Das Frühlingsfest -The Rite of Spring

Le Sacre du printemps
Das Frühlingsopfer
Roerich Frühlingsopfer.jpg
Konzeptentwurf für Akt 1, Teil von Nicholas Roerichs Entwürfen für Djagilews Produktion von Le Sacre du printemps aus dem Jahr 1913
Einheimischer Titel Russisch: Весна священная , romanisiert:  Vesna svyashchennaya , lit. 'Heiliger Frühling'
Choreograph Waslaw Nijinsky
Musik Igor Strawinsky
Bezogen auf Heidnische Mythen
Premiere 29. Mai 1913 Théâtre des Champs-Élysées Paris ( 1913-05-29 )

Ursprüngliche Ballettkompanie Ballett Russen
Entwurf Nikolaus Rörich

Das Frühlingsopfer (französisch: Le Sacre du printemps ) ist ein Ballett- und Orchesterkonzertwerk des russischen Komponisten Igor Strawinsky . Es wurde für die Pariser Spielzeit 1913 von Sergei Djagilews Ballets Russes Company geschrieben; Die ursprüngliche Choreografie stammt von Vaslav Nijinsky mit Bühnenbildern und Kostümen von Nicholas Roerich . Als esam 29. Mai 1913 im Théâtre des Champs-Élysées uraufgeführt wurde, erregte der avantgardistische Charakter der Musik und Choreografie Aufsehen. Viele haben die Reaktion in der ersten Nacht als "Aufruhr" oder "Beinahe-Aufruhr" bezeichnet, obwohl diese Formulierung erst über ein Jahrzehnt später als Rezensionen späterer Aufführungen im Jahr 1924 zustande kam. Obwohl als Bühnenwerk konzipiert, mit spezifischen Passagen, die Charaktere und Handlung begleiten, erlangte die Musik als Konzertstück gleiche, wenn nicht größere Anerkennung und gilt weithin als eines der einflussreichsten Musikwerke des 20. Jahrhunderts.

Strawinsky war ein junger, praktisch unbekannter Komponist, als Diaghilev ihn rekrutierte, um Werke für die Ballets Russes zu schaffen. Le Sacre du printemps war nach dem gefeierten Firebird (1910) und Petrushka (1911) das dritte Großprojekt dieser Art. Das Konzept hinter dem Frühlingsopfer , das Roerich aus Strawinskys Grundidee entwickelt hat, wird durch seinen Untertitel „Bilder des heidnischen Russlands in zwei Teilen“ nahegelegt; Das Szenario zeigt verschiedene primitive Rituale zur Feier des Frühlingsanfangs, nach denen ein junges Mädchen als Opfer ausgewählt wird und sich zu Tode tanzt. Nach einem gemischten kritischen Empfang für seinen ursprünglichen Lauf und einer kurzen London-Tournee wurde das Ballett erst in den 1920er Jahren erneut aufgeführt, als eine von Léonide Massine choreografierte Version Nijinskys Original ersetzte, in dem nur acht Aufführungen stattfanden. Massine's war der Vorläufer vieler innovativer Produktionen unter der Regie der weltweit führenden Choreografen und erlangte weltweite Akzeptanz. In den 1980er Jahren wurde Nijinskys lange verschollen geglaubte Originalchoreographie vom Joffrey Ballet in Los Angeles rekonstruiert.

Strawinskys Partitur enthält für ihre Zeit viele neue Merkmale, darunter Experimente in Tonalität , Metrum , Rhythmus, Betonung und Dissonanz . Analysten haben in der Partitur eine bedeutende Verankerung in der russischen Volksmusik festgestellt , eine Beziehung, die Strawinsky tendenziell leugnete. Die Musik gilt als eines der ersten Werke der Moderne , beeinflusste viele der führenden Komponisten des 20. Jahrhunderts und ist eines der am häufigsten aufgenommenen Werke im klassischen Repertoire.

Hintergrund

Igor Strawinsky war der Sohn von Fjodor Strawinsky , dem Solo - Bassisten an der Kaiserlichen Oper , Sankt Petersburg, und Anna, geb. Kholodovskaya, einer kompetenten Amateursängerin und Pianistin aus einer alteingesessenen russischen Familie. Fjodors Verbindung mit vielen der führenden Persönlichkeiten der russischen Musik, darunter Rimski-Korsakow , Borodin und Mussorgski , bedeutete, dass Igor in einem intensiv musikalischen Elternhaus aufwuchs. 1901 begann Strawinsky ein Jurastudium an der Universität Sankt Petersburg und nahm gleichzeitig Privatunterricht in Harmonielehre und Kontrapunkt . Strawinsky arbeitete unter der Leitung von Rimsky-Korsakov, nachdem er ihn mit einigen seiner frühen kompositorischen Bemühungen beeindruckt hatte. Bis zum Tod seines Mentors im Jahr 1908 hatte Strawinsky mehrere Werke produziert, darunter eine Klaviersonate in f -Moll (1903–04), eine Symphonie in E -Dur (1907), die er als "Opus 1" katalogisierte. und ein kurzes Orchesterstück, Feu d'artifice ("Feuerwerk", komponiert 1908).

Strawinsky, gezeichnet von Picasso , 1920

1909 wurde Feu d'artifice bei einem Konzert in Sankt Petersburg aufgeführt. Unter den Zuhörern war auch der Impresario Sergei Diaghilev , der damals plante, russische Musik und Kunst dem westlichen Publikum vorzustellen. Diaghilev hatte wie Strawinsky zunächst Jura studiert, war aber über den Journalismus in die Theaterwelt geraten. 1907 begann er seine Theaterkarriere mit fünf Konzerten in Paris; im folgenden Jahr stellte er Mussorgskys Oper Boris Godunow vor . 1909, noch in Paris, lancierte er die Ballets Russes , zunächst mit Borodins Polovtsian Dances from Prince Igor und Rimsky-Korsakovs Scheherazade . Für die Präsentation dieser Arbeiten engagierte Diaghilev den Choreografen Michel Fokine , den Designer Léon Bakst und den Tänzer Vaslav Nijinsky . Diaghilev wollte jedoch neue Werke in einem unverwechselbaren Stil des 20. Jahrhunderts produzieren, und er suchte nach neuen kompositorischen Talenten. Nachdem er Feu d'artifice gehört hatte, wandte er sich an Strawinsky, zunächst mit der Bitte um Hilfe bei der Orchestrierung von Musik von Chopin , um neue Arrangements für das Ballett Les Sylphides zu schaffen . Strawinsky arbeitete am eröffnenden Nocturne in As-Dur und am abschließenden Grande valse brillante ; seine Belohnung war ein viel größerer Auftrag, die Musik für ein neues Ballett, Der Feuervogel ( L'oiseau de feu ) für die Spielzeit 1910 zu schreiben .

Strawinsky arbeitete den Winter 1909/10 in enger Zusammenarbeit mit Fokine, der The Firebird choreografierte . Während dieser Zeit lernte Strawinsky Nijinsky kennen, der, obwohl er nicht im Ballett tanzte, ein scharfer Beobachter seiner Entwicklung war. Strawinsky war unkomplimentär, als er seine ersten Eindrücke von dem Tänzer aufzeichnete, und bemerkte, dass er für sein Alter (er war 21) unreif und unbeholfen wirkte. Auf der anderen Seite fand Strawinsky Diaghilev eine Inspiration, "die Essenz einer großen Persönlichkeit". Der Feuervogel wurde am 25. Juni 1910 mit Tamara Karsavina in der Hauptrolle uraufgeführt und war ein großer Publikumserfolg. Dies stellte sicher, dass die Zusammenarbeit zwischen Diaghilev und Strawinsky fortgesetzt wurde, zunächst mit Petrushka (1911) und dann mit The Rite of Spring .

Inhalt und Aufbau

In einer Notiz an den Dirigenten Serge Koussevitzky im Februar 1914 beschrieb Strawinsky Le Sacre du printemps als „ein musikalisch-choreografisches Werk, das das heidnische Russland [repräsentiert] … vereint durch eine einzige Idee: das Geheimnis und die große Woge der schöpferischen Kraft von Frühling". In seiner Analyse von The Rite schreibt Pieter van den Toorn, dass dem Werk eine bestimmte Handlung oder Erzählung fehlt und es als eine Folge choreografierter Episoden betrachtet werden sollte.

Die französischen Titel sind in der Form des 1913 veröffentlichten vierstimmigen Klavierauszugs wiedergegeben. Es gab zahlreiche Varianten der englischen Übersetzungen; die gezeigten stammen aus der Ausgabe von 1967 der Partitur.

