Das Floß der Medusa -The Raft of the Medusa

Das Floß der Medusa
Französisch : Le Radeau de la Méduse
JEAN LOUIS THÉODORE GÉRICAULT - La Balsa de la Medusa (Museo del Louvre, 1818-19).jpg
Künstler Théodore Géricault
Jahr 1818–19
Mittel Öl auf Leinwand
Maße 490 cm × 716 cm (16 Fuß 1 Zoll × 23 Fuß 6 Zoll)
Ort Louvre , Paris

Das Floß der Medusa ( französisch : Le Radeau de la Méduse [lə ʁado d(ə) la medyz] ) – ursprünglich mit dem Titel Scène de Naufrage ( Schiffswrackszene ) – ist ein Ölgemälde von 1818–19 des französischen romantischen Malers und Lithographen Théodore Géricault (1791–1824). Das Werk wurde im Alter von 27 Jahren fertiggestellt und ist zu einer Ikone der französischen Romantik geworden. Mit 491 x 716 cm (16 Fuß 1 Zoll x 23 Fuß 6 Zoll) ist es ein überlebensgroßes Gemälde, das einen Moment nach dem Wrack der französischen Marinefregatte Méduse darstellt , die vor der Küste von auf Grund lief das heutige Mauretanienam 2. Juli 1816. Am 5. Juli 1816 wurden mindestens 147 Menschen auf einem eilig gebauten Floß treiben gelassen; Alle bis auf 15 starben in den 13 Tagen vor ihrer Rettung, und diejenigen, die überlebten, erlitten Hunger und Dehydrierung und praktizierten Kannibalismus (der Brauch des Meeres ). Das Ereignis wurde zu einem internationalen Skandal, teilweise weil seine Ursache weithin der Inkompetenz des französischen Kapitäns zugeschrieben wurde.

Géricault entschied sich für die Darstellung dieses Ereignisses, um seine Karriere mit einer groß angelegten, nicht in Auftrag gegebenen Arbeit zu einem Thema zu beginnen, das bereits großes öffentliches Interesse geweckt hatte. Das Ereignis faszinierte ihn, und bevor er mit der Arbeit am endgültigen Gemälde begann, unternahm er umfangreiche Recherchen und fertigte viele vorbereitende Skizzen an. Er interviewte zwei der Überlebenden und konstruierte ein detailliertes maßstabsgetreues Modell des Floßes. Er besuchte Krankenhäuser und Leichenschauhäuser, wo er aus erster Hand die Farbe und Textur des Fleisches der Sterbenden und Toten sehen konnte. Wie er erwartet hatte, erwies sich das Gemälde bei seinem ersten Auftritt im Pariser Salon von 1819 als äußerst umstritten und erntete gleichermaßen leidenschaftliches Lob und Verurteilung. Es begründete jedoch seinen internationalen Ruf und gilt heute weithin als wegweisend in der frühen Geschichte der romantischen Bewegung in der französischen Malerei.

Obwohl Das Floß der Medusa Elemente der Traditionen der Historienmalerei beibehält , stellt es sowohl in seiner Themenwahl als auch in seiner dramatischen Präsentation einen Bruch mit der Ruhe und Ordnung der vorherrschenden neoklassizistischen Schule dar. Géricaults Werk erregte von seiner ersten Ausstellung an große Aufmerksamkeit und wurde dann in London ausgestellt. Der Louvre erwarb es kurz nach dem Tod des Künstlers im Alter von 32 Jahren. Der Einfluss des Gemäldes ist in den Werken von Eugène Delacroix , JMW Turner , Gustave Courbet und Édouard Manet zu sehen .

Hintergrund

Plan des Floßes der Medusa im Moment der Rettung der Besatzung

Im Juni 1816 verließ die französische Fregatte Méduse unter dem Kapitän von Hugues Duroy de Chaumareys Rochefort in Richtung des senegalesischen Hafens von Saint-Louis . Sie führte einen Konvoi aus drei weiteren Schiffen an: dem Lagerschiff Loire , der Brigg Argus und der Korvette Écho . Viscount Hugues Duroy de Chaumereys, ein kürzlich zurückgekehrter royalistischer Emigrant , war von der neu wiederhergestellten Bourbonen -Regierung zum Kapitän der Fregatte ernannt worden , obwohl er in 20 Jahren kaum gesegelt war. Nach dem Untergang schrieb die öffentliche Empörung fälschlicherweise die Verantwortung für seine Ernennung Ludwig XVIII . Die Mission der Fregatte bestand darin, die britische Rückgabe Senegals unter den Bedingungen der Annahme des Pariser Friedens durch Frankreich zu akzeptieren . Unter den Passagieren befanden sich der ernannte französische Gouverneur von Senegal, Oberst Julien-Désiré Schmaltz , sowie seine Frau und Tochter.

Um Zeit zu gewinnen, überholte die Méduse die anderen Schiffe, driftete jedoch aufgrund schlechter Navigation 160 Kilometer vom Kurs ab. Am 2. Juli lief es auf einer Sandbank vor der westafrikanischen Küste in der Nähe des heutigen Mauretanien auf Grund . Die Kollision wurde weithin der Inkompetenz von De Chaumereys zugeschrieben, einem zurückgekehrten Emigranten , dem es an Erfahrung und Fähigkeiten mangelte, der jedoch seinen Auftrag aufgrund eines Aktes politischer Beförderung erhalten hatte. Die Bemühungen, das Schiff zu befreien, scheiterten, und so starteten die verängstigten Passagiere und die Besatzung am 5. Juli einen Versuch, mit den sechs Booten der Fregatte die 100 km (60 Meilen) bis zur afrikanischen Küste zu reisen. Obwohl die Méduse 400 Personen beförderte, darunter 160 Besatzungsmitglieder, war in den Booten nur Platz für etwa 250 Personen. Der Rest des Schiffskomplements und die Hälfte eines Kontingents von Marineinfanteristen, die Senegal besetzen sollten - mindestens 146 Männer und eine Frau - wurden auf ein hastig gebautes Floß gestapelt, das nach dem Beladen teilweise untertauchte. 17 Besatzungsmitglieder entschieden sich, an Bord der gestrandeten Méduse zu bleiben . Der Kapitän und die Besatzung an Bord der anderen Boote wollten das Floß schleppen, aber nach nur wenigen Meilen wurde das Floß losgelassen. Zur Verpflegung hatte die Besatzung des Floßes nur eine Tüte Schiffskekse (am ersten Tag verzehrt), zwei Fässer Wasser (die während der Kämpfe über Bord gingen) und sechs Fässer Wein.

