Übergang von der Renaissance zum Barock in der Instrumentalmusik - Transition from Renaissance to Baroque in instrumental music

In den Jahren um 1600 in Europa traten mehrere deutliche Veränderungen in der Denkweise über die Zwecke, das Schreiben und die Aufführung von Musik auf. Teils waren diese Veränderungen revolutionär , bewusst initiiert von einer Gruppe von Intellektuellen in Florenz, die als Florentiner Camerata bekannt ist , und teils waren sie evolutionär , da Vorläufer des neuen Barockstils weit zurück in die Renaissance zu finden sind und die Veränderungen nur darauf aufgebaut wurden vorhandene Formen und Praktiken. Die Übergänge gingen von den kulturellen Zentren Norditaliens aus , breiteten sich dann über Rom , Frankreich , Deutschland und Spanien aus und erreichten schließlich England . In Bezug auf die Instrumentalmusik sind Verschiebungen in vier diskreten Bereichen zu beobachten: idiomatischer Satz, Textur, Instrumentengebrauch und Orchestrierung.

Instrumentierung

Die Blockflötenfamilie , eine der vielen Instrumentenvereinigungen , die Komponisten der Renaissance zur Verfügung standen

Ein wesentlicher Unterschied zwischen Renaissance- und Barock-Instrumentalmusik liegt in der Instrumentierung ; das heißt, die Art und Weise, in der Instrumente in einem bestimmten Werk verwendet oder nicht verwendet werden. Eng mit diesem Konzept verbunden ist die Idee des idiomatischen Schreibens, denn wenn Komponisten die idiomatischen Fähigkeiten verschiedener Instrumente nicht kennen oder ihnen gleichgültig gegenüberstehen, dann haben sie wenig Grund, anzugeben, welche Instrumente sie wünschen.

Spezifizierte Instrumentierung

Laut David Schulenberg legten die Komponisten der Renaissance in der Regel nicht fest, welche Instrumente welche Rolle spielen sollten; in jedem gegebenen Stück „war jede Stimme auf jedem Instrument spielbar, dessen Tonumfang den der Stimme umfasste“. Sie beschäftigten sich auch nicht unbedingt mit individuellen instrumentalen Klängen oder waren sich nicht einmal idiomatischer instrumentaler Fähigkeiten bewusst. Das Konzept , zum Beispiel ein Quartett speziell für Sackbuts oder ein Sextett für Schläger zu schreiben , war den Komponisten der Renaissance offenbar fremd. Daraus könnte man schließen, dass in der Renaissance wenig Instrumentalmusik an sich geschrieben wurde, wobei das Hauptrepertoire der Instrumente aus geliehener Vokalmusik bestand.

Howard Brown, der die Bedeutung von Vokaltranskriptionen im Instrumentalrepertoire der Renaissance anerkennt, hat im 16. Jahrhundert sechs Kategorien spezieller Instrumentalmusik identifiziert:

1. Vokalmusik auf Instrumenten gespielt music
2. Einstellungen bereits vorhandener Melodien, wie z. B. Plainchant oder populäre Lieder
3. Variationssets
4. Ricercars, Fantasien und Canzonas
5. Präludien , Präambeln und Toccaten
6. Musik für Solostimme und Laute

Während die ersten drei problemlos vokal vorgetragen werden konnten, sind die letzten drei eindeutig instrumentaler Natur, was darauf hindeutet, dass Komponisten selbst im 16. In Anfechtung der angeblichen Gleichgültigkeit der Komponisten gegenüber instrumentalen Klangfarben hat Brown auch darauf hingewiesen, dass Pierre Attaignant bereits 1533 einige Vokalarrangements als geeigneter für bestimmte Gruppen ähnlicher Instrumente als für andere bezeichnete. Darüber hinaus war sich Graf Giovanni de' Bardi , Gastgeber einer Versammlung prominenter Gelehrter und Künstler der 1580er Jahre, die als Florentiner Camerata bekannt war, nachweislich der klanglichen Wirkung verschiedener Instrumente bewusst und hielt verschiedene Instrumente für geeignet, bestimmte Stimmungen auszudrücken.

