Vibrato - Vibrato

Vibrato ( italienisch , aus dem Partizip Perfekt von „ vibrare “, vibrieren) ist ein musikalischer Effekt, der aus einem regelmäßigen, pulsierenden Tonhöhenwechsel besteht . Es wird verwendet, um Vokal- und Instrumentalmusik Ausdruck zu verleihen. Vibrato wird typischerweise durch zwei Faktoren charakterisiert: den Betrag der Tonhöhenvariation ("Ausmaß des Vibratos") und die Geschwindigkeit, mit der die Tonhöhe variiert wird ("Rate des Vibratos").

Beim Singen kann es durch Variationen im Kehlkopf spontan auftreten . Das Vibrato eines Saiten- und Blasinstruments ist eine Imitation dieser Stimmfunktion.

Vibrato und Tremolo

Spektrogramm zur Veranschaulichung des Unterschieds zwischen Tremolo und Vibrato

Die Begriffe Vibrato und Tremolo werden manchmal fälschlicherweise synonym verwendet, obwohl sie (in der klassischen Welt) richtig als separate Effekte definiert sind, wobei Vibrato als periodische Variation der Tonhöhe (Frequenz) einer Musiknote und Tremolo als schnelle Wiederholung von dieselbe Note (normalerweise eine Sechzehntel) um den hörbaren Effekt einer längeren Note zu erzeugen, insbesondere bei Instrumenten, die nicht die Fähigkeit haben, lange gehaltene Noten zu erzeugen, wie beispielsweise die Gitarre. In der Praxis ist es für einen Sänger oder Musikinstrumentenspieler schwierig, ein reines Vibrato oder Tremolo zu erreichen (bei dem nur die Tonhöhe oder nur die Lautstärke variiert wird), und Variationen sowohl der Tonhöhe als auch der Lautstärke werden oft gleichzeitig erreicht. Elektronische Manipulation oder Signalerzeugung erleichtert das Erreichen oder Vorführen von reinem Tremolo oder Vibrato. In der Welt der E-Gitarre und der Schallplattenproduktion behält Vibrato die gleiche Bedeutung wie in der klassischen Welt (eine periodische Variation der Tonhöhe), aber Tremolo beschreibt eine periodische Variation der Lautstärke, die normalerweise mit externen Effektgeräten erreicht wird .

Leslie-Sprecher

Ein Leslie-Lautsprecher (am besten bekannt durch seine historische und populäre Verbindung mit der Hammond-Orgel ) erzeugt Vibrato als Nebenprodukt der Tremolo-Produktion. Wenn ein Leslie-Lautsprecher durch den Drehmechanismus, an dem er montiert ist, bewegt wird, bewegt er sich näher an oder weiter weg von einem bestimmten Objekt (wie den Ohren eines Zuhörers), das nicht ebenfalls auf dem Mechanismus montiert ist. Da die Amplitude direkt mit dem Schalldruck ( A = k 1 P ) und der Schalldruck direkt mit der Entfernung ( P = k 2 d ) variiert, variiert die Amplitude auch direkt mit der Entfernung ( A = k 1 (k 2 d) = k 1 k 2 d ), ist die vom Hörer wahrgenommene Schallamplitude am größten, wenn sich der Lautsprecher an dem Punkt seiner Drehung am nächsten zum Hörer befindet, und am geringsten, wenn der Lautsprecher am weitesten entfernt ist. Da sich der Lautsprecher jedoch ständig entweder auf den Hörer zu oder von ihm weg bewegt, beeinflusst die Rotation des Mechanismus ständig die Wellenlänge des vom Hörer wahrgenommenen Schalls, indem die Welle entweder "gedehnt" (erhöhte Wellenlänge) oder "gequetscht" wird (abnehmende Wellenlänge) - und Da die Frequenz, dh die Tonhöhe, umgekehrt proportional zur Wellenlänge ist , so dass eine zunehmende Wellenlänge die Frequenz verringert und umgekehrt, muss jeder Hörer, bei dem die Bewegung des Sprechers die wahrgenommene Amplitude des Schalls ändert ( dh jeder Hörer, dessen Abstand zum Sprecher sich ändert), ebenfalls eine Frequenzänderung wahrnehmen .

Akustische Basis

Die Verwendung von Vibrato soll einer Note Wärme verleihen. Bei vielen Saiteninstrumenten ist der abgestrahlte Schall stark gerichtet, insbesondere bei hohen Frequenzen, und die für das Vibrato-Spiel typischen leichten Tonhöhenschwankungen können zu großen Änderungen der Richtungsmuster des abgestrahlten Schalls führen. Dies kann dem Klang einen Schimmer verleihen; mit einem gut gemachten Instrument kann es auch dazu beitragen, dass ein Solospieler klarer gehört wird, wenn er mit einem großen Orchester spielt.

