Sozialer Problemfilm - Social problem film

Nicht zu verwechseln mit Sozialfilm .

Ein sozialer Problemfilm ist ein narrativer Film , der einen größeren sozialen Konflikt in den individuellen Konflikt zwischen seinen Charakteren integriert. Im Kontext der Vereinigten Staaten und Hollywoods wird das Genre durch fiktionalisierte Darstellungen sozialer Krisen in realistischen amerikanischen häuslichen oder institutionalisierten Umgebungen definiert.

Wie bei vielen Filmgenres liegt die genaue Definition oft im Auge des Betrachters; Hollywood produzierte und vermarktete jedoch in den 1930er Jahren eine Reihe aktueller Filme, und in den 1940er Jahren war der Begriff "Film mit sozialen Problemen " oder "Botschaftsfilm" in seiner Verwendung in der Filmindustrie und in der Öffentlichkeit üblich.

Viele Charakteristika, die gewachsen sind, um den sozialen Problemfilm zu definieren, drehen sich um das wahrgenommene Bewusstsein der Nation für ein bestimmtes soziales Thema und die Integration dieses Themas in eine narrative Struktur . Soziale Probleme wie die Schrecken des Krieges, das Leiden der Armen, die Sucht, die Rechte der Frauen und die Unmenschlichkeit einer bestimmten Welt werden oft zur Schau gestellt. Das Problem bei der Definition dieser Art von Film als Genre liegt in der Fähigkeit, sich von Filmen zu trennen, die einen ähnlichen Stil aufweisen, da viele Filme soziale Probleme ansprechen. Der soziale Problemfilm unterscheidet sich jedoch dadurch, dass er sich auf die Probleme im historischen Kontext der Gegenwart konzentriert und die soziale Frage einer bestimmten Epoche, wie sie für diese Epoche gilt, in einem viel didaktischeren Stil aufgreift als seine Zeitgenossen. Darüber hinaus ermöglicht der soziale Problemfilm ein tieferes Eintauchen in ein bestimmtes Thema als andere Genrefilme. Zum Beispiel werden Gangster- und Gefängnisfilme bestimmte Merkmale eines gesellschaftlichen Themas widerspiegeln, aber das Problem nicht vollständig so untersuchen, wie es für dieses Genre geeignet wäre.

Eigenschaften definieren

Historischer Kontext und didaktischer Charakter

Eine wichtige Tatsache des Sozialproblemfilms ist seine Fähigkeit, ein soziales Problem zu reagieren und darzustellen, das für die aktuelle Zeit, in der er produziert wurde, relevant ist für das, was eigentlich das Problem durch die Erzählung und Charakterentwicklung ist. Frühe soziale Problemfilme vermischten oft ideologische Gefühle der Zeit zu einer Erzählung, die sie in eine Botschaft übersetzte, die das Publikum aufnehmen konnte. Dies lässt sich anhand bestimmter soziologischer Experimente belegen, die sich um die Fähigkeit eines Films drehten, die öffentliche Wahrnehmung zu verändern. Ein Paradebeispiel dafür ist die Darstellung von Antisemitismus im Film Gentleman's Agreement (1947) und die anschließende soziologische Studie von Russell Middleton, die den wahrgenommenen Antisemitismus vor und nach dem Sehen des Films maß. Überraschenderweise schien der Film die Probanden positiv zu beeinflussen, da die Mehrheit der Teilnehmer an der Studie deutlich weniger antisemitische Gefühle hatte als bevor sie den Film sahen. Obwohl einige Faktoren berücksichtigt werden müssen, scheint diese Studie erneut auf den primären didaktischen Charakter des sozialen Problemfilms sowie auf die Bearbeitung von Themen zu verweisen, die für die aktuelle Epoche des Films relevant sind und wie das Publikum die historische Periode wahrnimmt so eine Nachricht.