Inhalt und Aufbau
Folge englische Übersetzung Zusammenfassung
Teil I: L'Adoration de la Terre (Anbetung der Erde)
Einführung Einführung Bevor sich der Vorhang hebt, gleicht eine Orchestereinführung laut Strawinsky „einem Schwarm Quellpfeifen [ dudki ]“
Druckerei Les Augures Auguren des Frühlings Die Feier des Frühlings beginnt in den Hügeln. Eine alte Frau tritt ein und beginnt, die Zukunft vorauszusagen.
Jeu du rapt Ritual der Entführung Junge Mädchen kommen im Gänsemarsch vom Fluss her. Sie beginnen den "Tanz der Entführung".
Rondes printanières Frühlingsrunden Die jungen Mädchen tanzen Khorovod , die „Frühlingsrunden“.
Jeux des cités rivales Ritual der rivalisierenden Stämme Die Menschen teilen sich in zwei gegensätzliche Gruppen auf und beginnen das "Ritual der rivalisierenden Stämme".
Cortège du sage : Le Sage Prozession des Weisen: Der Weise Eine heilige Prozession führt zum Einzug der weisen Ältesten, angeführt vom Weisen, der die Spiele unterbricht und die Erde segnet.
Tanz der Erde Tanz der Erde Die Menschen brechen in einen leidenschaftlichen Tanz aus, heiligen und werden eins mit der Erde.
Teil II: Le Sacrifice (Das Opfer)
Einführung Einführung
Cercles mystérieux des adolescentes Mystische Kreise der jungen Mädchen Die jungen Mädchen verwickeln sich in mysteriöse Spiele und laufen im Kreis.
Glorification de l’élue Verherrlichung des Auserwählten Eines der jungen Mädchen wird vom Schicksal auserwählt, gerät zweimal in den ewigen Kreis und wird als „Auserwählte“ mit einem Kampftanz geehrt.
Evokation des Ancêtres Evokation der Vorfahren In einem kurzen Tanz beschwören die jungen Mädchen die Ahnen.
Action rituelle des ancêtres Rituelle Handlung der Vorfahren Der Auserwählte ist der Obhut der alten Weisen anvertraut.
Danse sacrale (L'Élue) Opfertanz Der Auserwählte tanzt in Anwesenheit der alten Männer im großen "Opfertanz" zu Tode.

Schaffung

Konzeption

Sergei Diaghilev , Direktor der Ballets Russes von 1909 bis 1929, gemalt von Léon Bakst

Lawrence Morton berichtet in einer Studie über die Ursprünge von The Rite , dass Strawinsky 1907–08 zwei Gedichte aus Sergey Gorodetskys Sammlung Yar vertonte . Ein weiteres Gedicht in der Anthologie, das Strawinsky nicht vertont, aber wahrscheinlich gelesen hat, ist „Yarila“, das, wie Morton bemerkt, viele der grundlegenden Elemente enthält, aus denen sich The Rite of Spring entwickelt hat, darunter heidnische Riten, weise Älteste und die Sühnopfer eines jungen Mädchens: "Die Ähnlichkeit ist zu nah, um zufällig zu sein". Strawinsky selbst gab widersprüchliche Berichte über die Entstehung von The Rite . In einem Artikel von 1920 betonte er, dass die musikalischen Ideen zuerst gekommen seien, dass die heidnische Vertonung eher von der Musik suggeriert worden sei als umgekehrt. In seiner Autobiografie von 1936 beschrieb er den Ursprung des Werks jedoch folgendermaßen: „Eines Tages [1910], als ich die letzten Seiten von L'Oiseau de Feu in Sankt Petersburg fertigstellte, hatte ich eine flüchtige Vision ... Ich sah in meiner Vorstellung ein feierlicher heidnischer Ritus: Weise Älteste saßen in einem Kreis und sahen zu, wie ein junges Mädchen sich zu Tode tanzte. Sie opferten sie, um den Gott des Frühlings zu besänftigen. Das war das Thema des Sacre du printemps .“

Im Mai 1910 diskutierte Strawinsky seine Idee mit Nicholas Roerich , dem führenden russischen Experten für Volkskunst und alte Rituale. Roerich war als Künstler und Mystiker bekannt und hatte die Bühnenbilder für Diaghilevs Inszenierung der Polowetzer Tänze von 1909 geliefert . Das Paar einigte sich schnell auf einen Arbeitstitel, „The Great Sacrifice“ (russisch: Velikaia zhertva ); Djagilew gab dem Werk seinen Segen, obwohl die Zusammenarbeit für ein Jahr auf Eis gelegt wurde, während Strawinsky mit seinem zweiten großen Auftrag für Djagilew, dem Ballett Petruschka , beschäftigt war .

Im Juli 1911 besuchte Strawinsky Talashkino in der Nähe von Smolensk , wo Roerich bei Prinzessin Maria Tenisheva , einer bekannten Kunstmäzenin und Sponsorin von Djagilews Zeitschrift World of Art , weilte . Hier vollendeten Strawinsky und Roerich über mehrere Tage die Struktur des Balletts. Thomas F. Kelly schlägt in seiner Geschichte der Rite -Premiere vor, dass das entstandene zweiteilige heidnische Szenario hauptsächlich von Roerich entwickelt wurde. Strawinsky erklärte später Nikolai Findeyzen, dem Herausgeber der Russian Musical Gazette , dass der erste Teil des Werks „Der Kuss der Erde“ heißen und aus Spielen und rituellen Tänzen bestehen würde, die von einer Prozession von Weisen unterbrochen würden , die ihren Höhepunkt in ein wilder Tanz, als die Menschen den Frühling umarmten. Teil zwei, „The Sacrifice“, hätte einen dunkleren Aspekt; geheime nächtliche Spiele der Jungfrauen, die zur Wahl einer für das Opfer und ihrem schließlichen Tanz bis zum Tod vor den Weisen führen. Der ursprüngliche Arbeitstitel wurde in „Heiliger Frühling“ (russisch: Vesna sviashchennaia ) geändert, allgemein bekannt wurde das Werk jedoch durch die französische Übersetzung Le Sacre du printemps oder sein englisches Äquivalent The Rite of Spring mit dem Untertitel „Pictures of Pagan Russia ".

Komposition

Erste Seite der handschriftlichen Partitur von Le Sacre du printemps

Strawinskys Skizzenbücher zeigen, dass er, nachdem er im September 1911 in seine Heimat Ustilug in der Ukraine zurückgekehrt war, an zwei Sätzen arbeitete, den „Augurs of Spring“ und den „Spring Rounds“. Im Oktober verließ er Ustilug für Clarens in der Schweiz, wo er in einem winzigen und spärlich eingerichteten Raum – einem 2,4 x 2,4 m großen Schrank mit nur einem gedämpften Klavier, einem Tisch und zwei Stühlen – lebte arbeitete den ganzen Winter 1911/12 an der Partitur. Bis März 1912 hatte Strawinsky gemäß der Chronologie des Skizzenbuchs Teil I fertiggestellt und einen Großteil von Teil II entworfen. Er bereitete auch eine zweihändige Klavierversion vor, die später verloren ging und mit der er das Werk möglicherweise im April 1912 Diaghilev und dem Ballet Russes-Dirigenten Pierre Monteux vorführte . Er fertigte auch ein vierhändiges Klavierarrangement an, das die erste veröffentlichte Version wurde von Le Sacre ; er und der Komponist Claude Debussy spielten im Juni 1912 die erste Hälfte davon zusammen.

Nach Djagilews Entscheidung, die Uraufführung auf 1913 zu verschieben, legte Strawinsky The Rite im Sommer 1912 beiseite. Er genoss die Pariser Spielzeit und begleitete Djagilew zu den Bayreuther Festspielen , um einer Aufführung des Parsifal beizuwohnen . Strawinsky nahm die Arbeit an The Rite im Herbst wieder auf; Aus den Skizzenbüchern geht hervor, dass er den Entwurf des letzten Opfertanzes am 17. November 1912 fertiggestellt hatte. Während der verbleibenden Wintermonate arbeitete er an der vollständigen Orchesterpartitur, die er signierte und mit „fertiggestellt in Clarens, 8. März 1913“ datierte. Er zeigte das Manuskript Maurice Ravel , der begeistert war und in einem Brief an einen Freund voraussagte, dass die Uraufführung von Le Sacre genauso wichtig sein würde wie die Uraufführung von Debussys Pelléas et Mélisande im Jahr 1902 . Nachdem die Orchesterproben Ende März begonnen hatten, machte Monteux den Komponisten auf mehrere Passagen aufmerksam, die Probleme verursachten: unhörbare Hörner, ein von Blechbläsern und Streichern übertöntes Flötensolo und mehrere Probleme mit der Balance zwischen den Instrumenten im Blechbläsersatz während Fortissimo- Episoden . Strawinsky änderte diese Passagen und überarbeitete und schrieb noch im April die letzten Takte des „Opfertanzes“ um. Die Überarbeitung der Partitur endete nicht mit der für die Uraufführung 1913 vorbereiteten Fassung; Vielmehr nahm Strawinsky in den nächsten 30 Jahren oder länger weiterhin Änderungen vor. Laut Van den Toorn wurde "[n] kein anderes Werk von Strawinsky einer solchen Reihe von Überarbeitungen nach der Premiere unterzogen".