Dieser direktionale Effekt soll mit der Raumakustik interagieren, um den Klang interessanter zu machen, ähnlich wie ein Akustikgitarrist die Box bei einem letzten Sustain herumschwingen kann oder die rotierende Schallwand eines Leslie-Lautsprechers den Klang herumwirbelt der Raum.

Typisches Ausmaß von Vibrato

Das Ausmaß der Tonhöhenvariation während des Vibratos wird vom Interpreten gesteuert. Der Umfang des Vibratos für Solosänger beträgt normalerweise weniger als einen Halbton (100 Cent ) auf beiden Seiten der Note, während Sänger in einem Chor normalerweise ein schmaleres Vibrato mit einem Umfang von weniger als einem Zehntel eines Halbtons (10 Cent ) auf jeder Seite verwenden. Blas- und Streichinstrumente verwenden im Allgemeinen Vibratos mit einer Ausdehnung von weniger als einem halben Halbton auf jeder Seite.

Verwendung von Vibrato in verschiedenen Musikgenres

Vibrato wird manchmal als ein Effekt betrachtet, der der Note selbst hinzugefügt wird, aber in einigen Fällen ist es so vollständig Teil des Musikstils, dass es für einige Interpreten sehr schwierig sein kann, ohne es zu spielen. Der Jazz Tenorsax Spieler Coleman Hawkins fand er diese Schwierigkeit hatte , als eine Passage zu spielen angefordert sowohl mit als auch ohne Vibrato von Leonard Bernstein , als sein Rekordalbum produzieren „What Jazz ist“ , um den Unterschied zwischen den beiden zu demonstrieren. Trotz seiner Technik konnte er ohne Vibrato nicht spielen. Der bekannte Saxophonist in Benny Goodmans Orchestra, George Auld, wurde für die Rolle geholt.

Viele klassische Musiker, insbesondere Sänger und Streicher , haben ein ähnliches Problem. Der Geiger und Lehrer Leopold Auer riet in seinem Buch Violin Playing as I Teach It (1920) Geigern, das Spielen ganz ohne Vibrato zu üben und das Spielen für einige Minuten zu unterbrechen, sobald sie bemerkten, dass sie mit Vibrato spielen, um um die volle Kontrolle über ihre Technik zu erlangen.

In klassischer Musik

Die Verwendung von Vibrato in der klassischen Musik ist umstritten. Während eines Großteils des 20. Jahrhunderts wurde es fast durchgehend bei der Aufführung von Stücken aus allen Epochen ab dem Barock verwendet, insbesondere von Sängern und Streichern.

Der Aufstieg der fiktiv historisch informierten („Periode“) Darbietung ab den 1970er Jahren hat ihre Verwendung, insbesondere in der Musik des Barock und der Klassik, dramatisch verändert. Es gibt jedoch keinen tatsächlichen Beweis dafür, dass Sänger in der Barockzeit ohne Vibrato auftraten. Insbesondere der Komponist Lodovico Zacconi befürwortete, dass Vibrato "immer verwendet werden sollte".

Vokalmusik der Renaissance wird in der Regel fast nie mit Vibrato gesungen, und es scheint unwahrscheinlich, dass dies jemals der Fall war; Es sollte jedoch verstanden werden, dass "Vibrato" über einen weiten Bereich von Intensitäten auftritt: langsam, schnell, breit und schmal. Die meisten Quellen, die diese Praxis verurteilen, scheinen sich auf eine breite, langsame, wahrnehmbare Schwingung der Tonhöhe zu beziehen, die normalerweise mit intensiven Emotionen verbunden ist, während das Ideal für das moderne Vibrato und möglicherweise auch in früheren Zeiten darin bestand, das natürliche Timbre des . zu imitieren erwachsene Singstimme, bei der ein Vibrato-Maß (es wurde inzwischen gezeigt) selten fehlt.

