Geige -Violin

Geige

Eine moderne Standardgeige von oben und von der Seite
Saiteninstrument
Andere Namen	Geige
Hornbostel-Sachs-Klassifikation	321.322-71 (Zusammengesetztes Chordophon, das von einem Bogen erklingt )
Entwickelt	Anfang des 16. Jahrhunderts
Spielbereich
Verwandte Instrumente
Violinfamilie ( Viola , Cello , Kontrabass ) Gambenfamilie (einige Historiker argumentieren, dass sich der Kontrabass aus der Bassgambe entwickelt hat)
Musiker
Liste der Geiger
Bauherren
Liste der Geigenbauer
Klangbeispiel
Aufnahme eines Geigers, der verschiedene Klänge der Geige demonstriert.

Teil einer Serie auf
Geige und Geige
Akustik der Violine
Geiger
Geschichte der Violine
Gitarrenbauer
Musikalische Stilrichtungen
Geigenbau und Wartung
Geigentechnik
Geigenbau
Geigenfamilie
Geiger
v T e

Die Geige , manchmal auch Geige genannt , ist ein hölzernes Chordophon ( Saiteninstrument ) aus der Familie der Geigen . Die meisten Geigen haben einen hohlen Holzkorpus. Es ist das kleinste und damit höchststimmige Instrument ( Sopran ) der Familie, das regelmäßig benutzt wird. Die Geige hat normalerweise vier Saiten (einige können fünf haben ), die normalerweise in perfekten Quinten mit den Noten G3, D4, A4, E5 gestimmt sind, und wird am häufigsten gespielt, indem ein Bogen über ihre Saiten gezogen wird. Es kann auch durch Zupfen der Saiten mit den Fingern ( pizzicato ) und in speziellen Fällen durch Anschlagen der Saiten mit der Holzseite des Bogens ( col legno ) gespielt werden.

Violinen sind wichtige Instrumente in einer Vielzahl von Musikgenres. Sie sind am prominentesten in der westlichen klassischen Tradition , sowohl in Ensembles (von Kammermusik bis Orchester ) als auch als Soloinstrumente. Geigen spielen auch in vielen Spielarten der Volksmusik eine wichtige Rolle , darunter Country-Musik , Bluegrass-Musik und Jazz . Elektrische Geigen mit festen Körpern und piezoelektrischen Tonabnehmern werden in einigen Formen von Rockmusik und Jazz-Fusion verwendet , wobei die Tonabnehmer an Instrumentenverstärker und Lautsprecher angeschlossen werden, um Ton zu erzeugen. Die Geige ist in viele nicht-westliche Musikkulturen integriert worden, einschließlich der indischen Musik und der iranischen Musik . Der Name Geige wird oft unabhängig von der Art der darauf gespielten Musik verwendet.

Die Geige war erstmals im Italien des 16. Jahrhunderts bekannt , mit einigen weiteren Modifikationen im 18. und 19. Jahrhundert, um dem Instrument einen kraftvolleren Klang und eine stärkere Projektion zu verleihen. In Europa diente es als Grundlage für die Entwicklung anderer Saiteninstrumente, die in der westlichen klassischen Musik verwendet werden, wie z. B. der Bratsche .

Geiger und Sammler schätzen besonders die feinen historischen Instrumente der Familien Stradivari , Guarneri , Guadagnini und Amati vom 16. bis 18. Jahrhundert in Brescia und Cremona (Italien) und von Jacob Stainer in Österreich . Laut ihrem Ruf hat sich die Qualität ihres Klangs allen Versuchen widersetzt, sie zu erklären oder zu erreichen, obwohl diese Überzeugung umstritten ist. Eine große Anzahl von Instrumenten stammt aus den Händen weniger berühmter Hersteller, sowie eine noch größere Anzahl von in Massenproduktion hergestellten kommerziellen "Handelsgeigen" aus Heimwerken in Orten wie Sachsen , Böhmen und Mirecourt . Viele dieser Handelsinstrumente wurden früher von Sears, Roebuck and Co. und anderen Massenhändlern verkauft.

Die Bauteile einer Geige bestehen in der Regel aus unterschiedlichen Holzarten . Geigen können mit Darm- , Perlon- oder anderen Kunststoff- oder Stahlsaiten bespannt werden. Eine Person, die Geigen herstellt oder repariert, wird Geigenbauer oder Geigenbauer genannt . Jemand, der Bögen herstellt oder repariert, wird Archetier oder Bogenmacher genannt .

Etymologie

Das Wort "Violine" wurde erstmals in den 1570er Jahren im Englischen verwendet. Das Wort „ Violine“ kommt von „italienisch violino , [ a ] Diminutiv von Viola als ein Begriff, der „Saiteninstrument“ bedeutet, vielleicht [kommend] von Vitula , der römischen Göttin der Freude …, oder vom verwandten lateinischen Verb vitulari , „vor Freude oder Erhebung schreien.“ Der verwandte Begriff „ Viola da gamba “ Bedeutung "Bassgambe" (1724) ist aus dem Italienischen, wörtlich "eine Bratsche für das Bein" (dh zwischen den Beinen halten)." Eine Geige ist die „moderne Form der kleineren, mittelalterlichen Viola da braccio “. ("Armbratsche")

Die Geige wird oft als Geige bezeichnet, entweder wenn sie im Kontext der Volksmusik verwendet wird, oder sogar in klassischen Musikszenen als informeller Spitzname für das Instrument. Das Wort "Fiddle" wurde erstmals im späten 14. Jahrhundert im Englischen verwendet. Das Wort „Geige“ kommt von „fedele, fydyll, fidel, früher fithele, vom altenglischen fiðele „Geige“, das verwandt ist mit altnordisch fiðla , mittelholländisch vedele , niederländisch vedel , althochdeutsch fidula , deutsch Fiedel , „a Geige; "alles ungewisser Herkunft." Was den Ursprung des Wortes "Geige" betrifft, so ist der "...übliche Vorschlag, basierend auf der Ähnlichkeit in Klang und Sinn, dass es aus dem mittelalterlichen Latein vitula stammt ".

Geschichte

Die Kuppel der Madonna dei Miracoli in Saronno , Italien , mit Engeln, die Geige, Bratsche und Cello spielen, stammt aus dem Jahr 1535 und ist eine der frühesten Darstellungen der Geigenfamilie

Die frühesten Saiteninstrumente wurden meist gezupft (z. B. die griechische Leier ). Zweisaitige Streichinstrumente, die aufrecht gespielt und mit Rosshaar bespannt und gestrichen werden , stammen möglicherweise aus den nomadischen Reiterkulturen Zentralasiens und ähneln in ihrer Form stark dem heutigen mongolischen Morin huur und dem kasachischen Kobyz . Ähnliche und abweichende Typen wurden wahrscheinlich entlang der Ost-West-Handelsrouten von Asien in den Nahen Osten und in das Byzantinische Reich verbreitet .

Laut Encyclopædia Britannica ist der direkte Vorfahr aller europäischen Streichinstrumente der arabische Rebab (ربابة), der sich im 9. Jahrhundert zur byzantinischen Lyra und später zum europäischen Rebec entwickelte . Mehrere Quellen schlagen alternative Möglichkeiten für die Ursprünge der Geige vor, z. B. Nord- oder Westeuropa. Die ersten Geigenbauer nahmen vermutlich Anleihen bei verschiedenen Entwicklungen der byzantinischen Lyra. Dazu gehörten die Vielle (auch als Fidel oder Viuola bekannt ) und die Lira da Braccio . Die Geige in ihrer heutigen Form entstand im frühen 16. Jahrhundert in Norditalien . Die frühesten Bilder von Geigen, wenn auch mit drei Saiten, sind um 1530 in Norditalien zu sehen, ungefähr zur gleichen Zeit wie die Wörter "Violino" und "Vyollon" in italienischen und französischen Dokumenten zu sehen sind. Eine der frühesten expliziten Beschreibungen des Instruments, einschließlich seiner Stimmung, stammt aus dem Epitome-Musical von Jambe de Fer , das 1556 in Lyon veröffentlicht wurde . Zu diesem Zeitpunkt hatte die Geige bereits begonnen, sich in ganz Europa zu verbreiten .

Die Geige erwies sich als sehr beliebt, sowohl bei Straßenmusikern als auch beim Adel; 1560 ließ der französische König Karl IX. Andrea Amati 24 Geigen für ihn bauen. Eines dieser „edlen“ Instrumente, die Karl IX ., ist die älteste erhaltene Geige. Die feinste geschnitzte und dekorierte Renaissance-Geige der Welt ist die Gasparo da Salò ( ca. 1574), die im Besitz von Ferdinand II., Erzherzog von Österreich , und später, ab 1841, von dem norwegischen Virtuosen Ole Bull war, der sie vierzig Jahre lang und Tausende von Jahren benutzte Konzerte, für seinen sehr kraftvollen und schönen Ton, ähnlich dem einer Guarneri. "The Messiah" oder "Le Messie" (auch als "Salabue" bekannt) von Antonio Stradivari aus dem Jahr 1716 bleibt unberührt. Es befindet sich heute im Ashmolean Museum of Oxford .

Zu den bekanntesten Geigenbauern ( Geigenbauern ) zwischen dem 16. Jahrhundert und dem 18. Jahrhundert gehören:

1658 Barockgeige von Jacob Stainer

• Die Schule von Brescia begann im späten 14. Jahrhundert mit Liren, Violetten, Bratschen und war in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts auf dem Gebiet der Violine tätig
  • Die Familie Dalla Corna , tätig 1510–1560 in Brescia und Venedig
  • Familie Micheli , tätig 1530–1615 in Brescia
  • Die Familie Inverardi , tätig 1550–1580 in Brescia
  • Die Familie Gasparo da Salò , tätig 1530–1615 in Brescia und Salò
  • Giovanni Paolo Maggini , Schüler von Gasparo da Salò, tätig 1600–1630 in Brescia
  • Familie Rogeri , aktiv 1661–1721 in Brescia
• Die Schule von Cremona , beginnend in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts mit Bratschen und Violone und im Bereich der Violine in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts
  • Familie Amati , tätig 1550–1740 in Cremona
  • Familie Guarneri , tätig 1626–1744 in Cremona und Venedig
  • Die Familie Stradivari , tätig 1644–1737 in Cremona
  • Familie Rugeri , tätig 1650–1740 in Cremona
  • Carlo Bergonzi (Geigenbauer) (1683-1747) in Cremona
• Die Schule von Venedig mit der Anwesenheit mehrerer Hersteller von Streichinstrumenten aus dem frühen 16. Jahrhundert von mehr als 140 Herstellern von Streichinstrumenten, die zwischen 1490 und 1630 registriert waren.
  • Familie Linarolo , tätig 1505–1640 in Venedig
  • Matteo Goffriller , bekannt für seine Celli, tätig 1685–1742 in Venedig
  • Pietro Guarneri , Sohn von Giuseppe Giovanni Battista Guarneri und aus Cremona, tätig 1717–1762 in Venedig
  • Domenico Montagnana , tätig um 1700–1750 in Venedig
  • Santo Serafin , tätig vor 1741 bis 1776 in Venedig

Im 18. Jahrhundert kam es zu erheblichen Änderungen im Bau der Geige, insbesondere in Bezug auf Länge und Winkel des Halses und einen schwereren Bassbalken. Die meisten alten Instrumente wurden diesen Modifikationen unterzogen und befinden sich daher in einem deutlich anderen Zustand als zu dem Zeitpunkt, als sie die Hände ihrer Hersteller verließen, zweifellos mit Unterschieden in Klang und Ansprache. Aber diese Instrumente in ihrem jetzigen Zustand setzen den Maßstab für Perfektion in Geigenbau und Klang, und Geigenbauer auf der ganzen Welt versuchen, diesem Ideal so nahe wie möglich zu kommen.

