Wangechi Mutu- Wangechi Mutu

Wangechi Mutu, Dengue-Virus und Dengue-Virus II (2017) aus The Contemporary Austin

Wangechi Mutu, Teil der Serie The Seated (2019), die von 2019 bis 2020 im Metropolitan Museum of Art gezeigt wurde

Wangechi Mutu (* 1972) ist eine in Kenia geborene amerikanische bildende Künstlerin , die vor allem für ihre Malerei, Skulptur, Film und Performance bekannt ist. In Kenia geboren, lebt und etabliert sie ihre Karriere seit mehr als zwanzig Jahren in New York . Mutus Arbeit hat den weiblichen Körper als Subjekt durch Collage- Malerei , immersive Installation sowie Live- und Video-Performance gelenkt und dabei Fragen des Selbstbildes , der Geschlechterkonstrukte , des kulturellen Traumas und der Umweltzerstörung sowie der Vorstellungen von Schönheit und Macht untersucht.

Hintergrund und Ausbildung

Mutu wurde 1972 in Nairobi , Kenia, geboren . Sie wurde im Loreto Convent Msongari (1978–1989) ausgebildet und studierte später am United World College of the Atlantic , Wales ( IB , 1991). Mutu zog in den 1990er Jahren nach New York und konzentrierte sich auf Bildende Kunst und Anthropologie an der New School for Social Research und Parsons School of Art and Design . 1996 erwarb sie einen BFA-Abschluss der Cooper Union for the Advancement of the Arts and Science und 2000 einen Master-Abschluss in Bildhauerei der Yale School of Art .

Kunst

Mutus Arbeit durchquert eine Vielzahl von Medien, darunter Collage, Video, Performance und Skulptur, und untersucht Themen wie Gender, Rasse und Kolonialismus. Ihre Arbeit konzentriert sich teilweise auf die Gewalt und die falsche Darstellung, die schwarze Frauen in der zeitgenössischen Gesellschaft erfahren. Ein wiederkehrendes Thema in Mutus Werk sind ihre verschiedenen Darstellungen von Weiblichkeit. Mutu verwendet in ihrer Kunst das weibliche Thema, auch wenn die Figuren mehr oder weniger unkenntlich sind, sei es durch die Verwendung der Form selbst oder der Textur und Muster, aus denen die Figur besteht. Ihre Verwendung von jenseitigen Darstellungen für Frauen, die oft in einer scheinbar sexuellen oder sinnlichen Pose gezeigt werden, führt zu einer Diskussion über die Objektivierung von Frauen. Mutu befasst sich insbesondere mit der Hyperobjektivierung schwarzer weiblicher Körper und hat eine jenseitige Natur verwendet, um die fiktive Natur der gesellschaftlichen Darstellungen schwarzer Frauen zu wiederholen. Ob durch zarte Linienmuster oder vertraute weibliche Formen, Mutus verschiedene Arten, weibliche Qualitäten darzustellen, sollen die Stärke der Bilder oder die Bedeutung der präsentierten Themen verstärken. Es ist bekannt, dass viele von Mutus Kunstwerken auf widersprüchliche Weise interpretiert werden, sowohl als Komplizen der problematischen Gesellschaft als auch als Hoffnungsträger für zukünftige Veränderungen in der Gesellschaft. Es wurde auch gesagt, dass Mutus Gebrauch solch absichtlich abstoßender oder jenseitiger Bilder Frauen helfen kann, sich von der Perfektion, wie sie in der Gesellschaft präsentiert wird, zu entfernen und stattdessen ihre eigenen Unvollkommenheiten zu akzeptieren und auch die Fehler anderer zu akzeptieren.

In einem Interview mit der Kuratorin des Museum of Contemporary Art Australia, Rachel Kent, sagt sie: „Ich versuche, meine eigenen Vorstellungen von angemessenen Darstellungsformen von Frauen zu erweitern. Kritik, Neugier und Voyeurismus führen mich weiter, wenn ich mir Dinge ansehe, die mir schwer fallen.“ zu sehen - Dinge, die manchmal geschmacklos oder unethisch sind". Mutu verwendet in ihren Kunstwerken häufig "groteske" Texturen und hat die medizinischen Bücher ihrer Mutter über Tropenkrankheiten als Inspiration zitiert eitern und werden fast größer als das Wesen, das sie infiziert haben."