Leopold Mozart ‚s Versuch einer gründlichen Violinschule (1756), zum Beispiel, liefert einen Hinweis auf den Zustand der Vibrato in Zeichenfolge Spiel am Ende des Barocks. Darin räumt er ein, dass „es Interpreten gibt, die ständig bei jeder Note zittern, als ob sie das permanente Fieber hätten“, verurteilt die Praxis und schlägt stattdessen vor, Vibrato nur bei gehaltenen Noten und am Ende von Phrasen zu verwenden, wenn es als eine Zierde. Dies ist jedoch nur ein Hinweis auf Mozarts persönlichen Geschmack, der auf der Tatsache beruht, dass er ein gebildeter Komponist des späten Rokoko /Klassik war. Mozart erkennt den Unterschied an zwischen dem schweren, ornamentalen Vibrato, das er als verwerflich empfindet, und einer kontinuierlicheren Anwendung der Technik, die weniger aufdringlich ist, um die Tonqualität zu verbessern (in diesem Fall bezeichnet er es nicht als "Vibrato" oder "Tremolo" at alle; beschreiben es nur als einen Aspekt des korrekten Fingersatzes). In dieser Hinsicht ähnelt er seinem Zeitgenossen Francesco Geminiani, der dafür plädierte, Vibrato "so häufig wie möglich" auf kurzen Tönen zu verwenden. Obwohl es keinen klanglichen Beweis dafür gibt, dass die Streicher in Europa kein Vibrato verwendeten, da es seit mehr als 150 Jahren keine Audioaufnahmen gab, wurde seine übermäßige Verwendung von den führenden Musikautoren der Zeit fast allgemein verurteilt.

Bestimmte Vibrato-Arten wurden damals als Ornament angesehen, was jedoch nicht bedeutet, dass es sparsam eingesetzt wurde. Im Wind zu spielen, scheint es , dass Vibrato in der Musik des 20. Jahrhundert wurde als gesehen Ornament , selektiv verwendet werden. Martin Agricola schreibt in seiner Musica instrumentalis deudsch (1529) auf diese Weise vom Vibrato. Gelegentlich haben Komponisten bis in die Barockzeit das Vibrato mit einer Wellenlinie in den Noten angegeben . Auch dies bedeutet nicht, dass er für den Rest des Stücks nicht erwünscht war, ebenso wenig wie die seltene Verwendung des Begriffs in Werken des 20. Jahrhunderts darauf hindeutet, dass er nicht an anderer Stelle verwendet wird.

Vibrato-Kriege

Musik von spätromantischen Komponisten wie Richard Wagner und Johannes Brahms wird heute mit einem ziemlich durchgehenden Vibrato gespielt. Einige Musiker, die sich auf historisch informierte Aufführungen spezialisiert haben, wie der Dirigent Roger Norrington , argumentieren jedoch, dass es unwahrscheinlich ist, dass Brahms, Wagner und ihre Zeitgenossen eine solche Spielweise erwartet hätten. Diese Ansicht hat erhebliche Kontroversen ausgelöst. Die Ansicht, dass das kontinuierliche Vibrato von Fritz Kreisler und einigen seiner Kollegen erfunden wurde , wird durch frühe Tonaufnahmen belegt, die angeblich belegen, dass diese reiche Verwendung von Vibrato erst im 20. Jahrhundert auftauchte.

Das angebliche Wachstum des Vibratos im Orchesterspiel des 20. Jahrhunderts wurde von Norrington durch das Studium früher Audioaufnahmen verfolgt, aber seine Gegner behaupten, dass seine Interpretationen von den tatsächlichen Samples nicht unterstützt werden. Norrington behauptet, dass Vibrato in den frühesten Aufnahmen nur selektiv als Ausdrucksmittel verwendet wird; die Berliner Philharmoniker wurden erst 1935 mit einem dem modernen Vibrato vergleichbaren Vibrato aufgenommen, die Wiener Philharmoniker erst 1940. Französische Orchester scheinen etwas früher, ab den 1920er Jahren, mit kontinuierlichem Vibrato gespielt zu haben.

Verteidiger des Vibratos behaupten, dass die klanglichen Beschränkungen von 78-U/min-Aufnahmen, insbesondere in Bezug auf Obertöne und Hochtoninformationen, eine unumstrittene Bewertung früherer Spieltechniken erschweren (obwohl frühe Aufnahmen von Opernsängern klar zu erkennen sind das Ausmaß, in dem ein Vibrato in ihren Stimmen vorhanden [oder nicht] ist). Darüber hinaus weisen die Verteidiger des Vibratos darauf hin, dass zwischen der Art des Vibratos eines Solospielers und dem Sektionsvibrato eines ganzen Streicherensembles zu unterscheiden sei, das als solche nicht als einheitliche Größe zu hören ist. Sie manifestiert sich vielmehr in der Wärme und Amplitude des erzeugten Klangs, im Gegensatz zu einem wahrnehmbaren Schwanken der Tonhöhe. Dass schon in den 1880er Jahren Komponisten wie Richard Strauss (in seinen Tondichtungen „Don Juan“ und „Tod und Verklärung“) sowie Camille Saint-Saëns (Symphonie Nr. 3 „Orgel“) Streicher zu Auftritten aufforderten gewisse Passagen "ohne Ausdruck" oder "ohne Nuancen" deuten etwas auf die allgemeine Verwendung von Vibrato innerhalb des Orchesters als selbstverständlich hin; ebenso können Hinweise von Mahler und Debussy, die ausdrücklich den Einsatz von Vibrato in bestimmten Passagen fordern, auf die gegenteilige Praxis hindeuten.