Bis heute sind Instrumente aus dem sogenannten Goldenen Zeitalter des Geigenbaus, insbesondere von Stradivari, Guarneri del Gesù und Montagnana, die begehrtesten Instrumente bei Sammlern und Interpreten. Der aktuelle Rekordbetrag, der für eine Stradivari-Geige gezahlt wurde, beträgt 9,8 Millionen Pfund ( damals 15,9 Millionen US-Dollar ), als das als Lady Blunt bekannte Instrument am 20. Juni 2011 von Tarisio Auctions in einer Online-Auktion verkauft wurde .

Konstruktion und Mechanik

Der Bau einer Geige

Geige und Bogen.

Eine Geige besteht im Allgemeinen aus einer Fichtendecke (Resonanzboden , auch Deckplatte , Tisch oder Bauch genannt ), Ahornrippen und -boden, zwei Endblöcken, einem Hals, einem Steg , einem Stimmstock, vier Saiten und optional verschiedenen Beschlägen einschließlich einer Kinnstütze , die direkt über oder links vom Saitenhalter angebracht werden kann . Ein charakteristisches Merkmal eines Geigenkörpers ist seine sanduhrartige Form und die Wölbung von Decke und Boden. Die Sanduhrform besteht aus zwei oberen Bügeln, zwei unteren Bügeln und zwei konkaven C-Bügeln an der Taille , die Platz für den Bogen bieten . Die „Stimme“ oder der Klang einer Geige hängt von ihrer Form, dem Holz, aus dem sie hergestellt ist, der Abstufung (dem Dickenprofil) von Decke und Boden, dem Lack, der ihre Außenfläche bedeckt, und dem Können des Geigenbauers ab all diese Schritte. Der Lack und insbesondere das Holz werden mit zunehmendem Alter immer besser, was den festen Vorrat an alten, gut gemachten Geigen, die von berühmten Geigenbauern gebaut wurden, sehr begehrt macht.

Die Mehrzahl der Leimverbindungen im Instrument verwendet aus mehreren Gründen Tierhautleim anstelle von herkömmlichem Weißleim . Hautleim ist in der Lage, eine dünnere Verbindung herzustellen als die meisten anderen Klebstoffe. Es ist reversibel (spröde genug, um mit vorsichtig angewendeter Kraft zu brechen und mit heißem Wasser zu entfernen), wenn eine Demontage erforderlich ist. Da frischer Hautleim an altem Hautleim haftet, kann bei der Reparatur einer Fuge mehr ursprüngliches Holz erhalten werden. (Modernere Klebstoffe müssen vollständig entfernt werden, damit die neue Verbindung intakt ist, was im Allgemeinen das Abkratzen von etwas Holz zusammen mit dem alten Klebstoff beinhaltet.) Schwächerer, verdünnter Klebstoff wird normalerweise verwendet, um die Oberseite an den Rippen und die Mutter an zu befestigen das Griffbrett, da bei üblichen Reparaturen diese Teile entfernt werden müssen. Die umlaufende Randeinlage der Fichtendecke bietet einen gewissen Schutz vor Randrissen. Es ermöglicht auch, dass sich das Oberteil unabhängiger von der Rippenstruktur biegt. Aufgemalte Ziereinlagen auf der Oberseite sind normalerweise ein Zeichen für ein minderwertiges Instrument. Der Boden und die Rippen bestehen typischerweise aus Ahorn , meistens mit einer passenden gestreiften Figur , die als Flammen- , Fiddleback- oder Tigerstreifen bezeichnet wird .

Der Hals ist normalerweise Ahorn mit einer geflammten Figur, die mit der der Rippen und des Bodens kompatibel ist. Es trägt das Griffbrett , das normalerweise aus Ebenholz besteht, bei billigeren Instrumenten jedoch oft aus anderem Holz, das schwarz gebeizt oder lackiert ist. Ebenholz ist aufgrund seiner Härte, Schönheit und überlegenen Verschleißfestigkeit das bevorzugte Material. Griffbretter sind auf eine bestimmte Querkrümmung ausgerichtet und haben in Längsrichtung eine kleine "Schaufel" oder Konkavität, die an den unteren Saiten etwas ausgeprägter ist, insbesondere wenn sie für Darm- oder Kunststoffsaiten gedacht sind. Einige alte Geigen (und einige, die alt aussehen sollen) haben eine gepfropfte Schnecke , die durch eine Klebeverbindung zwischen Wirbelkasten und Hals belegt ist. Bei vielen authentischen alten Instrumenten wurde der Hals auf einen leicht erhöhten Winkel zurückgesetzt und um etwa einen Zentimeter verlängert. Das Halstransplantat ermöglicht es, die ursprüngliche Schnecke bei einer Barockgeige beizubehalten, wenn ihr Hals in Übereinstimmung mit modernen Standards gebracht wird.

Nahaufnahme eines Geigensaitenhalters mit einer Fleur-de-Lis

Vorder- und Rückansicht der Geigenbrücke

Stimmstock durch f-Loch gesehen

Der Steg ist ein präzise geschnittenes Stück Ahorn, das den unteren Ankerpunkt der schwingenden Länge der Saiten bildet und die Schwingung der Saiten auf den Korpus des Instruments überträgt. Seine obere Krümmung hält die Saiten in einem Bogen in der richtigen Höhe vom Griffbrett, sodass jede Saite separat vom Bogen erklingen kann. Der Stimmstock oder Seelenpfosten passt genau zwischen Boden und Decke in das Instrument, an einer sorgfältig ausgewählten Stelle in der Nähe des Diskantfußes des Stegs, den er unterstützt. Es beeinflusst auch die Schwingungsmodi der Decke und des Bodens des Instruments.

Der Saitenhalter verankert die Saiten am unteren Bügel der Geige mit Hilfe des Saitenhalters, der sich um einen Ebenholzknopf legt, der als Saitenhalter bezeichnet wird (manchmal verwirrenderweise als Stachel bezeichnet , wie der Stachel des Cellos), der in ein konisches Loch im unteren Block passt . Die E-Saite hat oft einen Feinstimmhebel, der durch eine kleine Schraube betätigt wird, die von den Fingern gedreht wird. Feinstimmer können auch auf die anderen Saiten angewendet werden, insbesondere auf einem Schülerinstrument, und sind manchmal in den Saitenhalter eingebaut. Die Feinstimmer ermöglichen es dem Spieler, kleine Änderungen in der Tonhöhe einer Saite vorzunehmen. Am Spiralende wickeln sich die Saiten um die hölzernen Stimmwirbel im Wirbelkasten. Die Stimmwirbel sind konisch und passen in Löcher im Wirbelkasten. Die Stimmwirbel werden durch die Reibung von Holz auf Holz gehalten. Saiten können aus Metall oder seltener Darm oder Darm mit Metall umwickelt sein. Saiten haben normalerweise an beiden Enden eine farbige Seidenwicklung , um die Saite zu identifizieren (z. B. G-Saite, D-Saite, A-Saite oder E-Saite) und um Reibung gegen die Wirbel bereitzustellen. Die sich verjüngenden Stifte ermöglichen es, die Reibung zu erhöhen oder zu verringern, indem der Spieler beim Drehen einen geeigneten Druck entlang der Achse des Stifts ausübt.

Saiten

Saiten wurden zuerst aus Schafsdarm (allgemein bekannt als Katgut , das trotz des Namens nicht von Katzen stammte) oder einfach aus Darm, der gedehnt, getrocknet und gedreht wurde, hergestellt. In den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts wurden Saiten entweder aus Darm oder Stahl hergestellt. Moderne Saiten können aus Darm, massivem Stahl , Litzenstahl oder verschiedenen synthetischen Materialien wie Perlon bestehen, mit verschiedenen Metallen umsponnen und manchmal mit Silber überzogen sein . Die meisten E-Saiten sind abgewickelt, entweder blanker oder plattierter Stahl. Darmsaiten sind nicht mehr so ​​verbreitet wie früher, aber viele Interpreten verwenden sie, um einen bestimmten Klang zu erzielen, insbesondere bei der historisch informierten Aufführung von Barockmusik . Saiten haben eine begrenzte Lebensdauer. Wenn sich schließlich Öl, Schmutz, Korrosion und Kolophonium ansammeln, kann die Masse der Saite entlang ihrer Länge ungleichmäßig werden. Abgesehen von offensichtlichen Dingen, wie z. B. das Aufziehen einer Saite, die sich durch Verschleiß löst, wechseln Spieler im Allgemeinen eine Saite, wenn sie nicht mehr "richtig" spielt (mit guter Intonation auf den Obertönen), wodurch der gewünschte Ton, die Brillanz und die Intonation verloren gehen. Die Langlebigkeit der Saite hängt von der Saitenqualität und der Spielintensität ab.

Pitchbereich

3D- Spektrumdiagramm der Obertöne einer Geigen-G-Saite (Vordergrund). Beachten Sie, dass die Tonhöhe, die wir hören, die Spitze um 200 Hz herum ist.

Eine Geige ist in Quinten gestimmt, in den Tönen G ₃ , D ₄ , A ₄ , E ₅ . Der tiefste Ton einer Geige, normal gestimmt, ist G ₃ oder G unter dem mittleren C (C4) . (In seltenen Fällen kann die tiefste Saite um bis zu eine Quarte auf D ₃ heruntergestimmt werden .) Die höchste Note ist weniger gut definiert: E ₇ , das E zwei Oktaven über der leeren Saite (die auf E ₅ gestimmt ist ) kann als praktische Grenze für Orchesterviolinstimmen angesehen werden, aber es ist oft möglich, höher zu spielen, abhängig von der Länge des Griffbretts und dem Können des Geigers. Noch höhere Töne (bis C ₈ ) können erklingen, indem man die Saite anhält, die Grenze des Griffbretts erreicht und/oder künstliche Obertöne verwendet .

Akustik

Die Helmholtz-Ecke wandert entlang der Saite hin und her.

Die gewölbte Form, die Dicke des Holzes und seine physikalischen Eigenschaften bestimmen den Klang einer Geige. Muster des Knotens , die aus Sand oder Glitzer bestehen, der auf die Platten gestreut wird, wobei die Platte bei bestimmten Frequenzen vibriert, Chladni -Muster genannt , werden gelegentlich von Geigenbauern verwendet , um ihre Arbeit zu überprüfen, bevor sie das Instrument zusammenbauen.