Dieses Phänomen des historischen Kontexts und der Reaktion des Publikums schuf eine interessante Balance zwischen dem Lehrcharakter des Films und seiner Fähigkeit, eine interessante Erzählung zu enthalten. Oftmals können die früheren Filme der Klassik als ein bisschen prekär angesehen werden, oft weniger wie ein fiktiver Spielfilm, sondern eher wie eine öffentliche Bekanntmachung. Dies zeigt sich häufig in einem Lehrmoment, oft gegen Ende des Films, in dem eine Figur buchstäblich eine Rede hält, die sich oft auf die soziale Botschaft bezieht, die der Film darzustellen versucht. Beispiele sind die Richter am Ende von Wild Boys of the Road (1933) und Where Are My Children? (1916), die beide eine Lektion in Monologform bieten, die fast von der präsentierten fiktiven Erzählung getrennt zu sein scheint. Diese Relevanz für das Problem der Epoche, in der sich der Film befindet, verleiht dieser Art von Film eine Art didaktische Autorität, die andere möglicherweise nicht haben. Zum Beispiel: Wo sind meine Kinder? hatte Schwierigkeiten, durch das National Board of Review zur öffentlichen Veröffentlichung zu gelangen, da die Rezensenten glaubten, dass dem Publikum irreführende Informationen über die Geburtenkontrolle zur Verfügung gestellt wurden. Sie glaubten, dass der Film eher lehrreich war als eine fiktive Erzählung, die ein soziales Thema ansprach.

Fokussierte Erzählung über Charaktere und Institutionen

Der Sozialproblemfilm nimmt oft ein größeres gesellschaftliches Thema seiner jeweiligen Epoche auf und stellt es viel fokussierter dar. Das Problem wird durch eine Erzählung ausgedrückt, die oft einige wenige Charaktere umfasst, oft eine Familie oder eine Person, die die Filmwelt durchquert und das wahrgenommene soziale Problem erlebt. Oftmals interagieren sie direkt mit sozialen Institutionen, die die sozialen Probleme aufzeigen sollen. Die Typisierung dieser Institutionen basiert auf der ideologischen Gesamtaussage des Films, die entweder als ineffektiv dargestellt oder als angemessene Lösung idealisiert wird. Diese lassen sich in der gesamten Entwicklung des Sozialen Problemfilms bis in die Gegenwart hinein beobachten, als sich die Form des Sozialen Problemfilms veränderte. Beispiele für diesen Erzählstil sind in Filmen wie The Soul of Youth (1920) zu sehen, in denen das größere Problem der straffälligen Kinder ohne Zuhause durch die Ineffektivität des Waisenhauses, in dem der Protagonist wohnt, gegenüber dem idealisierten Leben der Familie dargestellt wird des Richters, bei dem er sich schließlich niederlässt. Ein weiterer erwähnenswerter Fall ist noch einmal Wild Boys of the Road (1933), in dem der Film seinen Höhepunkt erreicht, indem die Protagonisten von einem Richter behandelt werden und die größere gesellschaftliche Frage durch die Anwendung der Lösung in eine individualistische Linse rückt eines bundesweiten Problems bis hin zu wenigen Einzelerfahrungen.

Ein weiterer wichtiger gesellschaftlicher Problemfilm, der sich mit Institutionen beschäftigt, ist der Alkoholismus- Themen- Tage des Weins und der Rosen (1962). Der Film folgt dem fortschreitenden Untergang eines Paares aufgrund seiner Unfähigkeit, sein Trinken zu kontrollieren, und verlagert erneut ein größeres gesellschaftliches Problem auf eine fokussierte Gruppe von Charakteren. Sie bietet jedoch mit der Institution der Anonymen Alkoholiker eine Lösung, die als wirksames Mittel zur Selbstbehandlung dient. Eine von Elizabeth Hirschman durchgeführte soziologische Studie ergab, dass die Darstellung des Films tatsächlich Süchtigen und Alkoholikern zuzuordnen war, die nach dem Anschauen des Films AA als gangbare Option zur Lösung ihres Problems ansahen. Dieser Effekt auf die reale Bevölkerung zeigt die Interaktion, die soziale Problemfilme auf ihr Publikum hoffen, im Vergleich zu Filmen, die rein unterhalten sollen, während sie die Oberfläche bestimmter Themen überfliegen.