Laut dem Kritiker Jonathan Miles trug das Floß die Überlebenden "an die Grenzen der menschlichen Erfahrung. Verrückt, ausgetrocknet und ausgehungert schlachteten sie Meuterer, aßen ihre toten Gefährten und töteten die Schwächsten." Nach 13 Tagen, am 17. Juli 1816, wurde das Floß zufällig von der Argus gerettet - die Franzosen unternahmen keine besonderen Suchanstrengungen für das Floß. Zu diesem Zeitpunkt waren nur noch 15 Männer am Leben; die anderen waren von ihren Kameraden getötet oder über Bord geworfen worden, verhungert oder hatten sich aus Verzweiflung ins Meer gestürzt. Der Vorfall wurde zu einer großen öffentlichen Peinlichkeit für die französische Monarchie, die erst kürzlich nach Napoleons Niederlage im Jahr 1815 wieder an die Macht kam .

Beschreibung

Das Floß der Medusa zeigt den Moment, in dem die verbleibenden 15 Überlebenden nach 13 Tagen auf dem Floß aus der Ferne ein sich näherndes Schiff sehen. Laut einem frühen britischen Rezensenten spielt die Arbeit zu einem Zeitpunkt, an dem "die Ruine des Floßes als abgeschlossen angesehen werden kann". Das Gemälde hat einen monumentalen Maßstab von 491 cm × 716 cm (193 in × 282 in), so dass die meisten der wiedergegebenen Figuren lebensgroß und die im Vordergrund fast doppelt so groß sind, nahe an die Bildebene geschoben und sich auf den Betrachter drängen, der als Teilnehmer in die physische Aktion hineingezogen wird.

Ausschnitt aus der unteren linken Ecke der Leinwand mit zwei sterbenden Gestalten

Das provisorische Floß wird als kaum seetüchtig gezeigt, während es auf den tiefen Wellen reitet, während die Männer als gebrochen und in völliger Verzweiflung dargestellt werden. Ein alter Mann hält den Leichnam seines Sohnes auf seinen Knien; ein anderer raubt sich frustriert und niedergeschlagen die Haare. Eine Reihe von Körpern liegen im Vordergrund und warten darauf, von den umgebenden Wellen weggeschwemmt zu werden. Die Männer in der Mitte haben gerade ein Rettungsschiff gesehen; Einer weist den anderen darauf hin, und ein afrikanisches Besatzungsmitglied, Jean Charles, steht auf einem leeren Fass und wedelt hektisch mit seinem Taschentuch, um die Aufmerksamkeit des Schiffes auf sich zu ziehen.

Die Bildkomposition des Gemäldes ist auf zwei Pyramidenstrukturen aufgebaut. Der Umfang des großen Mastes auf der linken Seite der Leinwand bildet den ersten. Die horizontale Gruppierung von toten und sterbenden Figuren im Vordergrund bildet die Basis, aus der die Überlebenden hervortreten und nach oben zum emotionalen Höhepunkt aufsteigen, wo die zentrale Figur verzweifelt einem Rettungsschiff zuwinkt.

Diagramm, das die Umrisse der beiden Pyramidenstrukturen zeigt, die die Grundlage der Arbeit bilden. Die Position des Rettungsschiffes Argus ist durch den gelben Punkt gekennzeichnet.

Die Aufmerksamkeit des Betrachters wird zunächst auf die Mitte der Leinwand gelenkt und folgt dann dem Richtungsfluss der Körper der Überlebenden, von hinten betrachtet und nach rechts gespannt. Laut dem Kunsthistoriker Justin Wintle "führt uns ein einziger horizontaler diagonaler Rhythmus von den Toten unten links zu den Lebenden ganz oben." Zwei weitere diagonale Linien werden verwendet, um die dramatische Spannung zu erhöhen. Einer folgt dem Mast und seiner Takelage und lenkt den Blick des Betrachters auf eine sich nähernde Welle, die das Floß zu verschlingen droht, während der zweite, bestehend aus sich ausstreckenden Figuren, zu der fernen Silhouette der Argus führt, dem Schiff, das schließlich die Überlebenden rettete.

Géricaults Palette besteht aus blassen Hauttönen und den düsteren Farben der Kleidung der Überlebenden, des Meeres und der Wolken. Insgesamt ist das Gemälde dunkel und beruht weitgehend auf der Verwendung düsterer, meist brauner Pigmente, einer Palette, von der Géricault glaubte, dass sie Tragödie und Schmerz wirksam suggeriert. Die Beleuchtung des Werks wurde als „ Caravaggesk “ beschrieben, nachdem der italienische Künstler eng mit dem Tenebrismus in Verbindung gebracht wurde – der Verwendung heftiger Kontraste zwischen Hell und Dunkel. Sogar Géricaults Behandlung des Meeres ist gedämpft und in dunklen Grüntönen statt in tiefem Blau wiedergegeben, das einen Kontrast zu den Tönen des Floßes und seiner Figuren hätte bieten können. Aus dem entfernten Bereich des Rettungsschiffs strahlt ein helles Licht und erhellt eine ansonsten mattbraune Szene.