Größen

Teilige ( 1 ⁄ 16 ) und volle ( 4 ⁄ 4 ) Geigen

Neben der Standardgröße 4 ⁄ 4 werden Geigen auch in den sogenannten Bruchgrößen 7 ⁄ 8 , 3 ⁄ 4 , 1 ⁄ 2 , 1 ⁄ 4 , 1 ⁄ 8 , 1 ⁄ 10 , 1 ⁄ hergestellt 16 , 1 ⁄ 32 und sogar 1 ⁄ 64 . Diese kleineren Instrumente werden häufig von jungen Spielern verwendet, deren Finger nicht lang genug sind, um die richtigen Positionen auf Instrumenten voller Größe zu erreichen.

Obwohl die Teilgrößen in gewissem Sinne mit den Abmessungen der Instrumente zusammenhängen, sind sie nicht als wörtliche Beschreibungen der relativen Proportionen gedacht. Zum Beispiel ist ein 3 ⁄ 4 großes Instrument nicht dreiviertel so lang wie ein Instrument voller Größe. Die Körperlänge (ohne Hals) einer Violine in voller Größe oder 4 ⁄ 4 beträgt 356 mm (14,0 Zoll) und ist bei einigen Modellen aus dem 17. Jahrhundert kleiner. Die Körperlänge einer 3 ⁄ 4- Geige beträgt 335 mm (13,2 Zoll), und eine 1 ⁄ 2- Größe beträgt 310 mm (12,2 Zoll). Beim engsten Familienmitglied der Geige, der Bratsche, wird die Größe als Korpuslänge in Zoll oder Zentimeter und nicht als Bruchteil der Größe angegeben. Eine Bratsche in voller Größe ist durchschnittlich 40 cm lang. Allerdings wird jeder einzelne Erwachsene entscheiden, welche Bratschengröße er verwenden möchte.

Gelegentlich kann ein Erwachsener mit einem kleinen Rahmen eine sogenannte 7 ⁄ 8 -Geige anstelle eines Instruments in voller Größe verwenden. Diese Instrumente werden manchmal auch als Damengeige bezeichnet und sind etwas kürzer als eine Geige in voller Größe, aber in der Regel hochwertige Instrumente, die einen Klang erzeugen können, der mit dem einer feinen Geige in voller Größe vergleichbar ist. 5-saitige Geigengrößen können von den normalen 4-Saitern abweichen.

Mezzo-Violine

Das Instrument, das der Violine im Violinoktett entspricht , ist die Mezzovioline, die wie eine Violine gestimmt ist, aber einen etwas längeren Körper hat. Die Saiten der Mezzogeige haben die gleiche Länge wie die der Standardgeige. Dieses Instrument wird nicht allgemein verwendet.

Abstimmung

Korrekt bespannte Schnecke und Wirbelkasten

Die Tonhöhen offener Saiten auf einer Geige. Die Notennamen der Tonhöhen werden in Buchstabennamen unter der Daube und ihre französischen Solfege- Äquivalente über der Daube geschrieben. G=sol; D=wieder; A=la; E=mi Play ( Hilfe · Info ) 

Violinen werden gestimmt, indem die Wirbel im Wirbelkasten unter der Schnecke gedreht oder die Feinstimmerschrauben am Saitenhalter justiert werden . Alle Geigen haben Wirbel; Feinstimmer (auch Feineinsteller genannt ) sind optional. Die meisten Feinstimmer bestehen aus einer Metallschraube, die einen am Saitenende befestigten Hebel bewegt. Sie erlauben sehr kleine Tonhöhenanpassungen viel einfacher als die Stifte. Wenn Sie einen Feinstimmer im Uhrzeigersinn drehen, wird die Tonhöhe schärfer (da die Saite unter mehr Spannung steht), und wenn Sie ihn gegen den Uhrzeigersinn drehen, wird die Tonhöhe flacher (da die Saite unter weniger Spannung steht). Feinstimmer an allen vier Saiten sind sehr hilfreich, wenn sie Saiten mit Stahlkern verwenden, und einige Spieler verwenden sie mit synthetischen Saiten. Da moderne E-Saiten aus Stahl sind, ist für diese Saite fast immer ein Feinstimmer eingebaut. Feinstimmer werden nicht mit Darmsaiten verwendet, die elastischer als Stahl- oder Kunstkernsaiten sind und nicht ausreichend auf die sehr kleinen Bewegungen von Feinstimmern reagieren.

Um eine Geige zu stimmen, wird die A-Saite zuerst auf eine Standardtonhöhe ( normalerweise A=440  Hz ) gestimmt . (Beim Begleiten oder Spielen mit einem Instrument mit fester Tonhöhe wie einem Klavier oder Akkordeon stimmt die Geige auf die entsprechende Note auf diesem Instrument und nicht auf eine andere Stimmreferenz. Die Oboe ist im Allgemeinen das Instrument, das zum Stimmen von Orchestern verwendet wird, in denen Geigen vorhanden sind da sein Klang durchdringend ist und über die anderen Holzbläser gehört werden kann.) Die anderen Saiten werden dann in Intervallen von reinen Quinten gegeneinander gestimmt, indem sie paarweise gestrichen werden. Für das Solospiel wird manchmal eine geringfügig höhere Stimmung verwendet, um dem Instrument einen helleren Klang zu verleihen; Umgekehrt wird Barockmusik manchmal mit tieferen Stimmungen gespielt , um den Klang der Geige sanfter zu machen. Nach dem Stimmen kann der Steg des Instruments überprüft werden, um sicherzustellen, dass er gerade steht und zwischen den inneren Kerben der f-Löcher zentriert ist ; ein schiefer Steg kann den Klang einer ansonsten gut gemachten Geige erheblich beeinträchtigen.

Nach ausgiebigem Spielen können die Wirbel und ihre Löcher abgenutzt sein, wodurch die Wirbel unter Spannung leicht abrutschen können. Dies kann dazu führen, dass die Tonhöhe der Saite etwas nachlässt oder, wenn der Wirbel ganz locker wird, die Saite komplett an Spannung verliert. Eine Geige, bei der die Stimmwirbel durchrutschen, muss von einem Geigenbauer oder Geigenbauer repariert werden. Bei regelmäßiger Verwendung von Stiftschmiermittel oder Stiftpaste kann das Einsetzen eines solchen Verschleißes verzögert werden, während sich die Stifte reibungslos drehen lassen.

Die Stimmung G–D–A–E wird für die meisten Geigenmusiken verwendet, einschließlich klassischer Musik, Jazz und Volksmusik . Andere Stimmungen werden gelegentlich verwendet; die G-Saite zum Beispiel kann bis zu A gestimmt werden. Die Verwendung von Nicht-Standard-Stimmungen in der klassischen Musik ist als Skordatur bekannt ; In einigen Volksstilen wird es Cross-Tuning genannt . Ein berühmtes Beispiel für Skordaturen in der klassischen Musik ist Camille Saint-Saëns ' Danse Macabre , wo die E-Saite der Solovioline auf E ♭ heruntergestimmt wird , um der Komposition eine unheimliche Dissonanz zu verleihen. Andere Beispiele sind der dritte Satz von Contrasts von Béla Bartók , wo die E-Saite auf E ♭ und die G auf G ♯ gestimmt ist , Niccolò Paganinis Erstes Violinkonzert , wo alle vier Saiten auf a gestimmt sind Halbton höher und die Mystery Sonatas von Biber , in denen jeder Satz eine andere Skordatur-Stimmung hat.

In der indischen klassischen Musik und der indischen Unterhaltungsmusik wird die Geige im südindischen Stil wahrscheinlich auf D ♯ –A ♯ –D ♯ –A ♯ gestimmt . Da es in der indischen klassischen Musik kein Konzept der absoluten Tonhöhe gibt, können Musiker jede geeignete Stimmung verwenden, um diese relativen Tonhöhenintervalle zwischen den Saiten beizubehalten. Eine weitere vorherrschende Stimmung mit diesen Intervallen ist B ♭ –F–B ♭ –F, was Sa–Pa–Sa–Pa im indischen karnatischen klassischen Musikstil entspricht . Im nordindischen Hindustani- Stil ist die Stimmung normalerweise Pa-Sa-Pa-Sa anstelle von Sa-Pa-Sa-Pa. Dies könnte zum Beispiel F–B ♭ –F–B ♭ entsprechen . In der iranischen klassischen Musik und der iranischen Unterhaltungsmusik hat die Geige in jeder Dastgah unterschiedliche Stimmungen , die Geige ist wahrscheinlich in Dastgah-h Esfahan (E–A–E–A) oder in Dastgāh-e Šur is (E–A –D–E) und (E–A–E–E), in Dastgāh-e Māhur ist (E–A–D–A). In der klassischen arabischen Musik werden die A- und E-Saiten um einen Ganzton tiefer gesetzt , dh G–D–G–D. Dies soll das Spielen arabischer Maqams erleichtern , insbesondere solche, die Vierteltöne enthalten .

Während die meisten Geigen vier Saiten haben, gibt es Geigen mit zusätzlichen Saiten. Einige haben bis zu sieben Saiten. Es wird allgemein angenommen, dass sieben die maximale Anzahl von Saiten sind, die auf einem Streichinstrument praktikabel sind. bei mehr als sieben saiten wäre es unmöglich, eine bestimmte innere saite einzeln mit dem bogen zu spielen. Geigen mit sieben Saiten sind sehr selten. Die zusätzlichen Saiten solcher Geigen haben normalerweise eine niedrigere Tonhöhe als die G-Saite; Diese Saiten sind normalerweise auf C, F und B ♭ gestimmt . Wenn die Spiellänge des Instruments oder die Saitenlänge vom Sattel bis zum Steg der einer gewöhnlichen Geige in voller Größe entspricht; dh etwas weniger als 13 Zoll (33 cm), dann kann es richtig als Geige bezeichnet werden. Einige dieser Instrumente sind etwas länger und sollten als Bratschen betrachtet werden. Geigen mit fünf oder mehr Saiten werden typischerweise im Jazz oder in der Volksmusik verwendet. Einige maßgefertigte Instrumente haben zusätzliche Saiten, die nicht gestrichen sind, aber aufgrund der Schwingungen der gestrichenen Saiten sympathisch klingen.

Bögen

Köpfe von drei Geigenbögen: (oberer) Übergangsbogen (F. Tourte), Schwanenschnabelkopf eines langen Modells aus dem 18. Jahrhundert, Hechtkopf eines Modells aus dem 17. Jahrhundert

Eine Geige wird normalerweise mit einem Bogen gespielt, der aus einem Stock mit einem Band aus Rosshaar besteht, das zwischen der Spitze und dem Frosch (oder der Nuss oder dem Absatz) an den gegenüberliegenden Enden gespannt ist. Ein typischer Geigenbogen kann insgesamt 75 cm (30 Zoll) lang sein und etwa 60 g (2,1 Unzen) wiegen. Bratschenbögen können etwa 5 mm (0,20 in) kürzer und 10 g (0,35 oz) schwerer sein. Am Strahlende strafft oder lockert ein Schraubeneinsteller das Haar. Unmittelbar vor dem Frosch schützen ein Daumenpolster aus Leder , das als Griff bezeichnet wird, und eine Wicklung den Schläger und bieten der Hand des Spielers einen starken Halt. Herkömmliche Wicklungen bestehen aus Draht (häufig versilbert oder plattiertes Silber), Seide oder Barten ("Falschbein", jetzt ersetzt durch abwechselnde Streifen aus hellbraunem und schwarzem Kunststoff). Einige Glasfaser-Studentenbögen verwenden eine Kunststoffhülle als Griff und Wicklung.

