Stan Douglas- Stan Douglas

Stan Douglas
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Stan Douglas, Christine Ross und Okwui Enwezor im Musée d'art contemporain de Montréal
Geboren ( 1960-10-11 )11. Oktober 1960 (60 Jahre)
Vancouver , Britisch-Kolumbien , Kanada
Staatsangehörigkeit kanadisch
Bekannt für Installationskünstler , Fotograf
Bemerkenswerte Arbeit
 Gewinnen, Platzieren oder Zeigen , 1998
Bewegung Vancouver-Schule
Auszeichnungen

Stan Douglas (* 11. Oktober 1960 in Vancouver , British Columbia ) ist ein Künstler .

Douglas' Film- und Videoinstallationen , Fotografie und Arbeit im Fernsehen berühren häufig die Geschichte von Literatur, Kino und Musik, während sie die "gescheiterte Utopie " der Moderne und veralteter Technologien untersuchen.

Er hat international ausgestellt, darunter Documenta IX , 1992, Documenta X, 1997, Documenta XI, 2002 und die Biennale von Venedig 1990, 2001, 2005 und 2019. Douglas wurde ausgewählt, Kanada auf der Biennale von Venedig 2021 zu vertreten.

Der Kunstsammler Friedrich Christian Flick beschreibt Douglas im Vorwort zur Stan Douglas- Monografie als „eine kritische Analyse unserer gesellschaftlichen Realität. Samuel Beckett und Marcel Proust , ETA Hoffmann und die Gebrüder Grimm , Blues und Free Jazz , Fernsehen und Hollywood , Karl Marx und Sigmund Freud geistern durch die unheimlichen Montagen des kanadischen Künstlers."

Hintergrund

Stan Douglas wurde 1960 in Vancouver geboren , wo er heute lebt und arbeitet. Ausgebildet an der Emily Carr University of Art and Design in Vancouver, hat Douglas seit seiner ersten Einzelausstellung im Jahr 1981 viel ausgestellt. Unter zahlreichen Gruppenausstellungen war Douglas 1995 an der Carnegie International , der Whitney Biennale 1995 , den Skulptur Projekten Münster 1997 und Documenta X in Kassel . 2007 erhielt Douglas den ersten Hnatyshyn Foundation Visual Arts Award , einen mit 25.000 US-Dollar dotierten Preis für herausragende Leistungen in der kanadischen bildenden Kunst, der von Gerda Hnatyshyn, Präsidentin und Vorstandsvorsitzender der Hnatyshyn Foundation, verliehen wurde. 2008 wurde er mit dem Bell Award in Video Art ausgezeichnet . Douglas wird vertreten durch David Zwirner , New York und Victoria Miro Gallery , London. Ein Überblick über sein aktuelles Werk Stan Douglas: Mise en scène, reiste von 2013 bis Ende 2015 durch Europa. Von 2004 bis 2006 war er Professor an der Universität der Künste Berlin und seit 2009 Mitglied der Core Faculty im Graduate Art Department of Art Center College of Design .

Themen

Modernismus

Videostill von Win, Place or Show (1998), das die modernistische Idee der Stadterneuerung erforscht

Douglas' Werk spiegelt die technischen und gesellschaftlichen Aspekte der Massenmedien wider und ist seit Ende der 1980er Jahre vom Werk Samuel Becketts beeinflusst . Besorgniserregend ist auch die Moderne als theoretisches Konzept und die Moderne, wie sie den nordamerikanischen Urbanismus seit dem Zweiten Weltkrieg beeinflusst hat . Douglas' Interesse an "gescheiterten Utopien und veralteten Technologien" ermöglicht es, mit dem, was der Kunsthistoriker Hal Foster als das " veraltete Genre" des Kinos bezeichnet, die Schaffung eines "neuen Mediums aus den Resten alter Formen" zu ermöglichen. Bei Douglas' Beschäftigung mit gescheiterten Utopien und dem Veralteten geht es nicht um eine Erlösung „dieser vergangenen Ereignisse, sondern um [einen Weg], sie zu überdenken: zu verstehen, warum sich diese utopischen Momente nicht selbst erfüllten, welche größeren Kräfte einen lokalen Moment als einen kleinen Moment behielten : und was dort wertvoll war – was heute noch nützlich sein könnte."

