Traditionelle Animation -Traditional animation

Bemalung mit Acrylfarbe auf der Rückseite einer bereits eingefärbten Cel, hier platziert auf der originalen Animationszeichnung

Traditionelle Animation (oder klassische Animation , Cel - Animation , handgezeichnete Animation oder 2D-Animation ) ist eine Animationstechnik , bei der jeder Frame von Hand gezeichnet wird. Die Technik war bis zur Computeranimation die dominierende Form der Animation im Kino .

Verfahren

Schreiben und Storyboarden

Die Animationsproduktion beginnt normalerweise, nachdem eine Geschichte in ein Animationsfilmskript umgewandelt wurde, aus dem ein Storyboard abgeleitet wird. Ein Storyboard hat ein ähnliches Aussehen wie Comic-Panels und ist eine Schuss-für-Schuss-Aufschlüsselung der Inszenierung, des Schauspiels und aller Kamerabewegungen, die im Film vorhanden sein werden. Die Bilder ermöglichen es dem Animationsteam, den Ablauf der Handlung und die Komposition der Bilder zu planen. Storyboard-Künstler treffen sich regelmäßig mit dem Regisseur und können eine Sequenz viele Male neu zeichnen oder "neu einsteigen", bevor sie endgültig genehmigt wird.

Stimmaufnahme

Bevor die Animation beginnt, wird eine vorläufige Tonspur oder Scratch-Spur aufgezeichnet, damit die Animation genauer mit der Tonspur synchronisiert werden kann. Angesichts der langsamen Art und Weise, wie herkömmliche Animationen produziert werden, ist es fast immer einfacher, eine Animation mit einem bereits vorhandenen Soundtrack zu synchronisieren, als einen Soundtrack mit einer bereits vorhandenen Animation zu synchronisieren. Ein fertiger Cartoon-Soundtrack wird Musik , Soundeffekte und Dialoge enthalten, die von Synchronsprechern vorgetragen werden . Die während der Animation verwendete Scratch-Spur enthält normalerweise nur die Stimmen, alle Lieder, zu denen die Charaktere mitsingen müssen, und temporäre Musiknotenspuren. die endgültige Partitur und die Soundeffekte werden während der Postproduktion hinzugefügt .

Bei japanischen Zeichentrickfilmen und den meisten Tonzeichentrickfilmen vor 1930 wurde der Ton nachsynchronisiert ; Der Soundtrack wurde aufgenommen, nachdem die Filmelemente beendet waren, indem der Film angesehen und die erforderlichen Dialoge, Musik und Soundeffekte aufgeführt wurden. Einige Studios, insbesondere Fleischer Studios , synchronisierten ihre Cartoons während des größten Teils der 1930er Jahre weiterhin nach, was das Vorhandensein der "gemurmelten Ad-libs" ermöglichte, die in vielen Cartoons von Popeye the Sailor und Betty Boop vorhanden waren.

Design, Timing und Layout

Wenn Storyboards an die Designabteilungen gesendet werden, bereiten Charakterdesigner Modellblätter für alle Charaktere und Requisiten vor, die im Film vorkommen. und diese werden verwendet, um Aussehen, Posen und Gesten zu standardisieren. Die Modellblätter enthalten häufig "Umdrehungen", die zeigen, wie eine Figur oder ein Objekt in drei Dimensionen aussieht, zusammen mit standardisierten speziellen Posen und Ausdrücken, damit die Künstler eine Anleitung haben, auf die sie sich beziehen können. Kleine Statuen , die als Maquettes bekannt sind, können hergestellt werden, damit ein Animator sehen kann, wie eine Figur in drei Dimensionen aussieht. Hintergrundstylisten werden ähnliche Arbeiten für alle im Storyboard vorhandenen Einstellungen und Orte ausführen, und die Art Directors und Farbstylisten bestimmen den zu verwendenden Kunststil und die zu verwendenden Farbschemata.

Ein Timing Director (der in vielen Fällen der Hauptregisseur sein wird) nimmt das Animatic und analysiert genau, welche Posen, Zeichnungen und Lippenbewegungen auf welchen Frames benötigt werden. Ein Belichtungsblatt (oder X-Blatt ) wird erstellt; Dies ist eine gedruckte Tabelle, die die Aktion, den Dialog und den Ton Frame für Frame als Leitfaden für die Animatoren aufschlüsselt. Wenn ein Film stärker auf Musik basiert, kann zusätzlich oder anstelle eines X-Sheets ein Taktblatt erstellt werden . Taktblätter zeigen die Beziehung zwischen der Handlung auf dem Bildschirm, dem Dialog und der tatsächlichen Notenschrift, die in der Partitur verwendet wird.

Das Layout beginnt, nachdem die Entwürfe fertiggestellt und vom Direktor genehmigt wurden. Hier bestimmen die Hintergrund-Layout-Künstler die Kamerawinkel, Kamerapfade, Beleuchtung und Schattierung der Szene. Charakter-Layout-Künstler bestimmen die Hauptposen für die Charaktere in der Szene und erstellen eine Zeichnung, um jede Pose anzuzeigen. Bei Kurzfilmen liegt die Charaktergestaltung oft in der Verantwortung des Regisseurs. Die Layoutzeichnungen und Storyboards werden dann zusammen mit dem Audio gespleißt und ein Animatic wird gebildet (nicht zu verwechseln mit seinem Vorgänger, der Leica-Rolle ).

Während die Animation durchgeführt wird, malen die Hintergrundkünstler die Kulissen , über denen die Handlung jeder animierten Sequenz stattfindet. Diese Hintergründe werden im Allgemeinen mit Gouache- oder Acrylfarbe ausgeführt , obwohl einige animierte Produktionen mit Aquarell- oder Ölfarbe ausgeführte Hintergründe verwendet haben . Hintergrundkünstler folgen sehr genau der Arbeit der Hintergrundlayoutkünstler und Farbstylisten (die normalerweise zu ihrer Verwendung in einem Arbeitsbuch zusammengestellt werden), so dass die resultierenden Hintergründe harmonisch mit den Charakterdesigns übereinstimmen.