Trotzdem ist die Verwendung von Vibrato in der spätromantischen Musik immer noch üblich, obwohl von Roger Norrington und anderen der historisch informierten Aufführungsbewegung in Frage gestellt . Aufführungen von Komponisten von Beethoven bis Arnold Schönberg mit eingeschränktem Vibrato sind heute üblich. Norrington verursachte Kontroverse während der 2008 Proms Saison durch die Durchführung Edward Elgar ‚s Enigma Variations , und die Last Night of the Proms , in nicht-Vibrato - Stil, die er als reinen Ton . Einige sind der Ansicht, dass Vibrato eine emotionale Tiefe hinzufügt, die den Klang der Musik verbessert, auch wenn es nicht den Vorstellungen des Komponisten entspricht. Andere meinen, dass der schlankere Klang des vibratolosen Spiels vorzuziehen ist. In der klassischen Musik des 20. Jahrhunderts , die zu einer Zeit geschrieben wurde, als der Gebrauch von Vibrato weit verbreitet war, gibt es manchmal eine spezifische Anweisung, es nicht zu verwenden (in einigen Streichquartetten von Béla Bartók zum Beispiel). Darüber hinaus sind einige moderne klassische Komponisten, insbesondere minimalistische Komponisten, jederzeit gegen die Verwendung von Vibrato.

In der Barockmusik

Auf dem Clavichord bezeichnet Tremolo ( Bebung ) einen Vibrato-Effekt, der durch Variation des Tastendrucks erzeugt wird.

Theoretiker und Autoren von Abhandlungen über Instrumentaltechnik der Epoche verwendeten regelmäßig Tremolo oder Bebung, um auf Vibrato auf anderen Instrumenten und in der Stimme zu verweisen; jedoch gab es keine einheitliche Übereinstimmung in der Bedeutung des Begriffs.

Einige einflussreiche Autoren wie Matteson und Hiller glaubten, dass das natürliche Zittern in der Stimme auftrat, "ohne es höher oder niedriger zu machen". Dies könnte bei Saiteninstrumenten durch Variieren der Bogengeschwindigkeit, Winken mit der Hand oder Rollen des Bogens in den Fingern erreicht werden. Auf der Orgel entsteht eine ähnliche Wirkung durch den Tremulant . (Im Gegensatz zu seiner Beschreibung empfahl Hiller Streichern, die Tonhöhe durch Rollen der Finger zu variieren, um den Effekt zu erzielen).

Andere Autoren scheinen graduell zu differenzieren. Leopold Mozart nimmt Tremolo in Kapitel 11 seiner Violin-Abhandlung auf, beschreibt aber in Kapitel 5 über die Tonerzeugung eine namenlose Vibrato-Technik. Sein Sohn, Wolfgang Amadeus Mozart , scheint die genau entgegengesetzte Definition als seinen Vater zu haben: In einem Brief an seinen Vater kritisiert Mozart Sänger dafür, dass sie ihre Stimme über die natürliche Schwankung der Stimme hinaus "pulsieren", wobei letztere angenehm sein sollte nachgeahmt auf Violine, Bläsern und Clavichord (mit Bebung).

Bei anderen Autoren wie Tartini , Zacconi und Bremner (Schüler von Geminiani ) gibt es keinen Unterschied zwischen den beiden.

Flöten-Abhandlungen dieser Ära beschreiben eine Vielzahl von Techniken für Flattement sowie Vibrato durch Schütteln der Flöte mit Tonhöhenschwankungen, die von fast nichts bis sehr groß variieren.

In der Oper

Alle menschlichen Stimmen können Vibrato erzeugen. Dieses Vibrato kann durch Training in der Breite (und Schnelligkeit) variiert werden. In der Oper beginnt das Vibrato im Gegensatz zum Pop am Anfang der Note und setzt sich mit leichten Variationen in der Breite während der Note bis zum Ende der Note fort.

Traditionell wird jedoch die bewusste Kultivierung eines besonders breiten, durchdringenden Vibratos durch Opernsänger aus den lateinamerikanischen Ländern von englischsprachigen Musikkritikern und Pädagogen als technischer Fehler und stilistischer Makel angeprangert (vgl. Scott, zitiert unten, Band 1, S. 123–127). Sie haben erwartet, dass die Sänger einen reinen, stetigen Strom klaren Klangs ausstrahlen – egal ob sie in der Kirche, auf dem Konzertpodium oder auf der Opernbühne singen.