Politik und Rasse

Douglas' Arbeit berührt nur in wenigen Fällen direkt die Rasse , wie zum Beispiel das kurze Video I'm Not Gary (1991). Diese Interpretation der Rasse ist wichtig, da in der kurzen Erzählung ein weißer Mann einen schwarzen Mann mit einem anderen schwarzen Mann namens Gary verwechselt. Für die Schriftstellerin Lisa Coulthard ist dies Teil einer umfassenderen Untersuchung des Rassismus als Teil des Imperialismus und der kulturellen Unsichtbarkeit. Für Coulthard stört die fehlende Erwähnung von Rasse in Werken, die nur weiße Darsteller enthalten, jede rassische Lesart von Douglas' Werk. In vielen Werken von Douglas ist Klasse statt Rasse das Schlüsselelement. Aufgewachsen in einem weitgehend weißen Mittelklasseviertel in Vancouver, war Rasse für Douglas eher eine Frage der Unsichtbarkeit als der Bürgerrechte .

Jazz und Blues

Obwohl Rasse als Thema oft kein zentrales oder offensichtliches Anliegen von Douglas ist, wird seine eigene Identität als schwarzer Kanadier oft durch seinen Gebrauch von Musik und insbesondere musikalischen Idiomen, die mit der afroamerikanischen Kultur verbunden sind, wie Blues und Jazz, thematisiert . Insbesondere weist Douglas auf die kulturellen Vorurteile hin, die das „Primitive“ mit schwarzer Musik assoziieren , während die europäische Musiktradition als „ Hochkultur “ positioniert wird . Diese Zweiteilung zwischen primitiv und zivilisiert wird noch komplizierter, wenn man den Jazz und seine Position sowohl als „ Rennmusik “ als auch als hochkultivierte und insbesondere die europäische Akzeptanz des Jazz als hohe Kunst betrachtet .

Ein frühes Werk, Deux Devises (1983), präsentiert eine Textprojektion, den Text des Liedes "O ma belle, ma rebelle" des Komponisten des 19. Jahrhunderts, Charles Gounod . Eine Aufnahme von Robert Johnsons "Preaching Blues" wird abgespielt, mit begleitenden Bildern von Douglas, der die Worte des Liedes phonetisch mit den Lippen spricht , nicht synchron mit der Aufnahme. Die Kombination aus der sicheren Salonmusik von Gounod und den rohen Klängen von Johnson weist auf das typische Vorurteil hin, das die vermeintliche Ernsthaftigkeit der europäischen Musik bestätigt und fördert. Wo Johnsons Worte ängstlich sind, sind die von Gounod sicher und bequem.

Douglas' Verwendung von Jazz ist eine direktere Reaktion auf komplexe Einstellungen gegenüber afroamerikanischer Musik. 1992 erstmals auf der documenta 9 ausgestellt , ist Hors-champs (bedeutet "off-screen") eine Videoinstallation, die den politischen Kontext des Free Jazz der 1960er Jahre als Erweiterung des schwarzen Bewusstseins thematisiert und eine seiner wenigen ist arbeitet, um Rasse direkt anzusprechen.

Vier amerikanische Musiker, George E. Lewis (Posaune), Douglas Ewart (Saxophon), Kent Carter (Bass) und Oliver Johnson (Schlagzeug), die während der Free Jazz- Zeit in den 1960er Jahren in Frankreich lebten , improvisieren Albert Aylers 1965 entstandene Komposition "Spirits Rejoice". .". Free Jazz fand in Europa oft ein größeres Publikum und wurde mit der Politik in Verbindung gebracht, insbesondere in Frankreich, wo er im Mai 1968 von der französischen Kommunistischen Partei genutzt wurde .