Animierend

Normalerweise wird ein Animations- oder Story-Reel erstellt, nachdem der Soundtrack aufgenommen wurde und bevor die vollständige Animation beginnt. Der Begriff „Animatic“ wurde ursprünglich von den Walt Disney Animation Studios geprägt . Eine Animation besteht normalerweise aus Bildern des Storyboards, die zeitlich abgestimmt und zusammen mit dem Soundtrack geschnitten wurden. Auf diese Weise können die Animatoren und Regisseure alle Skript- und Timing-Probleme ausarbeiten, die möglicherweise mit dem aktuellen Storyboard bestehen. Das Storyboard und der Soundtrack werden bei Bedarf geändert, und ein neues Animatic kann erstellt und mit dem Regisseur überprüft werden, bis das Storyboard den Anforderungen der Benutzer entspricht. Die Bearbeitung des Films in der Animationsphase verhindert die Animation von Szenen, die aus dem Film herausgeschnitten würden. Das Erstellen von Szenen, die schließlich aus dem fertigen Cartoon herausgeschnitten werden, wird vermieden.

Animation

Skizze einer Animations-Peg-Bar und Messungen von drei Typen, wobei Acme am häufigsten vorkommt.

Beim traditionellen Animationsprozess beginnen Animatoren damit, Animationssequenzen auf Blätter aus durchsichtigem Papier zu zeichnen, die perforiert sind, damit sie in die Stiftleisten ihrer Schreibtische passen, oft mit Buntstiften , jeweils ein Bild oder „Rahmen“. Eine Stiftstange ist ein Animationswerkzeug, das in der traditionellen Animation verwendet wird, um die Zeichnungen an Ort und Stelle zu halten. Ein Key-Animator oder Lead-Animator zeichnet die Key-Zeichnungen oder Keyframes in einer Szene, wobei er die Charakter-Layouts als Richtlinie verwendet. Der Hauptanimator zeichnet genug Frames, um die wichtigsten Posen innerhalb einer Charakterdarstellung zu vermitteln.

Während der Arbeit an einer Szene bereitet ein Key-Animator normalerweise einen Bleistifttest der Szene vor. Ein Bleistifttest ist eine viel grobere Version der endgültigen animierten Szene (oft ohne viele Charakterdetails und Farbe); die bleistiftzeichnungen sind schnell fotografiert oder eingescannt und mit den nötigen tonspuren synchronisiert. Auf diese Weise kann die Animation überprüft und verbessert werden, bevor die Arbeit an ihre Hilfsanimatoren weitergegeben wird, die Details und einige der fehlenden Frames in der Szene hinzufügen. Die Arbeit der Hilfsanimatoren wird überprüft, mit Bleistift getestet und korrigiert, bis der leitende Animator bereit ist, sich mit dem Regisseur zu treffen und seine Szene ins Schwitzen zu bringen .

Sobald die Schlüsselanimation genehmigt ist, leitet der leitende Animator die Szene an die Aufräumabteilung weiter, die sich aus den Aufräumanimatoren und den Vermittlern zusammensetzt. Die Clean-up-Animatoren übernehmen die Zeichnungen der Haupt- und Hilfsanimatoren und übertragen sie auf ein neues Blatt Papier, wobei sie darauf achten, alle Details der ursprünglichen Modellblätter einzubeziehen, damit der Film einen Zusammenhalt und einen konsistenten Kunststil beibehält . Die Zwischenzeichner werden die noch fehlenden Rahmen zwischen die Zeichnungen der anderen Animatoren einzeichnen. Dieser Vorgang wird als Tweening bezeichnet . Die resultierenden Zeichnungen werden erneut mit dem Bleistift getestet und in die Schweißbox gesteckt, bis sie auf Zustimmung stoßen.

In jeder Phase der Bleistiftanimation werden genehmigte Grafiken in die Leica-Rolle eingefügt .

Dieser Prozess ist sowohl für Charakteranimationen als auch für Spezialeffektanimationen gleich , die bei den meisten High-Budget-Produktionen in separaten Abteilungen durchgeführt werden. Oft hat jede Hauptfigur einen Animator oder eine Gruppe von Animatoren, die sich ausschließlich dem Zeichnen dieser Figur widmen. Die Gruppe besteht aus einem leitenden Animator, einer kleinen Gruppe von Hauptanimatoren und einer größeren Gruppe von Hilfsanimatoren. Effektanimatoren animieren alles, was sich bewegt und keine Figur ist, einschließlich Requisiten, Fahrzeugen, Maschinen und Phänomenen wie Feuer , Regen und Explosionen . Manchmal werden anstelle von Zeichnungen eine Reihe spezieller Verfahren verwendet, um Spezialeffekte in Animationsfilmen zu erzeugen; Regen zum Beispiel wird seit Ende der 1930er Jahre in Disney-Animationsfilmen erzeugt, indem Wasser in Zeitlupe vor einem schwarzen Hintergrund gefilmt und der resultierende Film über die Animation gelegt wird.

Traditionelle Tinte und Farbe und Kamera

Sobald die Bereinigungen und Zwischenzeichnungen für eine Sequenz abgeschlossen sind, werden sie für einen Prozess vorbereitet, der als Ink-and-Paint bekannt ist. Jede Zeichnung wird dann von Papier auf eine dünne, durchsichtige Plastikfolie übertragen, die Cel genannt wird, eine Zusammenziehung des Materialnamens Celluloid (das ursprüngliche brennbare Cellulosenitrat wurde später durch das stabilere Celluloseacetat ersetzt ). Der Umriss der Zeichnung wird auf die Zelle eingefärbt oder fotokopiert , und Gouache , Acryl oder eine ähnliche Art von Farbe wird auf den Rückseiten der Zellen verwendet, um Farben in den entsprechenden Schattierungen hinzuzufügen. Die transparente Qualität der Cel ermöglicht es, dass jede Figur oder jedes Objekt in einem Frame auf verschiedenen Cels animiert werden kann, da die Cel einer Figur unter der Cel einer anderen zu sehen ist; und der undurchsichtige Hintergrund ist unter allen Cels zu sehen.