Ausführung

Forschung und vorbereitende Studien

Géricaults Studie für „Das Floß der Medusa“ , Feder und braune Tinte, 17,6 cm × 24,5 cm, Musee des Beaux-Arts , Lille , Frankreich

Géricault war fasziniert von Berichten über den weit verbreiteten Schiffbruch von 1816 und erkannte, dass eine Darstellung des Ereignisses eine Gelegenheit sein könnte, seinen Ruf als Maler zu festigen. Nachdem er sich entschieden hatte, fortzufahren, unternahm er umfangreiche Nachforschungen, bevor er mit dem Malen begann. Anfang 1818 traf er sich mit zwei Überlebenden: Henri Savigny, einem Chirurgen, und Alexandre Corréard , einem Ingenieur der École nationale supérieure d'arts et métiers . Ihre emotionalen Beschreibungen ihrer Erfahrungen inspirierten weitgehend den Ton des endgültigen Gemäldes. Laut dem Kunsthistoriker Georges-Antoine Borias "errichtete Géricault sein Atelier gegenüber dem Beaujon-Krankenhaus. Und hier begann ein trauriger Abstieg. Hinter verschlossenen Türen stürzte er sich in seine Arbeit. Nichts stieß ihn ab. Er wurde gefürchtet und gemieden."

Frühere Reisen hatten Géricault Opfern von Wahnsinn und Pest ausgesetzt, und während er die Méduse erforschte , führte sein Bestreben, historisch genau und realistisch zu sein, zu einer Besessenheit von der Steifheit von Leichen. Um eine möglichst authentische Wiedergabe der Hauttöne der Toten zu erreichen, fertigte er Skizzen von Körpern im Leichenschauhaus des Hospital Beaujon an, studierte die Gesichter sterbender Krankenhauspatienten, brachte abgetrennte Gliedmaßen zurück in sein Atelier, um ihren Verfall zu studieren, und für a vierzehn Tage zeichnete er einen abgetrennten Kopf, der aus einer Irrenanstalt ausgeliehen und auf seinem Atelierdach aufbewahrt wurde.

Kannibalismus auf dem Floß der Medusa , Kreide, Tusche und Gouache auf Papier, 28 cm × 38 cm, Louvre . Diese Studie ist dunkler als das endgültige Werk, und die Positionen der Figuren unterscheiden sich deutlich von denen des späteren Gemäldes.

Er arbeitete mit Corréard, Savigny und einem anderen Überlebenden, dem Zimmermann Lavillette, zusammen, um ein detailgetreues, maßstabsgetreues Modell des Floßes zu konstruieren, das auf der fertigen Leinwand reproduziert wurde und sogar die Lücken zwischen einigen Planken zeigte. Géricault stellte Modelle auf, stellte ein Dokumentationsdossier zusammen, kopierte relevante Gemälde anderer Künstler und ging nach Le Havre , um das Meer und den Himmel zu studieren. Obwohl er unter Fieber litt, reiste er mehrmals an die Küste, um Zeuge von Stürmen zu werden, die an der Küste brachen, und ein Besuch bei Künstlern in England bot weitere Gelegenheit, die Elemente zu studieren, während er den Ärmelkanal überquerte .

Er zeichnete und malte zahlreiche vorbereitende Skizzen, während er entschied, welchen von mehreren alternativen Momenten der Katastrophe er in der endgültigen Arbeit darstellen würde. Die Konzeption des Gemäldes erwies sich für Géricault als langsam und schwierig, und er bemühte sich, einen einzigen bildwirksamen Moment auszuwählen, um die dem Ereignis innewohnende Dramatik am besten einzufangen.

Unter den Szenen, die er betrachtete, waren die Meuterei gegen die Offiziere ab dem zweiten Tag auf dem Floß, der Kannibalismus, der nach nur wenigen Tagen stattfand, und die Rettung. Géricault entschied sich schließlich für den Moment, der von einem der Überlebenden erzählt wurde, als sie zum ersten Mal am Horizont das sich nähernde Rettungsschiff Argus sahen – sichtbar oben rechts auf dem Gemälde – dem sie ein Zeichen zu geben versuchten. Das Schiff fuhr jedoch vorbei. Mit den Worten eines der überlebenden Besatzungsmitglieder: „Aus dem Delirium der Freude fielen wir in tiefe Verzweiflung und Trauer.“

Matrosen der Méduse , die nach dem Untergang von den Briten festgenommen wurden. Sie wurden danach nach Frankreich zurückgebracht. Lithographie von Charles Motte  [ fr ] , nach Théodore Géricault.

Für ein Publikum, das mit den Einzelheiten der Katastrophe vertraut ist, hätte die Szene so verstanden werden können, dass sie die Nachwirkungen des Verlassens der Besatzung umfasste und sich auf den Moment konzentrierte, in dem alle Hoffnung verloren schien – die Argus tauchte zwei Stunden später wieder auf und rettete die Verbliebenen.

Der Autor Rupert Christiansen weist darauf hin, dass das Gemälde mehr Figuren zeigt, als zum Zeitpunkt der Rettung auf dem Floß waren – einschließlich Leichen, die von den Rettern nicht aufgezeichnet wurden. Anstelle des sonnigen Morgens und des ruhigen Wassers, von dem am Tag der Rettung berichtet wurde, stellte Géricault einen aufziehenden Sturm und eine dunkle, wogende See dar, um die emotionale Düsternis zu verstärken.

Abschlussarbeit

Géricault, der gerade gezwungen war, eine schmerzhafte Affäre mit seiner Tante zu beenden, rasierte sich den Kopf und führte von November 1818 bis Juli 1819 ein diszipliniertes klösterliches Dasein in seinem Atelier im Faubourg du Roule, wobei ihm sein Concierge nur gelegentlich Mahlzeiten brachte einen Abend verbringen. Er und sein 18-jähriger Assistent Louis-Alexis Jamar schliefen in einem kleinen Raum neben dem Studio; gelegentlich gab es Streit und einmal ging Jamar davon; nach zwei Tagen überredete Géricault ihn zur Rückkehr. In seinem aufgeräumten Atelier arbeitete der Künstler methodisch in völliger Stille und stellte fest, dass selbst das Geräusch einer Maus ausreichte, um seine Konzentration zu brechen.