Schleifenhaar stammt traditionell vom Schweif eines grauen männlichen Pferdes (das überwiegend weißes Haar hat). Einige billigere Bögen verwenden Kunstfasern. Festes Kolophonium wird auf das Haar gerieben, um es leicht klebrig zu machen; Wenn der Bogen über eine Saite gezogen wird, bringt die Reibung zwischen ihnen die Saite zum Schwingen. Traditionelle Materialien für die teureren Bogenstangen sind Schlangenholz und Brasilholz (das auch als Fernambukholz bekannt ist). Einige neuere Innovationen im Bogendesign verwenden Kohlefaser (CodaBows) für den Stock auf allen handwerklichen Ebenen. Preisgünstige Bögen für Schüler werden aus preiswerteren Hölzern oder aus Fiberglas (Glasser) hergestellt.

Spielen

Haltung

Ein Mann spielt Geige auf einer Parkbank.

Geige wird entweder im Sitzen oder im Stehen gespielt. Solospieler (ob alleine, mit Klavier oder mit Orchester) spielen meist im Stehen (es sei denn, eine körperliche Behinderung wie im Fall von Itzhak Perlman hindert daran ). Im Orchester und in der Kammermusik hingegen wird es meist sitzend gespielt. In den 2000er und 2010er Jahren haben einige Orchester, die Barockmusik aufführten (wie das Freiburger Barockorchester ), alle ihre Geigen und Bratschen, Solo und Ensemble, im Stehen spielen lassen.

Die übliche Art, die Geige zu halten, besteht darin, dass die linke Seite des Kiefers auf dem Kinnhalter der Geige ruht und von der linken Schulter gestützt wird, oft unterstützt durch eine Schulterstütze (oder einen Schwamm und ein elastisches Band für jüngere Spieler, die damit zu kämpfen haben). Schulterstützen). Der Kiefer und die Schulter müssen die Geige fest genug halten, damit sie stabil bleibt, wenn die linke Hand von einer hohen Position (eine hohe Note weit oben auf dem Griffbrett) in eine tiefe Position (näher am Wirbelkasten) wechselt. In der indischen Haltung wird die Stabilität der Geige durch die seitlich am Fuß aufliegende Schnecke gewährleistet.

Während die Lehrer auf die lebenswichtige Bedeutung einer guten Körperhaltung sowohl für die Qualität des Spiels als auch zur Verringerung der Wahrscheinlichkeit von Verletzungen durch wiederholte Belastung hinweisen , unterscheiden sich die Ratschläge, was eine gute Körperhaltung ist und wie man sie erreicht, im Detail. Alle bestehen jedoch auf der Wichtigkeit einer natürlichen, entspannten Position ohne Anspannung oder Steifheit. Dinge, die fast allgemein empfohlen werden, sind, das linke Handgelenk gerade (oder fast so) zu halten, damit sich die Finger der linken Hand frei bewegen können und das Verletzungsrisiko verringert wird, und beide Schultern in einer natürlichen entspannten Position zu halten und das Anheben einer von beiden zu vermeiden sie in übertriebener Weise. Dies würde, wie jede andere ungerechtfertigte Spannung, die Bewegungsfreiheit einschränken und das Verletzungsrisiko erhöhen.

Das Buckeln kann ein gutes Spiel behindern, weil es den Körper aus dem Gleichgewicht bringt und die Schultern hebt. Ein weiteres Zeichen für ungesunde Anspannung sind Schmerzen in der linken Hand, die auf zu starken Druck beim Halten der Geige hindeuten.

Linke Hand und Pitch-Produktion

Fingersätze der ersten Lage. Beachten Sie, dass dieses Diagramm nur die Noten der „ersten Position“ zeigt. Es gibt Töne mit höherer Tonhöhe als die angegebenen.

Die linke Hand bestimmt die klingende Länge der Saite und damit die Tonhöhe der Saite, indem sie diese mit den Fingerkuppen gegen das Griffbrett „stoppt“ (drückt), wodurch unterschiedliche Tonhöhen erzeugt werden. Da die Geige keine Bünde zum Stoppen der Saiten hat, wie es bei der Gitarre üblich ist , muss der Spieler genau wissen, wo er die Finger auf die Saiten legen muss, um mit einer guten Intonation (Stimmung) zu spielen. Anfänger spielen offene Saiten und die tiefste Position, die dem Sattel am nächsten liegt. Die Schüler beginnen oft mit relativ einfachen Tonarten wie A-Dur und G-Dur. Den Schülern werden Tonleitern und einfache Melodien beigebracht. Durch Üben von Tonleitern und Arpeggios und Gehörbildung „findet“ die linke Hand des Geigers die Noten schließlich intuitiv durch das Muskelgedächtnis .

Anfänger verlassen sich manchmal auf Bänder , die auf dem Griffbrett angebracht sind, um die Finger der linken Hand richtig zu platzieren, geben die Bänder jedoch normalerweise schnell auf, wenn sie vorankommen. Eine andere häufig verwendete Markierungstechnik verwendet White-Out -Punkte auf dem Griffbrett, die sich nach einigen Wochen regelmäßiger Übung abnutzen. Leider wird diese Praxis manchmal anstelle eines angemessenen Gehörtrainings verwendet, wobei die Platzierung der Finger nach Auge und nicht nach Gehör geführt wird. Gerade in der Anfangsphase des Spielenlernens sind die sogenannten „Klingeltöne“ sinnvoll. Es gibt neun solcher Noten in der ersten Position, wo eine gestoppte Note ein Unisono oder eine Oktave mit einer anderen (offenen) Saite erklingt, wodurch sie mitschwingend mitschwingt . Die Schüler verwenden diese Klingeltöne oft, um die Intonation der gestoppten Note zu überprüfen, indem sie sehen, ob sie mit der offenen Saite harmoniert. Zum Beispiel könnte der Geiger beim Spielen des gestoppten Tons "A" auf der G-Saite gleichzeitig die leere D-Saite spielen, um die Intonation des gestoppten "A" zu überprüfen. Wenn das "A" gestimmt ist, sollten das "A" und die offene D-Saite eine harmonische perfekte Quarte ergeben.

Geigen sind in reinen Quinten gestimmt, wie alle Orchestersaiten (Violine, Bratsche, Cello) mit Ausnahme des Kontrabasses, der in reinen Quarten gestimmt ist. Jede nachfolgende Note wird auf einer Tonhöhe angehalten, die der Spieler als die harmonischste empfindet, „wenn [ein Geiger] ohne Begleitung nicht konsequent in der temperierten oder der natürlichen [gerechten] Tonleiter spielt, sondern im Großen und Ganzen der Pythagoräischen entspricht Maßstab ." Wenn Geiger in einem Streichquartett oder einem Streichorchester spielen , "süßen" die Saiten normalerweise ihre Stimmung, um sie an die Tonart anzupassen, in der sie spielen. Wenn sie mit einem Instrument spielen, das auf gleiche Temperatur gestimmt ist , wie z. B. einem Klavier , passen erfahrene Geiger ihre Stimmung an an die gleichschwebende Stimmung des Klaviers anpassen, um dissonante Töne zu vermeiden.

Die Finger sind herkömmlicherweise in Notenschrift und Etüdenbüchern von 1 (Zeigefinger) bis 4 (kleiner Finger) nummeriert . Insbesondere in Lehrausgaben von Violinmusik können Zahlen über den Noten angeben, welcher Finger verwendet werden soll, wobei 0 oder O eine offene Saite anzeigen. Die Tabelle rechts zeigt die Anordnung der Noten, die an der ersten Position erreichbar sind. In dieser Tabelle nicht dargestellt ist die Art und Weise, wie der Abstand zwischen den Notenpositionen enger wird, wenn sich die Finger (in der Tonhöhe) von der Mutter nach oben bewegen. Die Balken an den Seiten des Diagramms stellen die üblichen Möglichkeiten für Anfänger-Tape-Platzierungen am 1., hohen 2., 3. und 4. Finger dar.

Positionen

Die Platzierung der linken Hand auf dem Griffbrett wird durch "Positionen" gekennzeichnet. Die erste Position, wo die meisten Anfänger beginnen (obwohl einige Methoden in der dritten Position beginnen), ist die am häufigsten verwendete Position in der Streichmusik. Musik, die für junge Jugendorchester komponiert wurde , steht oft an erster Stelle. Die tiefste Note, die in dieser Position in der Standardstimmung verfügbar ist, ist ein offenes G3; Die höchste Note in der ersten Position wird mit dem vierten Finger auf der E-Saite gespielt und klingt wie ein B5. Wenn Sie die Hand den Hals hinauf bewegen, nimmt der erste Finger den Platz des zweiten Fingers ein und bringt den Spieler in die zweite Position . Lässt man den ersten Finger die erste Position des dritten Fingers einnehmen, bringt der Spieler die dritte Position und so weiter. Ein Positionswechsel mit der damit verbundenen Bewegung der Hand wird als Verschiebung bezeichnet , und eine effektive Verschiebung, die eine genaue Intonation und einen sanften (verbundenen) Legato-Klang beibehält, ist ein Schlüsselelement der Technik auf allen Ebenen. Oft wird ein "Führungsfinger" verwendet; der letzte Finger, der eine Note in der alten Position spielt, berührt die Saite im Laufe der Verschiebung kontinuierlich leicht, um schließlich an der richtigen Stelle in der neuen Position zu landen. Bei einfachen Schaltübungen wird der "Führungsfinger" oft geäußert, während er die Saite nach oben oder unten gleitet, damit der Spieler die richtige Platzierung nach Gehör feststellen kann. Außerhalb dieser Übungen sollte es selten hörbar sein (es sei denn, der Interpret wendet aus expressiven Gründen bewusst einen Portamento- Effekt an).

Im Verlauf einer Verschiebung in tiefe Positionen bewegt sich der Daumen der linken Hand am Hals des Instruments nach oben oder unten, um in der gleichen Position relativ zu den Fingern zu bleiben (obwohl die Bewegung des Daumens etwas früher oder früher erfolgen kann etwas später, die Bewegung der Finger). In solchen Positionen wird der Daumen oft als „Anker“ angesehen, dessen Position definiert, in welcher Position sich der Spieler befindet. In sehr hohen Positionen kann sich der Daumen nicht mit den Fingern bewegen, da der Körper des Instruments im Weg ist. Stattdessen arbeitet der Daumen um den Hals des Instruments herum, um an dem Punkt zu sitzen, an dem der Hals auf den rechten Korpus trifft, und bleibt dort, während sich die Finger zwischen den hohen Positionen bewegen.