Wenn eine ganze Sequenz auf Cels übertragen wurde, beginnt der Fotografieprozess. Jede an einem Frame einer Sequenz beteiligte Zelle wird übereinander gelegt, wobei der Hintergrund am unteren Ende des Stapels liegt. Ein Stück Glas wird auf das Kunstwerk abgesenkt, um Unregelmäßigkeiten zu glätten, und das zusammengesetzte Bild wird dann von einer speziellen Animationskamera , auch Rostrum-Kamera genannt, fotografiert . Die Cels werden entfernt und der Vorgang wiederholt sich für das nächste Bild, bis jedes Bild in der Sequenz fotografiert wurde. Jede Zelle hat Registrierungslöcher, kleine Löcher entlang der Ober- oder Unterkante der Zelle, die es ermöglichen, die Zelle vor der Kamera auf entsprechende Stiftleisten zu legen, um sicherzustellen, dass jede Zelle mit der davor ausgerichtet ist; Wenn die Cels nicht auf diese Weise ausgerichtet sind, erscheint die Animation, wenn sie mit voller Geschwindigkeit abgespielt wird, "zittrig". Manchmal müssen Frames mehr als einmal fotografiert werden, um Überlagerungen und andere Kameraeffekte zu implementieren. Schwenks werden erstellt, indem entweder die Cels oder die Hintergründe Schritt für Schritt über eine Folge von Frames bewegt werden (die Kamera schwenkt nicht, sie zoomt nur hinein und heraus).

Eine Kamera, die zum Aufnehmen traditioneller Animationen verwendet wird. Siehe auch Luftbild .

Dope Sheets werden von den Animatoren erstellt und vom Kameramann verwendet, um jede Animationszeichnung in die von den Animatoren angegebene Anzahl von Filmbildern zu übertragen, unabhängig davon, ob es sich um 1 (1s, Ones), 2 (2s, Twos) oder 3 (3s, Threes) handelt ).

Wenn die Szenen aus der endgültigen Fotografie kommen, werden sie in die Leica-Rolle eingefügt und ersetzen die Bleistiftanimation. Sobald jede Sequenz in der Produktion fotografiert wurde, wird der endgültige Film zur Entwicklung und Verarbeitung geschickt, während die endgültige Musik und Soundeffekte dem Soundtrack hinzugefügt werden.

Modernes Verfahren

Digitale Tinte und Farbe

Der aktuelle Prozess, der als "digitale Tinte und Farbe" bezeichnet wird, ist derselbe wie herkömmliche Tinte und Farbe, bis die Animationszeichnungen fertiggestellt sind. Anstatt auf Cels übertragen zu werden, werden die Zeichnungen der Animatoren entweder in einen Computer eingescannt oder über Grafiktabletts direkt auf einen Computermonitor gezeichnet , wo sie mit einem oder mehreren Softwarepaketen koloriert und bearbeitet werden. Die resultierenden Zeichnungen werden im Computer über ihren jeweiligen Hintergründen zusammengesetzt, die ebenfalls in den Computer eingescannt (falls nicht digital gemalt) wurden, und der Computer gibt den endgültigen Film aus, indem er entweder eine digitale Videodatei exportiert , einen Videorecorder verwendet oder druckt mit einem hochauflösenden Ausgabegerät zu filmen . Die Verwendung von Computern ermöglicht einen einfacheren Austausch von Kunstwerken zwischen Abteilungen, Studios und sogar Ländern und Kontinenten (in den meisten amerikanischen Low-Budget-Animationsproduktionen wird der Großteil der Animation tatsächlich von Animatoren gemacht, die in anderen Ländern arbeiten , einschließlich Südkorea , Taiwan , Japan , China , Singapur , Mexiko , Indien und die Philippinen ). Als die Kosten sowohl für das Einfärben als auch für das Malen neuer Cels für Animationsfilme und Fernsehprogramme und die wiederholte Verwendung älterer Cels für neuere Animationsfernsehprogramme und Filme stiegen und die Kosten dafür, dasselbe digital zu tun, sanken, wurde schließlich die digitale Tinte- -and-Paint-Prozess wurde zum Standard für zukünftige Animationsfilme und Fernsehprogramme.

Implementierung

Hanna-Barbera war das erste amerikanische Animationsstudio, das ein Computeranimationssystem für die Verwendung von digitaler Tinte und Farbe implementierte. Nach einem Engagement für die Technologie im Jahr 1979 leitete der Informatiker Marc Levoy von 1980 bis 1983 das Hanna-Barbera Animation Laboratory und entwickelte ein Tinten- und Farbsystem, das ab 1984 in etwa einem Drittel der Inlandsproduktion von Hanna-Barbera verwendet wurde und fortgesetzt, bis es 1996 durch Software von Drittanbietern ersetzt wurde. Zusätzlich zu einer Kosteneinsparung im Vergleich zum herkömmlichen Cel-Painting von 5 zu 1 ermöglichte das Hanna-Barbera-System auch Multiplane-Kameraeffekte , die in HB-Produktionen wie A Pup Named Scooby- Doo (1988).

Digitale Tinte und Farbe werden seit 1989 in den Walt Disney Animation Studios verwendet, wo sie für die letzte Regenbogenaufnahme in „ Die kleine Meerjungfrau “ verwendet wurden . Alle nachfolgenden animierten Disney-Features wurden digital eingefärbt und gemalt (beginnend mit The Rescuers Down Under , der auch der erste große Spielfilm war, der vollständig digitale Tinte und Farbe verwendete), wobei Disneys proprietäre CAPS - Technologie (Computer Animation Production System) entwickelt wurde hauptsächlich von Pixar Animation Studios . Das CAPS-System ermöglichte es den Disney-Künstlern, farbige Tintenlinientechniken zu verwenden, die größtenteils während der Xerografie-Ära verloren gingen, sowie Mehrebeneneffekte, gemischte Schattierungen und eine einfachere Integration mit 3D-CGI-Hintergründen (wie in der Ballsaalsequenz im Film Beauty von 1991). und das Biest ), Requisiten und Charaktere.