Studieren c. 1818–1819, 38 cm × 46 cm, Louvre . Diese vorbereitende Ölskizze verwirklicht fast vollständig die Positionen der Figuren in der endgültigen Arbeit.

Als Vorbilder dienten ihm Freunde, allen voran der Maler Eugène Delacroix (1798–1863), der für die Figur im Vordergrund mit nach unten gewandtem Gesicht und ausgestrecktem Arm Modell stand. Zwei der Überlebenden des Floßes sind im Schatten am Fuß des Mastes zu sehen; drei der Figuren wurden nach dem Leben gemalt – Corréard, Savigny und Lavillette. Jamar posierte nackt für den im Vordergrund gezeigten toten Jüngling, der kurz davor stand, ins Meer zu gleiten, und war auch das Modell für zwei weitere Figuren.

Viel später schrieb Delacroix – der nach Géricaults Tod zum Fahnenträger der französischen Romantik werden sollte: „Géricault erlaubte mir, sein Floß der Medusa zu sehen, während er noch daran arbeitete Als ich aus dem Studio kam, fing ich an wie ein Verrückter zu rennen und hörte nicht auf, bis ich mein eigenes Zimmer erreichte."

Géricault malte mit kleinen Pinseln und dickflüssigen Ölen, die wenig Zeit zum Nacharbeiten ließen und am nächsten Morgen trocken waren. Seine Farben hielt er getrennt voneinander: Seine Palette bestand aus Zinnoberrot , Weiß, Neapelgelb , zwei verschiedenen gelben Ockern , zwei roten Ockern , Siena roh , Hellrot , Siena gebrannt , Karmesinrot , Preußischblau , Pfirsichschwarz , Elfenbeinschwarz . Kasseler Erde und Bitumen . Bitumen hat ein samtiges, glänzendes Aussehen, wenn es zum ersten Mal gestrichen wird, verfärbt sich aber im Laufe der Zeit zu einem schwarzen Sirup, während es sich zusammenzieht und somit eine zerknitterte Oberfläche erzeugt, die nicht renovierbar ist. Infolgedessen sind Details in weiten Bereichen des Werkes heute kaum noch zu erkennen.

Die 16 Hauptfarben, die für das Gemälde verwendet werden

Géricault zeichnete eine Umrissskizze der Komposition auf die Leinwand. Dann stellte er Modelle einzeln auf und stellte jede Figur fertig, bevor er zur nächsten überging, im Gegensatz zu der üblicheren Methode, die gesamte Komposition zu bearbeiten. Die Konzentration auf einzelne Elemente verlieh dem Werk sowohl eine „schockierende Körperlichkeit“ als auch eine bewusste Theatralik – was manche Kritiker als nachteilig empfinden. Über 30 Jahre nach Abschluss der Arbeiten erinnerte sich sein Freund Montfort:

[Géricaults Methode] hat mich ebenso erstaunt wie sein intensiver Fleiß. Er malte direkt auf die weiße Leinwand, ohne grobe Skizze oder irgendeine Vorbereitung, abgesehen von den fest nachgezeichneten Konturen, und doch wurde die Solidität der Arbeit dadurch nicht beeinträchtigt. Ich war beeindruckt von der großen Aufmerksamkeit, mit der er das Modell untersuchte, bevor er mit dem Pinsel die Leinwand berührte. Er schien langsam vorzugehen, obwohl er in Wirklichkeit sehr schnell vorging, indem er eine Berührung nach der anderen an seine Stelle setzte und seine Arbeit selten mehr als einmal durchgehen musste. Es gab sehr wenig wahrnehmbare Bewegungen seines Körpers oder seiner Arme. Sein Gesichtsausdruck war vollkommen ruhig ...

Der Künstler arbeitete mit wenig Ablenkung und vollendete das Gemälde in acht Monaten; Das gesamte Projekt dauerte 18 Monate.

Einflüsse

Das Floß der Medusa vereint viele Einflüsse der Alten Meister , vom Jüngsten Gericht und der Decke der Sixtinischen Kapelle von Michelangelo (1475–1564) und Raffaels Verklärung bis hin zum monumentalen Ansatz von Jacques-Louis David (1748–1825) und Antoine -Jean Gros (1771–1835), zu zeitgenössischen Ereignissen. Bis zum 18. Jahrhundert waren Schiffswracks zu einem anerkannten Merkmal der Meereskunst geworden und wurden immer häufiger, da immer mehr Reisen auf dem Seeweg unternommen wurden. Claude Joseph Vernet (1714–1789) schuf viele solcher Bilder, erzielte im Gegensatz zu anderen Künstlern dieser Zeit durch direkte Beobachtung eine naturalistische Farbigkeit und soll sich an den Mast eines Schiffes gebunden haben, um Zeuge eines Sturms zu werden.

Michelangelo . Detail des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle . Géricault sagte: "Michelangelo jagte mir Schauer über den Rücken, diese verlorenen Seelen, die sich gegenseitig zerstören, beschwören unweigerlich die tragische Größe der Sixtinischen Kapelle herauf."

Obwohl die auf dem Floß abgebildeten Männer 13 Tage auf der Flucht verbracht und Hunger, Krankheiten und Kannibalismus erlitten hatten, zollt Géricault den Traditionen der heroischen Malerei Tribut und präsentiert seine Figuren als muskulös und gesund. Nach Ansicht des Kunsthistorikers Richard Muther ist das Werk immer noch stark dem Klassizismus verpflichtet. Die Tatsache, dass die meisten Figuren fast nackt sind, sei dem Wunsch entsprungen, „unbildliche“ Kostüme zu vermeiden. Muther stellt fest, dass "noch etwas Akademisches in den Figuren steckt, die durch Entbehrungen, Krankheit und Todeskampf nicht genügend geschwächt zu sein scheinen".