Ein zeitgenössischeres Beispiel für die fokussierte Erzählung von Charakteren und Institutionen im Film über soziale Probleme ist die Ineffektivität und Grausamkeit des Militärkrankenhauses in Coming Home (1978), einem Film über zurückkehrende Tierärzte aus Vietnam. Die Misshandlungen und das fahrlässige Verhalten aller Tierärzte im Krankenhaus werden auf die Erfahrungen von zwei oder drei Charakteren reduziert.

Real-Life-Einblendungen und Location-Shootings

Ein Aspekt, der im sozialen Problemfilm weit verbreitet ist, ist die Verwendung von Nicht-Schauspielern, um entweder Hintergrundfiguren oder Stimmen der Vernunft innerhalb der Erzählung darzustellen, sowie der Wunsch, Szenen vor Ort zu filmen. Beide Faktoren tragen dazu bei, Authentizität und Bezug zur realen Welt zu verleihen, die für das Genre unerlässlich sind. Einige bemerkenswerte Beispiele sind die Einbeziehung des tatsächlichen Richters Ben Lindsey , der sich selbst in dem zuvor erwähnten Film The Soul of Youth (1920) spielt. Diese Einfügung schuf eine Umgebung, von der das Publikum wusste, dass sie auf der Realität basiert, und verlieh so dem didaktischen Charakter dieses Genres ein Gefühl von Authentizität. Die Präsenz einer Figur aus der realen Welt stellt sich direkt der Vorstellung entgegen, dass die Botschaften, die in sozialen Problemfilmen gezeigt werden, von realen Gegenstücken bestätigt werden müssen. Es verleiht ein Gefühl von Integrität, das an Journalismus oder einen Dokumentarfilm erinnert.

Drehortaufnahmen sind ein Faktor, der, obwohl er nicht auf den sozialen Problemfilm beschränkt ist, zu einem Beispiel für bestimmte Faktoren innerhalb des Genres geworden ist. Die Idee, außerhalb eines Studios und in der realen Umgebung zu drehen, stärkt die Authentizität des Films erneut, wie es auch Nicht-Schauspieler tun. Ein Film, der diese Art des Schießens nutzte, um dieses Gefühl von Realismus zu erlangen, ist der bereits erwähnte Wild Boys of the Road (1933). Die Szenen des Films, die innerhalb des Bahnhofs spielen, in dem die Kinder vorübergehend wohnen, werden vor Ort in einem echten Bahnhof in Glendale, Kalifornien, gedreht.

Das vielleicht bemerkenswerteste Beispiel für die Idee realer Einfügungen ist die Eröffnungsszene von Border Incident (1949), einem sozialen Problemfilm über die mexikanische Einwanderung nach der Einführung des Bracero-Programms im Jahr 1942, der den Mangel an Landarbeitern lindern sollte in den Vereinigten Staaten. Der Film beginnt mit einer Überführung über Ackerland, in der ein unsichtbarer Erzähler die Landschaft, den Mangel an Arbeitskräften und die anschließende Erstellung des Bracero-Programms als Reaktion darauf beschreibt. Dies ist eine Einfügung eines Programms, das während der Produktion dieses Films aktiv aufgetreten ist. Diese realitätsbasierte Erzählung kombiniert mit dem Voice-Over, das Grenzen nicht weniger als fünfmal erwähnt, um dem Publikum auf subtile Weise eine Ideologie der gegenseitigen Abhängigkeit zu vermitteln und gleichzeitig den Anschein einer authentischen Darstellung der Situation zu erwecken, die die Wirkung des wirklichen Lebens wieder zeigt Einfügungen können auf die sozialen Problemfilme die Fähigkeit haben, ihre Zuschauer zu beeinflussen.