Strawinsky räumte ein, dass die Eröffnungs-Fagottmelodie des Werks aus einer Anthologie litauischer Volkslieder stammte, behauptete jedoch, dass dies seine einzige Anleihe aus solchen Quellen sei; Wenn andere Elemente wie Volksmusik der Ureinwohner klangen, sei dies auf "einige unbewusste Volkserinnerungen" zurückzuführen. Morton hat jedoch mehrere weitere Melodien in Teil I identifiziert, die ihren Ursprung in der litauischen Sammlung haben. Kürzlich entdeckte Richard Taruskin in der Partitur eine angepasste Melodie aus einem der „Hundert russischen Nationallieder“ von Rimski-Korsakow. Taruskin weist auf das Paradox hin, dass The Rite , das allgemein als das revolutionärste der frühen Werke des Komponisten gilt, tatsächlich in den Traditionen der russischen Musik verwurzelt ist.

Realisierung

Nijinsky im Jahr 1911, dargestellt von John Singer Sargent im Kostüm für seine Rolle in Nikolai Tcherepnins Ballett Le Pavillon d'Armide

Taruskin hat eine Reihe von Quellen aufgelistet, die Roerich bei der Erstellung seiner Entwürfe konsultiert hat. Darunter befinden sich die Primary Chronicle , ein Kompendium früher heidnischer Bräuche aus dem 12. Jahrhundert, und Alexander Afanasyevs Studie über bäuerliche Folklore und heidnische Vorgeschichte. Die Kostümsammlung von Prinzessin Tenisheva war eine frühe Inspirationsquelle. Als die Entwürfe fertig waren, drückte Strawinsky seine Freude aus und erklärte sie zu „einem echten Wunder“.

Strawinskys Beziehung zu seinem anderen Hauptmitarbeiter Nijinsky war komplizierter. Diaghilev hatte entschieden, dass Nijinskys Genie als Tänzer sich in der Rolle des Choreografen und Ballettmeisters niederschlagen würde; er ließ sich nicht davon abbringen, als Nijinskys erster choreografischer Versuch, Debussys L'après-midi d'un faune , aufgrund der neuartigen stilisierten Bewegungen des Tänzers und seiner offen sexuellen Geste am Ende des Werks Kontroversen und fast einen Skandal auslöste. Aus der zeitgenössischen Korrespondenz geht hervor, dass Strawinsky Nijinskys Talent als Choreograf zumindest anfänglich mit Zustimmung betrachtete; Ein Brief, den er an Findeyzen schickte, lobt den "leidenschaftlichen Eifer und die völlige Selbstverleugnung" des Tänzers. In seinen Memoiren von 1936 schreibt Strawinsky jedoch, dass die Entscheidung, Nijinsky in dieser Rolle einzusetzen, ihn mit Besorgnis erfüllte; Obwohl er Nijinsky als Tänzer bewunderte, hatte er kein Vertrauen in ihn als Choreograf: "Der arme Junge wusste nichts von Musik. Er konnte sie weder lesen noch ein Instrument spielen". Noch später verspottete Strawinsky Nijinskys tanzende Mädchen als " X-Beine und langgeflochtene Lolitas ".

Strawinskys autobiografischer Bericht bezieht sich auf viele „schmerzhafte Zwischenfälle“ zwischen dem Choreografen und den Tänzern während der Probenzeit. Zu Beginn des Jahres 1913, als Nijinsky stark hinter dem Zeitplan zurückblieb, wurde Strawinsky von Diaghilev gewarnt, dass "wenn Sie nicht sofort hierher kommen ... der Sacre nicht stattfinden wird". Die Probleme wurden langsam überwunden, und als die letzten Proben im Mai 1913 stattfanden, schienen die Tänzer die Schwierigkeiten des Werks gemeistert zu haben. Selbst der skeptische Regisseur der Ballets Russes, Serge Grigoriev, war voll des Lobes für die Originalität und Dynamik von Nijinskys Choreographie.

Der Dirigent Pierre Monteux arbeitete seit 1911 mit Djagilew zusammen und leitete das Orchester bei der Uraufführung von Petruschka . Monteux' erste Reaktion auf The Rite , nachdem er Strawinsky eine Klavierversion spielen hörte, war, den Raum zu verlassen und sich eine ruhige Ecke zu suchen. Er zog Djagilew beiseite und sagte, er würde solche Musik niemals dirigieren; Diaghilev gelang es, seine Meinung zu ändern. Obwohl er seine Pflichten mit gewissenhafter Professionalität erfüllte, kam er nie dazu, die Arbeit zu genießen; Fast fünfzig Jahre nach der Uraufführung sagte er gegenüber Nachfragern, dass er es verabscheue. Im Alter sagte er zu Charles Reid, dem Biographen von Sir Thomas Beecham : „Ich mochte Le Sacre damals nicht. Ich habe es seitdem fünfzig Mal dirigiert. Am 30. März informierte Monteux Strawinsky über Änderungen, die er für notwendig an der Partitur hielt und die der Komponist alle umsetzte. Das Orchester, das hauptsächlich aus den Concerts Colonne in Paris stammte, umfasste 99 Spieler, viel mehr als normalerweise im Theater beschäftigt, und hatte Schwierigkeiten, in den Orchestergraben zu passen.

Nachdem der erste Teil des Balletts im März zwei vollständige Orchesterproben erhalten hatte, brachen Monteux und die Kompanie auf, um in Monte Carlo aufzutreten. Die Proben wurden wieder aufgenommen, als sie zurückkamen; Die ungewöhnlich große Anzahl von Proben - siebzehn ausschließlich mit Orchester und fünf mit den Tänzern - wurde in die vierzehn Tage vor der Eröffnung nach Strawinskys Ankunft in Paris am 13. Mai eingepasst. Die Musik enthielt so viele ungewöhnliche Notenkombinationen, dass Monteux die Musiker bitten musste, sie nicht mehr zu unterbrechen, wenn sie glaubten, Fehler in der Partitur gefunden zu haben, und sagte, er würde ihnen sagen, wenn etwas falsch gespielt wurde. Laut Doris Monteux "fanden es die Musiker absolut verrückt". An einer Stelle – einem Höhepunkt der Blechbläser im Fortissimo – brach das Orchester bei dem Klang in nervöses Gelächter aus, was Strawinsky dazu veranlasste, wütend einzugreifen.

Die Rolle des Opfers sollte von Nijinskys Schwester Bronislava Nijinska getanzt worden sein ; als sie während der Proben schwanger wurde, wurde sie durch die damals noch relativ unbekannte Maria Piltz ersetzt.

Aufführungsgeschichte und Rezeption

Premiere

Tänzer in den Originalkostümen von Nicholas Roerich. Von links: Julitska, Marie Rambert , Jejerska, Boni, Boniecka, Faithful

Das Pariser Théâtre des Champs-Élysées war eine neue Struktur, die am 2. April 1913 mit einem Programm eröffnet wurde, das die Werke vieler der führenden Komponisten der damaligen Zeit feierte. Der Leiter des Theaters, Gabriel Astruc , war fest entschlossen, die Spielzeit der Ballets Russes 1913 zu beherbergen, und zahlte Diaghilev die hohe Summe von 25.000 Franken pro Aufführung, doppelt so viel wie im Vorjahr. Das Programm für den 29. Mai 1913 umfasste neben der Strawinsky-Premiere Les Sylphides , Webers Le Spectre de la Rose und Borodins Polovtsian Dances . Der Ticketverkauf für den Abend, bei einer Premiere verdoppelte sich der Ticketpreis, belief sich auf 35'000 Franken. In Anwesenheit von Pressevertretern und geladenen Gästen fand eine Generalprobe statt. Laut Strawinsky verlief alles friedlich. Der Kritiker von L'Écho de Paris , Adolphe Boschot , sah jedoch möglichen Ärger voraus; Er fragte sich, wie die Öffentlichkeit die Arbeit aufnehmen würde, und schlug vor, dass sie möglicherweise schlecht reagieren würden, wenn sie glaubten, verspottet zu werden.