Der Einfluss von Jacques-Louis David zeigt sich in der Maßstäblichkeit des Gemäldes, in der plastischen Straffheit der Figuren und in der gesteigerten Art, mit der ein besonders bedeutsamer „fruchtbarer Moment“ – die erste Wahrnehmung des herannahenden Schiffes – beschrieben wird. 1793 malte David mit The Death of Marat auch ein wichtiges aktuelles Ereignis . Sein Gemälde hatte während der Zeit der Revolution in Frankreich einen enormen politischen Einfluss und diente als wichtiger Präzedenzfall für Géricaults Entscheidung, auch ein aktuelles Ereignis zu malen. Davids Schüler, Antoine-Jean Gros, hatte wie David "die Grandiositäten einer Schule repräsentiert, die unwiderruflich mit einer verlorenen Sache verbunden sind", aber in einigen wichtigen Werken hatte er Napoleon und anonymen Toten oder Sterbenden die gleiche Bedeutung beigemessen. Géricault war besonders beeindruckt von dem Gemälde Bonaparte Visiting the Pest-Opfer von Jaffa aus dem Jahr 1804 von Gros.

dunkel schattiertes Gemälde von zwei geflügelten Engeln, die einen Mann jagen, der vor einem gefallenen, nackten Körper davonläuft
Pierre-Paul Prud’hon . Justice and Divine Vengeance Pursuing Crime , 1808, 244 cm × 294 cm, J. Paul Getty Museum , Getty Center , Los Angeles. Die Dunkelheit und die sich ausbreitende nackte Gestalt beeinflussten Géricaults Malerei.

Der junge Géricault hatte Kopien von Werken von Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823) gemalt, zu dessen „donnernd tragischen Bildern“ sein Meisterwerk Justice and Divine Vengeance Pursuing Crime gehört, in dem erdrückende Dunkelheit und die kompositorische Basis eines nackten, ausgebreiteten Menschen Die Leiche beeinflusste offensichtlich Géricaults Malerei.

Die Vordergrundfigur des älteren Mannes könnte ein Hinweis auf Ugolino aus Dantes Inferno sein – ein Thema , das Géricault mit dem Malen in Betracht gezogen hatte – und scheint von einem Gemälde von Ugolini von Henry Fuseli (1741–1825) entlehnt zu sein, das Géricault möglicherweise kannte Drucke. In Dante macht sich Ugolino des Kannibalismus schuldig , was einer der sensationellsten Aspekte der Tage auf dem Floß war. Géricault scheint durch die Anleihe bei Fuseli darauf anzuspielen. Eine frühe Studie für das Floß der Medusa in Aquarell , jetzt im Louvre, ist viel expliziter und zeigt eine Figur, die am Arm einer kopflosen Leiche nagt.

Mehrere englische und amerikanische Gemälde, darunter The Death of Major Pierson von John Singleton Copley (1738–1815), die ebenfalls innerhalb von zwei Jahren nach dem Ereignis gemalt wurden, hatten einen Präzedenzfall für ein zeitgenössisches Thema geschaffen. Copley hatte auch mehrere große und heroische Darstellungen von Katastrophen auf See gemalt, die Géricault möglicherweise aus Drucken kannte: Watson und der Hai (1778), in dem ein schwarzer Mann im Mittelpunkt der Handlung steht und die, wie The Raft of the Medusa , konzentrierte sich eher auf die Schauspieler des Dramas als auf die Meereslandschaft; Die Niederlage der schwimmenden Batterien in Gibraltar, September 1782 (1791), die sowohl den Stil als auch das Thema von Géricaults Werk beeinflusste; und Szene eines Schiffbruchs (1790er Jahre), die eine auffallend ähnliche Zusammensetzung hat. Ein weiterer wichtiger Präzedenzfall für die politische Komponente waren die Werke von Francisco Goya , insbesondere seine Serie The Disasters of War von 1810–12 und sein Meisterwerk The Third of May 1808 von 1814 . Goya fertigte auch ein Gemälde einer Katastrophe auf See an, das einfach Schiffbruch genannt wurde (Datum unbekannt), aber obwohl die Stimmung ähnlich ist, haben die Komposition und der Stil nichts mit dem Floß der Medusa gemeinsam . Es ist unwahrscheinlich, dass Géricault das Bild gesehen hatte.

Ausstellung und Empfang

Das Floß der Medusa wurde erstmals 1819 im Pariser Salon unter dem Titel Scène de Naufrage ( Schiffswrackszene ) gezeigt, obwohl sein eigentliches Thema für zeitgenössische Betrachter unverkennbar gewesen wäre. Die Ausstellung wurde von Ludwig XVIII gesponsert und zeigte fast 1.300 Gemälde, 208 Skulpturen und zahlreiche andere Gravuren und architektonische Entwürfe. Géricaults Leinwand war der Star der Ausstellung: „Es fällt auf und zieht alle Blicke auf sich“ ( Le Journal de Paris ). Louis XVIII besuchte drei Tage vor der Eröffnung und soll gesagt haben: " Monsieur, vous venez de faire un naufrage qui n'en est pas un pour vous ", frei übersetzt als "Monsieur Géricault, Ihr Schiffbruch ist sicherlich keine Katastrophe". Die Kritiker waren gespalten: Das Grauen und die „terribilità“ des Themas übten Faszination aus, Anhänger des Klassizismus drückten jedoch ihre Abneigung gegen das aus, was sie als „Leichenhaufen“ bezeichneten, dessen Realismus sie für weit entfernt von der „idealen Schönheit“ hielten von Girodets Pygmalion und Galatea , das im selben Jahr triumphierte. Géricaults Werk drückte ein Paradoxon aus: Wie konnte ein abscheuliches Thema in ein kraftvolles Gemälde übersetzt werden, wie konnte der Maler Kunst und Realität in Einklang bringen? Marie-Philippe Coupin de la Couperie , ein französischer Maler und Zeitgenosse von Géricault, gab eine Antwort: „Monsieur Géricault scheint sich zu irren. Das Ziel der Malerei ist es, die Seele und die Augen anzusprechen, nicht abzustoßen.“ Das Gemälde hatte auch glühende Bewunderer, darunter den französischen Schriftsteller und Kunstkritiker Auguste Jal , der sein politisches Thema, seine liberale Position – seine Förderung des Negers und seine Kritik am Ultraroyalismus – und seine Modernität lobte . Der Historiker Jules Michelet bestätigte: „Unsere ganze Gesellschaft ist an Bord des Floßes der Medusa“.