Die Musik besteht aus vier Teilen, einer Gospel- Melodie, einem abgeschwächten Call and Response , einer heraldischen Fanfare und „ La Marseillaise “. Gedreht im Stil des französischen Fernsehprogramms der 1960er Jahre und mit moderner Technik, wird das Werk rückseitig und frontal auf eine Leinwand projiziert . Auf der einen Seite ist die "Broadcast"-Version, eine Montage von zwei Kameras, die ausgewählt wurde, um an das Heimpublikum zu übertragen. Die andere Seite zeigt das Rohmaterial, die Bilder, die nicht für die Öffentlichkeit bestimmt sind, was herausgeschnitten wurde. Die beiden Seiten des Bildschirms präsentieren ein vollständiges Dokument der Aufführung, in dem der Zuschauer verhandeln muss, und zeigt die "autorisierte" Version, aber auch die Bedingungen ihrer Produktion. Betont wird der Kontrast zwischen der Banalität des Fernsehens und dem damals radikalen Programm.

Luanda-Kinshasa dauert mehr als sechs Stunden. Der Titel weist direkt auf die Ursprünge und Geschichte des Jazz in Afrika hin. Das erste Mal, dass der Künstler in New York vor Ort gedreht hat, ist jedoch ein neu interpretiertes Manhattan-Milieu der 1970er Jahre, nämlich das CBS 30th Street Studio . Mit einer Band professioneller Musiker, die gemeinsam improvisieren, ist Luanda-Kinshasa die Dokumentation einer fiktiven Aufnahme im berühmten Studio. Obwohl Douglas subtile historische Details in Kleidung, Wandposter und Zigarettenmarken einbaut, gilt die ganze Aufmerksamkeit der Band – zu den 10 Instrumentalisten gehören der senegalesische Schlagzeuger Abdou Mboup, der indische Tabla- Spieler Nitin Mitta und die amerikanische Schlagzeugerin Kimberly Thompson – und so weiter die Musik gemacht wird.

Kino

Als Künstler aus Vancouver, der in den 1980er Jahren begann und linsenbasierte Medien verwendete, wird Stan Douglas oft mit der Vancouver School of Photokonzeptualismus in Verbindung gebracht . Seine Verwendung von Video und Film, neben der Fotografie, sowie sein spezifisches Interesse an Filmgeschichte, Formen und räumlichen Belangen heben ihn von Kollegen wie Jeff Wall ab .

Douglas hat Filme wie nachbearbeitet Alfred Hitchcocks Marnie (1964), Dario Argento 's Suspiria (1977) und Orson Welles ' s Journey into Fear (1943) zu erforschen "um die Parameter, Funktionen und Grenzen der filmischen Adaption." Seine Werke beziehen sich auf die Originale, distanzieren aber auch die neueren Werke durch Manipulation der Texte, wobei sie oft Schleifen und Bearbeitungstechniken verwenden, um die Originale zu " verfremden ".

Gegenstand eines Films: Marnie ist eine Nachbildung der Raubszene aus Hitchcocks Film von 1964. In seiner Art in America- Rezension von 1995 beschreibt Tom Eccles die Arbeit als „die Wirkung eines wiederkehrenden Albtraums erzeugend“, da die Titelfigur, anstatt zu fliehen, „in der Filmschleife gefangen ist und für immer in den Grenzen des Büros gefangen ist“. Douglas aktualisiert das Büro

mit Computern, die Schreibmaschinen und Teppiche für Linoleum der 50er Jahre ersetzen . Diese Version ist in Schwarzweiß gedreht, was ihr den Eindruck einer erinnerten Erfahrung vermittelt, und Douglas hat die Handlung verlangsamt, um Marnies inhärenten Voyeurismus in den Fokus zu rücken. Fast spürt man den krummen Nacken des Filmemachers. Marnies gut einstudierte Aktionen, in den Waschraum zu gehen , zum Schreibtisch zurückzukehren und die Zahlenkombination des Safes zu drehen, werden sorgfältig durchgespielt – aber während ihre behandschuhte Hand durch die Kombination fährt, schneidet der Film zurück zur Eröffnungseinstellung und schwenkt zu einem General Blick ins Büro, in dem sich die Arbeiter noch einmal auf den Weg für den Tag vorbereiten.