Idiomatisches Schreiben

In Ermangelung idiomatischer Schriften im 16. Jahrhundert könnten charakteristische Instrumentaleffekte in der Aufführung improvisiert worden sein. Andererseits könnte die idiomatische Schreibweise aus virtuos improvisierten Ornamenten auf einer Gesangslinie entstanden sein – bis zu dem Punkt, dass ein solches Spiel mehr idiomatisch für das Instrument als für die Stimme wurde.

Im Frühbarock wurden diese melodischen Verzierungen, die in der Renaissance improvisiert worden waren, als standardisierte melodische Gesten in die Kompositionen eingearbeitet. Mit der Betonung des Solisten als Virtuosen im Barock wurden die Tonhöhen und charakteristischen Techniken, die früher nur in der virtuosen Improvisation zu finden waren, sowie die ersten dynamischen Markierungen nun als erwarteter Standard geschrieben. Andererseits waren einige der oben aufgeführten Instrumentalgenres wie Präludium, Toccata und Intonation zunächst improvisationsbasiert. Schon im frühen 16. Jahrhundert waren diese Genres wahrhaft idiomatisch instrumental; sie konnten nicht für Stimmen adaptiert werden, da sie nicht in einem einheitlichen polyphonen Stil komponiert wurden .

So waren idiomatische Instrumentaleffekte in der Aufführung der Renaissance vorhanden, wenn auch nicht in der Schrift. Im Frühbarock hatten sie jedoch eindeutig ihren Weg ins Schreiben gefunden, als Komponisten begannen, die gewünschte Instrumentation zu spezifizieren, insbesondere Claudio Monteverdi in seinen Opernpartituren .

Textur

Ein weiterer entscheidender Unterschied zwischen Renaissance- und Barockliteratur ist ihre Textur: der Wechsel von der kontrapunktischen Polyphonie , bei der alle Stimmen theoretisch gleich sind, zu Monodie und Diskant-Bass-Polarität, zusammen mit der Entwicklung des Basso continuo . In diesem neuen Schreibstil waren nun Solomelodie und Basslinienbegleitung die wichtigen Linien, wobei die inneren Stimmen Harmonien ausfüllten.

Caccini, Le Nuove musiche , 1601, Titelseite

Die Anwendung dieses Prinzips auf den instrumentalen Satz war zum Teil eine Erweiterung der Wandlungskräfte des Vokalsatzes, die von der Florentiner Camerata und ihrem Kopf Graf Giovanni de' Bardi ausgingen, die bewusst versuchten, die Art und Weise zu ändern, wie Musik geschrieben wurde, und sich ein übergreifendes Ziel verfolgten einer Musik-Renaissance. In einem c.  In einem Brief von 1580 an Giulio Caccini , einen Komponisten und Mitglied der Camerata, verurteilte Bardi die Verdunkelung des Textes in Vokalvertonungen durch Kontrapunkt und plädiert für eine Rückkehr zur Musik der alten Griechen , von der er glaubte, dass sie aus einer einzigen Melodielinie und einer einfachen Begleitung bestand, die es ermöglichten direkter, verständlicher Ausdruck des Textes. Er wies Caccini an, "es zu Ihrem Hauptziel zu machen, den Vers gut zu arrangieren und die Worte so verständlich wie möglich zu deklarieren". Während sich Bardis Brief mit Vokalmusik beschäftigte, lässt sich das Prinzip einer einzigen, klaren Melodie, die eine einfache Begleitung dominiert, leicht auf den instrumentalen Bereich übertragen. Dies wird in der Verbreitung von bisher unbekannten Solo instrumental gesehen Sonaten kurz nach Caccinis beginn Le Nuove Musiche im Jahr 1601.