Nicolas Sebastien Maillots Floß der Medusa, gezeigt im Salon Carré des Louvre , 1831, Louvre , zeigt Géricaults Floß , das neben Werken von Poussin , Lorrain , Rembrandt und Caravaggio hängt

Géricault hatte bewusst versucht, sowohl politisch als auch künstlerisch konfrontativ zu sein. Kritiker reagierten auf sein aggressives Vorgehen in gleicher Weise, und ihre Reaktionen waren entweder Abscheu oder Lob, je nachdem, ob die Sympathien des Autors die bourbonische oder die liberale Sichtweise begünstigten. Das Gemälde wurde als weitgehend sympathisch für die Männer auf dem Floß und damit als Erweiterung für die antiimperiale Sache angesehen, die von den Überlebenden Savigny und Corréard angenommen wurde . Die Entscheidung, einen schwarzen Mann an der Spitze der Komposition zu platzieren, war ein umstrittener Ausdruck von Géricaults abolitionistischen Sympathien. Die Kunstkritikerin Christine Riding hat spekuliert, dass die spätere Ausstellung des Gemäldes in London mit der dortigen Anti-Sklaverei-Agitation zusammenfallen sollte . Laut der Kunstkritikerin und Kuratorin Karen Wilkin fungiert Géricaults Gemälde als „zynische Anklage gegen die stümperhafte Verfehlung der postnapoleonischen Beamtenschaft Frankreichs, von der viele aus den überlebenden Familien des Ancien Régime rekrutiert wurden “.

1820 stellte Géricault das Gemälde erfolgreich in der Egyptian Hall in Piccadilly , London, aus.

Das Gemälde beeindruckte das Publikum im Allgemeinen, obwohl sein Thema viele abstieß, wodurch Géricault die öffentliche Anerkennung verweigerte, die er sich erhofft hatte. Am Ende der Ausstellung wurde das Gemälde von der Jury mit einer Goldmedaille ausgezeichnet, aber sie gaben dem Werk nicht das größere Prestige, um es für die nationale Sammlung des Louvre auszuwählen. Stattdessen erhielt Géricault einen Auftrag zum Thema „Heiliges Herz Jesu“ , den er heimlich Delacroix anbot, dessen fertiges Gemälde er dann als sein eigenes signierte. Géricault zog sich aufs Land zurück, wo er vor Erschöpfung zusammenbrach, und seine unverkauften Arbeiten wurden zusammengerollt und im Atelier eines Freundes aufbewahrt.

Géricault veranlasste, dass das Gemälde 1820 in London ausgestellt wurde, wo es vom 10. Juni bis Ende des Jahres in der Egyptian Hall von William Bullock in Piccadilly, London, gezeigt und von etwa 40.000 Besuchern besichtigt wurde. Die Aufnahme in London war positiver als in Paris, und das Gemälde wurde als Vertreter einer neuen Richtung in der französischen Kunst gefeiert . Es erhielt mehr positive Kritiken als bei seiner Ausstellung im Salon. Dies lag zum Teil an der Art der Ausstellung des Gemäldes: In Paris war es zunächst hoch im Salon Carré aufgehängt worden – ein Fehler, den Géricault erkannte, als er das Werk installiert sah –, aber in London wurde es nahe am Boden platziert. betont seine monumentale Wirkung. Es könnte auch andere Gründe für seine Popularität in England gegeben haben, darunter "ein gewisses Maß an nationaler Selbstbeweihräucherung", die Anziehungskraft des Gemäldes als grelle Unterhaltung und zwei Theaterunterhaltungen, die auf den Ereignissen auf dem Floß basierten, die mit der Ausstellung zusammenfielen und stark von Géricaults Darstellung entlehnt. Mit der Londoner Ausstellung verdiente Géricault fast 20.000 Francs, was seinem Anteil an den Besuchergebühren entsprach, und wesentlich mehr, als er erhalten hätte, wenn die französische Regierung das Werk von ihm gekauft hätte. Nach der Londoner Ausstellung brachte Bullock das Gemälde Anfang 1821 nach Dublin , aber die Ausstellung dort war weitaus weniger erfolgreich, zum großen Teil aufgrund einer konkurrierenden Ausstellung eines bewegenden Panoramas , "Das Wrack der Medusa" der Firma Marshall Brothers, das angeblich unter der Leitung eines der Überlebenden der Katastrophe gemalt worden sein soll.

Kopie des Werks von Pierre-Désiré Guillemet und Étienne-Antoine-Eugène Ronjat, Kopie in Originalgröße, 1859–60, 493 cm × 717 cm, Musée de Picardie, Amiens

Das Floß der Medusa wurde vom Kurator des Louvre, Comte de Forbin , gefördert , der es nach seinem Tod im Jahr 1824 von Géricaults Erben für das Museum kaufte. Das Gemälde dominiert heute die dortige Galerie. Die Bildunterschrift sagt uns, dass „der einzige Held in dieser ergreifenden Geschichte die Menschheit ist“.