Am Abend des 29. Mai berichtete Gustav Linor: "Noch nie ... war der Saal so voll und so prächtig; die Treppen und Korridore waren überfüllt mit Zuschauern, die begierig darauf waren, zu sehen und zu hören." Der Abend begann mit Les Sylphides , in dem Nijinsky und Karsavina die Hauptrollen tanzten. Le Sacre folgte. Einige Augenzeugen und Kommentatoren sagten, dass die Unruhen im Publikum während der Einführung begannen und lauter wurden, als sich der Vorhang zu den stampfenden Tänzern in "Augurs of Spring" hob. Aber Taruskin behauptet, "es war nicht Strawinskys Musik, die den Schock ausgelöst hat. Es war das hässliche, erdgebundene Taumeln und Stampfen, das von Vaslav Nijinsky entwickelt wurde." Marie Rambert , die als Assistentin von Nijinsky arbeitete, erinnerte sich später, dass es bald unmöglich war, die Musik auf der Bühne zu hören. In seiner Autobiographie schreibt Strawinsky, dass ihn das spöttische Gelächter, das die ersten Takte der Einführung begrüßte, anwiderte und dass er den Zuschauerraum verließ, um den Rest der Aufführung von den Bühnenflügeln aus zu verfolgen. Die Demonstrationen, sagt er, wuchsen zu "einem schrecklichen Aufruhr", der zusammen mit den Geräuschen auf der Bühne die Stimme von Nijinsky übertönte, der den Tänzern die Schrittzahlen zubrüllte. Zwei Jahre nach der Premiere behauptete der Journalist und Fotograf Carl Van Vechten in seinem Buch Music After the Great War , dass die Person hinter ihm vor Aufregung mitgerissen wurde und "begann, mit seinen Fäusten rhythmisch auf meinen Kopf zu schlagen". 1916 gab Van Vechten in einem erst 2013 veröffentlichten Brief zu, dass er neben anderen Tatsachenänderungen tatsächlich an der zweiten Nacht teilgenommen hatte.

Die New York Times berichtete neun Tage nach dem Ereignis von der sensationellen Premiere.

Zu dieser Zeit bestand das Pariser Ballettpublikum typischerweise aus zwei unterschiedlichen Gruppen: der wohlhabenden und modischen Gruppe, die erwartete, eine traditionelle Aufführung mit schöner Musik zu sehen, und einer "bohemischen" Gruppe, die, wie der Dichter-Philosoph Jean Cocteau behauptete, würden "richtig oder falsch alles, was neu ist, wegen ihres Hasses auf die Kisten anerkennen". Monteux glaubte, dass die Probleme begannen, als die beiden Fraktionen begannen, sich gegenseitig anzugreifen, aber ihre gegenseitige Wut wurde bald auf das Orchester umgeleitet: "Alles Verfügbare wurde in unsere Richtung geworfen, aber wir spielten weiter." Etwa vierzig der schlimmsten Straftäter wurden ausgewiesen – möglicherweise mit Intervention der Polizei, obwohl dies nicht bestätigt ist. Trotz aller Störungen ging die Aufführung ohne Unterbrechung weiter. Die Unruhe ging während Teil II deutlich zurück, und einigen Berichten zufolge wurde Maria Piltz' Aufführung des abschließenden "Opfertanzes" in angemessener Stille beobachtet. Am Ende gab es mehrere Vorhangrufe für die Tänzer, für Monteux und das Orchester sowie für Strawinsky und Nijinsky, bevor das Abendprogramm fortgesetzt wurde.

Zu den feindseligeren Pressekritiken gehörte der Kritiker von Le Figaro , Henri Quittard , der das Werk „eine mühselige und kindische Barbarei“ nannte und hinzufügte: „Es tut uns leid, dass sich ein Künstler wie M. Strawinsky in dieses beunruhigende Abenteuer einmischt.“ . Andererseits fand Gustav Linor, der in der führenden Theaterzeitschrift Comœdia schrieb, die Aufführung hervorragend, insbesondere die von Maria Piltz; Die Unruhen waren zwar bedauerlich, aber lediglich "eine rauflustige Debatte" zwischen zwei ungezogenen Fraktionen. Emile Raudin von Les Marges , der die Musik kaum gehört hatte, schrieb: „Könnten wir M. Astruc nicht bitten, ... eine Aufführung für wohlmeinende Zuschauer beiseite zu legen? ... Wir könnten zumindest vorschlagen, die zu räumen weibliches Element“. Der Komponist Alfredo Casella war der Ansicht, dass die Demonstrationen eher auf Nijinskys Choreografie als auf die Musik abzielten, eine Ansicht, die der Kritiker Michel-Dimitri Calvocoressi teilte , der schrieb: „Die Idee war ausgezeichnet, wurde aber nicht erfolgreich durchgeführt“. Calvocoressi konnte keine direkte Feindseligkeit gegenüber dem Komponisten beobachten – im Gegensatz, wie er sagte, bei der Uraufführung von Debussys Pelléas et Mélisande im Jahr 1902. Spätere Berichte, dass der erfahrene Komponist Camille Saint-Saëns aus der Uraufführung gestürmt sei, bemerkte Strawinsky, dass dies unmöglich sei ; Saint-Saëns nahm nicht teil. Strawinsky wies auch Cocteaus Geschichte zurück, dass Strawinsky, Nijinsky, Diaghilev und Cocteau selbst nach der Aufführung ein Taxi zum Bois de Boulogne nahmen, wo ein tränenüberströmter Diaghilev Gedichte von Puschkin rezitierte . Strawinsky erinnerte sich lediglich an ein festliches Abendessen mit Diaghilev und Nijinsky, bei dem der Impresario seine volle Zufriedenheit mit dem Ergebnis zum Ausdruck brachte. An Maximilien Steinberg, einen ehemaligen Mitschüler von Rimsky-Korsakov, schrieb Strawinsky, Nijinskys Choreografie sei „unvergleichlich gewesen: Bis auf wenige Stellen war alles so, wie ich es wollte“.

Anfänglicher Lauf und frühe Wiederbelebungen

Der Premiere folgten fünf weitere Aufführungen von Le Sacre du printemps im Théâtre des Champs-Élysées, die letzte am 13. Juni. Obwohl diese Anlässe relativ friedlich verliefen, blieb etwas von der Stimmung der ersten Nacht; der Komponist Giacomo Puccini , der die zweite Aufführung am 2. Juni besuchte, beschrieb die Choreografie als lächerlich und die Musik kakophonisch – „das Werk eines Verrückten. Das Publikum zischte, lachte – und applaudierte“. Strawinsky, der durch Typhus ans Bett gefesselt war, trat dem Ensemble nicht bei, als es für vier Vorstellungen im Theatre Royal, Drury Lane, nach London ging . Bei der Überprüfung der Londoner Produktion war der Kritiker der Times beeindruckt, wie verschiedene Elemente des Werks zusammenkamen, um ein kohärentes Ganzes zu bilden, war jedoch weniger begeistert von der Musik selbst und meinte, Strawinsky habe Melodie und Harmonie vollständig dem Rhythmus geopfert: „Wenn M. Strawinsky wirklich primitiv sein wollte, wäre er klug gewesen, ... sein Ballett nur für Schlagzeug zu komponieren". Der Balletthistoriker Cyril Beaumont kommentierte die "langsamen, ungehobelten Bewegungen" der Tänzer und stellte fest, dass diese "in völligem Widerspruch zu den Traditionen des klassischen Balletts stehen".

Léonide Massine , die die Wiederaufnahme von 1920 choreografierte

Nach dem Eröffnungslauf in Paris und den Aufführungen in London verschworen sich die Ereignisse, um weitere Aufführungen des Balletts zu verhindern. Nijinskys Choreografie, die Kelly als „so auffällig, so empörend, so zerbrechlich in Bezug auf ihre Erhaltung“ beschreibt, tauchte erst wieder auf, als in den 1980er Jahren versucht wurde, sie zu rekonstruieren. Am 19. September 1913 heiratete Nijinsky Romola de Pulszky , während die Ballets Russes ohne Diaghilev in Südamerika auf Tournee waren. Als Diaghilev herausfand, war er verstört und wütend, dass sein Geliebter geheiratet hatte, und entließ Nijinsky. Diaghilev war dann gezwungen, Fokine wieder einzustellen, der 1912 zurückgetreten war, weil Nijinsky gebeten worden war, Faune zu choreografieren . Fokine machte es zur Bedingung seiner Wiedereinstellung, dass keine von Nijinskys Choreografien aufgeführt würden. In einem Brief an den Kunstkritiker und Historiker Alexandre Benois schrieb Strawinsky: „[D]ie Möglichkeit, etwas Wertvolles auf dem Gebiet des Tanzes zu sehen, und, was noch wichtiger ist, diesen meiner Nachkommen wiederzusehen, ist seit einiger Zeit vorbei“.