Inconsolable Memories (2005) basiert auf Tomas Gutierrez Aleas Film Memorias del subdesarrollo (Erinnerungen an die Unterentwicklung) von 1968, aktualisiert um Verweise auf den Mariel-Schiffslift von 1980. Douglas' Installation besteht aus einer 16-mm-Projektion mit einer Fotoserie zeitgenössischer Havanna , Kuba . Der Film wird geloopt und wenn er als Installation präsentiert wird, erzeugen der Film und die Fotografien ein Gefühl der Wiederholung, ein gemeinsames Merkmal von Douglas' Arbeit. Anstatt streng nach Aleas Film zu arbeiten, wie Douglas in Hitchcocks Marnie arbeitete , spielt Inconsolable Memories mit den Schichten seiner verschiedenen Quellen (Kuba in den 1960er, 1980er und heute). Einige der Fotografien verweisen auf die Orte, die im ursprünglichen Alea-Film verwendet wurden, und verbinden die Themen Geschichte und Erinnerung. Es geht um das utopische Versprechen der kubanischen Revolution und ihres Niedergangs sowie um die parallelen Ereignisse des Kalten Krieges der Kubakrise von 1962 (in Aleas Film untersucht) und des Bootslifts von 1980.

Samuel Beckett

Douglas interessiert sich seit langem für das Werk von Samuel Beckett . 1988 kuratierte er Samuel Beckett: Teleplays , acht Beckett-Werke für Film und Fernsehen. 1991 produzierte Douglas Monodramas, eine Reihe von Kurzvideos für das Fernsehen, basierend auf seinen Studien über Becketts Fernsehspiele. Für das Fernsehen entwickelt, wurden diese 30- bis 60-sekündigen Videoarbeiten 1992 drei Wochen lang allabendlich in British Columbia ausgestrahlt. Die kurzen Erzählungen "ahmen die Schnitttechniken des Fernsehens nach", und wenn die Videos während der regulären Werbeunterbrechungen ausgestrahlt wurden, riefen die Zuschauer den Sender an, um zu fragen, was verkauft wurde. Douglas' erstes Fernsehprojekt, Television Spots (1987-88), bestand aus zwölf Fernsehspots, die während des regulären Programms in Saskatoon und Ottawa ausgestrahlt wurden und kurze, banale Szenen in offenen Erzählungen enthielten. Eine frühe Videoarbeit, Mime (der zweite Teil von Deux Devises , 1983) bestand aus einer Nahaufnahme von Douglas' Mund in Form von Phonemen , die dann bearbeitet wurden, um sie mit dem Lied "Preachin' Blues" von Robert Johnson zu synchronisieren . Douglas war sich Becketts eigenes Werk Not I nicht bewusst , ein körperloser Mund in einem schwarzen Bildschirm. In einem Vortrag im YYZ Artists' Outlet in Toronto kommentierte Douglas, dass die Wahl eines Blues- Songs

eine ziemlich persönliche, die in gewisser Weise aus meiner Erfahrung stammt, in einer überwiegend weißen Kultur schwarz zu sein, sehr wenig Kontakt mit der schwarzen amerikanischen Kultur zu haben, aber gleichzeitig erwartet wird, dass sie dies für Menschen darstellt - sowohl für Menschen, die antagonistisch rassistisch waren und zu liberalen Typen. Was Sie also haben, ist, dass mein Bild nicht ganz synchron ist oder sich auf eine sehr archetypische schwarze Figur, Robert Johnson, bezieht.

Douglas begann, Becketts Werke zu studieren, und seine nächste Videoarbeit Panoramic Rotunda (1985) entstand, weil er sich an eine Zeile aus Becketts FIzzle No. 7 erinnerte . Die Wiederholung und scheinbar endlosen Schleifen derselben Erzählung in Win, Place or Show erinnern an Becketts Verwendung der Wiederholung, um auf die "Gleichheit" der Realität hinzuweisen, sie aber auch zu untergraben. Die Absurdität der sich immer wiederholenden Erzählung, der beiden Protagonisten in Endlosschleife, immer dieselben Worte, aber von unterschiedlichen Bezugspunkten aus ist eine Anspielung auf Vladimir und Estragon in Waiting for Godot .