Mutu ist in der Lage, persönliche und kulturelle Verklärungen zu vollziehen, indem er von der Malerei zur Skulptur und wieder zurück wechselt. Mutu sagt: "Dieser Übergang war so kraftvoll, weil ich meinen Verstand als Objektmacher einsetzte - ich glaube, ich habe immer wie eine Bildhauerin gemalt." In Mutus Collagenarbeit begann sie, auf westliche Werbung und Schönheitsstandards zu reagieren: "Ich begann eine kontinuierliche Kritik und ein Intellektueller eine tatsächliche Zerstörung dieser Bilder, die mich verletzten, indem sie mich unsichtbar machten."

Funktioniert

Exhumierende Völlerei: Das Requiem eines Liebhabers (2006)

Mutu hat skulpturale Installationen ausgestellt. 2006 arbeiteten Mutu und der britische Architekt David Adjaye an einem Projekt zusammen. Sie verwandelten das Stadthaus des Upper East Side Salon 94 in New York in eine unterirdische Dinnerparty mit dem Titel Exhuming Vluttony: A Lover's Requiem . Pelze und Einschusslöcher zierten die Wände, während Weinflaschen in einer sorglosen Kronleuchter-ähnlichen Form über dem fleckigen Tisch baumelten. Die vielen Beine des Tisches ähnelten dicken Oberschenkelknochen mit sichtbar zarten Schienbeinen, und der ganze Raum hatte einen stechenden Geruch. Die Künstler versuchten, einen Moment der Völlerei zu zeigen, als sie sagte: "Ich wollte ein Fest schaffen, eine Gemeinschaft von Geistern und Zuschauern. Etwas ist schief gelaufen, es gibt eine Tragödie oder das Böse entfaltet sich". Dieser Teufelshunger wurde als Verbindung zwischen Bildern des letzten Abendmahls , dem Klima der aktuellen Kunstkaufwelt und dem Krieg im Irak gesehen.

Ausgesetzte Spielzeit (2008)

Eine weitere Installation von Mutu, Suspended Spielzeit (2008) ist eine Reihe von Bündeln von Müllsäcken, mit einem Gold Bindegarn umwickelt , als ob in suspendierter Spinnennetzen , die alle von der Decke über den Betrachter aufgehängt ist . Die Installation nimmt Bezug auf die gängige Nutzung von Müllsäcken als improvisierte Bälle und anderes Spielzeug durch afrikanische Kinder.

Das Ende des Essens von allem (2013)

2013 entstand Wangechi Mutus erstes animiertes Video The End of Eating Everything in Zusammenarbeit mit dem Aufnahmekünstler Santigold im Auftrag des Nasher Museum of Art . Das Video wurde von Awesome + Modest animiert.

Nguva na Nyoka (2014)

2014 war Mutus Kunst in einer Ausstellung mit dem Titel Nguva na Nyoka in der Victoria Miro Gallery in London zu sehen. Am Eröffnungsabend der Ausstellung zeigte Mutu ein Performance-Stück, in dem die Gäste ermutigt wurden, maßgeschneiderte Wangechi Mutu Schokoladen-Meerjungfrauen zu konsumieren. Eine Meerjungfrau konnten die Gäste nur erhalten, indem sie "ein Foto von ihrem ersten Bissen, Lecken, Schmecken" machten, das als Kommentar zum "öffentlichen Konsum von braunen Körpern" fungierte.

Die Seated- Serie (2019)

2019 schuf Mutu Bronzestatuen (mit dem Titel The Seated I, The Seated II, The Seated IV ) für die Außennischen des Metropolitan Museum of Art. Die Statuen sitzender Frauen wurden vom 9. September 2019 bis 12. Januar 2020 ausgestellt.

Ausstellungen

Mutus Arbeiten wurden in Galerien und Museen weltweit ausgestellt, darunter das San Francisco Museum of Modern Art , The Contemporary Austin (Texas), das Miami Art Museum , die Tate Modern in London, das Centre for Fine Arts in Brüssel, das Studio Museum in Harlem in New York, Museum Kunstpalast in Düsseldorf, das Centre Georges Pompidou in Paris und das Nasher Museum of Art an der Duke University . Ihre erste Einzelausstellung in einem großen nordamerikanischen Museum wurde im März 2010 in der Art Gallery of Ontario eröffnet .

Sie hat Einzelausstellungen im Museum of Contemporary Art Australia veranstaltet ; Deutsches Guggenheim , Berlin; das Brooklyn-Kunstmuseum ; Montreal Museum für zeitgenössische Kunst ; San Francisco Museum für moderne Kunst ; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Deutschland; Wiels Zentrum für zeitgenössische Kunst , Brüssel; das Nasher Museum of Art an der Duke University, North Carolina; das Block Museum of Art an der Northwestern University, Illinois; und Miami Art Museum .