Eine Note, die außerhalb des normalen Umfangs einer Position ohne Verschiebung gespielt wird, wird als Verlängerung bezeichnet . Zum Beispiel sitzt die Hand in der dritten Position auf der A-Saite natürlich mit dem ersten Finger auf D ♮ und dem vierten Finger entweder auf G ♮ oder G ♯ . Das Strecken des ersten Fingers nach unten zu einem C ♯ oder des vierten Fingers nach oben zu einem A ♮ bildet eine Verlängerung. Verlängerungen werden häufig verwendet, wenn eine oder zwei Noten etwas außerhalb einer ansonsten soliden Position liegen, und bieten den Vorteil, dass sie weniger aufdringlich sind als eine Verschiebung oder eine Saitenkreuzung. Die tiefste Lage auf der Geige wird als „Halblage“ bezeichnet. In dieser Position befindet sich der erste Finger auf einer Note der "tiefen ersten Position", z. B. B ♭ auf der A-Saite, und der vierte Finger befindet sich in einer nach unten gerichteten Verlängerung von seiner regulären Position, z. B. D ♮ auf der A-Saite, mit den anderen beiden Finger dazwischen gelegt nach Bedarf. Da die Position des Daumens in der "halben Position" typischerweise dieselbe ist wie in der ersten Position, wird sie besser als Verlängerung der ganzen Hand nach hinten als als echte Position angesehen.

Die obere Grenze des Tonumfangs der Geige wird weitgehend durch die Fähigkeiten des Spielers bestimmt, der leicht mehr als zwei Oktaven auf einer einzelnen Saite und vier Oktaven auf dem Instrument als Ganzes spielen kann. Positionsnamen werden hauptsächlich für die unteren Positionen und in Methodenbüchern und Etüden verwendet; Aus diesem Grund ist es ungewöhnlich, Hinweise auf etwas Höheres als die siebte Position zu hören. Die höchste Position ist praktisch die 13. Position. Sehr hohe Positionen sind aus zwei Gründen eine besondere technische Herausforderung. Erstens wird der Unterschied in der Lage verschiedener Noten in hohen Lagen viel geringer, was es schwieriger macht, die Noten zu lokalisieren und in einigen Fällen nach Gehör zu unterscheiden. Zweitens ist die viel kürzere klingende Länge der Saite in sehr hohen Lagen eine Herausforderung für den rechten Arm und Bogen, um das Instrument effektiv zum Klingen zu bringen. Je feiner (und teurer) ein Instrument ist, desto besser ist es in der Lage, einen guten Ton bis zum oberen Ende des Griffbretts bei den höchsten Tonhöhen auf der E-Saite aufrechtzuerhalten.

Alle Noten (außer denen unter dem offenen D) können auf mehr als einer Saite gespielt werden. Dies ist ein Standard-Konstruktionsmerkmal von Saiteninstrumenten; es unterscheidet sich jedoch vom Klavier, das nur einen Ort für jede seiner 88 Noten hat. Zum Beispiel kann der Ton des offenen A auf der Violine als offenes A oder auf der D-Saite (in der ersten bis vierten Position) oder sogar auf der G-Saite (sehr hoch oben in der sechsten bis neunten Position) gespielt werden. Jede Saite hat eine andere Tonqualität , aufgrund der unterschiedlichen Gewichte (Dicken) der Saiten und aufgrund der Resonanzen anderer leerer Saiten. So wird beispielsweise der G-Saite oft ein sehr voller, sonorer Klang zugeschrieben, der besonders der spätromantischen Musik angemessen ist. Dies wird in der Musik oft durch die Markierung angezeigt, zum Beispiel sul G oder IV (eine römische Zahl, die angibt, auf der vierten Saite zu spielen; Konventionell werden die Saiten von der dünnsten, höchsten Tonhöhe (I) bis zur tiefsten Tonhöhe ( IV) Auch ohne ausdrückliche Anweisungen in der Partitur wird ein fortgeschrittener Geiger nach eigenem Ermessen und künstlerischem Feingefühl auswählen, auf welcher Saite bestimmte Noten oder Passagen zu spielen sind.

Offene Saiten

Wenn eine Saite gestrichen oder gezupft wird, ohne dass ein Finger sie stoppt, spricht man von einer offenen Saite . Dies ergibt einen anderen Klang als eine gestoppte Saite, da die Saite am Sattel freier schwingt als unter einem Finger. Außerdem ist es unmöglich, das Vibrato vollständig auf einer leeren Saite zu verwenden (obwohl ein teilweiser Effekt erzielt werden kann, indem eine Note eine Oktave höher auf einer benachbarten Saite gestoppt und diese vibriert wird, wodurch ein Vibrato-Element in die Obertöne eingeführt wird). In der klassischen Tradition verwenden Geiger häufig eine Saitenkreuzung oder Positionsverschiebung, um die durch eine offene Saite eingeführte Änderung der Klangfarbe zu vermeiden, sofern dies nicht vom Komponisten angegeben wird. Dies gilt insbesondere für das offene E, das oft als harsch empfunden wird. Es gibt jedoch auch Situationen, in denen eine offene Saite speziell für künstlerische Effekte ausgewählt werden kann. Dies zeigt sich in klassischer Musik, die den Bordun einer Orgel imitiert (JS Bach hat dies in seiner Partita in E für Solovioline erreicht), Geigen (z. B. Hoedown ) oder wo Maßnahmen zur Vermeidung der leeren Saite musikalisch unangemessen sind ( zum Beispiel in der Barockmusik, wo Positionswechsel weniger üblich waren). In schnellen Passagen von Tonleitern oder Arpeggios kann eine offene E-Saite einfach der Einfachheit halber verwendet werden, wenn die Note keine Zeit hat, zu klingen und ein hartes Timbre zu entwickeln. In der Volksmusik, Geige und anderen traditionellen Musikgenres werden offene Saiten häufig wegen ihrer resonanten Klangfarbe verwendet.

Das gleichzeitige Spielen einer leeren Saite mit einer gestoppten Note auf einer angrenzenden Saite erzeugt ein dudelsackartiges Dröhnen, das oft von Komponisten zur Nachahmung von Volksmusik verwendet wird . Manchmal sind die beiden Noten identisch (z. B. wenn Sie ein gefingertes A auf der D-Saite gegen die offene A-Saite spielen), was einen klingelnden, "fummelnden" Klang ergibt. Das gleichzeitige Spielen einer leeren Saite mit einem identischen gestrichenen Ton kann auch erforderlich sein, wenn mehr Lautstärke erforderlich ist, insbesondere im Orchesterspiel. Einige klassische Geigenstimmen haben Noten, für die der Komponist den Geiger auffordert, eine leere Saite zu spielen, wegen der spezifischen Klangfülle, die durch eine leere Saite erzeugt wird.

Doppelgriffe, Dreifachgriffe, Akkorde und Drohnen

Doppelstoppen ist, wenn zwei separate Saiten mit den Fingern gestoppt und gleichzeitig gestrichen werden, wodurch zwei kontinuierliche Töne erzeugt werden (typische Intervalle sind Terzen, Quarts, Quinten, Sexten und Oktaven). Doppelstopps können in jeder Position angezeigt werden, obwohl das breiteste Intervall, das auf natürliche Weise in einer Position doppelt gestoppt werden kann, eine Oktave ist (mit dem Zeigefinger auf der unteren Saite und dem kleinen Finger auf der höheren Saite). Nichtsdestotrotz müssen im fortgeschrittenen Repertoire manchmal Intervalle von Zehnteln oder sogar mehr doppelt angehalten werden, was zu einer gestreckten Position der linken Hand mit ausgestreckten Fingern führt. Der Begriff "Doppelgriff" wird oft verwendet, um auch das Erklingen einer offenen Saite neben einer gefingerten Note zu umfassen, obwohl nur ein Finger die Saite stoppt.

Wenn drei oder vier gleichzeitige Noten angezeigt werden, "teilt" der Geiger den Akkord normalerweise, indem er die unteren ein oder zwei Noten auswählt, um zuerst zu spielen, bevor er sofort mit den oberen ein oder zwei Noten fortfährt, wobei die natürliche Resonanz des Instruments einen Effekt erzeugt ähnlich wie wenn alle vier Noten gleichzeitig geäußert worden wären. Unter Umständen ist auch ein „Triple Stop“ möglich, bei dem drei Noten über drei Saiten gleichzeitig geäußert werden können. Der Bogen schlägt natürlich nicht drei Saiten gleichzeitig an, aber wenn ausreichend Bogengeschwindigkeit und -druck vorhanden sind, wenn der Geiger einen Drei-Noten-Akkord "bricht" (erklingt), können die Bogenhaare vorübergehend auf drei Saiten gebogen werden, sodass jede gleichzeitig erklingen kann . Dies wird mit einem kräftigen Schlag erreicht, typischerweise in der Nähe des Frosches, und erzeugt einen lauten und aggressiven Ton. Doppelgriffe im Orchester werden gelegentlich als Divisi gekennzeichnet und zwischen den Spielern aufgeteilt, wobei eine Teilung der Musiker die tiefere Note und eine Teilung die höhere Note spielt. Doppelgriffe (und Divisi) sind im Orchesterrepertoire üblich, wenn die Violinen die Begleitung spielen und ein anderes Instrument oder eine Sektion melodisch spielt.

In einigen Genres historisch informierter Aufführungen (normalerweise Barockmusik und früher) werden weder Split-Chord- noch Triple-Stop-Akkorde als angemessen angesehen. Einige Geiger arpeggieren alle Akkorde (einschließlich normaler Doppelgriffe) und spielen alle oder die meisten Noten einzeln, als wären sie als gebundene Figur geschrieben worden. Mit der Entwicklung moderner Geigen ist der Dreifachgriff jedoch natürlicher geworden, da der Steg weniger gekrümmt ist. In einigen Musikstilen kann während einer Passage, die hauptsächlich auf einer benachbarten Saite geschrieben ist, ein ausgehaltener Bordun der offenen Saite gespielt werden, um eine grundlegende Begleitung bereitzustellen. Dies wird häufiger in Volkstraditionen als in der klassischen Musik gesehen.

Vibrato

Petrowitsch Bissing war Lehrer der Vibrato-Methode auf der Violine und veröffentlichte ein Buch mit dem Titel Cultivation of the Violin Vibrato Tone .

Vibrato ist eine Technik der linken Hand und des linken Arms, bei der die Tonhöhe einer Note subtil in einem pulsierenden Rhythmus variiert. Während verschiedene Teile der Hand oder des Arms an der Bewegung beteiligt sein können, ist das Ergebnis eine Bewegung der Fingerspitze, die eine geringfügige Änderung der schwingenden Saitenlänge bewirkt, was eine Tonhöhenschwankung verursacht. Die meisten Geiger schwingen unterhalb der Note oder bei der Verwendung von Vibrato in einer niedrigeren Tonhöhe als die eigentliche Note, da angenommen wird, dass die Wahrnehmung die höchste Tonhöhe in einem variierenden Klang bevorzugt. Vibrato tut wenig, wenn überhaupt, um eine verstimmte Note zu verschleiern; Mit anderen Worten, ein falsch angewendetes Vibrato ist ein schlechter Ersatz für eine gute Intonation. Tonleitern und andere Übungen zur Arbeit an der Intonation werden normalerweise ohne Vibrato gespielt, um die Arbeit einfacher und effektiver zu machen. Musikstudenten wird oft beigebracht, dass, sofern in der Musik nicht anders gekennzeichnet, Vibrato angenommen wird. Es muss jedoch beachtet werden, dass dies nur ein Trend ist; Nichts auf den Notenblättern zwingt Geiger dazu, Vibrato hinzuzufügen. Dies kann ein Hindernis für einen klassisch ausgebildeten Geiger sein, der in einem Stil spielen möchte, der wenig oder gar kein Vibrato verwendet, wie z. B. Barockmusik, die im historischen Stil gespielt wird, und viele traditionelle Geigenstile.