Transit und Familie

Viele soziale Problemfilme beschäftigen sich mit dem Transit und der Bedeutung familiärer Beziehungen. Diese Faktoren verleihen dem Genre weitere Authentizität, da das Publikum dem Protagonisten oft zu folgen scheint, wenn er oder sie eine notwendige Reise zurücklegt, um zu einer praktikablen Lösung zu gelangen. Interne Reisen spiegeln sich oft im wörtlichen Transport der Charaktere wider. Dies zeigt die Reise durch die Nation in Wild Boys of the Road (1933), die Fahrt zur Arztpraxis in Where Are My Children? (1916) und die internationale Migration von Landarbeitern bei Border Incident (1949). Ebenso ist die Idee der Familie innerhalb dieses Genres offensichtlich, oft ist die Idee der Familie von größter Bedeutung. Eine Endgültigkeit in der Abstammung des Protagonisten besteht, wenn er das Vertrauen und die Unterstützung seiner Familie verloren hat und so das soziale Problem oft durch eine Rückkehr zu diesen Idealen gelöst wird. Obwohl Kriegsgefühle einiges davon erklären können, ist es wichtig zu beachten, dass dieses Thema während der gesamten Entwicklung des Genres beibehalten wird. Sogar in zeitgenössischeren sozialen Problemfilmen wie Coming Home (1978) und The Good Lie (2014) gibt es ein Gefühl der familiären Bedeutung, ersterer in Bezug auf seine "Brüder", zu denen er auf jeden Fall steht, und letzterer in Form ihrer Stammesmitglieder, die Tausende von Kilometern für ein neues Leben zurücklegen.

Geschichte

Progressive Ära

Das Genre erschien erstmals in den späten 1910er und 1920er Jahren als Versuch, dem Kino Qualität und Realismus zu verleihen , einem neuen Medium, das sich schwer tat , von der amerikanischen Mittelschicht ernst genommen zu werden .

Die Historikerin Kay Sloan hat gezeigt, wie verschiedene reformistische Gruppen während der Stummfilmzeit Kurz- und Spielfilme zu sozialen Problemen produzierten . Im Allgemeinen befassten sich diese mit Verboten , Arbeitsbeziehungen und Bedenken hinsichtlich der „ weißen Sklaverei “. Die Ideologien dieser Produktionen vor dem Ersten Weltkrieg stimmten oft mit der Sorge um den Arbeiter und der Interaktion der Filmemacher mit realen Problemen überein. Dies war wichtig für die Entwicklung des Genres, da es der erste Vorstoß in die Darstellung von Problemen des gemeinen Mannes war, aber nicht erfolgreich war, um eine praktikable Lösung anzubieten. Vielmehr deutete der didaktische Charakter dieser Filme auf eine Lösung der Arbeitsfragen der oberen Mittelschicht hin ; oft bedurfte es der Anwesenheit eines Verhandlungsführers, der nicht aus der Arbeiterklasse stammte, um die Probleme zu lösen, mit denen sich die Arbeiter in den Filmen beschäftigten.

Auch die Entdeckung der Wirkung und Nutzung des ' Happy End ' wurde in dieser Zeit umgesetzt. Das Happy End hinterließ eine kathartische Wirkung auf das Publikum und ließ es mit der sozialen Botschaft zufrieden. Dies selbst ist ein Muss für das Genre der sozialen Probleme, da es den Wunsch von Regisseuren und Filmemachern zeigt, den sozialen Wandel durch Filme zu beeinflussen. Als Genre lösten diese progressiven Aussagen jedoch kein lang anhaltendes Anliegen der Filmindustrie aus, die sich hinter standardisierten Produkten, Oligopolen und dem Starsystem verfestigte .

1930er Jahre

Warner Brothers begann unter Darryl F. Zanuck , aktuelle Filme zu drehen, die "aus den Schlagzeilen gerissen wurden". Diese „ Headliner “ waren im Allgemeinen billig gemacht, düster in ihrer realistischen Ästhetik und stellten ein Arbeitermilieu und politische Sympathien für den New Deal in den Vordergrund . Die sozialen Problemfilme dieser Zeit spiegelten das allgemeine Nationalbewusstsein des New Deal wider . Viele dieser Filme in eine zugeführt populistische Form des Denkens bedeutete einzuflößen Vertrauen der Nation in der Folge der Weltwirtschaftskrise , die Plattform zu unterstützen Franklin Delano Roosevelt , das angeblich die Arbeitslosigkeit Problem lindern würde zu diesem Zeitpunkt für die Vereinigten Staaten.