Funktioniert

Frühe Werke 1983–1991

Stan Douglas' Arbeiten aus den 1980er Jahren beschäftigen sich mit veralteten Medien und deren Ästhetik . Verlorene Zeit ist ein kontinuierliches Element in seinen Werken. Die Installation Overture (1986) verwendet Aufnahmen einer Zugfahrt durch die Rocky Mountains, die zwischen 1899 und 1901 gedreht wurden. Der Soundtrack besteht aus dem Vancouver-Autor Gerald Creede, der Douglas' Überarbeitung verschiedener Sätze aus dem Anfangsabschnitt von Marcel Prousts A la recherche de temps perdu . liest . Für den Schriftsteller Peter Culley, der 1986 über zwei Werke von Douglas schrieb,

Douglas verortet Ouvertüre in dem historischen Moment, den die Anfänge des Films mit dem Ende des Romans teilen, als Prousts Glaube an die verlockenden Strukturen seiner großen Vorgänger Balzac und Wagner durch die Wahrnehmungsbrüche, die der Film mit sich brachte, untergraben wurde.

In Onomatopoeia (1985–1986) hängt ein Bildschirm über einem von Spotlight beleuchteten Klavier . Das Klavier spielt Takte aus Beethovens Klaviersonate Nr. 32, Opus 111 . Ausgelöst durch Satzzeichen auf der Klavierrolle werden Bilder einer leeren Textilfabrik über das Klavier projiziert. Die perforierten Schnörkel, die verwendet wurden, um das Weben in Stoffmuster zu programmieren, erinnern an die Rollen des Player Pianos. Die Bilder zeigen eine Textilfabrik in der Nähe des Wohnhauses des Künstlers und insbesondere den Teil der Fabrik, in dem die Lochkarten verwendet werden, die die verschiedenen Muster des Webdesigns bestimmen. Die Lochkarten sind Teil der gleichen Technologie wie das Player Piano, das für Culley "eine Gleichzeitigkeit des Themas herstellt, die das Werk sofort zu untergraben beginnt; Bild und Musik bewegen sich ständig in und aus präziser Synchronisation und halten das Publikum auf dem Laufenden ein konstantes Maß an ängstlicher Vorfreude."

Douglas' Monodramas sind zehn 30- bis 60-sekündige Videos aus dem Jahr 1991, die als Interventionen in das kommerzielle Fernsehen konzipiert wurden und 1992 drei Wochen lang jede Nacht in British Columbia ausgestrahlt wurden oft banale Situationen und mit einer kleinen Wendung am Ende. Der Abschnitt "I'm Not Gary" spielt in einem unscheinbaren Industriestreifen. Ein Weißer geht an einem zweiten Schwarzen vorbei und ruft ihm zu: "Gary?" und ist sichtlich irritiert, nicht anerkannt zu werden. Schließlich dreht sich der zweite Mann zu ihm um und antwortet: "Ich bin nicht Gary." Für die Autorin Lisa Coulthard ist Rasse der Interpretationsrahmen, denn für den weißen Mann im Video ist "sein Gesprächspartner einfach ein schwarzer Mann, austauschbar zum Beispiel mit jedem anderen und eindeutig mit Gary."

Installationen

Ein zentrales Element in einer Reihe von Douglas' Installationen ist die Nutzung von Zeit und insbesondere die Untersuchung von verlangsamter Zeit oder Stille. Seine 1995 entstandene Installation Der Sandmann , die auf ETA Hoffmanns Original- Kurzgeschichte von 1816 und Sigmund Freuds Essay "Das Unheimliche" von 1919 basiert , besteht aus einer Doppelprojektion, bei der der Film buchstäblich in der Mitte geteilt und wieder zusammengesetzt wird, sodass die beiden Seiten leicht nicht synchron sind. Dadurch entsteht eine "zeitliche Lücke", die das für die Moderne so entscheidende Gefühl der Einheit stört, so dass "alles aufgeschoben und verzögert wird".