Der Aufstieg der instrumentalen Monodie hatte seine Wurzeln nicht ausschließlich in der Vokalmusik. Zum Teil basierte es auf der im 16. Jahrhundert bestehenden Praxis, polyphone Madrigale mit einer Stimme auf der Diskantlinie aufzuführen , während die anderen von Instrumenten oder einem einzigen Tasteninstrument gespielt wurden. Während also in diesen polyphonen Kompositionen alle Stimmen theoretisch noch gleich waren, hätte der Hörer in der Praxis eine Stimme als Melodie und die anderen als Begleitung gehört . Darüber hinaus zeigten die neuen Musikgattungen, die im späten 16. und frühen 17. Jahrhundert auftauchten, insbesondere die Instrumentalsonate, einen Übergang in der Denkweise über Komposition und Aufführung, von einer Zusammenarbeit auf Augenhöhe zu einem Solisten, der von einer relativ unwichtigen Begleitung unterstützt wird. Darüber hinaus wurden auch Mitte des 16. Jahrhunderts die meisten Werke für Singstimme und Laute eigens als solche konzipiert. Im Bereich der englischen Ayres bedeutete dies zum Beispiel, dass Komponisten wie John Dowland und Adrian Le Roy bereits an eine dichotome Melodie und Baß dachten, die nicht mit Kontrapunkt, sondern mit Akkorden "geplant für harmonische Wirkung" gefüllt waren.

Instrumenteneinsatz und Ästhetik

Ein dritter Hauptunterschied zwischen Renaissance- und Barockmusik liegt darin, welche Instrumente bevorzugt und bei der Aufführung verwendet wurden. Dies hängt direkt mit einer größeren Verschiebung in der musikalischen Ästhetik zusammen , die wiederum hauptsächlich von der Florentiner Camerata stammt. In seinem Dialogo della musica antica e della moderna , Vincenzo Galilei , wie Bardi, lobt die Musik der Griechen, davon überzeugt , dass ihre Musik „tugendhafte und wunderbare Effekte“ auf Zuhörer hatte, während sagen , dass moderne Komponisten wussten nicht , wie man „drücken die Vorstellungen des Geistes [oder] wie man sie mit größtmöglicher Wirksamkeit in den Köpfen der Zuhörer einprägt." Die Vorstellung, dass Musik den Hörer bewegen oder beeindrucken kann und sollte und bestimmte archetypische emotionale Zustände provozieren, zeugte von einem Umdenken über Musik. Dies ging einher mit dem oben diskutierten Übergang von der Polyphonie zur Monodie, denn idealerweise wäre ein Soloinstrument oder ein Instrumentenpaar nicht nur das einzige melodische Vehikel, sondern auch in der Lage, [die Hörer] mit größtmöglicher Wirkung zu beeindrucken Wirksamkeit."

Die Schalmeienfamilie war eine von mehreren Gemahlinnen, die nach 1600 allmählich aus dem Verkehr gezogen wurden.

Dies führte notwendigerweise zu einer Änderung der von Komponisten bevorzugten Instrumententypen, denn viele Instrumente der Renaissance waren im Tonumfang stark eingeschränkt und nur so konzipiert, dass sie in einem Instrumentenkonsort eine diskrete Rolle spielen , sowie im dynamischen Umfang . Ganze Instrumentenfamilien wie Schläger und Schalmeien waren ungeeignet, eine solistische Melodielinie mit Brillanz und Ausdruckskraft zu tragen, weil sie zu dynamischer Variation unfähig waren und in streicherdominierten Ensembles nicht mehr gebraucht wurden oder allenfalls Farbe lieferten. Die tiefen Instrumente der Holzbläser-Consorts wurden so gut wie aufgegeben. Auch in der Streicherfamilie wurden Mitglieder der Gambenfamilie – mit Ausnahme der Bassgambe, die den nötigen Basso continuo lieferte – nach und nach durch die neue und hochvirtuose Geige ersetzt . Laute und Viola da Gamba wurden weiterhin in begleitender Rolle geschrieben, konnten aber in der Lautstärke nicht mit der Violine mithalten. Die Schalmei wurde durch die Oboe ersetzt , die einen feineren Klang hatte und zu dynamischen Nuancen fähig war. Das Kornett , das in der Renaissance eher als Sopran-Mitglied der Sackbuts-Familie fungierte, überlebte im frühen 17. Jahrhundert als Soloinstrument, hatte sogar ein großes Repertoire, das mit dem der Violine konkurrierte, verschwand aber schließlich auch. Renaissance-Instrumente verschwanden jedoch nicht schnell aus dem Gebrauch; Zeitgenössische Referenzen weisen darauf hin, dass solche Instrumente im gesamten 17. Jahrhundert und sogar bis ins 18. Jahrhundert in Kammer- oder Militärkontexten überlebt haben.