Während Hanna-Barbera und Disney damit begannen, digitales Einfärben und Malen zu implementieren, brauchte der Rest der Branche länger, um sich anzupassen. Viele Filmemacher und Studios wollten nicht auf den digitalen Ink-and-Paint-Prozess umsteigen, weil sie der Meinung waren, dass die digital gefärbte Animation zu synthetisch aussehen und den ästhetischen Reiz der nicht computerisierten Cel für ihre Projekte verlieren würde. Viele animierte Fernsehserien wurden in anderen Ländern noch 2004 mit dem traditionell eingefärbten und bemalten Cel-Verfahren animiert, obwohl die meisten von ihnen irgendwann während ihres Laufs auf das digitale Verfahren umgestellt wurden. Der letzte große Spielfilm, der traditionelle Tinte und Farbe verwendete, war Satoshi Kons Millennium Actress (2001); Die letzten großen Animationsproduktionen im Westen, die das traditionelle Verfahren verwendeten, waren SpongeBob SquarePants von Nickelodeon , The Simpsons und King of the Hill von Fox sowie The Powerpuff Girls und Ed, Edd n Eddy von Cartoon Network , die alle wechselten zwischen 2000 und 2004 auf digitales Malen um, während die TV-Adaption von Sazae-san die letzte große Animationsproduktion insgesamt war, die die Cel-Animation aufgab , die dieser Technik bis zum 29. September 2013 treu blieb, als sie am 6. Oktober auf vollständig digitale Animation umstellte , 2013. Zuvor verwendete die Serie 2009 digitale Animationen ausschließlich für den Vorspann, behielt aber die Verwendung traditioneller Cels für den Hauptinhalt jeder Episode bei. Kleinere Produktionen wie Hair High (2004) von Bill Plympton haben lange nach der Einführung digitaler Techniken traditionelle Cels verwendet. Die meisten Studios verwenden heute eines von mehreren anderen High-End-Softwarepaketen wie Toon Boom Harmony , Toonz (OpenToonz), Animo und RETAS oder sogar Anwendungen auf Verbraucherebene wie Adobe Flash , Toon Boom Technologies und TV Paint .

Techniken

Cels

Dieses Bild zeigt, wie zwei transparente Cels, auf denen jeweils ein anderes Zeichen gezeichnet ist, und ein undurchsichtiger Hintergrund zusammen fotografiert werden, um das zusammengesetzte Bild zu bilden.

Das Cel-Animationsverfahren wurde 1915 von Earl Hurd und John Bray erfunden. Das Cel ist eine wichtige Neuerung gegenüber der traditionellen Animation, da es ermöglicht, dass einige Teile jedes Frames von Frame zu Frame wiederholt werden, wodurch Arbeit eingespart wird. Ein einfaches Beispiel wäre eine Szene mit zwei Charakteren auf dem Bildschirm, von denen einer spricht und der andere still steht. Da sich die letztere Figur nicht bewegt, kann sie in dieser Szene mit nur einer Zeichnung auf einem Cel angezeigt werden, während mehrere Zeichnungen auf mehreren Cels verwendet werden, um die sprechende Figur zu animieren.

Betrachten Sie als komplexeres Beispiel eine Sequenz, in der eine Person einen Teller auf einen Tisch stellt. Der Tisch bleibt während der gesamten Sequenz still, sodass er als Teil des Hintergrunds gezeichnet werden kann. Der Teller kann zusammen mit der Figur gezogen werden, wenn die Figur ihn auf den Tisch legt. Nachdem der Teller jedoch auf dem Tisch liegt, bewegt sich der Teller nicht mehr, obwohl sich die Person weiterhin bewegt, wenn sie ihren Arm von dem Teller wegzieht. In diesem Beispiel kann, nachdem die Person den Teller hingelegt hat, der Teller dann auf eine von ihr getrennte Zelle gezeichnet werden. Weitere Frames enthalten neue Cels der Person, aber die Platte muss nicht neu gezeichnet werden, da sie sich nicht bewegt; Dasselbe Cel der Platte kann in jedem verbleibenden Rahmen verwendet werden, der sich noch auf dem Tisch befindet. Die Cel-Farben wurden tatsächlich in schattierten Versionen jeder Farbe hergestellt, um die zusätzliche Cel-Schicht zu kompensieren, die zwischen dem Bild und der Kamera hinzugefügt wurde; In diesem Beispiel würde die Standbildplatte etwas heller gestrichen, um die Verschiebung um eine Ebene nach unten auszugleichen.

In Fernseh- und anderen Low-Budget-Produktionen wurden Cels oft "zyklisiert" (dh eine Sequenz von Cels wurde mehrmals wiederholt) und sogar archiviert und in anderen Episoden wiederverwendet. Nachdem der Film fertig war, wurden die Cels entweder weggeworfen oder, besonders in den frühen Tagen der Animation, sauber gewaschen und für den nächsten Film wiederverwendet. In einigen Fällen wurden einige der Cels in das "Archiv" gelegt, um sie immer wieder für zukünftige Zwecke zu verwenden, um Geld zu sparen. Einige Studios retteten einen Teil der Cels und verkauften sie entweder in Studiogeschäften oder überreichten sie den Besuchern als Geschenk.

Cel-Überlagerung

Ein Cel-Overlay ist ein Cel mit unbelebten Objekten, die verwendet werden, um den Eindruck eines Vordergrunds zu erwecken, wenn sie auf einen fertigen Rahmen gelegt werden. Dies erzeugt die Illusion von Tiefe, aber nicht so sehr wie eine Kamera mit mehreren Ebenen. Eine spezielle Version der Cel-Überlagerung heißt Linienüberlagerung , die dazu dient, den Hintergrund zu vervollständigen, anstatt den Vordergrund zu erstellen, und wurde erfunden, um das skizzenhafte Erscheinungsbild von kopierten Zeichnungen zu bewältigen. Der Hintergrund wurde zunächst als Formen und Figuren in flachen Farben gemalt, die eher wenige Details enthielten. Als nächstes wurde ein Cel mit detaillierten schwarzen Linien direkt darüber gelegt, jede Linie wird gezeichnet, um der zugrunde liegenden Form oder Figur mehr Informationen hinzuzufügen und dem Hintergrund die erforderliche Komplexität zu verleihen. Auf diese Weise stimmt der visuelle Stil des Hintergrunds mit dem der kopierten Zeichenzellen überein. Als sich der xerografische Prozess weiterentwickelte, wurde die Linienüberlagerung zurückgelassen.

Pre-Cel-Animation

Wie animierte Cartoons gemacht werden (1919), zeigt Charaktere aus ausgeschnittenem Papier

In sehr frühen Cartoons, die vor der Verwendung der Cel erstellt wurden, wie Gertie the Dinosaur (1914), wurde der gesamte Rahmen, einschließlich des Hintergrunds und aller Charaktere und Gegenstände, auf ein einziges Blatt Papier gezeichnet und dann fotografiert. Alles musste für jeden Frame, der Bewegungen enthielt, neu gezeichnet werden. Dies führte zu einem "nervösen" Erscheinungsbild; Stellen Sie sich vor, Sie sehen eine Reihe von Zeichnungen eines Berges, die sich jeweils geringfügig von der vorhergehenden unterscheiden. Die Pre-Cel-Animation wurde später verbessert, indem Techniken wie das von Raoul Barre erfundene Slash-and-Tear-System verwendet wurden ; Der Hintergrund und die animierten Objekte wurden auf separaten Papieren gezeichnet. Ein Rahmen wurde hergestellt, indem alle leeren Teile der Papiere entfernt wurden, auf denen die Objekte gezeichnet wurden, bevor sie auf die Hintergründe gelegt und schließlich fotografiert wurden.