Vibrato kann durch eine geeignete Kombination von Finger-, Handgelenk- und Armbewegungen erzeugt werden. Eine Methode, die als Handvibrato (oder Handgelenkvibrato ) bezeichnet wird, beinhaltet das Schaukeln der Hand am Handgelenk, um eine Schwingung zu erreichen. Im Gegensatz dazu moduliert eine andere Methode, das Armvibrato , die Tonhöhe durch Bewegung am Ellbogen. Eine Kombination dieser Techniken ermöglicht es einem Spieler, eine große Vielfalt von Toneffekten zu erzeugen. Das "wann" und "wozu" und "wie viel" des Violinvibratos sind künstlerische Stil- und Geschmacksfragen, wobei verschiedene Lehrer, Musikschulen und Musikstile unterschiedliche Vibratostile bevorzugen. Beispielsweise kann ein übertriebenes Vibrato störend wirken. In akustischer Hinsicht hat das Interesse, das Vibrato dem Klang hinzufügt, damit zu tun, wie sich die Obertonmischung (oder Klangfarbe oder Klangfarbe) und das Richtungsmuster der Schallprojektion mit Änderungen der Tonhöhe ändern. Indem der Klang auf rhythmische Weise auf verschiedene Teile des Raums „gerichtet“ wird, fügt Vibrato dem Klang einer gut gemachten Geige einen „Schimmer“ oder eine „Lebendigkeit“ hinzu. Vibrato wird größtenteils dem Ermessen des Geigers überlassen. Verschiedene Arten von Vibrato bringen unterschiedliche Stimmungen in das Stück, und die unterschiedlichen Grade und Stile des Vibratos sind oft Merkmale, die bei bekannten Geigern auffallen.

Vibrato-Triller

Eine vibratoähnliche Bewegung kann manchmal verwendet werden, um einen schnellen Trillereffekt zu erzeugen . Um diesen Effekt auszuführen, wird der Finger über dem Finger, der die Note stoppt, sehr leicht von der Saite entfernt (fest gegen den Finger gedrückt, der die Saite stoppt) und eine Vibrato-Bewegung wird implementiert. Der zweite Finger berührt bei jeder Schwingung leicht die Saite über dem unteren Finger, wodurch die Tonhöhe auf eine Weise oszilliert, die wie eine Mischung aus breitem Vibrato und einem sehr schnellen Triller klingt. Dies ergibt einen weniger definierten Übergang zwischen der höheren und der tieferen Note und wird normalerweise durch interpretative Wahl implementiert. Diese Trillertechnik funktioniert nur gut für halbtonale Triller oder Triller in hohen Lagen (wo der Abstand zwischen den Noten verringert ist), da sie erfordert, dass sich der trillernde Finger und der darunter liegende Finger berühren, was den trillerbaren Abstand begrenzt. In sehr hohen Lagen, wo der Trillerabstand kleiner als die Breite des Fingers ist, kann ein Vibrato-Triller die einzige Option für Trillereffekte sein.

Harmonische

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Durch leichtes Berühren der Saite mit einer Fingerspitze an einem harmonischen Knoten , aber ohne die Saite vollständig zu drücken, und dann Zupfen oder Streichen der Saite, werden Harmonische erzeugt . Anstelle des normalen Tons erklingt eine höhere Note. Jeder Knoten befindet sich an einer ganzzahligen Teilung der Kette, beispielsweise auf halbem Weg oder einem Drittel entlang der Länge der Kette. Ein ansprechendes Instrument lässt zahlreiche mögliche harmonische Knoten entlang der Länge der Saite erklingen. Harmonische werden in der Musik entweder mit einem kleinen Kreis über der Note, die die Tonhöhe der Harmonischen bestimmt, oder durch rautenförmige Notenköpfe gekennzeichnet. Es gibt zwei Arten von Harmonischen: natürliche Harmonische und künstliche Harmonische (auch bekannt als falsche Harmonische ).

Natürliche Obertöne werden auf einer offenen Saite gespielt. Die Tonhöhe der leeren Saite beim Zupfen oder Streichen wird als Grundfrequenz bezeichnet. Harmonische werden auch als Obertöne oder Teiltöne bezeichnet . Sie treten bei ganzzahligen Vielfachen der Grundwelle auf, die als erste Harmonische bezeichnet wird. Der zweite Oberton ist der erste Oberton (die Oktave über der leeren Saite), der dritte Oberton ist der zweite Oberton und so weiter. Der zweite Oberton befindet sich in der Mitte der Saite und klingt eine Oktave höher als die Tonhöhe der Saite. Der dritte Oberton zerlegt die Saite in Terzen und erklingt eine Oktave und eine Quinte über dem Grundton, und der vierte Oberton zerlegt die Saite in Viertel, die zwei Oktaven über dem ersten erklingen. Der Klang des zweiten Obertons ist der klarste von allen, weil er ein gemeinsamer Knoten mit allen nachfolgenden geradzahligen Obertönen (4., 6. usw.) ist. Die dritte und die folgenden ungeradzahligen Harmonischen sind schwieriger zu spielen, da sie die Saite in eine ungerade Anzahl von schwingenden Teilen aufteilen und nicht so viele Knoten mit anderen Harmonischen teilen.

Künstliche Obertöne sind schwieriger zu erzeugen als natürliche Obertöne, da sie sowohl das Stoppen der Saite als auch das Spielen einer Oberwelle auf der gestoppten Note beinhalten. Wenn Sie den Oktavrahmen (den normalen Abstand zwischen dem ersten und dem vierten Finger in einer bestimmten Position) verwenden, wobei der vierte Finger die Saite nur eine Quarte höher als die gestoppte Note berührt, wird die vierte Harmonische zwei Oktaven über der gestoppten Note erzeugt. Fingerplatzierung und Druck sowie Bogengeschwindigkeit, Druck und Klangpunkt sind alle wesentlich, um die gewünschte Harmonie zum Klingen zu bringen. Und um die Herausforderung noch zu erhöhen, muss sich in Passagen mit verschiedenen Noten, die als falsche Obertöne gespielt werden, der Abstand zwischen Stoppfinger und Obertonfinger ständig ändern, da sich der Abstand zwischen den Noten über die Länge der Saite ändert.

Der harmonische Finger kann auch eine große Terz über der gedrückten Note (die fünfte Harmonische) oder eine Quinte höher (eine dritte Harmonische) berühren. Diese Harmonischen werden seltener verwendet; im Fall der großen Terz müssen sowohl die gestoppte Note als auch die berührte Note leicht scharf gespielt werden, sonst spricht die Harmonische nicht so leicht. Bei der Quinte ist die Dehnung größer, als es vielen Geigern angenehm ist. Im allgemeinen Repertoire werden Brüche kleiner als ein Sext nicht verwendet. Manchmal werden jedoch Unterteilungen bis zu einem Achtel verwendet, und bei einem guten Instrument und einem erfahrenen Spieler sind Unterteilungen bis zu einem Zwölftel möglich. Es gibt einige Bücher, die ausschließlich dem Studium der Geigenharmonik gewidmet sind. Zwei umfassende Werke sind Henryk Hellers siebenbändige Theory of Harmonics , die 1928 bei Simrock veröffentlicht wurde , und Michelangelo Abbados fünfbändige Tecnica dei suoni armonici, die 1934 bei Ricordi veröffentlicht wurde.

Aufwändige Passagen in künstlichen Harmonien finden sich in der virtuosen Violinliteratur, insbesondere des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Zwei bemerkenswerte Beispiele dafür sind ein ganzer Abschnitt von Vittorio Montis Csárdás und eine Passage gegen die Mitte des dritten Satzes von Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowskys Violinkonzert . Ein Abschnitt des dritten Satzes von Paganinis Violinkonzert Nr. 1 besteht aus doppelgriffigen Terzen in Harmonik.

Wenn die Saiten abgenutzt, verschmutzt und alt sind, sind die Obertöne möglicherweise nicht mehr genau in der Tonhöhe. Aus diesem Grund wechseln Geiger regelmäßig ihre Saiten.

Rechte Hand und Tonfarbe

Die Saiten können angeschlagen werden, indem man die Haare des Bogens, der von der rechten Hand gehalten wird, darüber zieht ( arco ) oder sie zupft ( pizzicato ), meistens mit der rechten Hand. In einigen Fällen zupft der Geiger die Saiten mit der linken Hand. Dies geschieht, um die Übergänge vom Pizzicato- zum Arco-Spiel zu erleichtern. Es wird auch in einigen virtuosen Prunkstücken verwendet. Pizzicato für die linke Hand wird normalerweise auf offenen Saiten gespielt. Pizzicato wird auf allen Instrumenten der Geigenfamilie verwendet; Das systematische Studium fortgeschrittener Pizzicato-Techniken ist jedoch im Jazzbass am weitesten entwickelt , einem Stil, in dem das Instrument fast ausschließlich gezupft wird.

Der rechte Arm, die Hand und der Bogen sowie die Bogengeschwindigkeit sind für Tonqualität, Rhythmus , Dynamik , Artikulation und die meisten (aber nicht alle) Änderungen der Klangfarbe verantwortlich . Der Spieler zieht den Bogen über die Saite, wodurch die Saite vibriert und einen anhaltenden Ton erzeugt. Der Bogen ist ein Holzstab mit gespannten Rosshaaren, der mit einem Stück Kolophonium rosiniert wurde . Die natürliche Textur des Rosshaars und die Klebrigkeit des Kolophoniums helfen dem Bogen, die Saite zu "greifen", und wenn der Bogen über die Saite gezogen wird, bewirkt der Bogen, dass die Saite eine Tonhöhe erklingt.

Bogenstriche können verwendet werden, um lang anhaltende Töne oder Melodien zu erzeugen. Wenn bei einer Streichersektion die Spieler in einer Sektion ihre Bögen zu unterschiedlichen Zeiten wechseln, kann eine Note unendlich nachhaltig erscheinen. Außerdem kann der Bogen verwendet werden, um kurze, knackige kleine Töne zu spielen, wie Tonwiederholungen, Tonleitern und Arpeggios, die in vielen Musikstilen für einen treibenden Rhythmus sorgen.

Verbeugungstechniken

Der wichtigste Teil der Bogentechnik ist der Bogengriff. Es ist normalerweise mit dem gebogenen Daumen in dem kleinen Bereich zwischen dem Frosch und der Windung des Bogens. Die anderen Finger verteilen sich etwas gleichmäßig über den oberen Teil des Bogens. Der kleine Finger wird gekräuselt, wobei die Fingerspitze auf dem Holz neben der Schraube platziert wird. Die Geige erzeugt lautere Töne mit größerer Bogengeschwindigkeit oder mehr Gewicht auf der Saite. Die beiden Methoden sind nicht gleichwertig, da sie unterschiedliche Klangfarben erzeugen; Wenn Sie auf die Saite drücken, erzeugt dies tendenziell einen härteren, intensiveren Klang. Man kann auch einen lauteren Klang erzielen, indem man den Bogen näher am Steg platziert.