Während des 19. Jahrhunderts zum Beispiel geißelten in New York und London ansässige Kritiker, darunter Henry Chorley , Herman Klein und George Bernard Shaw , eine Reihe von mediterranen Tenören , die während ihrer Aufführungen auf ein übermäßiges, ständig pulsierendes Vibrato zurückgriffen. Shaw bezeichnete die schlimmsten Täter in seinem Buch Music in London 1890-1894 (Constable, London, 1932) als "Ziegenmeckerer" . Unter denen, die wegen dieses Versagens verurteilt wurden, waren so berühmte Persönlichkeiten wie Enrico Tamberlik , Julián Gayarre , Roberto Stagno , Italo Campanini und Ernesto Nicolini – ganz zu schweigen von Fernando Valero und Fernando De Lucia , deren zitternde Töne auf den 78-U/min-Scheiben, die sie produzierten, erhalten blieben zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Die Popularität eines übertriebenen Vibratos bei vielen (aber längst nicht allen) mediterranen Tenören und Gesangslehrern dieser Zeit wurde von Musikwissenschaftlern auf das einflussreiche Beispiel des virtuosen Sängers Giovanni Battista Rubini (1794-1854) des frühen 19. ). Rubini hatte es mit großem Erfolg als berührendes Mittel in den neuen romantischen Opern von Gaetano Donizetti und Vincenzo Bellini eingesetzt . Eine Vielzahl junger italienischer Tenöre – darunter der renommierte Giovanni Matteo Mario (1810–1883) – kopierten Rubinis richtungsweisende Innovation, um die emotionale Wirkung der von ihnen gesungenen Musik zu verstärken und die Darbietung von Fioritura "von, sozusagen im Vibrato auf und ab rennen“ (um Scott zu zitieren; siehe S. 126).

Vor dem Aufkommen des charismatischen Rubini hatte jeder gut ausgebildete Opernsänger es vermieden, ein auffälliges und kontinuierliches Vibrato zu verwenden, weil es laut Scott die Tonhöhe des gesungenen Tons inakzeptabel stark variierte und als künstlich angesehen wurde Erfindung, die durch unzureichende Atemkontrolle entsteht. Britische und nordamerikanische Pressekommentatoren und Gesangslehrer teilten diese Ansicht noch lange nach Rubinis Kommen und Gehen.

Dementsprechend kann , wenn Enrico Caruso (1873-1921) - der emulierten Mittelmeer Tenor des 20. Jahrhunderts - seine gefeierte New Yorker gemacht Metropolitan Opera in November 1903 Debüt, eine der spezifischen Stimmattribute für die er von Musik Rezensenten gelobt wurde , war das Fehlen eines störenden Vibratos aus seinem Gesang. Der wissenschaftliche Kritiker William James Henderson schrieb beispielsweise in der Zeitung The Sun , dass Caruso „eine reine Tenorstimme hat und [es] ohne das typisch italienische Gemecker ist“. Carusos Grammophonaufnahmen stützen Hendersons Einschätzung. (Weitere prominente Mittelmeer Tenöre des Ende des 19. Jahrhunderts bis Anfang des 20. Jahrhunderts, die wie Caruso, nicht „blöken“ waren Angelo Masini, Francesco Tamagno , Francesco Marconi , Francisco Viñas, Emilio De Marchi , Giuseppe Borgatti und Giovanni Zenatello , während das Phänomen war unter französischen, deutschen, russischen und angelsächsischen Tenören der gleichen Zeit selten – siehe Scott.)

Der bewusste Einsatz eines ausgeprägten Vibratos bei mediterranen Tenören ist eine Praxis, die im Laufe der letzten 100 Jahre nicht zuletzt durch Carusos Vorbild ausgestorben ist. Die letzten wirklich bedeutenden Praktiker dieses Gesangsstils und dieser Gesangsmethode waren Alessandro Bonci (in der Zeit von 1900-1925) und Giacomo Lauri-Volpi (in der Zeit von 1920-1950). Beide haben Belcanto- Werke aus der Zeit Rubinis in ihrem Opernrepertoire, und beide sind auf Aufnahmen zu hören, die den unverwechselbaren Schimmer ihrer Klangfarbe getreu wiedergeben .