Begrenzte Animation

In Low-Budget-Produktionen werden Abkürzungen, die durch die Cel-Technik verfügbar sind, ausgiebig verwendet. Beispielsweise können in einer Szene, in der eine Person auf einem Stuhl sitzt und spricht, der Stuhl und der Körper der Person in jedem Rahmen gleich sein; nur ihr Kopf wird neu gezeichnet, oder vielleicht bleibt sogar ihr Kopf gleich, während sich nur ihr Mund bewegt. Dies wird als begrenzte Animation bezeichnet . Der Prozess wurde von United Productions of America in Zeichentrickfilmen populär gemacht und in den meisten Fernsehanimationen verwendet , insbesondere in der von Hanna-Barbera . Das Endergebnis sieht zwar nicht sehr naturgetreu aus, ist aber günstig in der Herstellung und erlaubt damit Zeichentrickfilme mit kleinen Fernsehbudgets.

"Schießen zu zweit"

Bewegte Charaktere werden oft "zu zweit" gedreht. Für jeweils zwei Filmbilder (die normalerweise mit 24 Bildern pro Sekunde laufen) wird eine Zeichnung gezeigt, was bedeutet, dass es nur 12 Zeichnungen pro Sekunde gibt. Obwohl die Bildaktualisierungsrate niedrig ist, ist die Fließfähigkeit für die meisten Motive zufriedenstellend. Wenn eine Figur jedoch eine schnelle Bewegung ausführen muss, ist es normalerweise notwendig, auf die Animation von „Einsen“ zurückzugreifen, da „Zweien“ zu langsam sind, um die Bewegung angemessen zu vermitteln. Eine Mischung aus beiden Techniken täuscht das Auge ohne unnötige Produktionskosten.

Der Oscar-nominierte Animator Bill Plympton ist bekannt für seinen Animationsstil, der sehr wenige Zwischensequenzen und Sequenzen verwendet, die „zu dritt“ oder „zu viert“ ausgeführt werden, wobei jede Zeichnung von 1/8 bis 1/6 auf dem Bildschirm gehalten wird von einer Sekunde. Während Plympton nahezu konstante Drei-Frame-Holds verwendet, werden manchmal Animationen, die im Durchschnitt einfach acht Zeichnungen pro Sekunde ausführen, auch als "auf Dreien" bezeichnet und normalerweise durchgeführt, um Budgetbeschränkungen zu erfüllen, zusammen mit anderen Kostensenkungsmaßnahmen wie dem Halten derselben Zeichnung von a Charakter für längere Zeit oder Schwenken über ein Standbild, Techniken, die häufig in Low-Budget-TV-Produktionen verwendet werden. Es ist auch im Anime üblich , wo Fließfähigkeit geopfert wird, anstatt sich in Richtung Komplexität in den Designs und Schattierungen zu bewegen (im Gegensatz zu den funktionaleren und optimierteren Designs in der westlichen Tradition); Selbst High-Budget-Theaterfunktionen wie die von Studio Ghibli nutzen die gesamte Bandbreite: von flüssigen Animationen „auf Einsen“ in ausgewählten Aufnahmen (normalerweise schnelle Action-Akzente) bis hin zu gewöhnlichen Animationen „auf Dreien“ für regelmäßige Dialoge und langsame Aufnahmen.

Animationsschleifen

Ein durch Rotoskopie animiertes Pferd aus Fotos von Eadweard Muybridge aus dem 19. Jahrhundert. Die Animation besteht aus 8 Zeichnungen, die "geloopt", dh immer wieder wiederholt werden. Auch dieses Beispiel ist "shot on twos", dh mit 12 Ziehungen pro Sekunde dargestellt.

Das Erstellen von Animationsschleifen oder Animationszyklen ist eine arbeitssparende Technik zum Animieren sich wiederholender Bewegungen, z. B. das Gehen einer Figur oder eine Brise, die durch die Bäume weht. Beim Gehen wird die Figur animiert, einen Schritt mit dem rechten Fuß und dann einen Schritt mit dem linken Fuß zu machen. Die Schleife wird so erstellt, dass die Bewegung nahtlos ist, wenn sich die Sequenz wiederholt. Im Allgemeinen werden sie von Produktionen mit mittleren oder hohen Budgets nur sparsam eingesetzt.

Ryan Larkins 1969 für den Oscar nominierter Kurzfilm „ Walking“ des National Film Board of Canada nutzt Schleifen auf kreative Weise. Darüber hinaus machte sich ein Werbe-Musikvideo von Cartoon Networks Groovies mit dem Soul Coughing - Song „Circles“ über Animationsschleifen lustig, wie sie oft in The Flintstones zu sehen sind , in denen Fred und Barney (zusammen mit verschiedenen Hanna-Barbera-Charakteren, die ausgestrahlt wurden bei Cartoon Network), die angeblich in ein Haus gehen, wundern sich, warum sie immer wieder an demselben Tisch und derselben Vase vorbeigehen.

Mehrebenenprozess

Das Multiplane-Verfahren ist eine Technik, die hauptsächlich verwendet wird, um zweidimensionalen Animationsfilmen ein Gefühl von Tiefe oder Parallaxe zu verleihen. Um diese Technik in der traditionellen Animation zu verwenden, wird das Bildmaterial gemalt oder auf separaten Ebenen platziert, die als Ebenen bezeichnet werden. Diese Ebenen, die typischerweise aus Ebenen aus transparentem Glas oder Plexiglas aufgebaut sind, werden dann ausgerichtet und mit bestimmten Abständen zwischen jeder Ebene platziert. Die Reihenfolge, in der die Ebenen platziert werden, und der Abstand zwischen ihnen wird durch das Element der Szene auf der Ebene sowie durch die beabsichtigte Tiefe der gesamten Szene bestimmt. Eine über oder vor den Ebenen angebrachte Kamera bewegt ihren Fokus während der Aufnahme der einzelnen Animationsframes auf die Ebenen zu oder von diesen weg. Bei manchen Geräten können die einzelnen Ebenen auf die Kamera zu oder von ihr weg bewegt werden. Dadurch entsteht beim Betrachter der Eindruck, er bewege sich wie in einem dreidimensionalen Raum durch die einzelnen Kunstschichten.