Mit der Unterbrechung nach dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs im August 1914 und der Zerstreuung vieler Künstler war Diaghilev bereit, Nijinsky sowohl als Tänzer als auch als Choreograf wieder zu engagieren, aber Nijinsky war in Ungarn als feindlicher russischer Staatsbürger unter Hausarrest gestellt worden . Diaghilev handelte 1916 seine Freilassung für eine Tournee in den Vereinigten Staaten aus, aber die geistige Gesundheit des Tänzers verschlechterte sich stetig und er nahm nach 1917 nicht mehr am professionellen Ballett teil erinnerte sich an die Choreographie. Nachdem er die meisten Kriegsjahre in der Schweiz verbracht hatte und nach der Russischen Revolution von 1917 dauerhaft aus seiner Heimat verbannt worden war , nahm Strawinsky nach Kriegsende seine Partnerschaft mit Diaghilev wieder auf. Im Dezember 1920 dirigierte Ernest Ansermet eine neue Produktion in Paris, choreografiert von Léonide Massine , wobei die Entwürfe von Nicholas Roerich beibehalten wurden; die Haupttänzerin war Lydia Sokolova . In seinen Memoiren äußert sich Strawinsky zweideutig über die Massine-Produktion; der junge Choreograf, schreibt er, zeige „unbestreitbares Talent“, aber seine Choreografie habe etwas „Aufgezwungenes und Künstliches“, dem die notwendige organische Beziehung zur Musik fehle. Sokolova erinnerte sich in ihrem späteren Bericht an einige der Spannungen im Zusammenhang mit der Produktion, als Strawinsky "einen Gesichtsausdruck trug, der hundert auserwählte Jungfrauen erschreckt hätte und den Mittelgang auf und ab tänzelte", während Ansermet das Orchester probte.

Spätere Choreographien

Das Ballett wurde erstmals am 11. April 1930 in den Vereinigten Staaten gezeigt, als Massines Version von 1920 vom Philadelphia Orchestra in Philadelphia unter Leopold Stokowski aufgeführt wurde, wobei Martha Graham die Rolle der Auserwählten tanzte. Die Produktion zog nach New York, wo Massine erleichtert feststellte, dass das Publikum empfänglich war, ein Zeichen, dachte er, dass die New Yorker endlich begannen, Ballett ernst zu nehmen. Die erste von Amerika entworfene Produktion war 1937 die des Modern Dance- Exponenten Lester Horton , dessen Version die ursprüngliche heidnische russische Kulisse durch einen Wildwest- Hintergrund und die Verwendung von Tänzen der amerikanischen Ureinwohner ersetzte.

Das Bolschoi-Theater in Moskau, wo die Inszenierung von The Rite aus dem Jahr 1965 von einem Kritiker als „sowjetische Propaganda vom Feinsten“ beschrieben wurde

1944 begann Massine eine neue Zusammenarbeit mit Roerich, der vor seinem Tod 1947 eine Reihe von Skizzen für eine neue Produktion fertigstellte, die Massine 1948 an der Mailänder Scala verwirklichte . Dies kündigte eine Reihe bedeutender europäischer Produktionen der Nachkriegszeit an. Mary Wigman in Berlin (1957) folgte Horton, indem sie die erotischen Aspekte des Jungfrauenopfers hervorhob, ebenso wie Maurice Béjart in Brüssel (1959). Béjarts Darstellung ersetzte das kulminierende Opfer durch eine Darstellung dessen, was der Kritiker Robert Johnson als "zeremoniellen Koitus" bezeichnet. Die Produktion des Royal Ballet aus dem Jahr 1962 , choreographiert von Kenneth MacMillan und gestaltet von Sidney Nolan , wurde am 3. Mai uraufgeführt und war ein kritischer Triumph. Es ist seit mehr als 50 Jahren im Repertoire des Unternehmens; Nach seiner Wiederbelebung im Mai 2011 bezeichnete der Kritiker des Daily Telegraph , Mark Monahan, es als eine der größten Errungenschaften des Royal Ballet. Moskau sah The Rite erstmals 1965 in einer Version, die von Natalia Kasatkina und Vladimir Vasiliev für das Bolschoi-Ballett choreografiert wurde . Diese Produktion wurde vier Jahre später in Leningrad im Maly Opera Theatre gezeigt und führte eine Handlung ein, die dem Auserwählten einen Liebhaber lieferte, der sich nach dem Opfer an den Ältesten rächt. Johnson beschreibt die Produktion als "ein Produkt des staatlichen Atheismus ... sowjetische Propaganda vom Feinsten".

Tanztheater Wuppertal in der Inszenierung von Pina Bausch

1975 erregte die moderne Tanzchoreografin Pina Bausch , die das Ballett der Wuppertaler Bühnen zum Tanztheater Wuppertal umwandelte , mit ihrer schroffen Darstellung auf einer erdbedeckten Bühne, in der der Auserwählte zur Befriedigung des Tanzes geopfert wird, Aufsehen in der Tanzwelt Frauenfeindlichkeit der umliegenden Männer. Am Ende, so Luke Jennings von The Guardian , „ist die Besetzung verschwitzt, schmutzig und keucht hörbar“ . Ein Teil dieses Tanzes kommt im Film Pina vor . Bauschs Version wurde auch von zwei Ballettkompanien, dem Paris Opera Ballet und dem English National Ballet , getanzt . In Amerika verwendete Paul Taylor 1980 Strawinskys vierhändige Klavierversion der Partitur als Hintergrund für ein Szenario, das auf Bildern von Kindermorden und Gangsterfilmen basierte. Im Februar 1984 nahm Martha Graham, in ihrem 90. Lebensjahr, ihre Zusammenarbeit mit The Rite wieder auf, indem sie eine neue Produktion am New York State Theatre choreografierte . Der Kritiker der New York Times erklärte die Aufführung zu "einem Triumph ... völlig elementar, so ursprünglich im Ausdruck grundlegender Emotionen wie jede Stammeszeremonie, so eindringlich inszeniert in seiner absichtlichen Trostlosigkeit wie reich an Implikationen".

Am 30. September 1987 führte das Joffrey Ballet in Los Angeles The Rite auf, basierend auf einer Rekonstruktion von Nijinskys Choreografie von 1913, die bis dahin als unwiderruflich verloren galt. Die Aufführung resultierte aus jahrelanger Recherche, vor allem von Millicent Hodson, die die Choreographie aus den Original-Prompt-Büchern, zeitgenössischen Skizzen und Fotografien sowie den Erinnerungen von Marie Rambert und anderen Überlebenden zusammensetzte. Hodsons Version wurde seitdem vom Kirow-Ballett im Jahr 2003 im Mariinsky-Theater und später in diesem Jahr in Covent Garden aufgeführt. In der Saison 2012/13 gab das Joffrey Ballet an zahlreichen Veranstaltungsorten Auftritte zum hundertjährigen Jubiläum, darunter vom 5. bis 6. März 2013 an der University of Texas , am 14. März 2013 an der University of Massachusetts und vom 17. bis 18. August 2013 mit dem Cleveland Orchestra .

Die Musikverlage Boosey & Hawkes schätzen, dass das Ballett seit seiner Uraufführung Gegenstand von mindestens 150 Produktionen war, von denen viele zu Klassikern geworden sind und weltweit aufgeführt wurden. Zu den radikaleren Interpretationen gehört Glen Tetleys Version von 1974, in der der Auserwählte ein junger Mann ist. In jüngerer Zeit gab es Solo-Dance-Versionen von Molissa Fenley und Javier de Frutos und eine Punkrock-Interpretation von Michael Clark . Der Film 2004 Rhythm Is It! dokumentiert ein Projekt des Dirigenten Simon Rattle mit den Berliner Philharmonikern und dem Choreografen Royston Maldoom , eine Aufführung des Balletts mit einer Besetzung von 250 Kindern aus Berlins öffentlichen Schulen aus 25 Ländern zu inszenieren. In Rites (2008) von The Australian Ballet in Zusammenarbeit mit dem Bangarra Dance Theatre werden die Wahrnehmungen der Ureinwohner der Elemente Erde, Luft, Feuer und Wasser vorgestellt.