Italienisch oder Spanisch-Opern ausgebildete Soprane , Mezzo Soprane und Baritone ein ausgeprägtes Vibrato ausstellenden nicht Tadel entging, entweder von britischem und nordamerikanischen Arbiter guten Gesang. Tatsächlich waren Adelina Patti und Luisa Tetrazzini die einzigen italienischen Sopranistinnen, die in der späten viktorianischen und edwardianischen Ära in London und New York Starstatus genoss, während so bekannte Landsleute und Zeitgenossen wie Gemma Bellincioni und Eugenia Burzio (unter anderen ) konnte den Anglophonen nicht gefallen, weil sie im Gegensatz zu Patti und Tetrazzini schwankende, vibratogeladene Stimmen besaßen – siehe Scott für Bewertungen ihrer jeweiligen Techniken. Um ein weiteres weibliches Beispiel aus einem späteren Zeitpunkt anzuführen: Wann immer die temperamentvolle Mezzosopranistin der 1920er und 30er Jahre, Conchita Supervía , in London auftrat, wurde sie im Druck für ihren überaus lebendigen und flatternden Ton ermahnt, der von ihr unfreundlich verglichen wurde Kritiker zum Geklapper eines Maschinengewehrs oder dem Rasseln von Würfeln in einer Tasse.

Im Jahr 1883 wurde Giuseppe Kaschmann (geb. Josip Kašman ) – ein Solobariton an der Mailänder Mailänder Scala – für sein starkes Vibrato kritisiert, als er an der Met sang, und die Leitung des Theaters engagierte ihn für die folgende Spielzeit nicht erneut, obwohl andere Aspekte seines Gesangs wurden bewundert. (Kaschmann trat nie in Großbritannien auf, blieb aber mehrere Jahrzehnte lang ein beliebter Künstler in den lateinischen Ländern; 1903 machte er einige Aufnahmen, die sein ewiges Flattern nur zu gut zeigen.) Ebenso ein weiterer der führenden Baritone Italiens, Riccardo Stracciari , konnte seine Opernengagements in London und New York vor dem Ersten Weltkrieg aufgrund eines aufdringlichen Zitterns in seinem Ton nicht in eindeutige Triumphe verwandeln . Anschließend moderierte er sein Vibrato, wie die Platten, die er 1917-1925 für Columbia Records aufnahm, zeigen, und dies ermöglichte ihm eine bedeutende Karriere nicht nur in seiner Heimat, sondern auch an der Chicagoer Oper.

Es gibt noch eine andere Art von Vibrato-verbundenem Fehler, der die Stimmen von Opernkünstlern befallen kann, insbesondere von alternden – nämlich das langsame, oft unregelmäßige Wackeln, das entsteht, wenn sich das Vibrato des Sängers von den Auswirkungen von Zwang, Übertrennung oder schiere Abnutzung gelöst hat und Riss am Körper durch die Belastungen einer langen Bühnenkarriere.

Referenzen: Für weitere Informationen über den historischen Einsatz von Vibrato durch klassische Sänger siehe Michael Scotts zweibändige Übersicht The Record of Singing (herausgegeben von Duckworth, London, 1977 und 1979); John Potters Tenor: Geschichte einer Stimme (Yale University Press, New Haven & London, 2009); und Herman Kleins 30 Years of Music in London (Century, New York, 1903).

Im Jazz

Die meisten Jazzmusiker der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts verwendeten Vibrato mehr oder weniger kontinuierlich. Seit etwa den 1950er Jahren und dem Aufkommen des Bebop ist die kontinuierliche Verwendung von Vibrato zugunsten einer selektiveren Verwendung weitgehend aus der Mode gekommen.

Im Volk

Volksmusiksänger und Instrumentalisten in der nordamerikanischen und westeuropäischen Tradition verwenden das Vibrato selten und reservieren es für gelegentliche Verzierungen. Es wird auch von Interpreten von Transkriptionen oder Überarbeitungen von Volksmusik verwendet, die von Komponisten mit klassischem Musikschulhintergrund wie Benjamin Britten oder Percy Grainger gemacht wurden . Vibrato verschiedener Breiten und Geschwindigkeiten kann in Volksmusiktraditionen aus anderen Regionen wie Osteuropa , dem Balkan , dem Nahen Osten , Ostasien oder Indien verwendet werden .

Im Pop

Im Pop (im Gegensatz zur Oper) beginnt das Vibrato normalerweise irgendwo im letzten Teil der Note. Bei einigen Pop-Balladenisten kann das Vibrato so weit sein, dass es ein ausgeprägtes Wackeln darstellt, wenn auch nicht so ausgeprägt wie bei Opernstimmen. Viele Sänger verwenden Tonhöhenkorrektur- Software, in der der Effekt reduziert oder eliminiert werden kann.