Geschichte

Vorläufer dieser Technik und der zu ihrer Umsetzung verwendeten Ausrüstung tauchten Ende des 19. Jahrhunderts auf. Bemalte Glasscheiben wurden oft in matten Aufnahmen und Glasaufnahmen verwendet, wie in der Arbeit von Norman Dawn zu sehen ist . 1923 bauten Lotte Reiniger und ihr Animationsteam eine der ersten Animationsstrukturen mit mehreren Ebenen, ein Gerät namens Tricktisch . Sein vertikales Design von oben nach unten ermöglichte die Anpassung einzelner stationärer Ebenen über Kopf. Der Tricktisch wurde bei den Dreharbeiten zu „ Die Abenteuer des Prinzen Achmed “ , einem von Reinigers bekanntesten Werken, verwendet. Zukünftige Mehrebenen-Animationsgeräte würden im Allgemeinen das gleiche vertikale Design wie Reinigers Gerät verwenden. Eine bemerkenswerte Ausnahme von diesem Trend war die Setback-Kamera, die von Fleischer Studios entwickelt und verwendet wurde . Dieses Gerät verwendete dreidimensionale Miniaturmodelle von Sets mit animierten Cels , die an verschiedenen Positionen innerhalb des Sets platziert wurden. Diese Platzierung erweckte den Eindruck von Objekten, die sich vor und hinter den animierten Charakteren bewegen, und wurde oft als Tabletop-Methode bezeichnet.

Einfluss

Die Verbreitung und Entwicklung der Multiplane-Animation half Animatoren, Probleme mit Bewegungsverfolgung und Szenentiefe zu lösen und Produktionszeiten und -kosten für animierte Werke zu reduzieren. In einer Aufzeichnung von 1957 erklärte Walt Disney, warum Bewegungsverfolgung ein Problem für Animatoren war und was Multiplane-Animation tun könnte, um es zu lösen. Anhand eines zweidimensionalen Standbilds eines animierten Bauernhauses bei Nacht demonstrierte Disney, dass das Heranzoomen der Szene mit traditionellen Animationstechniken der damaligen Zeit den Mond vergrößerte. In der realen Erfahrung würde der Mond nicht größer werden, wenn sich ein Betrachter einem Bauernhaus nähert. Die Multiplane-Animation löste dieses Problem, indem sie den Mond, das Bauernhaus und das Ackerland in separate Ebenen aufteilte, wobei der Mond am weitesten von der Kamera entfernt war. Um den Zoom-Effekt zu erzeugen, wurden die ersten beiden Flugzeuge während der Dreharbeiten näher an die Kamera gerückt, während das Flugzeug mit dem Mond in seiner ursprünglichen Entfernung blieb. Dies verlieh der Szene eine Tiefe und Fülle, die dem wirklichen Leben ähnlicher war, was zu dieser Zeit ein wichtiges Ziel für viele Animationsstudios war.

Xerographie

Die elektrostatische Kopiertechnik namens Xerographie wurde Ende der 1950er Jahre von Ub Iwerks im Walt Disney Studio auf die Animation angewendet und ermöglichte es, die Zeichnungen direkt auf die Cels zu kopieren, wodurch ein Großteil des "Tinten" -Teils des Tinten- und Farbprozesses eliminiert wurde. Dies sparte Zeit und Geld und ermöglichte es außerdem, mehr Details einzugeben und die Größe der kopierten Objekte und Zeichen zu kontrollieren. Anfangs führte dies zu einem skizzenhafteren Aussehen, aber die Technik wurde im Laufe der Zeit verbessert.

Der Disney-Animator und Ingenieur Bill Justice hatte 1944 einen Vorläufer des Xerox-Verfahrens patentieren lassen, bei dem mit einem speziellen Stift erstellte Zeichnungen durch Druck auf eine Zelle übertragen und dann fixiert wurden. Es ist nicht bekannt, ob das Verfahren jemals in Animationen verwendet wurde.

Die xerografische Methode wurde erstmals von Disney in einigen Szenen von Dornröschen getestet und erstmals vollständig im Kurzfilm Goliath II verwendet , während der erste Spielfilm, der dieses Verfahren vollständig verwendete, One Hundred and One Dalmatians (1961) war. Der grafische Stil dieses Films wurde stark von dem Prozess beeinflusst. In diesem und nachfolgenden Filmen wurde immer noch Handeinfärbung zusammen mit Xerographie verwendet, wenn deutliche farbige Linien benötigt wurden. Später wurden farbige Toner verfügbar, und mehrere unterschiedliche Linienfarben konnten sogar gleichzeitig verwendet werden. Zum Beispiel sind die Umrisse der Charaktere in The Rescuers grau. Weiße und blaue Toner wurden für Spezialeffekte wie Schnee und Wasser verwendet.

Der APT-Prozess

Hauptartikel: APT-Prozess

Das von Dave Spencer für den Disney-Film The Black Cauldron von 1985 erfundene APT-Verfahren (Animation Photo Transfer) war eine Technik zum Übertragen der Kunst der Animatoren auf Cels. Im Grunde war das Verfahren eine Modifikation eines reprofotografischen Verfahrens; Die Arbeit der Künstler wurde auf kontrastreichem "Litho" -Film fotografiert, und das Bild auf dem resultierenden Negativ wurde dann auf eine Zelle übertragen, die mit einer Schicht aus lichtempfindlichem Farbstoff bedeckt war. Die Zelle wurde durch das Negativ belichtet. Dann wurden Chemikalien verwendet, um den unbelichteten Teil zu entfernen. Kleine und feine Details wurden bei Bedarf noch von Hand eingefärbt. Spencer erhielt einen Academy Award for Technical Achievement für die Entwicklung dieses Verfahrens.