Irgendwann zwischen 1826 und 1830 fertigte der amerikanische Künstler George Cooke (1793–1849) eine Kopie des Gemäldes in kleinerem Format an (130,5 x 196,2 cm; ungefähr 4 Fuß × 6 Fuß), die in Boston, Philadelphia, New, gezeigt wurde York und Washington, DC an Menschenmassen, die von der Kontroverse um den Schiffbruch wussten. Kritiken bevorzugten das Gemälde, das auch Theaterstücke, Gedichte, Aufführungen und ein Kinderbuch anregte. Es wurde von einem ehemaligen Admiral, Uriah Phillips, gekauft, der es 1862 der New York Historical Society überließ, wo es als von Gilbert Stuart falsch katalogisiert wurde und unzugänglich blieb, bis der Fehler 2006 nach einer Untersuchung von Nina Athanassoglou-Kallmyer aufgedeckt wurde , Professor für Kunstgeschichte an der University of Delaware . Die Konservierungsabteilung der Universität übernahm die Restaurierung des Werks.

Aufgrund der Verschlechterung des Zustands von Géricaults Original beauftragte der Louvre 1859–60 zwei französische Künstler, Pierre-Désiré Guillemet und Étienne-Antoine-Eugène Ronjat  [ fr ] , eine Kopie des Originals in voller Größe für Leihausstellungen anzufertigen.

Im Herbst 1939 wurde die Medusa in Erwartung des Kriegsausbruchs zum Abtransport aus dem Louvre verpackt. Ein Kulissenwagen der Comédie-Française transportierte das Gemälde in der Nacht zum 3. September nach Versailles. Einige Zeit später wurde die Medusa in das Château de Chambord verlegt, wo sie bis nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs verblieb.

Deutung und Vermächtnis

In seinem Beharren darauf, eine unangenehme Wahrheit darzustellen, war Das Floß der Medusa ein Meilenstein in der aufkommenden romantischen Bewegung in der französischen Malerei und „legte den Grundstein für eine ästhetische Revolution“ gegen den vorherrschenden neoklassizistischen Stil. Géricaults Kompositionsstruktur und Darstellung der Figuren sind klassisch, aber die kontrastierende Turbulenz des Themas stellt eine bedeutende Änderung in der künstlerischen Richtung dar und schafft eine wichtige Brücke zwischen neoklassizistischen und romantischen Stilen. Bis 1815 war Jacques-Louis David, damals im Exil in Brüssel, sowohl der führende Vertreter des Genres der populären Historienmalerei , das er perfektioniert hatte, als auch ein Meister des neoklassizistischen Stils. In Frankreich setzten sich sowohl die Historienmalerei als auch der neoklassizistische Stil durch die Arbeit von Antoine-Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres , François Gérard , Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Pierre-Narcisse Guérin – Lehrer von Géricault und Delacroix – fort andere Künstler, die den künstlerischen Traditionen von David und Nicolas Poussin verpflichtet blieben .

In seiner Einleitung zu The Journal of Eugène Delacroix schrieb Hubert Wellington über Delacroix' Meinung zum Zustand der französischen Malerei kurz vor dem Salon von 1819. Laut Wellington „Die seltsame Mischung aus Klassik und realistischer Sichtweise, die von der Disziplin auferlegt worden war Davids verlor nun sowohl die Lebhaftigkeit als auch das Interesse, der Meister selbst näherte sich seinem Ende und wurde nach Belgien verbannt, sein gelehrigster Schüler, Girodet, ein raffinierter und kultivierter Klassizist, schuf Bilder von erstaunlicher Kälte, Gérard, ein äußerst erfolgreicher Porträtmaler unter dem Imperium – einige von ihnen bewundernswert – schlossen sich der neuen Mode für große Geschichtsbilder an, aber ohne Begeisterung.

Das Floß der Medusa enthält die Gesten und den großen Maßstab der traditionellen Historienmalerei; Es zeigt jedoch eher gewöhnliche Menschen als Helden, die auf das sich entfaltende Drama reagieren. Géricaults Floß fehlt es ganz deutlich an einem Helden, und seine Malerei stellt keinen Grund dar, der über das bloße Überleben hinausgeht. Das Werk repräsentiert, mit den Worten von Christine Riding, „den Irrtum der Hoffnung und des sinnlosen Leidens und im schlimmsten Fall den grundlegenden menschlichen Überlebensinstinkt, der alle moralischen Erwägungen verdrängt und den zivilisierten Menschen in die Barbarei gestürzt hat“.

Die makellose Muskulatur der zentralen Figur, die dem Rettungsschiff zuwinkt, erinnert an die Neoklassik, unterscheidet sich jedoch durch den Naturalismus von Licht und Schatten, die Authentizität der Verzweiflung der Überlebenden und den emotionalen Charakter der Komposition von der klassizistischen Strenge. Es war eine weitere Abkehr von den religiösen oder klassischen Themen früherer Werke, da es zeitgenössische Ereignisse mit gewöhnlichen und unheroischen Figuren darstellte. Sowohl die Themenwahl als auch die gesteigerte Darstellung des dramatischen Moments sind typisch für die romantische Malerei – deutliche Hinweise darauf, wie weit sich Géricault von der vorherrschenden neoklassizistischen Bewegung entfernt hatte.

Hubert Wellington sagte, dass, während Delacroix ein lebenslanger Bewunderer von Gros war, die dominierende Begeisterung seiner Jugend für Géricault galt. Die dramatische Komposition von Géricault mit ihren starken Tonkontrasten und unkonventionellen Gesten regte Delacroix an, sich bei einem großen Werk auf seine eigenen kreativen Impulse zu verlassen. Delacroix sagte: "Géricault erlaubte mir, sein Floß der Medusa zu sehen, während er noch daran arbeitete." Der Einfluss des Gemäldes ist in Delacroix ' The Barque of Dante (1822) zu sehen und taucht als Inspiration in Delacroix 'späteren Werken wie The Shipwreck of Don Juan (1840) wieder auf .