Techniken zur Erzeugung von Vibrato

Nicht alle Instrumente können ein Vibrato erzeugen, da einige feste Tonhöhen haben, die nicht ausreichend klein variiert werden können. Die meisten Schlaginstrumente sind Beispiele dafür, zum Beispiel das Xylophon .

Singen

Es gibt drei verschiedene Stimmvibratoprozesse, die in verschiedenen Teilen des Vokaltrakts auftreten. Peter-Michael Fischer Vibrato-Typen nach Produktionsort:

  • Der Vocalis-Muskel schwingt mit einer Frequenz von 6,5 bis 8 Hz .
  • Die Membran schwingt mit einer Frequenz unter 5 Hz Vibrato
  • Eine Kombination aus beiden ergibt ein Vibrato, dessen Frequenz zwischen 5 und 6,5 Hz liegt. Fischer schreibt:

"Diese Kombination ist bei den schönsten Stimmen relativ stabil. Ein wichtiges Merkmal ist, dass die Teilfunktionen während des Liedes als "Akzente" auftreten können: Im Rahmen der Präsentation dominiert ausdrucksstarke Welle respirativischer, lyrischer Charakter, jedoch in einem beschleunigten, or Glottis-Welle, hartes Feature heroisch, aber langsam."

—  Peter-Michael Fischer.

Einige Studien haben gezeigt, dass Vibrato das Ergebnis eines neuromuskulären Zitterns in den Stimmlippen ist. 1922 war Max Schoen der erste, der den Vergleich des Vibratos mit einem Tremor aufgrund folgender Ähnlichkeiten anstellte:

  • Vibrato und Zittern haben eine Amplitudenänderung
  • Beides tritt auf, wenn die Muskeln beansprucht werden
  • Beide stehen nicht unter der automatischen Kontrolle der Person
  • Vibrato und Zittern treten mit der Hälfte der normalen Muskelentladung auf

Tasteninstrumente

Einige Arten von Orgeln können Vibrato erzeugen, indem sie den Druck der durch die Pfeifen strömenden Luft verändern oder durch verschiedene mechanische Geräte (siehe zum Beispiel Hammond- oder Wurlitzer-Orgeln ). Das Clavichord , obwohl technisch gesehen ein Tasteninstrument mit fester Tonhöhe, ist in der Lage, eine Art Vibrato zu erzeugen, das als Bebung bekannt ist, indem der Druck auf die Taste variiert wird, während die Note ertönt. Einige digitale Keyboards können einen elektronischen Vibrato-Effekt erzeugen, entweder durch Druck auf die Tasten oder durch Verwendung eines Joysticks oder eines anderen MIDI-Controllers.

Streichinstrumente

Petrowitsch Bissing war Lehrer der Vibrato-Methode auf der Violine und veröffentlichte ein Buch mit dem Titel Cultivation of the Violin Vibrato Tone .

Die Methode zur Erzeugung von Vibrato auf anderen Instrumenten variiert. Bei Saiteninstrumenten zum Beispiel kann der Finger, der zum Stoppen der Saite verwendet wird, auf dem Griffbrett wackeln oder für ein breiteres Vibrato auf der Saite auf und ab bewegt werden.

Viele zeitgenössische Streicher variieren die Tonhöhe von unten, nur bis zum Nennton und nicht darüber, obwohl große Geigenpädagogen der Vergangenheit wie Carl Flesch und Joseph Joachim das Vibrato ausdrücklich als Bewegung zum Steg hin, also nach oben in der Tonhöhe, bezeichneten ,—und der Cellist Diran Alexanian , in seiner Abhandlung Traité théorique et pratique du Violoncelle von 1922 , zeigt, wie man Vibrato üben sollte, indem man von der Note aus beginnt und sich dann in einer rhythmischen Bewegung nach oben bewegt. In einer 1996 durchgeführten akustischen Studie der Acoustical Society of America , zusammen mit dem Wellesley College und dem Massachusetts Institute of Technology , wurde festgestellt, dass die wahrgenommene Tonhöhe einer Note mit Vibrato "die ihres Mittelwerts" oder die Mitte der fluktuierenden Tonhöhe ist.

Ein breites Vibrato, so breit wie ein Ganzton, wird häufig von E-Gitarristen verwendet und verleiht dem Klang die charakteristische stimmhafte Ausdruckskraft. Dieser Effekt kann sowohl durch die Bewegung der Finger auf dem Griffbrett als auch durch die Verwendung eines Vibrato-Saitenhalters erreicht werden, einem Hebel, der die Spannung der Saiten reguliert.