Rotoskopie

Rotoskopie ist eine Methode der traditionellen Animation, die 1915 von Max Fleischer erfunden wurde , bei der die Animation über tatsächliches Filmmaterial von Schauspielern und Kulissen "nachgezeichnet" wird. Traditionell wird die Live-Action Bild für Bild ausgedruckt und registriert. Ein weiteres Blatt Papier wird dann über die Ausdrucke der Live-Action gelegt und die Aktion Bild für Bild mit einer Lightbox nachgezeichnet. Das Endergebnis sieht immer noch wie von Hand gezeichnet aus, aber die Bewegung wird bemerkenswert lebensecht sein. Die Filme Waking Life und American Pop sind rotoskopierte Filme in voller Länge. Rotoskopierte Animationen erscheinen auch in den Musikvideos zu A-has Song „ Take On Me “ und Kanye Wests „ Heartless “. In den meisten Fällen wird Rotoskopie hauptsächlich verwendet, um die Animation von realistisch gerenderten Menschen zu unterstützen, wie in Schneewittchen und die sieben Zwerge , Peter Pan und Dornröschen .

Später wurde eine mit dem konventionellen Rotoskopieren verwandte Methode für die Animation fester unbelebter Objekte wie Autos, Boote oder Türen erfunden. Ein kleines Live-Action-Modell des gewünschten Objekts wurde gebaut und weiß bemalt, während die Kanten des Modells mit dünnen schwarzen Linien bemalt wurden. Das Objekt wurde dann je nach Bedarf für die animierte Szene gefilmt, indem das Modell, die Kamera oder eine Kombination aus beidem in Echtzeit oder mit Stop-Motion-Animation bewegt wurden. Die Filmrahmen wurden dann auf Papier gedruckt und zeigten ein Modell aus den gemalten schwarzen Linien. Nachdem die Künstler dem Objekt Details hinzugefügt hatten, die in der Live-Action-Fotografie des Modells nicht vorhanden waren, wurde es auf Cels kopiert. Ein bemerkenswertes Beispiel ist das Auto von Cruella de Vil in Disneys One Hundred and One Dalmatians . Der Prozess der Übertragung von 3D-Objekten auf Cels wurde in den 1980er Jahren erheblich verbessert, als die Computergrafik so weit fortgeschritten war, dass computergenerierte 3D-Objekte erstellt werden konnten, die auf beliebige Weise von den Animatoren manipuliert und dann vor dem Kopieren als Umrisse auf Papier gedruckt werden konnten auf Cels mit Xerographie oder dem APT-Prozess. Diese Technik wurde in Disney-Filmen wie Oliver and Company (1988) und The Little Mermaid (1989) verwendet. Dieser Prozess wurde mehr oder weniger durch die Verwendung von Cel-Shading ersetzt.

Mit dem Rotoskopieren verwandt sind die Methoden der Vektorisierung von Live-Action-Aufnahmen, um ein sehr grafisches Aussehen zu erzielen, wie in Richard Linklaters Film A Scanner Darkly .

Live-Action-Hybride

Hauptartikel: Live-Action-Animationsfilm

Ähnlich wie bei den oben beschriebenen Hybriden aus Computeranimation und traditioneller Animation kombiniert eine Produktion gelegentlich sowohl Live-Action- als auch animiertes Filmmaterial. Die Live-Action-Teile dieser Produktionen werden normalerweise zuerst gedreht, wobei die Schauspieler so tun, als würden sie mit den animierten Charakteren, Requisiten oder Kulissen interagieren. Später wird dem Filmmaterial eine Animation hinzugefügt, damit es so aussieht, als wäre es schon immer da gewesen. Wie Rotoskopie wird diese Methode selten verwendet, aber wenn sie es ist, kann sie mit großartiger Wirkung durchgeführt werden und das Publikum in eine Fantasiewelt eintauchen lassen, in der Menschen und Cartoons koexistieren. Frühe Beispiele sind die stummen Cartoons Out of the Inkwell (begonnen 1919) von Max Fleischer und Walt Disneys Alice Comedies ( begonnen 1923). Live-Action und Animation wurden später in Features wie Song of the South (1946), The Incredible Mr. Limpet , Mary Poppins (beide 1964), Who Framed Roger Rabbit (1988), Cool World (1992), Space Jam kombiniert (1996), Looney Tunes: Back in Action (2003), The SpongeBob SquarePants Movie (2004) und Enchanted (2007), um nur einige zu nennen. Die Technik wurde auch in Fernsehwerbespots eingesetzt, insbesondere für Frühstückszerealien , die an Kinder vermarktet werden, um sie zu interessieren und den Umsatz zu steigern.

Spezialeffekt-Animation

Siehe auch: Spezialeffekt § Spezialeffektanimation

Neben traditionell animierten Charakteren, Objekten und Hintergründen werden viele andere Techniken verwendet, um spezielle Elemente wie Rauch, Blitze und "Magie" zu erzeugen und der Animation im Allgemeinen ein unverwechselbares visuelles Erscheinungsbild zu verleihen. Heute werden Spezialeffekte meist mit Computern gemacht, aber früher mussten sie von Hand gemacht werden. Um diese Effekte zu erzeugen, verwendeten die Animatoren verschiedene Techniken, wie z . B. Trockenbürste , Airbrush , Kohle, Fettstift , Backlit- Animation, Streuscheiben, Filter oder Gele . Zum Beispiel hat das Nussknacker-Suite - Segment in Fantasia eine Feensequenz, in der getüpfelte Cels verwendet werden, um einen weichen Pastell-Look zu erzeugen.

Moderne Techniken

Die oben genannten Methoden beschreiben die Techniken eines Animationsprozesses, der ursprünglich auf Cels in seiner Endphase beruhte, aber gemalte Cels sind heute selten, da der Computer in das Animationsstudio einzieht, und die Umrisszeichnungen normalerweise in den Computer eingescannt und mit Digital gefüllt werden malen, anstatt auf Cels übertragen und dann von Hand koloriert zu werden. Die Zeichnungen werden in einem Computerprogramm auf vielen transparenten "Ebenen" ähnlich wie bei Cels zusammengesetzt und zu einer Bildfolge verarbeitet, die dann auf Film übertragen oder in ein digitales Videoformat konvertiert werden kann .

Es ist jetzt auch möglich, dass Animatoren mit einem Grafiktablett wie einem Cintiq oder einem ähnlichen Gerät direkt in einen Computer zeichnen, wobei die Umrisszeichnungen auf ähnliche Weise wie auf Papier erstellt werden. Der Goofy - Kurzfilm How To Hook Up Your Home Theater (2007) war Disneys erstes Projekt, das auf der heute verfügbaren papierlosen Technologie basiert. Einige der Vorteile sind die Möglichkeit und das Potenzial, die Größe der Zeichnungen während der Bearbeitung zu steuern, direkt auf einem Hintergrund mit mehreren Ebenen zu zeichnen und das Fotografieren von Linientests und Scannen überflüssig zu machen.