Am 21. März 2013 zeigte sie ihre erste Einzelausstellung in den USA, Wangechi Mutu: A Fantastic Journey im Nasher Museum of Art . Die Ausstellung Wangechi Mutu: Eine fantastische Reise anschließend die gefahrene Brooklyn Museum ‚s Elizabeth A. Sackler Zentrum für feministische Kunst im Oktober 2013.

Sie nahm an der Prospect 1 Biennale 2008 in New Orleans und der Gwangju Biennale 2004 in Südkorea teil . Ihre Arbeiten wurden in großen Ausstellungen gezeigt, darunter Greater New York im PS1 Contemporary Art Center und das Museum of Modern Art in New York, Black President: The Art and Legacy of Fela Anikulapo-Kuti im New Museum of Contemporary Art in New York und dem Barbican Centre in London und USA Today an der Royal Academy in London.

Im Herbst 2013 nahm das Kreativteam von Wangechi Mutu am Hauptprojekt der 5. Moskauer Biennale für zeitgenössische Kunst teil .

2014 nahm sie an der Göttlichen Komödie teil. Himmel, Hölle, Fegefeuer aus der Perspektive afrikanischer Gegenwartskünstler im Museum für Moderne Kunst (MMK) , Frankfurt/Main, kuratiert von Simon Njami . Mutu wurde 2014 mit dem United States Artist Grant ausgezeichnet.

2015 nahm Mutu an der 56. Internationalen Kunstausstellung der Biennale von Venedig mit dem Titel All The World's Futures teil , die von Okwui Enwezor in den Giardini und Arsenale kuratiert wurde . Sie nahm auch an der Dak'Art-Biennale , der Kochi-Muziris-Biennale , der Pariser Triennale: Intense Proximity, der Triennale des Internationalen Zentrums für Fotografie und der Moskauer Biennale teil .

2016 wurde ihr Film The End of Carrying All im Museum of Fine Arts, Houston , Texas, ausgestellt. Der Film zeigt Mutu, der eine Landschaft durchquert, während sich ein Korb mit Konsumgütern füllt, während sich die Landschaft verändert und mit einem Vulkanausbruch endet. 2016 nahm sie auch an mehreren Gruppenausstellungen teil, darunter "Blackness in Abstraction" in der Pace Gallery in New York, "Black Pulp!" im International Print Center in New York und "Africans in America" ​​in der Goodman Gallery in Johannesburg.

Im Jahr 2017 wurde ihre schwarze Bronzeskulptur Water Woman, die eine Nguva darstellte, am Fuße des Amphitheaters im 14 Hektar großen Skulpturenpark Contemporary Austins in Laguna Gloria aufgestellt . Basierend auf der ostafrikanischen Folklore des halb Frau und halb Meerestier ist eine Darstellung der Geschichtserzählung von Frauen als listigen Verführerinnen. Die Ausstellung lief vom 23. September 2017 bis zum 14. Januar 2018, als sie Teil der ständigen Sammlung des Museums wurde.

Im September 2019 vier weibliche Bronze - Skulpturen von Mutu, „Seated I, II, III und IV“ wurden platziert , um die leeren Nischen immer zu Hause freistehende Skulptur in der Fassade des beabsichtigten zu besetzen Metropolitan Museum of Art in dem ersten Instillation und Ausstellung ("The New Ones Will Free Us" 9. September – Herbst 2020) einer jährlichen Kommission, die Werke zeitgenössischer Künstler zeigen soll. Mutu hat die Bronzestatuen als von Karyatiden inspiriert beschrieben . Ursprünglich war geplant, die Skulpturen bis zum 12. Januar 2020 zu zeigen, aber ihre Ausstellung wurde aufgrund der COVID-19-Pandemie bis zum 8. Juni 2020 und bis Herbst 2020 verlängert . "Seated I" und "Seated III" wurden anschließend für die ständige Sammlung von The Met erworben. Ein Gespräch mit ihr über die Ausstellung und Gegenwart wurde am 28. Juli 2020 für eine Reihe mit dem Titel Women and the Critical Eye aufgezeichnet.