Auch diese Filme verpflichten den Einzelnen, Arbeit zu finden, und zeigen gleichzeitig die Vorteile einer nachbarschaftlichen Haltung, die Bedürftigen wieder zu einem nachhaltigen Leben verhelfen . Dies zeigt sich besonders in Filmen wie Wild Boys of the Road (1933), in denen der Protagonist mit Freunden von zu Hause wegläuft, um Arbeit zu finden, um dann verhaftet und auf Hilfe angewiesen zu sein, die anschließend von ein Richter. Die Interaktion des Films mit New-Deal-Ideologien spiegelt sich im selbstbewussten Ton des Richters wider, der den ihm vorgestellten obdachlosen Kindern Hilfe gewährt, die progressive Natur der nachbarschaftlichen Hilfsbereitschaft wird dem Publikum aufgedrängt, ohne dass sie darüber nachdenken können, dass es eine Mittelklassefigur , um Arbeitslose zu retten.

So wie der New Deal kurzfristig Zuversicht gab, aber beim langfristigen Beschäftigungswachstum hinterherhinkte, so zeigten auch die Filme über soziale Probleme dieser Zeit ein Gefühl des Optimismus, selbst wenn sie in der nicht-progressiven Erzählung eines Mittelstandsretters feststeckten .

Die bemerkenswerteste Werk des Genres während dieser Zeit war Mervy LeRoy ‚s Ich bin ein entflohener Kettensträfling (1932), dessen Erfolg führte Warner Brothers und anderen Studios , die Formel zu kopieren.

Inzwischen bei Columbia Pictures , Frank Capra machte seinen Ruf (unter der Industrie und filmgoing Öffentlichkeit gleichermaßen, eine Seltenheit in dieser Zeit) mit seiner Unterschrift Mischung aus sozialem Problemfilm und Entwicklung Screwball - Komödie . In Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Robert Riskin entwickelte, wiederholte und verfeinerte er diese Mischung in Filmen wie Mr. Deeds Goes to Town (1936), Mr. Smith Goes to Washington (1939) und Meet John Doe (1941).

1940er und Nachkriegsfilme

Die sozialen Problemfilme der Nachkriegszeit markierten eine spürbare Verschiebung weg von wirtschaftlichen Problemen hin zu sozialen und psychologischen Anpassungsproblemen. Dies ist vielleicht auf die Idee zurückzuführen, die Fähigkeit von zurückkehrenden Veteranen, sich wieder in der Zivilgesellschaft zu etablieren, zu etablieren. Das Genre in diesem Klima wurde bis in die 1950er Jahre durch die Werke von Samuel Fuller , Elia Kazan und Douglas Sirk verkörpert .

So wie sich die Gedanken und Gefühle der Nation von der Sorge um die Arbeitslosigkeit zu den Schrecken des Krieges und der Rehabilitation von Suchtkranken entwickelten, passte sich der Film über soziale Probleme dem nationalen Bewusstsein seiner Zeit an. Eine nationale Befürchtung war, dass diese zurückkehrenden Veteranen bei ihrer Rückkehr verbittert sein würden, geändert von den Schrecken, die sie erlebt hatten, während sie gleichzeitig einen Mangel an angemessener Gegenleistung zu Hause verspürten. Auch die Idee, dass die Kernfamilie zerbrochen war, wurde berücksichtigt.

The Best Years of Our Lives ( William Wyler , 1946) zeichnet drei zurückkehrende Veteranen nach, die sich an das zivile Leben gewöhnen , und war insofern besonders wirkungsvoll, als sie die Ängste vieler Amerikaner über die Rückkehr von Veteranen in die Gesellschaft linderten. Es befasste sich mit den sozialen Problemen der Nachkriegszeit durch seine optimistische Darstellung des Kampfes um Normalisierung mit einem Protagonisten, der beide Hände im Krieg verloren hatte, insbesondere gespielt von Harold Russell , einem Laienschauspieler , der die gleiche Erfahrung gemacht hatte. Der Film schildert auch die intensive männliche Bindung , die während des Krieges stattfindet, auf positive Weise und zeigt die Unterstützung, die jeder der Männer füreinander hat. Es zeigt auch die Kämpfe, denen sie nach der Rückkehr in ihr Vorkriegsleben gegenüberstehen, obwohl der Film in einem Versuch, die nationale Angst zu lindern, sich letztendlich in ein Happy End auflöst, in dem alles versöhnt wird. Während dieser Film den allgemeinen Richtlinien eines sozialen Problemfilms aus der Klassik folgt, wie die Verwendung von Nicht-Schauspielern, die Bedeutung des historischen Kontexts, ein melodramatisches Gefühl und der didaktische Charakter des Genres, die Identifizierung und Lösung des sozialen Das Problem ist weniger eine Warnung an die Gesellschaft als vielmehr eine Zunahme positiver Gefühle in einer Nation, die von den Schrecken des Krieges gebeutelt wird.