Laut Wellington entspringt Delacroix' Meisterwerk von 1830, Die Freiheit führt das Volk , direkt aus Géricaults Das Floß der Medusa und Delacroix' eigenem Massaker von Chios . Wellington schrieb: „Während Géricault sein Interesse an tatsächlichen Details so weit trieb, dass er nach weiteren Überlebenden des Wracks als Modelle suchte, empfand Delacroix seine Komposition als Ganzes lebhafter, betrachtete seine Figuren und Menschenmassen als Typen und dominierte sie durch die Symbolfigur der republikanischen Freiheit, die eine seiner schönsten Plastikerfindungen ist."

Der Kunsthistoriker Albert Elsen glaubte, dass das Floß der Medusa und das Massaker von Delacroix in Chios die Inspiration für den grandiosen Schwung von Auguste Rodins monumentaler Skulptur Das Höllentor lieferten . Er schrieb: „Delacroix‘ Massaker von Chios und Géricaults Floß der Medusa konfrontierten Rodin in heldenhaftem Ausmaß mit den unschuldigen, namenlosen Opfern politischer Tragödien … Wenn Rodin inspiriert war, es mit Michelangelos Jüngstem Gericht aufzunehmen , hatte er Géricaults Floß der Medusa vor sich von ihm für die Ermutigung."

Während Gustave Courbet (1819–1877) als antiromantischer Maler bezeichnet werden könnte, sind seine Hauptwerke wie A Burial at Ornans (1849–50) und The Artist’s Studio (1855) The Raft of the Medusa zu verdanken . Der Einfluss liegt nicht nur in Courbets enormem Ausmaß, sondern auch in seiner Bereitschaft, einfache Menschen und aktuelle politische Ereignisse darzustellen und Menschen, Orte und Ereignisse in einer realen, alltäglichen Umgebung festzuhalten. Die Ausstellung 2004 im Clark Art Institute , Bonjour Monsieur Courbet: The Bruyas Collection from the Musee Fabre, Montpellier , versuchte , die realistischen Maler des 19 ) mit Künstlern der Romantik, darunter Géricault und Delacroix. Unter Berufung auf das Floß der Medusa als maßgeblichen Einfluss auf den Realismus zog die Ausstellung Vergleiche zwischen allen Künstlern. Der Kritiker Michael Fried sieht, dass Manet die Figur des Mannes, der seinen Sohn wiegt, direkt für die Komposition von Angels at the Tomb of Christ entlehnt .

Der Einfluss von Das Floß der Medusa wurde von Künstlern außerhalb Frankreichs gespürt. Francis Danby , ein in Irland geborener britischer Maler, ließ sich wahrscheinlich von Géricaults Bild inspirieren, als er 1824 „ Sonnenuntergang auf See nach einem Sturm “ malte , und schrieb 1829, „ Das Floß der Medusa “ sei „das schönste und großartigste historische Bild, das ich je gesehen habe ".

Das Thema der Meerestragödie wurde von JMW Turner (1775–1851) aufgegriffen, der wahrscheinlich wie viele englische Künstler Géricaults Gemälde sah, als es 1820 in London ausgestellt wurde. Sein A Disaster at Sea (um 1835) berichtet von einem ähnlichen Vorfall , diesmal eine britische Katastrophe, mit einem überfluteten Schiff und ebenfalls sterbenden Gestalten im Vordergrund. Eine farbige Person in den Mittelpunkt des Dramas zu stellen, wurde von Turner mit ähnlichen abolitionistischen Untertönen in seinem The Slave Ship (1840) wieder aufgegriffen.

The Gulf Stream (1899) des amerikanischen Künstlers Winslow Homer (1836–1910) repliziert die Komposition von The Raft of the Medusa mit einem beschädigten Schiff, das unheilvoll von Haien umgeben und von einer Wasserhose bedroht ist. Wie Géricault macht Homer einen Schwarzen zur zentralen Figur in der Szene, obwohl er hier der einzige Bewohner des Schiffes ist. Ein Schiff in der Ferne spiegelt den Argus aus Géricaults Gemälde wider. Der Übergang vom Drama der Romantik zum neuen Realismus wird durch die stoische Resignation von Homers Figur veranschaulicht. Der Zustand des Mannes, der in früheren Arbeiten vielleicht von Hoffnung oder Hilflosigkeit geprägt war, hat sich in „mürrische Wut“ verwandelt.

In den frühen 1990er Jahren stellte der Bildhauer John Connell in seinem Raft Project , einem Gemeinschaftsprojekt mit dem Maler Eugene Newmann, das Floß der Medusa nach, indem er lebensgroße Skulpturen aus Holz, Papier und Teer herstellte und sie auf ein großes Holzfloß stellte.

Der französische Kunsthistoriker Georges-Antoine Borias bemerkte den Kontrast zwischen den sterbenden Figuren im Vordergrund und den Figuren im Mittelgrund, die dem sich nähernden Rettungsschiff zuwinkten, und schrieb, dass Géricaults Gemälde „auf der einen Seite Verwüstung und Tod darstellt. Auf der anderen Hoffnung und Leben."

Für Kenneth Clark bleibt Das Floß der Medusa „das Hauptbeispiel für romantisches Pathos, das sich durch die Nacktheit ausdrückt; und diese Besessenheit vom Tod, die Géricault zu häufigen Leichenkammern und Orten öffentlicher Hinrichtungen trieb, gibt seinen Figuren der Toten die Wahrheit und Wahrheit die Sterbenden. Ihre Umrisse mögen den Klassikern entnommen sein, aber sie wurden wieder mit einem Verlangen nach gewalttätigen Erfahrungen gesehen.

Heute schmückt ein Bronze -Flachrelief des Floßes der Medusa von Antoine Étex Géricaults Grab auf dem Friedhof Père Lachaise in Paris.

Siehe auch

Zitate

Allgemeine und zitierte Referenzen

Externe Links

Externes Video
Video-Symbol Géricaults Floß der Medusa , Smarthistory an der Khan Academy