Der klingende Punkt, an dem der Bogen die Saite schneidet, beeinflusst auch die Klangfarbe (oder "Klangfarbe"). In der Nähe des Stegs zu spielen ( sul ponticello ) erzeugt einen intensiveren Klang als gewöhnlich und betont die höheren Obertöne; und das Spielen mit dem Bogen über dem Ende des Griffbretts ( sul tasto ) erzeugt einen zarten, ätherischen Klang, der die Grundfrequenz betont . Shinichi Suzuki bezeichnete den Sondierungspunkt als die Kreisler- Autobahn ; man kann sich verschiedene Schallpunkte als Fahrspuren auf der Autobahn vorstellen.

Verschiedene Angriffsmethoden mit dem Bogen erzeugen unterschiedliche Artikulationen . Es gibt viele Bogentechniken, die jeden Spielstil ermöglichen. Viele Lehrer, Spieler und Orchester verbringen viel Zeit damit, Techniken zu entwickeln und eine einheitliche Technik innerhalb der Gruppe zu schaffen. Zu diesen Techniken gehören Bogenstriche im Legato-Stil (ein sanfter, verbundener, anhaltender Klang, der für Melodien geeignet ist), Collé und eine Vielzahl von Bogenstrichen, die kürzere Noten erzeugen, darunter Ricochet, Sautillé , Martelé , Spiccato und Staccato.

Pizzicato

Eine Notiz mit der Aufschrift pizz. (Abkürzung für Pizzicato ) in der geschriebenen Musik soll durch Zupfen der Saite mit einem Finger der rechten Hand und nicht durch Streichen gespielt werden. (Der Zeigefinger wird hier am häufigsten verwendet.) Manchmal wird in Orchesterparts oder virtuoser Solomusik, wo die Bogenhand besetzt ist (oder für den Angebereffekt), das Pizzicato der linken Hand durch ein + (Pluszeichen) unter oder angezeigt über der Notiz. Beim Pizzicato für die linke Hand werden zwei Finger auf die Saite gelegt; Einer (normalerweise der Zeige- oder Mittelfinger) wird auf die richtige Note gelegt, und der andere (normalerweise der Ringfinger oder der kleine Finger) wird über die Note gelegt. Der höhere Finger zupft dann die Saite, während der niedrigere dran bleibt, wodurch die richtige Tonhöhe erzeugt wird. Indem man die Kraft des Zupfens erhöht, kann man die Lautstärke der Note erhöhen, die die Saite erzeugt. Pizzicato wird in Orchesterwerken und in Solo-Showpieces verwendet. In Orchesterstimmen müssen Geiger oft sehr schnell von Arco zu Pizzicato und umgekehrt wechseln.

Collegnr

Eine Markierung von col legno ( italienisch für "mit dem Holz") in der geschriebenen Musik fordert, die Saite (n) mit dem Stock des Bogens zu schlagen, anstatt die Haare des Bogens über die Saiten zu ziehen. Diese Bogentechnik wird eher selten verwendet und führt zu einem gedämpften perkussiven Klang. Die unheimliche Qualität einer Violingruppe, die col legno spielt , wird in einigen symphonischen Stücken ausgenutzt, insbesondere im "Hexentanz" des letzten Satzes von Berlioz' Symphonie Fantastique . Saint-Saëns ' symphonisches Gedicht Danse Macabre enthält den Streichersatz, der die Col legno- Technik verwendet, um den Klang tanzender Skelette zu imitieren. „Mars“ aus Gustav Holsts „ Die Planeten “ verwendet col legno , um einen sich wiederholenden Rhythmus einzuspielen⁵
₄Zeitstempel. Benjamin Brittens „ The Young Person’s Guide to the Orchestra“ fordert seine Verwendung in der „ Percussion “-Variation. Dmitri Schostakowitsch verwendet es in seiner Vierzehnten Sinfonie im Satz „At the Sante Jail“. Einige Geiger lehnen diese Spielweise jedoch ab, da sie das Finish beschädigen und den Wert eines guten Bogens beeinträchtigen kann, aber die meisten von ihnen gehen Kompromisse ein, indem sie zumindest für die Dauer der betreffenden Passage einen billigen Bogen verwenden.

Detaché

Ein glatter und gleichmäßiger Zug, bei dem Bogengeschwindigkeit und -gewicht vom Anfang bis zum Ende des Zugs gleich sind.

Martelé

Buchstäblich gehämmert , ein stark akzentuierter Effekt, der durch kraftvolles und plötzliches Loslassen jedes Bogenstrichs entsteht. Martelé kann in jedem Teil des Bogens gespielt werden. Es wird manchmal in geschriebener Musik durch eine Pfeilspitze angezeigt.

Tremolo

Tremolo ist die sehr schnelle Wiederholung (typischerweise einer einzelnen Note, aber gelegentlich mehrerer Noten), die normalerweise an der Spitze des Bogens gespielt wird. Tremolo ist mit drei kurzen, schrägen Linien über dem Notenhals gekennzeichnet. Tremolo wird häufig als Klangeffekt in der Orchestermusik verwendet, insbesondere in der Epoche der romantischen Musik (1800-1910) und in der Opernmusik.

Stumm oder Sordino

Ad-hoc -Wäscheklammer-Dämpfer und ein Übungs-Dämpfer aus Gummi

Das Anbringen eines kleinen Metall-, Gummi-, Leder- oder Holzgeräts namens Dämpfer oder Sordino am Steg der Geige ergibt einen weicheren, sanfteren Ton mit weniger hörbaren Obertönen ; Der Klang einer ganzen Orchester-Streichergruppe, die mit Dämpfern spielt, hat eine gedämpfte Qualität. Der Dämpfer verändert sowohl die Lautstärke als auch die Klangfarbe („Klangfarbe“) einer Geige. Die herkömmlichen italienischen Markierungen für den stummen Gebrauch sind übereinstimmend. , oder con sordino , was „mit Stummschaltung“ bedeutet; und senza sord. , was „ohne Stummschaltung“ bedeutet; oder über sort. , was „stumm aus“ bedeutet.

Größere Dämpfer aus Metall, Gummi oder Holz sind weit verbreitet und werden als Übungsdämpfer oder Hoteldämpfer bezeichnet . Solche Dämpfer werden im Allgemeinen nicht bei Aufführungen verwendet, sondern werden verwendet, um den Klang der Geige in Übungsbereichen wie Hotelzimmern zu dämpfen. (Für Übungszwecke gibt es auch die Mute Violin , eine Geige ohne Resonanzkörper.) Einige Komponisten haben Übungsdämpfer für besondere Effekte verwendet, zum Beispiel am Ende von Luciano Berios Sequenza VIII für Solovioline.

Musikalische Stilrichtungen

Klassische Musik

Seit dem Barock ist die Geige aus mehreren Gründen eines der wichtigsten Instrumente der klassischen Musik . Der Ton der Geige hebt sich von anderen Instrumenten ab und eignet sich daher zum Spielen einer Melodielinie. In den Händen eines guten Spielers ist die Geige äußerst beweglich und kann schnelle und schwierige Tonfolgen ausführen.

Geigen machen einen großen Teil eines Orchesters aus und sind normalerweise in zwei Abschnitte unterteilt, die als erste und zweite Geige bekannt sind. Komponisten weisen die Melodie oft den ersten Geigen zu, typischerweise ein schwierigerer Teil mit höheren Positionen. Im Gegensatz dazu spielen die zweiten Geigen Harmonien, Begleitmuster oder die Melodie eine Oktave tiefer als die ersten Geigen. Ein Streichquartett hat in ähnlicher Weise Stimmen für die erste und die zweite Violine sowie eine Bratschenstimme und ein Bassinstrument wie das Cello oder selten den Kontrabass .

Jazz

Die frühesten Hinweise auf Jazzaufführungen mit der Geige als Soloinstrument sind in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts dokumentiert. Joe Venuti , einer der ersten Jazzgeiger, ist bekannt für seine Zusammenarbeit mit dem Gitarristen Eddie Lang in den 1920er Jahren. Seit dieser Zeit gab es viele improvisierende Geiger, darunter Stéphane Grappelli , Stuff Smith , Eddie South , Regina Carter , Johnny Frigo , John Blake , Adam Taubitz , Leroy Jenkins und Jean-Luc Ponty . Obwohl Darol Anger und Mark O'Connor nicht in erster Linie Jazzgeiger sind, haben sie bedeutende Teile ihrer Karriere damit verbracht, Jazz zu spielen. Die schweizerisch-kubanische Geigerin Yilian Cañizares mischt Jazz mit kubanischer Musik.

Geigen treten auch in Ensembles auf, die vielen Jazzaufnahmen Orchesteruntermalungen liefern.

Indische klassische musik

Die indische Geige ist zwar im Wesentlichen das gleiche Instrument wie das in der westlichen Musik verwendete, unterscheidet sich jedoch in gewisser Hinsicht. Das Instrument ist so gestimmt, dass die IV- und III-Saiten (G und D bei einer westlich gestimmten Geige) und die II- und I-Saiten (A und E) Sa-Pa-Paare (Do-Sol) sind und gleich klingen, aber versetzt sind um eine Oktave, die üblichen Skordaturen oder Geigenkreuzstimmungen wie G3–D4–G4–D5 oder A3–E4–A4–E5 ähnelt. Das Tonikum sa (do) ist nicht festgelegt, sondern variabel gestimmt, um dem Sänger oder Lead-Spieler gerecht zu werden. Die Art und Weise, wie der Musiker das Instrument hält, variiert von westlicher bis hin zu indischer Musik. In der indischen Musik sitzt der Musiker im Schneidersitz auf dem Boden, den rechten Fuß vor sich. Die Schnecke des Instruments ruht auf dem Fuß. Diese Position ist aufgrund der Natur der indischen Musik für ein gutes Spiel unerlässlich. Die Hand kann sich über das gesamte Griffbrett bewegen und es gibt keine festgelegte Position für die linke Hand, daher ist es wichtig, dass sich die Geige in einer stabilen, unbewegten Position befindet.

Populäre Musik

Andrew Bird mit Violine, 2009.

Lindsey Stirling tritt 2012 bei TEDx Berkeley auf.

Eric Stanley tritt 2013 bei TEDx Richmond auf.

Mindestens bis in die 1970er Jahre hinein verwendeten die meisten Arten von Popmusik Streicher mit Streichern . Sie wurden in den 1920er und frühen 1930er Jahren ausgiebig in der Popmusik verwendet. Mit dem Aufkommen der Swing-Musik von 1935 bis 1945 wurde der Streicherklang jedoch oft verwendet, um die Fülle der Big-Band- Musik zu verstärken. Nach der Swing-Ära von Ende der 1940er bis Mitte der 1950er Jahre begannen Streicher in der traditionellen Popmusik wiederzubeleben . Dieser Trend beschleunigte sich Ende der 1960er Jahre mit einer bedeutenden Wiederbelebung der Verwendung von Streichern, insbesondere in der Soulmusik . Beliebte Motown- Aufnahmen der späten 1960er und 1970er Jahre stützten sich stark auf Streicher als Teil ihrer charakteristischen Textur. Der Aufstieg der Disco- Musik in den 1970er Jahren setzte diesen Trend mit dem starken Einsatz von Streichinstrumenten in populären Disco-Orchestern fort (z. B. Love Unlimited Orchestra , Biddu Orchestra, Monster Orchestra , Salsoul Orchestra , MFSB ).