Im Januar 2020 war Mutu Teil der Ausstellung von Artpace mit dem Titel Visibilities: Intrepid Women of Artpace . Von Erin K. Murphy kuratiert, eröffnet Visibilities nicht nur die Feier zum 25-jährigen Jubiläum von Artpace, sondern hebt auch ehemalige Künstler aus ihrem International Artist-in-Residence-Programm hervor, wie Mutu, der im Herbst 2004 dort ansässig war. Mutus 12-Panel-Serie Die Histologie der verschiedenen Klassen von Uterustumoren, bestehend aus collagierten Digitaldrucken, wurde im Hudson Showroom ausgestellt.

Einfluss von Afrofuturismus und Africanfuturism

Mutus Arbeit wurde als " Firmly Africanfuturist and Afrofuturist " bezeichnet, wie in ihrem Stück The End of Eating Everything (2013) veranschaulicht wird . In ihrer Installation 2013–2014 im Brooklyn Museum beschrieb das kuratorische Plakat zu ihrer Arbeit A'gave den Afrofuturismus als "eine Ästhetik, die die phantasievollen Strategien der Science-Fiction nutzt, um alternative Realitäten für Afrika und Menschen afrikanischer Abstammung zu visualisieren ". Für Kritiker stellten Mutus imaginierte alternative Realitäten für Afrika durch das Medium der Science-Fiction definitiv Mutu in das Genre des Afrofuturismus.

Spezifische Elemente von Mutus Kunst, die sie in dieses Genre einordnen, sind ihre Verschmelzungen von Menschen und Maschinen oder Cyborgs in Collagen wie Family Tree sowie dem Film The End of Eating Everything . Darüber hinaus beinhaltet Mutus Arbeit immer wieder bewusste Neuinterpretationen der afrikanischen Erfahrung. In Misguided Little Unforgivable Hierarchies untersucht sie soziale Hierarchien und Machtverhältnisse mit Hilfe von Collagen, denn „Völkerreihen wurden historisch um erfundene rassische und ethnische Kategorien herum aufgebaut“. In Family Tree konstruiert Mutu, wie in vielen ihrer Arbeiten, bewusst sowohl eine Vergangenheit als auch eine Zukunft innerhalb der einzelnen Figur, indem sie Diagramme aus antiken medizinischen Zeitschriften sowie mechanische Bilder zeigt.

Kollektionen

Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, enthalten ; Das Whitney Museum für amerikanische Kunst ; Das Studiomuseum in Harlem ; Museum für zeitgenössische Kunst, Chicago ; das Museum für zeitgenössische Kunst, Los Angeles ; das Nasher Museum of Art an der Duke University; das Brooklyn-Museum; und Tate Modern in London.

Auszeichnungen

Wangechi Mutu wurde am 23. Februar 2010 von der Deutschen Bank als ihre erste „Künstlerin des Jahres“ ausgezeichnet. Der Preis beinhaltet eine Einzelausstellung im Deutsche Guggenheim in Berlin. Unter dem Titel My Dirty Little Heaven reiste die Ausstellung im Juni 2010 ins Wiels Center for Contemporary Art in Forest, Belgien .

Im Jahr 2013 wurde Mutu für ihren Film The End of Eating Everything in Philadelphia, Pennsylvania , mit dem BlackStar Film Festival Audience Award for Favorite Experimental Film ausgezeichnet , sowie mit dem Brooklyn Museum Artist of the Year, Brooklyn, New York.

Philanthropie

2014 gründete Mutu die gemeinnützige Organisation Africa's Out! , "durch die Kraft von Kunst und Aktivismus radikale Veränderungen voranzutreiben, insbesondere Künstler, Initiativen und Institutionen aus Afrika und seiner Diaspora zu unterstützen, die die Freiheit des kreativen Ausdrucks feiern."

Verweise

Weiterlesen

• Wangechi Mutu, wie Faye Hirsch erzählt. "Die Frauen". Art in America , November 2013. New York: Brant Publications, Inc. S. 54–55.
• "Grotesque Sensations: Carnivalising the Sensorium in the Art of Wangeshi Mutu" von Bettina Papenburg in: B. Papenburg und M. Zarzycka (Hrsg.) Carnal Aesthetics . London: IBTauris, 2013. ISBN  978-1-78076-013-1 .
• Preziuso, Marika. „Ist Amerika wirklich voll? Ein Gespräch mit Wangechi Mutu.“ Übergang, Nr. 129, 2020, S. 26–45. JSTOR  10.2979/transition.129.1.03 Aufgerufen am 1. April 2021.


Externe Links

• Offizielle Website