht über das Land und bringt Wachstum und Blumen hervor, präsidiert von Venus, der Göttin des Aprils, mit Merkur, dem Gott des Monats Mai in einem frühen römischen Kalender, der die letzten Wolken zuvor verjagt Sommer. Merkur ist nicht nur Teil einer Sequenz über die Saison, sondern fungiert auch als Wächter des Gartens, indem er die Wolken vertreibt, und erklärt teilweise seine Militärkleidung und seinen Blick aus dem Bildraum. Eine Passage in Virgil ‚s Aeneis beschreibt ihn , den Himmel mit seinem caduceus löschen. Eine positivere, neuplatonische Sichtweise der Wolken ist, dass sie "die gütigen Schleier sind, durch die der Glanz der transzendenten Wahrheit den Betrachter erreichen kann, ohne ihn zu zerstören".

Venus thront über dem Garten – einem Orangenhain (ein Symbol der Medici). Es ist auch der Garten der Hesperiden des klassischen Mythos, aus dem die goldenen Äpfel stammen, die im Pariser Urteil verwendet wurden ; die hellenistischen Griechen hatten entschieden, dass es sich um Zitrusfrüchte handelte , die für sie exotisch waren. Laut Claudian waren dort keine Wolken erlaubt. Venus steht vor den dunklen Blättern eines Myrtenstrauchs . Laut Hesiod wurde Venus aus dem Meer geboren, nachdem der Samen des Uranus ins Wasser gefallen war. Als sie in einer Muschel an Land kam, hatte sie ihre Nacktheit mit Myrte bekleidet, und so wurde ihr die Pflanze heilig. Venus erscheint hier in ihrem Charakter als Göttin der Ehe, bekleidet und mit bescheiden bedecktem Haar, wie es von verheirateten Frauen erwartet wurde, in der Öffentlichkeit zu erscheinen.

Die Drei Grazien sind Schwestern und begleiten traditionell die Venus. In der klassischen Kunst (aber nicht in der Literatur) sind sie normalerweise nackt und stehen normalerweise still, während sie Händchen halten, aber die Darstellung hier ist einer Adaption von Seneca von Leon Battista Alberti in seiner De pictura (1435), die Botticelli sicherlich kannte, sehr ähnlich. Von links werden sie von Edgar Wind als Voluptas , Castitas und Pulchritudo (Vergnügen, Keuschheit und Schönheit) identifiziert , obwohl andere Namen in der Mythologie gefunden werden, und es ist auffällig, dass viele Schriftsteller, darunter Lightbown und die Ettlinger, auf die Benennung von Botticellis . verzichten Grazien überhaupt.

Botticellis Pallas and the Centaur (1482) wurde als Gegenstück zu Primavera vorgeschlagen .

Amors Pfeil zielt auf die mittlere Gnade – Keuschheit, laut Wind – und der Einfluss der Liebe auf die Keuschheit, der zu einer Ehe führt, kommt in vielen Interpretationen vor. Keuschheit blickt auf Merkur, und einige Interpretationen, insbesondere diejenigen, die die Figuren als realen Personen nachempfunden sind, sehen dieses Paar als eines, das Chloris und Zephyrus auf der anderen Seite des Gemäldes entspricht.

In einer anderen Deutung wird die von Zephyrus rechts dargestellte irdische fleischliche Liebe von der zentralen Figur der Grazien aufgegeben, die ihr den Rücken zukehrt, unbekümmert um die Bedrohung, die ihr von Amor dargestellt wird. Ihr Fokus auf dem Merkur ist, der sich über die Leinwand schaut an , was viele glauben , hing als Gegenstück zu Primavera : Pallas und der Zentaur , in der „Liebe zu wissensorientierten“ (verkörpert von Pallas Athena ) erweist sich triumphierend über Lust (symbolisiert durch der Zentaur ).

Die grundsätzliche Identifizierung der Figuren ist inzwischen weitgehend vereinbart, aber in der Vergangenheit wurden manchmal andere Namen für die Frauen rechts verwendet, die in der üblichen Interpretation zwei Stufen derselben Person sind. Die Frau im geblümten Kleid kann Primavera (eine Personifikation des Frühlings) genannt werden, mit Flora die von Zephyrus verfolgte Figur. Ein Wissenschaftler schlug 2011 vor, dass die zentrale Figur überhaupt nicht die Venus ist, sondern Persephone .

Neben seiner offenen Bedeutung wurde das Gemälde als Illustration des Ideals der neuplatonischen Liebe interpretiert, das bei den Medici und ihren Anhängern von Marsilio Ficino populär gemacht wurde. Die neuplatonischen Philosophen sahen in der Venus die Herrschaft über die irdische und die göttliche Liebe und argumentierten, dass sie das klassische Äquivalent der Jungfrau Maria sei; darauf weist die altarartige Einrahmung, die zeitgenössischen Marienbildern ähnelt, hin. Venus' Begrüßungshandgeste, die wahrscheinlich an den Betrachter gerichtet ist, ist die gleiche, die Maria dem Erzengel Gabriel in zeitgenössischen Gemälden der Verkündigung verwendet .