Konzertauftritte

Am 18. Februar 1914 erhielt The Rite seine erste konzertante Aufführung (die Musik ohne Ballett) in Sankt Petersburg unter Serge Koussevitzky . Am 5. April desselben Jahres erlebte Strawinsky im Casino de Paris selbst den Publikumserfolg von Le Sacre als Konzertwerk. Nach der Aufführung, wiederum unter Monteux, wurde der Komponist auf den Schultern seiner Bewunderer triumphierend aus dem Saal getragen. The Rite hatte seine erste britische Konzertaufführung am 7. Juni 1921 in der Queen's Hall in London unter Eugene Goossens . Seine amerikanische Uraufführung fand am 3. März 1922 statt, als Stokowski es in ein Programm des Philadelphia Orchestra aufnahm. Goossens war auch verantwortlich für die Einführung von The Rite in Australien am 23. August 1946 in der Sydney Town Hall als Gastdirigent des Sydney Symphony Orchestra .

Strawinsky dirigierte das Werk erstmals 1926 in einem Konzert des Concertgebouw Orchestra in Amsterdam; zwei Jahre später brachte er es für zwei Aufführungen unter seiner Leitung in den Salle Pleyel in Paris. Über diese Gelegenheiten schrieb er später, dass "ich dank der Erfahrung, die ich mit allen Arten von Orchestern gesammelt hatte, ... einen Punkt erreicht hatte, an dem ich genau das bekommen konnte, was ich wollte, wie ich es wollte". Kommentatoren sind sich weitgehend einig, dass das Werk im Konzertsaal eine größere Wirkung hatte als auf der Bühne; Viele von Strawinskys Überarbeitungen der Musik wurden eher für den Konzertsaal als für das Theater vorgenommen. Das Werk ist zu einem festen Bestandteil des Repertoires aller führenden Orchester geworden und wurde von Leonard Bernstein als „das wichtigste Musikstück des 20. Jahrhunderts“ bezeichnet.

1963, 50 Jahre nach der Uraufführung, erklärte sich Monteux (damals 88 Jahre alt) bereit, eine Gedenkaufführung in der Londoner Royal Albert Hall zu dirigieren . Laut Isaiah Berlin , einem engen Freund des Komponisten, teilte Strawinsky ihm mit, dass er nicht die Absicht habe, zu hören, wie seine Musik „von diesem schrecklichen Schlächter ermordet“ wird. Stattdessen arrangierte er Karten für die Aufführung von Mozarts Oper Die Hochzeit des Figaro an diesem bestimmten Abend in Covent Garden . Auf Druck seiner Freunde wurde Strawinsky überredet, die Oper nach dem ersten Akt zu verlassen. Er kam gerade in der Albert Hall an, als die Aufführung von The Rite zu Ende ging; Komponist und Dirigent umarmten sich herzlich vor dem ahnungslosen, wild jubelnden Publikum. Monteux‘ Biograf John Canarina liefert bei dieser Gelegenheit eine andere Sichtweise und hält fest, dass Strawinsky am Ende des Abends behauptet hatte, dass „Monteux, fast allein unter den Dirigenten, Rite nie herabgesetzt oder seinen eigenen Ruhm darin gesucht hat, und er spielte es weiter sein ganzes Leben lang mit größter Treue".

Musik

Allgemeiner Charakter

Kommentatoren haben die Musik von The Rite oft in lebhaften Worten beschrieben; Paul Rosenfeld schrieb 1920 darüber, "mit dem Rhythmus von Motoren, Wirbeln und Spiralen wie Schrauben und Schwungräder zu hämmern, zu schleifen und zu kreischen wie sich bearbeitendes Metall". In einer neueren Analyse bezieht sich der Kritiker der New York Times , Donal Henahan , auf "großartige knirschende, knurrende Akkorde von den Blechbläsern und donnernde Schläge von den Pauken". Der Komponist Julius Harrison erkannte die Einzigartigkeit des Werks negativ an: Es demonstrierte Strawinskys "Abscheu vor allem, wofür Musik in diesen vielen Jahrhunderten gestanden hat ... alle menschlichen Bemühungen und Fortschritte werden beiseite gefegt, um Platz für abscheuliche Klänge zu schaffen".

In The Firebird hatte Strawinsky begonnen, mit Bitonalität (der Verwendung von zwei verschiedenen Tonarten gleichzeitig) zu experimentieren. Er hat diese Technik in Petrushka weitergeführt, aber ihre volle Wirkung für The Rite reserviert , wo er, wie der Analytiker EW White erklärt, "sie bis zu ihrem logischen Ende trieb". White beobachtet auch den komplexen metrischen Charakter der Musik mit Kombinationen aus Zweier- und Dreiertakt , in denen ein starker unregelmäßiger Takt durch kraftvolle Percussion betont wird. Der Musikkritiker Alex Ross hat den unregelmäßigen Prozess beschrieben, bei dem Strawinsky traditionelles russisches Volksmaterial adaptierte und in die Partitur aufnahm. Er "ging daran, sie in motivische Stücke zu pulverisieren, sie in Schichten zu stapeln und sie in kubistischen Collagen und Montagen wieder zusammenzusetzen".

Die Dauer der Arbeit beträgt etwa 35 Minuten.

Instrumentierung

Die Partitur erfordert ein großes Orchester bestehend aus den folgenden Instrumenten.

Trotz des großen Orchesters ist ein Großteil der Partitur kammermusikalisch geschrieben, wobei einzelne Instrumente und kleine Gruppen unterschiedliche Rollen spielen.

Teil I: Die Anbetung der Erde

\relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"Fagott" \clef Diskant \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Lento" 4 = 50 \stemDown c4\fermata(_"solo ad lib." \grace { b16[( c] } bge b' \times 2/3 { a8)\fermata } }

Die Eröffnungsmelodie wird von einem Solofagott in sehr hoher Lage gespielt, was das Instrument fast unidentifizierbar macht; nach und nach erklingen andere Holzblasinstrumente und werden schließlich von Streichern begleitet. Der Sound baut sich auf, bevor er plötzlich stoppt, sagt Hill, „gerade als er ekstatisch in Blüte ausbricht“. Dann folgt eine Wiederholung des einleitenden Fagottsolos, das jetzt einen Halbton tiefer gespielt wird.

{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c' { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef treble \key ees \major \time 2/4 \tempo "Tempo giusto" 2 = 50 <ees des bes g>8\downbow[ <ees des bes g>\downbow <ees des bes g>\downbow <ees des bes g>\downbow] } \new Staff \relative c { \override DynamicText.X-offset = #-4 \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #3.5 \set Staff.midiInstrument = #"cello" \clef bass \key ees \major \time 2/4 <fes ces aes fes>8^\f\downbow[ <fes ces aes fes>\downbow <fes ces aes fes>\downbow <fes ces aes fes>\downbow] } >> }

Der erste Tanz, „Augurs of Spring“, zeichnet sich durch einen sich wiederholenden Stampfakkord in den Hörnern und Streichern aus, basierend auf der E -Dominante 7, die einem Dreiklang aus E, G♯ und H überlagert ist . Weiß schlägt diese bitonale Kombination vor, die Strawinsky das als Mittelpunkt des gesamten Werks gilt, wurde am Klavier entwickelt, da die konstituierenden Akkorde für die Hände auf einer Tastatur bequem passen. Der Rhythmus des Stampfens wird durch Strawinskys ständige Akzentverschiebungen auf und neben dem Takt gestört, bevor der Tanz wie vor Erschöpfung in einem Zusammenbruch endet. Alex Ross hat das Muster (kursiv = rhythmische Akzente) wie folgt zusammengefasst:

eins zwei drei vier fünf sechs sieben acht
eins zwei drei vier fünf sechs sieben acht
eins zwei drei vier fünf sechs sieben acht
eins zwei drei vier fünf sechs sieben acht

Laut Roger Nichols "scheint es auf den ersten Blick kein Muster in der Verteilung der Akzente auf die stampfenden Akkorde zu geben. Wenn wir die anfängliche Achtel von Takt 1 als natürlichen Akzent nehmen, haben wir für den ersten Ausbruch die folgenden Achtelgruppen: 9, 2, 6 , 3, 4, 5, 3. Diese scheinbar zufälligen Zahlen machen jedoch Sinn, wenn man sie in zwei Gruppen aufteilt:

9 6 4 3
2 3 5

Es ist klar, dass die obere Linie abnimmt, die untere Linie zunimmt, und zwar durch abnehmende und zunehmende Beträge ... Ob Strawinsky sie so ausgearbeitet hat, werden wir wahrscheinlich nie erfahren. Aber die Art und Weise, wie zwei verschiedene rhythmische ‚Ordnungen‘ sich gegenseitig stören, um ein scheinbares Chaos zu erzeugen, ist … eine typisch Strawinsky’sche Vorstellung.“

Das folgende "Ritual of Abduction" wird von Hill als "die schrecklichste aller musikalischen Jagden" beschrieben. Es endet in einer Reihe von Flötentriller, die die „Frühlingsrunden“ einleiten, in denen ein langsames und mühsames Thema allmählich zu einem dissonanten Fortissimo aufsteigt, einer „grässlichen Karikatur“ der Hauptmelodie der Episode.

\relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"Tuba" \clef Diskant \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Molto allegro" 4 = 166 gis2.  g4 |  gis2.  g4 |  gis2.  fis4 |  gis ais cis ais }

Zu Beginn des „Ritual of the Rival Tribes“ überwiegen Blechbläser und Schlagzeug. Auf Tenor- und Basstuben erklingt eine Melodie, die nach vielen Wiederholungen zum Einzug der Prozession des Weisen führt. Die Musik kommt dann praktisch zum Stillstand, „frei von Farbe gebleicht“ (Hill), während der Weise die Erde segnet. Dann beginnt der „Tanz der Erde“, der Teil I mit einer Reihe von Sätzen äußerster Kraft beendet, die abrupt in dem endet, was Hill als „stumpfe, brutale Amputation“ bezeichnet.

Teil II: Das Opfer

\relative c'''' { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef treble \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Largo" 4 = 48 a4~\flageolet( a8\flageolet g\flageolet) a4( \flageolet e8\flageolet d\flageolet) |  \time 2/4 g4(\flageolet e)\flageolet }
Skizzen von Maria Piltz bei der Aufführung des Opfertanzes

Teil II hat einen größeren Zusammenhalt als sein Vorgänger. Hill beschreibt die Musik so, dass sie einem Bogen folgt, der sich vom Beginn der Einführung bis zum Abschluss des letzten Tanzes erstreckt. Holzbläser und gedämpfte Trompeten spielen in der gesamten Einleitung eine herausragende Rolle, die mit einer Reihe ansteigender Kadenzen der Streicher und Flöten endet. Der Übergang in die "Mystic Circles" ist fast unmerklich; das Hauptthema des Abschnitts wurde in der Einleitung vorgezeichnet. Ein laut wiederholter Akkord, den Berger mit einem Ordnungsruf vergleicht, kündigt den Moment der Wahl des Opfers an. Die „Verherrlichung des Auserwählten“ ist kurz und heftig; in der darauffolgenden „Evokation der Ahnen“ werden kurze Phrasen von Trommelwirbeln durchsetzt. Die „Rituale Handlung der Vorfahren“ beginnt leise, baut sich aber langsam zu einer Reihe von Höhepunkten auf, bevor sie plötzlich in die ruhigen Sätze abfällt, mit denen die Episode begann.

{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef treble \tempo 8 = 126 \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #4 \time 3/16 r16 < dca fis d>-!  r16\fermata |  \time 2/16 r <dca fis d>-!  \time 3/16 r <dca fis d>8-!  |  r16 <dca fis d>8-!  |  \time 2/8 <dca fis>16-!  <ec bes g>->-![ <cis b aes f>-!  <ca fis ees>-!] } \new Staff \relative c { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef bass \time 3/16 d,16-!  <bes'' ees,>^\f-!  r\fermata |  \time 2/16 <d,, d,>-!  <bes'' ees,>-!  |  \time 3/16 d16-!  <ees cis>8-!  |  r16 <ees cis>8-!  |  \time 2/8 d16^\sf-!  <ees cis>-!->[ <dc>-!  <dc>-!] } >> }

Der letzte Übergang führt den „Opfertanz“ ein. Dies ist als ein disziplinierteres Ritual geschrieben als der extravagante Tanz, der Teil I beendete, obwohl er einige wilde Momente enthält, in denen die große Schlagzeuggruppe des Orchesters ihre volle Stimme erhält. Strawinsky hatte Schwierigkeiten mit diesem Abschnitt, besonders mit den Schlusstakten, die das Werk beschließen. Das abrupte Ende missfiel mehreren Kritikern, von denen einer schrieb, dass die Musik „plötzlich auf die Seite fällt“. Strawinsky selbst bezeichnete den Schlussakkord abschätzig als „ein Geräusch“, konnte aber bei seinen verschiedenen Versuchen, den Abschnitt zu ändern oder umzuschreiben, keine akzeptablere Lösung finden.

Einfluss und Anpassungen

Der Musikhistoriker Donald Jay Grout hat geschrieben: „ The Sacre ist zweifellos die berühmteste Komposition des frühen 20 Vor". Der Akademiker und Kritiker Jan Smaczny nennt es in Anlehnung an Bernstein eine der einflussreichsten Kompositionen des 20. Jahrhunderts, die „unendliche Anregungen für Interpreten und Zuhörer“ bietet. Taruskin schreibt, dass "eines der Kennzeichen des einzigartigen Status von The Rite die Anzahl der Bücher ist, die ihm gewidmet wurden - sicherlich eine größere Anzahl als jedem anderen Ballett, möglicherweise jeder anderen individuellen Musikkomposition ..." Entsprechend Für Kelly könnte die Premiere von 1913 als "der wichtigste einzelne Moment in der Musikgeschichte des 20. Jahrhunderts" angesehen werden, und ihre Auswirkungen wirken auch im 21. Jahrhundert nach. Ross hat The Rite als ein prophetisches Werk beschrieben, das die Ära der „zweiten Avantgarde“ in der klassischen Komposition voraussagt – Musik des Körpers und nicht des Geistes, in der „[m]elodies den Mustern der Sprache folgen würden; Rhythmen würden übereinstimmen die Energie des Tanzes ... Klänge hätten die Härte des Lebens, wie es wirklich gelebt wird". Das Werk gilt als eines der ersten Beispiele der Moderne in der Musik .

Zu den Komponisten des 20. Jahrhunderts, die am meisten von The Rite beeinflusst wurden, gehört Strawinskys fast Zeitgenosse Edgard Varèse , der an der Premiere von 1913 teilgenommen hatte. Varèse fühlte sich laut Ross besonders von den „grausamen Harmonien und anregenden Rhythmen“ von The Rite angezogen , die er in seinem Konzertwerk Amériques (1921) voll zur Geltung brachte, das für ein massives Orchester mit zusätzlichen Soundeffekten, einschließlich eines Löwengebrülls, komponiert wurde und eine heulende Sirene. Aaron Copland , für den Strawinsky in dessen Studentenzeit eine besondere Inspiration war, betrachtete The Rite als ein Meisterwerk, das „das Jahrzehnt des verschobenen Akzents und des polytonalen Akkords“ geschaffen hatte. Copland übernahm Strawinskys Technik, in kleinen Abschnitten zu komponieren, die er dann mischte und neu arrangierte, anstatt sie von Anfang bis Ende durchzuarbeiten. Ross zitiert die Musik von Coplands Ballett Billy the Kid als direkt aus der „Spring Rounds“-Sektion von The Rite . Für Olivier Messiaen war The Rite von besonderer Bedeutung; Er analysierte und erläuterte das Werk ständig, was ihm ein dauerhaftes Modell für rhythmischen Antrieb und Materialzusammenstellung lieferte. Strawinsky war skeptisch gegenüber einer überintellektuellen Analyse des Werkes. "Der Mann hat für jede Note Gründe gefunden und dass die Klarinettenlinie auf Seite 3 der umgekehrte Kontrapunkt des Horns auf Seite 19 ist. Daran habe ich nie gedacht", soll er Michel Legrand geantwortet haben, als er nach Pierre Boulez ' Einstellung gefragt wurde Der Grund.