Obwohl herkömmliche Animationen heute üblicherweise mit Computern durchgeführt werden, ist es wichtig, computergestützte traditionelle Animationen von 3D-Computeranimationen wie Toy Story , Shrek , Jimmy Neutron: Boy Genius und Ice Age zu unterscheiden . Oft werden jedoch traditionelle Animation und 3D-Computeranimation zusammen verwendet, wie in Don Bluths Titan AE und Disneys Hercules , Tarzan , Atlantis: The Lost Empire und Treasure Planet . Die meisten Animes und viele westliche Zeichentrickserien verwenden auch heute noch traditionelle Animationen, wie Ghost in the Shell , Neon Genesis Evangelion und Cowboy Bebop . Jeffrey Katzenberg , Geschäftsführer von DreamWorks , prägte den Begriff „tradigitale Animation“, um Animationsfilme zu beschreiben, die von seinem Studio produziert wurden und Elemente traditioneller und Computeranimation gleichermaßen enthielten, wie The Road to El Dorado , Spirit: Stallion of the Cimarron und Sindbad: Legend of the Sieben Meere .

Viele Videospiele wie Viewtiful Joe , The Legend of Zelda: The Wind Waker , Ico , Ōkami , Mirror's Edge und andere verwenden " Cel-Shading "-Animationsfilter oder Beleuchtungssysteme, um ihre vollständige 3D-Animation so erscheinen zu lassen, als wäre sie eingezeichnet ein traditioneller Cel-Stil. Diese Technik wurde auch im Animationsfilm Appleseed verwendet , und Cel-Shading-3D-Animation wird typischerweise in Disney-Filme und in viele Fernsehsendungen wie Fox 's Futurama , Family Guy und American Dad! und die beiden Nickelodeon -Animationsserien Invader Zim und The Fairly Odparents . In einer Szene des Pixar-Films Ratatouille aus dem Jahr 2007 spricht eine Illustration von Gusteau (in seinem Kochbuch) mit Remy (der sich in dieser Szene in den Abwasserkanälen von Paris verirrte) als eine Erfindung von Remys Fantasie; Diese Szene wird auch als Beispiel für Cel-Shading in einem animierten Feature angesehen. In jüngerer Zeit haben animierte Kurzfilme wie Paperman , Feast und The Dam Keeper einen unverwechselbareren Stil der Cel-Shading-3D-Animation verwendet, die ein Aussehen und Gefühl einfängt, das einem „sich bewegenden Gemälde“ ähnelt.

Computer und digitale Videokameras

Zu den häufigsten Arten von Animationstribünenkameras gehörte die Oxberry. Solche Kameras bestanden immer aus schwarz eloxiertem Aluminium und hatten üblicherweise 2 Stiftstangen, 1 oben und 1 unten im Leuchtkasten. Die Oxberry Master-Serie hatte 4 Wirbelstangen, 2 oben und 2 unten, und verwendete manchmal auch eine "schwimmende Wirbelstange". Die Höhe der Säule, auf der die Kamera montiert war, bestimmte den erreichbaren Zoomfaktor eines Kunstwerks. Solche Kameras waren massive mechanische Dinger, die fast eine Tonne wiegen konnten und Stunden brauchten, um zusammenzubrechen oder aufzubauen.

In den späteren Jahren der Animationstribünenkamera wurden computergesteuerte Schrittmotoren an den verschiedenen Bewegungsachsen der Kamera angebracht, wodurch viele Stunden des manuellen Ankurbelns durch menschliche Bediener eingespart wurden. Nach und nach wurden Bewegungssteuerungstechniken in der gesamten Branche übernommen.

Digitale Tinten- und Malprozesse machten diese traditionellen Animationstechniken und -geräte allmählich überflüssig.

Computer und digitale Videokameras können auch als Werkzeuge in der traditionellen Cel-Animation verwendet werden, ohne den Film direkt zu beeinflussen, was die Animatoren bei ihrer Arbeit unterstützt und den gesamten Prozess schneller und einfacher macht. Das Erstellen der Layouts auf einem Computer ist viel effektiver als die Erstellung herkömmlicher Methoden. Zusätzlich bieten Videokameras die Möglichkeit, eine „Vorschau“ der Szenen zu sehen und wie sie aussehen werden, wenn sie fertig sind, sodass die Animatoren sie korrigieren und verbessern können, ohne sie zuerst fertigstellen zu müssen. Dies kann als eine digitale Form des Bleistifttests betrachtet werden .

Das bekannteste Gerät für die Multiplane-Animation war die Multiplane-Kamera . Dieses Gerät, das ursprünglich vom ehemaligen Animator / Regisseur der Walt Disney Studios , Ub Iwerks , entworfen wurde, ist ein vertikaler, von oben nach unten gerichteter Kamerakran, der auf mehrere, individuell einstellbare Glasflächen gemalte Szenen aufnahm. Die beweglichen Ebenen ermöglichten eine veränderbare Tiefe innerhalb einzelner animierter Szenen. In späteren Jahren würden die Disney Studios diese Technologie für ihre eigenen Zwecke übernehmen. Die 1937 von William Garity entworfene Kamera mit mehreren Ebenen, die für den Film Schneewittchen und die sieben Zwerge verwendet wurde, verwendete Kunstwerke, die auf bis zu sieben separate, bewegliche Ebenen gemalt wurden, sowie eine vertikale Kamera von oben nach unten.

Der letzte Animationsfilm von Disney, der die Verwendung ihrer Multiplane-Kamera vorstellte, war The Little Mermaid , obwohl die Arbeit ausgelagert wurde, da Disneys Ausrüstung zu diesem Zeitpunkt nicht in Betrieb war. Die Verwendung der Mehrebenenkamera oder ähnlicher Geräte ging aufgrund der Produktionskosten und des Aufstiegs der digitalen Animation zurück. Beginnend weitgehend mit der Verwendung von CAPS würden digitale Mehrebenenkameras dazu beitragen, den Prozess des Hinzufügens von Ebenen und Tiefe zu animierten Szenen zu rationalisieren.

Siehe auch

Verweise

Zitate

Quellen

Externe Links