Wortspielige Anspielungen auf die Namen der Medici beinhalten wahrscheinlich die goldenen Kugeln der Orangen, die an die des Medici-Wappens erinnern, die Lorbeerbäume rechts für Lorenzo und die Flammen auf dem Kostüm von beiden Mercury (für die sie ein regelmäßiges Attribut sind). ) und Venus, die ebenfalls ein Attribut von Saint Laurence (Lorenzo auf Italienisch) sind. Merkur war der Gott der Medizin und der "Ärzte", medici auf Italienisch. Solche Wortspiele für die Medici und in Venus und Mars die Vespucci ziehen sich durch alle mythologischen Gemälde Botticellis.

Quellen

Von den vielen literarischen Quellen, die in das Gemälde eingeflossen sein mögen, wurde die klarste in der Neuzeit erstmals 1893 von Aby Warburg in seiner bahnbrechenden Dissertation über das Gemälde erwähnt. Die Gruppe auf der rechten Seite des Gemäldes wurde von einer Beschreibung des römischen Dichters Ovid von der Ankunft des Frühlings inspiriert ( Fasti , Buch 5, 2. Mai). Darin erzählt die Waldnymphe Chloris, wie ihre nackten Reize den ersten Frühlingswind, Zephyr, anzogen. Zephyr verfolgte sie und als sie entzückt war, sprangen Blumen aus ihrem Mund und sie verwandelte sich in Flora, die Göttin der Blumen. In Ovids Werk wird dem Leser gesagt, „bis dahin war die Erde nur von einer Farbe“. Nach Chloris' Namen kann man an die Farbe Grün denken – das griechische Wort für Grün ist khloros , die Wurzel von Wörtern wie Chlorophyll – und möglicherweise hat Botticeli Zephyr in Blaugrüntönen gemalt.

Andere spezifische Elemente könnten aus einem Gedicht von Poliziano abgeleitet worden sein . Da Polizianos Gedicht "Rusticus" 1483 veröffentlicht wurde und das Gemälde im Allgemeinen um 1482 fertiggestellt wurde, haben einige Gelehrte argumentiert, dass der Einfluss umgekehrt wurde, wobei man bedenkt, dass Poliziano allgemein bei der Ausarbeitung der Allegorie im Gemälde.

Eine weitere Inspiration für das Gemälde scheint das Gedicht von Lucretius " De rerum natura " gewesen zu sein, das die Zeilen enthält: "Frühling und Venus kommen, und der Junge der Venus, / Der geflügelte Vorbote tritt vor, / Und hart weiter Zephyrs Fußabdrücke, Mutter Flora, / Die Wege vor ihnen besprengen, erfüllen alle / Mit Farben und mit ausgezeichneten Gerüchen."

Wo es eine Fülle von literarischen Quellen gibt, von denen die meisten wahrscheinlich Botticelli nicht direkt bekannt sind oder von Beratern für ihn bereitgestellt wurden, sind die visuellen Quellen eine andere Sache:

Aber woher, eher im visuellen als im literarischen Sinne, kam die Vision? Das ist das Geheimnis des Genies. Von antiken Sarkophagen, von einigen Edelsteinen und Reliefs und vielleicht einigen Fragmenten Aretinischer Ware ; aus jenen Zeichnungen klassischer Überreste zeitgenössischer Künstler, die in den florentinischen Werkstätten zirkulierten, wie die Musterbücher der Architekten des 18. Jahrhunderts; Aus solch spärlichem und mittelmäßigem Material hat Botticelli eine der persönlichsten Beschwörungen körperlicher Schönheit in der gesamten Kunst geschaffen, die Drei Grazien der Primavera . ( Kenneth Clark )

Geschichte

Merkur könnte nach Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici oder möglicherweise seinem Cousin Giuliano de' Medici modelliert worden sein .

Die Herkunft des Gemäldes ist unklar. Botticelli war 1481/82 für viele Monate in Rom, malte in der Sixtinischen Kapelle , und vorgeschlagene Daten liegen in den letzten Jahren meist später, aber manchmal auch früher. Das Denken hat sich durch die Veröffentlichung eines Inventars aus dem Jahr 1499 der Sammlung von Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici im Jahr 1975 etwas geändert.

Das Inventar von 1499 weist es im Stadtpalast von Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici und seinem Bruder Giovanni "Il Popolano" auf . Sie waren die Cousins ​​von Lorenzo de' Medici ("Lorenzo il Magnifico"), der praktisch der Herrscher von Florenz war und nach dem frühen Tod ihres Vaters seine Mündel gewesen war. Es hing über einem großen Lettuccio , einem kunstvollen Möbelstück mit erhöhtem Sockel, Sitz und Rückwand, wahrscheinlich mit einem Gesims gekrönt . Die Unterseite des Gemäldes befand sich wahrscheinlich auf Augenhöhe des Betrachters, also eher höher als heute.