Nach der Premiere meinte der Schriftsteller Léon Vallas , Strawinsky habe seiner Zeit 30 Jahre voraus Musik geschrieben, die 1940 zu hören sei. Zufälligerweise veröffentlichte Walt Disney in diesem Jahr Fantasia , einen animierten Spielfilm mit Musik aus The Rite and andere klassische Kompositionen, dirigiert von Stokowski. Das Rite -Segment des Films zeigte die Vorgeschichte der Erde mit der Erschaffung des Lebens, die als Finale zum Aussterben der Dinosaurier führte. Beeindruckt von dem Film war unter anderem Gunther Schuller , später Komponist, Dirigent und Jazzforscher. Die Rite of Spring -Sequenz, sagt er, habe ihn überwältigt und seine zukünftige Musikkarriere bestimmt: „Ich hoffe, [Strawinsky] hat es zu schätzen gewusst, dass Hunderte – vielleicht Tausende – von Musikern auf The Rite of Spring aufmerksam gemacht wurden  … durch Fantasia , Musiker, die es könnten Sonst hätte ich das Werk nie gehört, jedenfalls erst viele Jahre später". Im späteren Leben behauptete Strawinsky, Abneigung gegen die Adaption zu haben, obwohl er, wie Ross bemerkt, damals nichts Kritisches sagte; Laut Ross bemerkte der Komponist Paul Hindemith , dass "Igor es zu lieben scheint".

Aufnahmen

Bevor 1929 die ersten Schallplattenaufnahmen von The Rite veröffentlicht wurden, hatte Strawinsky geholfen, eine Pianola - Version des Werks für die Londoner Niederlassung der Aeolian Company zu produzieren . Er schuf auch ein viel umfassenderes Arrangement für die Pleyela, hergestellt von der französischen Klavierfirma Pleyel , mit der er im April und Mai 1921 zwei Verträge unterzeichnete, in deren Rahmen viele seiner frühen Werke auf diesem Medium reproduziert wurden. Die Pleyela-Version von The Rite of Spring wurde 1921 herausgegeben; der britische Pianist Rex Lawson nahm das Werk in dieser Form erstmals 1990 auf.

1929 wetteiferten Strawinsky und Monteux darum, die erste Orchester-Schallplattenaufnahme von The Rite zu dirigieren . Während Strawinsky L'Orchestre des Concerts Straram bei einer Aufnahme für das Columbia-Label leitete, nahm Monteux sie gleichzeitig für das HMV-Label auf. Stokowskis Version folgte 1930. Strawinsky machte zwei weitere Aufnahmen, 1940 und 1960. Dem Kritiker Edward Greenfield zufolge war Strawinsky technisch gesehen kein großartiger Dirigent, aber, so Greenfield, inspirierte der Komponist bei der Aufnahme von 1960 mit dem Columbia Symphony Orchestra zu einer Aufführung mit "außergewöhnlicher Schubkraft und Belastbarkeit". In Gesprächen mit Robert Craft überprüfte Strawinsky mehrere Aufnahmen von The Rite aus den 1960er Jahren. Herbert von Karajans Aufnahme mit den Berliner Philharmonikern von 1963 fand er gut, aber „die Aufführung ist ... zu glatt, eher ein Wilder als ein echter“. Strawinsky fand Pierre Boulez mit dem Orchestre National de France (1963) "weniger gut als ich gehofft hatte ... sehr schlechte Tempi und einige geschmacklose Änderungen". Er lobte eine Aufnahme des Moskauer Staatssymphonieorchesters aus dem Jahr 1962 dafür, dass sie die Musik russisch klingen ließ, „was genau richtig ist“, aber Strawinskys abschließendes Urteil war, dass keine dieser drei Aufführungen erhaltenswert war.

Ab 2013 waren weit über 100 verschiedene Aufnahmen von The Rite im Handel erhältlich und viele weitere wurden in den Tonarchiven der Bibliothek aufbewahrt. Es ist zu einem der am meisten aufgenommenen Musikwerke des 20. Jahrhunderts geworden.

Ausgaben

Cover des vierhändigen Klavierauszugs von Le Sacre du printemps von 1913 , der ersten veröffentlichten Version des Werks

Die erste veröffentlichte Partitur war die vierhändige Klavierbearbeitung ( Edition Russe de Musique , RV196), datiert 1913. Die Veröffentlichung der vollständigen Orchesterpartitur wurde durch den Kriegsausbruch im August 1914 verhindert. Nach der Wiederaufnahme des Werkes im Jahr 1920 Strawinsky, der die Musik seit sieben Jahren nicht mehr gehört hatte, nahm zahlreiche Überarbeitungen an der Partitur vor, die schließlich 1921 veröffentlicht wurde (Edition Russe de Musique, RV 197/197b. Groß- und Taschenpartituren).

1922 schickte Ansermet, der sich auf die Aufführung des Werks in Berlin vorbereitete, eine Liste mit Fehlern, die er in der veröffentlichten Partitur gefunden hatte, an Strawinsky. 1926 schrieb Strawinsky als Teil seiner Vorbereitung auf die diesjährige Aufführung mit dem Concertgebouw-Orchester den Abschnitt „Evokation der Ahnen“ um und nahm wesentliche Änderungen am „Opfertanz“ vor. Das Ausmaß dieser Überarbeitungen zusammen mit Ansermets Empfehlungen überzeugte Strawinsky von der Notwendigkeit einer Neuausgabe, die 1929 in Groß- und Taschenform erschien. Sie enthielt jedoch nicht alle Änderungen von Ansermet und trug verwirrenderweise das Datum und RV-Code der Ausgabe von 1921, wodurch die neue Ausgabe schwer zu identifizieren ist.

Strawinsky überarbeitete das Werk weiter und schrieb 1943 den „Opfertanz“ neu. 1948 veröffentlichten Boosey & Hawkes eine korrigierte Version der Partitur von 1929 (B&H 16333), obwohl Strawinskys wesentliche Änderung des „Opfertanzes“ von 1943 nicht in die neue Version aufgenommen wurde und zur Enttäuschung des Komponisten nicht aufgeführt wurde. Er hielt es für "viel einfacher zu spielen ... und überlegen in Ausgewogenheit und Klangfülle" gegenüber den früheren Versionen. Ein weniger musikalisches Motiv für die Überarbeitungen und korrigierten Ausgaben war das Urheberrecht. Der Komponist hatte damals die Galaxy Music Corporation (Agenten für Editions Russe de la Musique, den ursprünglichen Verlag) für Associated Music Publishers verlassen, und die Orchester würden zögern, eine zweite Mietgebühr von zwei Verlagen zu zahlen, um das vollständige Werk und die überarbeitete Fassung zu erreichen Opfertanz; außerdem konnte der überarbeitete Tanz nur in Amerika veröffentlicht werden. Die Partitur von 1948 gewährte dem Werk Urheberrechtsschutz in Amerika, wo es verfallen war, aber Boosey (der den Katalog der Editions Russe erwarb) hatte keine Rechte an dem überarbeiteten Finale.

Die 1948 überarbeitete Partitur von 1929 bildet die Grundlage der meisten modernen Aufführungen von The Rite. Boosey & Hawkes veröffentlichten ihre Ausgabe von 1948 1965 neu und produzierten 1967 eine neu gestochene Ausgabe (B&H 19441). Die Firma gab 1952 auch einen unveränderten Nachdruck des Klavierauszugs von 1913 (B&H 17271) und eine überarbeitete Klavierversion heraus, die die Ausgabe von 1929 enthält Revisionen, 1967.

Die Paul Sacher Foundation gab in Zusammenarbeit mit Boosey & Hawkes im Mai 2013 im Rahmen der Hundertjahrfeier von The Rite ihre Absicht bekannt, die autographe Partitur von 1913 zu veröffentlichen, wie sie in frühen Aufführungen verwendet wurde. Nachdem die autographe Partitur jahrzehntelang in Russland aufbewahrt worden war, wurde sie 1947 von Boosey & Hawkes erworben. Die Firma überreichte Strawinsky die Partitur 1962, zu seinem 80. Geburtstag. Nach dem Tod des Komponisten 1971 wurde das Manuskript von der Paul Sacher Stiftung erworben. Neben der autographen Partitur haben sie die handschriftliche Klavierpartitur zu vier Händen veröffentlicht.

Im Jahr 2000 brachte Kalmus Music Publishers eine Ausgabe heraus, in der der ehemalige Bibliothekar des Philadelphia Orchestra, Clint Nieweg, über 21.000 Korrekturen an Partitur und Stimmen vornahm. Seitdem hat eine veröffentlichte Errata-Liste etwa 310 weitere Korrekturen hinzugefügt, und dies gilt als die genaueste Version des Werks seit 2013.

Anmerkungen und Referenzen

Anmerkungen

Zitate

Quellen

Weiterlesen

  • Hodson, Millicent (1996). Nijinskys Verbrechen gegen die Gnade: Rekonstruktion der Originalchoreographie für Le Sacre du printemps . Pendragon-Presse.

Externe Links