Der Film über soziale Probleme befasste sich auch mit anderen spezifischen Themen, die die Nachkriegsumgebung in Amerika plagten. Zum Beispiel Billy Wilder ‚s The Lost Weekend (1945) konzentrierte sich auf Alkoholismus , einen Zyklus von Filmen einweihen mit Umgang Droge und Alkoholmissbrauch ; und Gaslight (1944), basierend auf einem früheren Stück, dramatisiert und wurde zum Namensgeber für die psychologisch missbräuchliche Technik, die später als Gaslighting bekannt wurde . In Bezug auf die psychische Gesundheit verursachte Bedlam (1946) Empörung unter den Amerikanern und beeinflusste die ohnehin schon fragile nationale Einstellung der Zeit.

Ein soziales Problem, das in die Gesellschaft der Vereinigten Staaten integriert wurde, war die Kategorisierung von Minderheiten zusammen als eine Gruppe; Afroamerikaner , asiatische Amerikaner , Juden und Homosexuelle wurden alle ohne Unterschied diskriminiert. Das Bewusstsein für dieses Problem wurde jedoch erheblich geschärft, indem die Übel des Nationalsozialismus und des Holocaust als Ergebnis dieser Art von Hass der Welt offenbart wurden. Antisemitismus wurde nach dem Leiden des jüdischen Volkes zu einem weltweiten Diskussionsthema, und der Film über soziale Probleme reagierte mit Versuchen, dieses Problem darzustellen. Einige Filme, die sich in dieser Zeit mit Antisemitismus und Rassismus auseinandersetzten, waren Pinky (1949) und Home of the Brave (1949). Insbesondere Gentleman's Agreement (1947) folgt einem Journalisten, der beschließt, als jüdisch durchzugehen, um ihre Erfahrungen zu verstehen. Die Bemühungen im Gentleman's Agreement wurden von jüdischen Kritikern dafür kritisiert, dass sie sich nicht wirklich mit der jüdischen Kultur befassten und nicht tief genug in die Auswirkungen des Holocaust eingingen. Der Film wurde auch so gesehen, dass er Antisemitismus eher als üble Angewohnheit denn als Diskriminierung darstellte. Auf kommerzieller Ebene war der Film jedoch erfolgreich und konnte das Publikum auf eine Weise beeinflussen, die Vorurteile gegenüber Juden reduzierte.

1950er und 1960er Jahre

Während der McCarthyismus in Form des Un-American Activities Committee des Repräsentantenhauses einen Teil von Hollywoods Begeisterung für linksgerichtete Kritik an der amerikanischen Gesellschaft dämpfte, wurde das Genre dennoch in den nächsten zwei Jahrzehnten weitergeführt. Robert Wises Science-Fiction-Film The Day the Earth Stood Still (1951) forderte in einem Umfeld von Misstrauen im Kalten Krieg und nuklearer Paranoia internationale Zusammenarbeit in Fragen der Gewalt und der Weltsicherheit : Die "Botschaft" wird der Erde buchstäblich von einem zivilisierte Außerirdische. Stanley Kramers verschiedene Enthüllungen des Rassismus – The Defiant Ones (1958), Pressure Point (1962) und Guess Who’s Coming to Dinner (1967) – wurden zum Synonym für das Genre. Außerdem verbanden "Jugendkriminalitätsfilme" den zensierenden Ton sozialer Problemfilme mit Exploitationsfilm und Melodram .