Im selben Raum befanden sich Botticellis Pallas und der Kentaur sowie ein großes Tondo mit der Jungfrau und dem Kind . Das Tondo ist heute nicht mehr identifiziert, aber eine Malerei, die besonders mit Botticelli in Verbindung gebracht wird. Dieses erhielt mit 180 Lire den höchsten Wert der drei Gemälde. Ein weiteres Inventar von 1503 weist darauf hin, dass die Primavera einen großen weißen Rahmen hatte.

In der ersten Ausgabe seines Lebens von Botticelli , die 1550 veröffentlicht wurde, sagte Giorgio Vasari, dass er dieses Gemälde und die Geburt der Venus gesehen habe , die im Medici-Land Villa di Castello hängen . Bevor das Inventar bekannt wurde, glaubte man normalerweise, dass beide Gemälde für die Villa angefertigt wurden, wahrscheinlich kurz nach ihrem Erwerb im Jahr 1477, entweder im Auftrag von Lorenzo di Pierfrancesco oder vielleicht von seinem älteren Cousin und Vormund Lorenzo de' Medici . Ziemlich seltsam sagt Vasari, dass beide Gemälde weibliche Akte enthielten, was hier nicht streng der Fall ist.

Chloris und Zephyrus

Die meisten Gelehrten verbinden das Gemälde heute mit der Hochzeit von Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici . Gemälde und Möbel wurden oft zu Hochzeiten geschenkt. Die Hochzeit fand am 19. Juli 1482 statt, war aber nach dem Tod der Mutter des älteren Lorenzo am 25. März verschoben worden. Ursprünglich war es für Mai geplant. Neuere Datierungen bevorzugen die frühen 1480er Jahre, nach Botticellis Rückkehr aus Rom, was darauf hindeutet, dass sie direkt im Zusammenhang mit dieser Hochzeit in Auftrag gegeben wurde, eine Ansicht, die von vielen unterstützt wird.

Eine andere ältere Theorie, die ein frühes Datum annimmt, legt nahe, dass der ältere Lorenzo das Porträt in Auftrag gab, um die Geburt seines Neffen Giulio di Giuliano de' Medici (der später Papst wurde ) zu feiern , aber seine Meinung nach der Ermordung von Giulos Vater, seinem Bruder Giuliano , änderte 1478 und ließ es stattdessen als Hochzeitsgeschenk für Lorenzo di Pierfrancesco fertigstellen.

Es wird häufig vorgeschlagen, dass Lorenzo di Pierfrancesco das Modell für Merkur im Porträt ist und seine Braut Semirande als Flora (oder Venus) dargestellt wird. In älteren Theorien, die das Gemälde in den 1470er Jahren platzierten, wurde vorgeschlagen, dass das Vorbild für die Venus Simonetta Vespucci war , die Frau von Marco Vespucci und nach der Volkslegende die Geliebte von Giuliano de' Medici (von dem manchmal auch gesagt wird, dass er das Vorbild war) für Merkur); diese Identifizierungen hängen weitgehend von einem frühen Datum in den 1470er Jahren ab, da beide 1478 tot waren. Simonetta war die Tante von Lorenzos Braut Semirande. Die vielen Interpretationen des Gemäldes zusammenfassend, umfasst Leopold Ettlinger "Abstieg ins Lächerliche – eine wagnersche Pantomime, die zum Gedenken an den ermordeten Giuliano de' Medici und seine geliebte Simonetta Vespucci mit den als mediterrane Grazien verkleideten germanischen Nornen inszeniert wurde."

Wann immer dieses Gemälde und die Geburt der Venus in Castello vereint wurden, sind sie seitdem zusammen geblieben. Sie blieben bis 1815 in Castello, dann wurden sie in die Uffizien verlegt. Bis 1919 wurden sie einige Jahre lang in der Galleria dell'Accademia aufbewahrt , einem weiteren staatlichen Museum in Florenz. Seit 1919 hängt es in den Uffizien in Florenz. Während der italienischen Kampagne des Zweiten Weltkriegs wurde das Bild zum Schloss Montegufoni etwa 16 km südwestlich von Florenz verlegt, um es vor Bombenangriffen zu schützen.

Es wurde in die Uffizien-Galerie zurückgebracht, wo es bis heute aufbewahrt wird. 1978 wurde das Gemälde restauriert . Das Werk hat sich im Laufe der Zeit stark verdunkelt.

  • Flora , die Göttin der Blumen und der Jahreszeit des Frühlings.

  • Detail von Floras Kleid.

Anmerkungen

Verweise

  • Lukrez. Über die Natur der Dinge , William Ellery Leonard, trnsl. bei Projekt Gutenberg
  • Schneeschmied, Joanne (1993). Die Primavera von Sandro Botticelli: Eine neuplatonische Interpretation . Peter Lang Internationaler akademischer Verlag. ISBN 978-0820417363.
  • Steinmann, Ernst (1901). Botticelli . Velhagen & Klasing. P. 78 . Abgerufen am 16. Juli 2010 .
  • Vasari , ausgewählt & hrsg. George Bull, Artists of the Renaissance , Pinguin 1965 (Seitennummern von BCA edn, 1979). Vasari Life online (in einer anderen Übersetzung)
  • Wind, Edgar , Pagan Mysteries in the Renaissance , 1967 edn., Peregrine Books

Externe Links

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