Einige Geiger, wie Leonidas Kavakos , verwenden das Bogenvibrato, indem sie die rechte Hand leicht nach oben und unten bewegen, um den Winkel und den Druck des Bogens zu ändern und so die Tonhöhe und Intensität einer Note zu oszillieren. Die erste bekannte Beschreibung dieser Technik auf der Violine stammt von Francesco Geminiani . Diese Technik war nicht auf die Geige beschränkt, sondern war den Spielern aller Saiteninstrumente in Italien, Frankreich, Deutschland und England während der Barockzeit bekannt. Sylvestro Ganassi dal Fontego hat diese Technik bereits im 16. Jahrhundert für die Gambe beschrieben .

Holzblasinstrumente

Spieler von Holzblasinstrumenten erzeugen im Allgemeinen Vibrato, indem sie ihren Luftstrom in das Instrument modulieren. Dies kann entweder durch ein Magenvibrato, das leichte Auf- und Abschwingen des Zwerchfells, oder durch ein Kehlkopfvibrato, eine Variation der Stimmbandspannung, um den Luftdruck wie bei Sängern zu manipulieren, erreicht werden. Spieler anderer Instrumente können weniger gebräuchliche Techniken anwenden. Saxophonisten neigen dazu, ein Vibrato zu erzeugen, indem sie ihren Kiefer wiederholt leicht auf und ab bewegen. Klarinettenspieler spielen selten mit Vibrato, aber wenn doch, ist die Saxophonmethode aufgrund der Ähnlichkeit der Saxophon- und Klarinettenmundstücke und -blätter weit verbreitet.

Messing

Blasinstrumentenspieler können ein Vibrato erzeugen, indem sie den Ansatz wiederholt und schnell ändern oder die Lippen und Gesichtsmuskeln verwenden und formen, wobei sie die Note im Wesentlichen wiederholt "biegen". Dies wird als Lippen-Vibrato bezeichnet und ist wahrscheinlich die am häufigsten verwendete Vibrato-Technik auf einem unteren Blechblasinstrument. Es ist auch dafür bekannt, einem Blechblasinstrument den besten Klang und das beste Timbre zu verleihen, und wird in Blechbläserensembles auf höherer Ebene oder im militaristischen Stil gefördert.

Spieler können auch Vibrato erzeugen, indem sie das Horn sanft schütteln, wodurch der Druck des Mundstücks gegen die Lippe variiert wird. Dies wird als Handvibrato bezeichnet. Es wird eher bei höheren Blechbläsern bevorzugt, besitzt aber nicht die gleiche Klangqualität wie Lip-Vibrato und bei höheren Pegeln und kann als technischer Fehler angesehen werden, der vor allem im militärischen Blechbläsertraining auffällt.

Auf einer Posaune kann ein Spieler ein etwas ausgeprägteres Vibrato erzeugen, indem er den Zug vorsichtig hin und her bewegt und auf eine Note zentriert, um einen lyrischen Effekt zu erzielen. Oft ist dies eher eine Jazz-Technik und wird als Slide-Vibrato bezeichnet . Beim Blechbläserspiel ist ein Zwerchfellvibrato möglich, wird aber von College- oder professionellen Blechbläsern als unausgereifte Technik angesehen, da diese Technik den richtigen Luftstrom von der Lunge zum Instrument stört. Die Verwendung eines Zwerchfell-Vibratos in einer Blechbläser-Einstellung ist für den Klang und die Ausdauer, die ein Blechbläser erzeugen kann, abträglich und wird daher auf jedem Niveau der musikalischen Ausbildung dringend abgeraten.

Auto-Vibrato

Ein Vibrato- Effektpedal , gespielt auf einer E-Gitarre .

Manche Instrumente können nur mit konstantem, mechanischem Vibrato (oder gar ohne) gespielt werden. Dieser Effekt ist bei elektrischen Organisten bemerkenswert, die einen Leslie-Lautsprecher verwenden , von denen die beliebtesten ein Vibrato mit zwei Geschwindigkeiten verwenden; ein Grad an Ausdruck wird aus der Beschleunigung zwischen den Geschwindigkeiten gewonnen. Vibrato auf dem Theremin , einem Instrument mit stufenlos variabler Tonhöhe ohne "Stopps", kann von zart bis extravagant reichen und dient oft dazu, die kleinen Tonhöhenanpassungen zu maskieren, die das Instrument erfordert.

Einige Hersteller bauen auch Vibrato- Effektpedale , die das natürliche Vibrato imitieren, aber auch viel schnellere Geschwindigkeiten erzeugen können. Der Vibrato-Effekt kommt einem Chorus-Effekt nahe .

Klangbeispiele

Siehe auch

Verweise

Externe Links