Douglas' 1998 Installation Win, Place or Show ist im Stil des späten 1960er Jahren erschossen CBC Drama Der Kunde , bekannt für seine düstere Stil, lange dauert und das Fehlen von Schüssen zur Gründung . Die Installation spielt im Vancouver der 1950er Jahre in der Strathcona- Sanierung und erforscht die modernistische Idee der Stadterneuerung mit dem Abriss bestehender Architektur zugunsten von Rastern von Wohnblocks. Zwei Männer teilen sich an einem regnerischen Tag ohne Arbeiter einen Schlafsaal. Das Gespräch flammt während einer Diskussion über die Pferderennen des Tages auf und die 6-minütige gefilmte Schleife wird aus verschiedenen Blickwinkeln auf einem geteilten Bildschirm wiederholt, wobei jeder Zyklus ständig wechselnde Perspektiven bietet. Die Takes werden während der Ausstellung in Echtzeit von einem Computer zusammengeschnitten, wodurch eine schier endlose Serie von Montagen entsteht.

Seine interaktive Installation aus dem Jahr 2014, Circa 1948, wurde vom National Film Board of Canada koproduziert und im April in der Sektion Storyscapes des Tribeca Film Festivals uraufgeführt . Douglas schuf auch das Bühnenstück Helen Lawrence , das Grafiken, Geschichten und Charaktere mit Circa 1948 teilt .

Biennale Venedig

Die National Gallery of Canada hat Douglas ausgewählt, um Kanada auf der Biennale in Venedig 2021 zu vertreten . Douglas hat bereits auf der Biennale in Venedig ausgestellt, zuletzt 2019, wo er die Arbeit der Zweikanal-Videoinstallation Doppelgänger (2019) debütierte, "die in einer alternativen Gegenwart spielt, in der ein einsamer Astronaut und ihr Gegenstück aus einer anderen Welt jeweils 'nach Hause' kommen ', um festzustellen, dass alles das Gegenteil von dem ist, was sie einst wusste. Gleichzeitig auf zwei Bildschirmen inszeniert, suggerierte die Struktur der Arbeit die Möglichkeit der Koexistenz von Erfahrungen und Realitäten." Die Jury, der die Direktorin der National Gallery, Sasha Suda, und die Chefkuratorin Kitty Scott angehörten, wählte Douglas unter Berufung auf "die Relevanz seiner Arbeit für die globalen Debatten in Venedig".

Kataloge

  • Douglas, Stan und Philip Monk. Stan Douglas . Köln: Sammlung Friedrich Christian Flick und DuMont, 2006. ISBN  3-8321-7730-2
  • Douglas, Stan und Michael Turner. Reise in die Angst . London: Serpentine Gallery, 2002. ISBN  3-88375-554-0
  • Douglas, Stan und Reid Shier, Hrsg. Stan Douglas: Jedes Gebäude auf 100 West Hastings . Vancouver: Arsenal Pulp Press, Galerie für zeitgenössische Kunst, 2002. ISBN  978-1-55152-135-0
  • Douglas, Stan, Boris Groys, Isabel Zürcher, Peter Pakesch und Terence Dick. Stan Douglas: Le Détroit . Basel: Kunsthalle Basel, 2001. ISBN  3-7965-1710-2
  • Douglas, Stan. Stan Douglas . Toronto: Macdonald Stewart Art Center , 1994. ISBN  0-920810-56-X
  • Douglas, Stan und Christine VanAssche. Stan Douglas . Paris: Centre Georges Pompidou, 1993. ISBN  2-85850-747-3
  • Fischer, Barbara und Stan Douglas. Perspektive 87: Stan Douglas . Toronto: Art Gallery of Ontario, 1987. ISBN  0-919777-52-X

Einzelausstellungen

Auszeichnungen

Ständige Sammlungen

Verweise

Anmerkungen

Primäre Quellen

  • Beckett, Samuel, Stan Douglas, Linda Ben-Zvi und Clark Coolidge. Samuel Beckett: Teleplays, Vancouver Art Gallery, 1. Oktober bis 3. Dezember 1988 . Vancouver: Vancouver Art Gallery, 1988. ISBN  0-920095-70-4
  • Douglas, Stan und Ariane (CON) Beyn. Sezession: Sezession . Köln: Verlag der Buchhandlung Walther König, 2008. ISBN  3-86560-274-6

Sekundäre Quellen

Allgemein

  • Lee, John und Karla Zimmermann. Vancouver: Stadtführer . Einsamer Planet, 2008. ISBN  1-74059-836-9

Externe Links