In der Regel sieht man im Barock jedoch eine überwältigende Vorliebe für solche Instrumente, die allein eine Melodielinie tragen konnten: solche, die lauter und höher waren, die eine Vielzahl von Dynamiken erreichen konnten und die sich virtuos eigneten Darstellung und emotionaler Ausdruck, für die die Renaissance-Instrumente nicht entwickelt wurden. Instrumente mit niedrigeren Tonhöhen, solche, die die Dynamik nicht variieren konnten, oder solche, die schwerfällig waren, waren veraltet. So hatte die Vorherrschaft der Melodie im barocken Geist weitreichende Konsequenzen für die Instrumentalwahl von Komponisten und Machern.

Orchestrierung

Auch im Bereich der Orchestrierung oder Instrumentalbesetzung ist ein Wechsel zwischen Renaissance- und Barockstilen zu erkennen . Wie oben erörtert, wurden Instrumente im 16. Jahrhundert in gemischten Instrumenten- oder Instrumenten- und Gesangs-Ensembles, den sogenannten Consorts, zusammengefasst. Mit Ausnahme von Tastaturen und Lauten wurden alle Instrumente konzipiert und auf diese Weise gebaut, von Schlägern zu Rekordern bis Posaunen zu Krummhörnern zu Violen . Im Laufe des Jahrhunderts blieben kleine gemischte Konsortien unterschiedlicher Instrumente die Norm.

Markusdom in Venedig, wo Gabrielis Innovationen in der Orchestrierung zum ersten Mal zu hören waren

Unabhängig von der Art des Ensembles herrschte in diesen Ensembles und in den von ihnen gespielten Werken eine heterogene Struktur vor; jedes Mitglied des Ensembles hatte eine eigene Rolle in der Textur, die sie von Anfang bis Ende durchspielten. Im späten sechzehnten Jahrhundert begannen Andrea und Giovanni Gabrieli in der Markusbasilika in Venedig damit zu experimentieren, verschiedene Gruppen von Interpreten – Instrumental- und Gesangsdarsteller – an antiphonalen Orten im weitläufigen Inneren der Kirche zu platzieren, in dem, was als Cori spezzati bekannt wurde ( . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . geteilte Chöre).

Diese Musik ermöglichte hochdramatische Effekte mit plötzlichen Verschiebungen in Lautstärke, Artikulation, Timbre und Textur, denn nicht alle Chöre waren gleich groß und konnten aus radikal unterschiedlichen Kombinationen von Stimmen und Instrumenten bestehen. Mit der Hinzufügung des Basso continuo im frühen 17. Jahrhundert hatte sich im Wesentlichen der Concertato- Stil ( stile concertato ) entwickelt, der ein größeres übergreifendes Ensemble aufweist, aus dem kleinere Gruppen nach Belieben ausgewählt wurden, um aufeinanderfolgende musikalische Phrasen in verschiedenen Stilen zu spielen oder gleichzeitig auf unterschiedliche Weise ausführen. So könnte ein Satz solistisch sein, der nächste Satz in imitativer Polyphonie, der nächste homophon, der nächste ein instrumentales Tutti und so weiter. Alternativ könnte ein Chor einen Text homophon deklamieren, während gleichzeitig Geigen in einem ganz anderen Stil spielten – in einer anderen Lage, an einem anderen Ort in der Kirche, alles über einem Basso continuo . Der Stil Concertato verbreitete sich in ganz Europa und war vor allem in Italien und Deutschland dominant und bildete später die Grundlage des Barockkonzerts , des Concerto grosso und der deutschen Kantate .

Verweise

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