Mit dem Aufkommen elektronisch erzeugter Musik in den 1980er Jahren wurden Geigen weniger verwendet, da synthetisierte Streicherklänge, die von einem Keyboarder mit einem Synthesizer gespielt wurden , ihren Platz einnahmen. Während die Geige in der Mainstream- Rockmusik nur sehr wenig Verwendung fand , hat sie im Progressive Rock (z. B. Electric Light Orchestra , King Crimson , Kansas , Gentle Giant ) eine gewisse Geschichte. Das Album Contaminazione von 1973 von Italiens RDM spielt im Finale Geigen gegen Synthesizer ("La grande fuga"). Das Instrument hat einen stärkeren Platz in modernen Jazz-Fusion- Bands, insbesondere The Corrs . Die Geige ist manchmal ein Teil der britischen Folk-Rock- Musik, wie beispielsweise von Fairport Convention und Steeleye Span .

Die Popularität von Crossover-Musik, die in den letzten Jahren des 20. Jahrhunderts begann, hat die Geige zurück in die Arena der populären Musik gebracht, wobei sowohl elektrische als auch akustische Geigen von populären Bands verwendet werden. Die Dave Matthews Band besteht aus dem Geiger Boyd Tinsley . The Flock spielte den Geiger Jerry Goodman , der später der Jazz-Rock-Fusion- Band The Mahavishnu Orchestra beitrat . James ' Saul Davies , der auch Gitarrist ist , wurde von der Band als Geiger angeworben. Für ihre ersten drei Alben und zugehörigen Singles nutzte die britische Gruppe No-Man ausgiebig elektrische und akustische Sologeige, wie sie von Bandmitglied Ben Coleman (der ausschließlich Geige spielte) gespielt wurde.

Die Pop-Punk-Band Yellowcard hat die Geige zu einer Hauptstütze ihrer Musik gemacht. Der Geiger Sean Mackin ist seit 1997 Mitglied der Band. Los Salvadores verbinden auch Punk- und Ska-Einflüsse mit einer Geige. Die Doom-Metal- Band My Dying Bride hat auf vielen ihrer Alben Geige als Teil ihrer Besetzung verwendet. Die Geige tritt prominent in der Musik der spanischen Folk-Metal -Gruppe Mägo de Oz auf (zum Beispiel in ihrem 1998er Hit „ Molinos de viento “). Der Geiger (Carlos Prieto alias „Mohamed“) ist seit 1992 bei den Fans eines der beliebtesten Mitglieder der Gruppe. Auch im Symphonic Metal wird das Instrument häufig eingesetzt , insbesondere von Bands wie Therion , Nightwish , Within Temptation , Haggard und Epica , obwohl es auch in Gothic - Metal - Bands wie Tristania und Theatre of Tragedy zu finden ist . Der Sänger der alternativen Rockband Hurt spielt Geige für die Band, was sie zu einer der wenigen Rockbands macht, die Geige spielen, ohne einen Session-Mitarbeiter einzustellen. Die Folk-Metal- Band Ithilien verwendet in ihrer Diskographie ausgiebig Geige. Die Progressive-Metal- Band Ne Obliviscaris hat einen Geiger, Tim Charles, in ihrer Besetzung.

Auch unabhängige Künstler wie Owen Pallett , The Shondes und Andrew Bird haben das Interesse an dem Instrument gesteigert. Indie- Bands haben oft neue und ungewöhnliche Arrangements angenommen, die ihnen mehr Freiheit beim Einsatz der Geige geben als vielen Mainstream-Musikern. Es wurde im Post-Rock-Genre von Bands wie A Genuine Freakshow , Sigur Rós , Zox , Broken Social Scene und A Silver Mt. Zion verwendet . Die elektrische Geige wurde sogar von Bands wie The Crüxshadows im Kontext von Keyboard-basierter Musik verwendet. Lindsey Stirling spielt Geige in Verbindung mit Elektronik/Dubstep/Trance Rifts und Beats.

Eric Stanley improvisiert auf der Geige mit Hip-Hop-Musik /Pop/Klassik-Elementen und instrumentalen Beats. Die erfolgreiche Indie-Rock- und Barock-Pop- Band Arcade Fire verwendet in ihren Arrangements ausgiebig Geigen. Indische , türkische und arabische Popmusik ist erfüllt vom Klang der Geigen, sowohl Solisten als auch Ensembles .

Volksmusik und Geigen

Der Geiger Hins Anders Ersson, gemalt von Anders Zorn , 1904

Wie viele andere Instrumente der klassischen Musik stammt auch die Violine von fernen Vorfahren ab, die für die Volksmusik verwendet wurden . Nach einer Phase intensiver Entwicklung in der Spätrenaissance , hauptsächlich in Italien , hatte sich die Geige (in Lautstärke, Ton und Beweglichkeit) so weit verbessert, dass sie nicht nur ein sehr wichtiges Instrument in der Kunstmusik wurde, sondern sich auch als äußerst attraktiv erwies Volksmusiker, die sich schließlich sehr weit verbreiteten und manchmal frühere Streichinstrumente verdrängten. Ethnomusikologen haben seine weit verbreitete Verwendung in Europa, Asien und Amerika beobachtet.

Wenn sie als Volksinstrument gespielt wird, wird die Geige im Englischen normalerweise als Geige bezeichnet (obwohl der Begriff Geige unabhängig vom Musikgenre informell verwendet werden kann). Weltweit gibt es verschiedene Saiteninstrumente wie Radgeige und Apache-Geige , die auch „Fiddles“ genannt werden. Geigenmusik unterscheidet sich von klassischer Musik dadurch, dass die Melodien allgemein als Tanzmusik gelten und verschiedene Techniken wie Dröhnen, Mischen und Verzierungen verwendet werden, die für bestimmte Stile spezifisch sind. In vielen Traditionen der Volksmusik werden die Melodien nicht geschrieben, sondern von aufeinanderfolgenden Generationen von Musikern auswendig gelernt und in der sogenannten mündlichen Überlieferung weitergegeben . Viele alte Stücke erfordern Cross-Tuning oder die Verwendung anderer Stimmungen als der Standard-GDAE. Einige Spieler amerikanischer Volksgeigenstile (wie Bluegrass oder Old-Time) haben die Oberkante ihrer Brücke auf eine etwas flachere Kurve geschnitten, wodurch Techniken wie ein "doppeltes Mischen" den Bogenarm weniger belasten, da dies die Reichweite verringert Bewegung, die zum Wechseln zwischen Doppelgriffen auf verschiedenen Saitenpaaren erforderlich ist. Geiger, die Vollstahlsaiten verwenden, bevorzugen möglicherweise einen Saitenhalter mit Feinstimmern an allen vier Saiten anstelle des einzelnen Feinstimmers an der E-Saite, der von vielen klassischen Spielern verwendet wird.

arabische Musik

Neben der arabischen Rababa wurde die Geige in der arabischen Musik verwendet.

Elektrische Geigen

Akustische und elektrische Geigen

Elektrische Geigen haben einen magnetischen oder piezoelektrischen Tonabnehmer , der Saitenschwingungen in ein elektrisches Signal umwandelt. Ein Patchkabel oder Funksender sendet das Signal an einen Verstärker einer PA-Anlage . Elektrische Geigen sind normalerweise als solche konstruiert, aber einer herkömmlichen akustischen Geige kann ein Tonabnehmer hinzugefügt werden. Eine elektrische Geige mit einem Resonanzkörper, der unabhängig von den elektrischen Elementen einen Klang auf Hörhöhe erzeugt, kann als elektroakustische Geige bezeichnet werden . Um als akustische Geige effektiv zu sein, behalten elektroakustische Geigen einen Großteil des Resonanzkörpers der Geige bei und ähneln oft einer akustischen Geige oder Geige. Der Körper kann in hellen Farben ausgeführt und aus alternativen Materialien zu Holz hergestellt werden. Diese Geigen müssen möglicherweise an einen Instrumentenverstärker oder ein PA-System angeschlossen werden . Einige Typen verfügen über eine Silent-Option, die es dem Spieler ermöglicht, Kopfhörer zu verwenden, die an die Geige angeschlossen sind. Die ersten speziell gebauten elektrischen Geigen stammen aus dem Jahr 1928 und wurden von Victor Pfeil, Oskar Vierling, George Eisenberg, Benjamin Miessner , George Beauchamp , Hugo Benioff und Fredray Kislingbury hergestellt. Diese Geigen lassen sich wie eine E-Gitarre an Effektgeräte anschließen , inklusive Distortion , Wah-Wah-Pedal und Reverb . Da elektrische Geigen nicht auf Saitenspannung und Resonanz angewiesen sind, um ihren Klang zu verstärken, können sie mehr Saiten haben. Beispielsweise sind fünfsaitige elektrische Violinen von mehreren Herstellern erhältlich, und eine siebensaitige elektrische Violine (mit drei unteren Saiten, die den Tonumfang des Cellos umfassen ) ist ebenfalls erhältlich. Die Mehrheit der ersten elektrischen Geiger waren Musiker, die Jazz-Fusion (z. B. Jean-Luc Ponty ) und populäre Musik spielten.

Geigenauthentifizierung

Geigenauthentifizierung ist der Prozess zur Bestimmung des Herstellers und des Herstellungsdatums einer Geige. Dieser Prozess ähnelt dem zur Bestimmung der Herkunft von Kunstwerken. Dies kann ein wichtiger Prozess sein, da Geigen, die entweder von bestimmten Herstellern oder zu bestimmten Zeiten und an bestimmten Orten hergestellt wurden, einen erheblichen Wert haben können. Fälschungen und andere Methoden der betrügerischen Falschdarstellung können verwendet werden, um den Wert eines Instruments aufzublähen.

Siehe auch

Anmerkungen

Verweise

Literaturverzeichnis

Weiterlesen

• Lalitha, Muthuswamy (2004). Violintechniken in der westlichen und südindischen klassischen Musik: eine vergleichende Studie . Sundeep Prakashan. ISBN 9788175741515. OCLC  57671835 .
• Schoenbaum, David , Die Violine: Eine Sozialgeschichte des vielseitigsten Instruments der Welt , New York, New York: WW Norton & Company, Dezember 2012. ISBN  9780393084405 .
• Templeton, David, Fresh Prince: Joshua Bell on Composition, Hyperviolins, and the Future , Strings Magazine, Oktober 2002, Nr. 105.
• Jung, Diana. Eine Methodik zur Untersuchung der Leistung von Streichsaiten durch Messung der Streichtechnik der Violine . Doktorarbeit. MIT, 2007.

Externe Links

• Die Geige: Auswahl einer Geige, Herkunft und Wert
• Harrison, Robert William Frederick (1911). „Geige“  . Encyclopædia Britannica . Vol. 28 (11. Aufl.). S. 102–107.
• Forschungen zur Frühgeschichte der Geigenfamilie (Carl Engel, 1883) - (Beglaubigung erforderlich.)
• Eine neue Geschichte des Geigenspiels: Das Vibrato und Lambert Massarts revolutionäre Entdeckung (Zdenko Silvela 2001)