Auch eine Reihe journalistischer Beiträge zur Ineffektivität von psychiatrischen Einrichtungen führten zu einer verstärkten Sensibilisierung der Öffentlichkeit für das gesellschaftliche Problem der psychiatrischen Versorgung . Die nationale Haltung der damaligen Zeit war durch die öffentliche Enthüllung des Nazi-Schreckens bereits in einem fragilen Zustand. Dies, kombiniert mit dem misstrauischen Umfeld und den Spannungen des Kalten Krieges, spiegelte sich in einer Vielzahl von Filmen über psychische Gesundheit, die Unwirksamkeit von Behandlungen und die Art und Weise wider, wie Betroffenen geholfen werden kann.

Das soziale Problem Genre reflektierte Fragen der psychischen Gesundheit und Sucht besonders gut durch Filme wie Bigger Than Life (1956), die folglich auf einem Artikel beruhte in „Tall Ten Feet“ mit dem Titel veröffentlichte The New Yorker " . Der Film folgt einem Protagonisten in einer gesunden, glücklichen Familienbeziehung, der gezwungen ist, wegen einer seltenen Krankheit Kortison zu nehmen , was letztendlich zu einem Missbrauch der Medikamente führt, was dann zu psychischen Problemen führt. Das Krankenhaus und die Ärzte im Film werden als inkompetent und nicht gewillt gezeigt, alles zu glauben, was der Patient ihnen sagt, und versorgen ihn sogar mit mehr Kortison, wenn er Drogen sucht .

Bigger Than Life zeigt auch eine deutliche Abkehr von den sozialen Problemfilmen des klassischen Hollywoods , die durch eine Vielzahl von Faktoren verursacht wurde. 1948 wurden die Paramount Decrees nach einem bahnbrechenden Kartellverfahren der Vereinigten Staaten gegen die großen Studios der Zeit eingeführt. Was folgte, war eine Beschränkung vieler Formen des Vertriebs, des Marketings und der Zeit zwischen den Filmläufen. Dies führte zu einer Machtverschiebung von den großen Studios der Zeit, die daher einen neuen Weg zur Vermarktung ihrer Filme finden mussten. Die Schaffung von Cinemascope , das das Seitenverhältnis erweitert , um Breitbildwiedergabe zu ermöglichen , und wurde als Beginn des Endes der klassischen Ära Hollywoods angesehen. Da Bigger Than Life Zugang zu diesen neuen Technologien hatte, die auch der Film über soziale Probleme adaptieren würde, zeigte Bigger Than Life weniger didaktische Sprache und erlaubte stattdessen mehr Interpretationen des Publikums darüber, was das soziale Problem war.

1970er

Ein großes Thema unter den Filmen der 1970er Jahre war der Vietnamkrieg ; Filme wie The Deer Hunter (1978) und Apocalypse Now (1979) konzentrierten sich darauf, die extremen psychischen und physischen Bedingungen aufzudecken, denen Soldaten während des Einsatzes ausgesetzt sind.

Der Film über soziale Probleme hingegen kehrte zu seinem gemeinsamen Thema der zurückkehrenden Veteranen zurück, am Beispiel des von der Kritik gefeierten Coming Home (1978), das einer Frau folgte, deren Mann auf Tournee war, als sie sich freiwillig im Veteranenkrankenhaus meldete und sich anfreundete ein verkrüppelter Soldat. Die Art und Weise, in der der Film mit der Erzählung und mit seinem Publikum interagiert, zeigte jedoch einen Formwandel, der die Einstellungen der Zeit widerspiegelte. In den 1960er und 1970er Jahren wurde der Feminismus der zweiten Welle sichtbar, der das Bewusstsein für Ungleichheiten in Bezug auf viele soziale Probleme schärfen konnte, obwohl er sich hauptsächlich auf den Feminismus der weißen Oberschicht konzentrierte . Dieses nationale Bewusstsein feministischer Ideale, kombiniert mit einem weitgehend gescheiterten Kriegsumfeld sowie der Unfähigkeit, sich vollständig um Veteranen zu kümmern, drückt sich in der Erzählung und den Charakteren von Coming Home aus , während gleichzeitig bestimmte Faktoren des klassischen sozialen Problemfilms beibehalten werden . Die Feminisierung der Vietnam-Erfahrung wird durch den Protagonisten Luke sichtbar, der es Sally ermöglicht, ihre Rolle als stereotype Militärfrau zu transzendieren, während er sich selbst feminisiert, während er in die Gesellschaft zurückkehrt. Je passiver und stereotyp weiblicher er wird, desto mehr darf er die Schrecken Vietnams hinter sich lassen. Diese Art der Charakterisierung unterscheidet sich stark von den Charakteren, die in früheren zurückkehrenden Veteranen-Sozialproblemfilmen zu sehen waren, in denen der Veteran oft als ultra-männlich und seine Frau als traditionelle Hausfrau dargestellt wurde .

Darüber hinaus weist die Erzählung von Coming Home einen deutlichen Unterschied zu früheren sozialen Problemfilmen auf. Anstatt dem Publikum ein didaktisches Thema aufzudrängen, geht die Geschichte zwischen Didaktik und eher einer Seifenopern- Romantik-Formel hin und her . (Infolgedessen ist es manchmal schwer zu erkennen, worauf wir uns im Film konzentrieren sollen.) Der Film behält jedoch bestimmte Merkmale des Films mit sozialen Problemen bei, wie z -Schauspieler, die die Veteranen im Krankenhaus darstellen.

Zeitgenössische soziale Problemfilme

Als die Vereinigten Staaten in die Gegenwart übergingen , haben sich die sozialen Themen, die das Land umfassten, angepasst, um sich auf verschiedene Aspekte der Probleme zu konzentrieren, insbesondere im Fall der Einwanderung und der Erfahrung von Veteranen , die beide in dem klassischen Film über soziale Probleme eine wichtige Rolle spielen . Das Thema von Border Incident (1949) war beispielsweise die Einwanderung von Landarbeitern mit Migrationshintergrund aus Mexiko. Die Sozialproblemfilme Best Years Of Our Lives (1946) und Coming Home (1978) konzentrierten sich sowohl auf die Behandlung als auch auf die Rehabilitation von Veteranen.

In den heutigen Vereinigten Staaten, ein Einwanderungs soziale Frage, die seit Jahren relevant gewesen ist , ist die Idee des Flüchtling Asyl , während der Rückkehr-Veteran Handlungsstränge oft nun auf der Sucht nach Krieg konzentrieren und die Unfähigkeit zu funktionieren normalerweise ohne sie.

Vor allem sudanesische Flüchtlinge stehen im Fokus, da ihr Land vom Bürgerkrieg geplagt wird, Asyl in den USA jedoch aus Terrorangst blockiert wurde. Ein zeitgenössischer sozialer Problemfilm, der sich diesem Thema widmet, ist The Good Lie (2014), der das Leben einer Gruppe sudanesischer Kinder verfolgt, die aus ihrem Dorf in ein Flüchtlingslager fliehen und als Erwachsene nach Amerika kommen. Der Anfang des Films macht eine anständige Arbeit, um den Kampf zu repräsentieren, mit dem über 25.000 Kinder konfrontiert waren, während sie quer durch Afrika wanderten und die Elemente, Tiere und Soldaten ertragen, die versuchen, sie zu töten, während er den Protagonisten folgt, die die Reise selbst antreten und dabei einige verlieren . Es nutzt klassische Techniken wie Dreharbeiten im Flüchtlingslager und die Verwendung von echten Flüchtlingen als Hintergrundfiguren. Allerdings hat der Film viel mehr mit der Form von sozialen Problemfilmen wie Coming Home gemein . Es spielt nicht nur eine berühmte Schauspielerin, Reese Witherspoon , sondern nutzt letztendlich die Auseinandersetzung mit der Erzählung viel mehr als zu versuchen, dem Publikum zu predigen. Als die Protagonistengruppe in Amerika ankommt, erlebt der Film eine Verschiebung von der Darstellung der Not dieser Flüchtlinge zu einer Art Kulturkampf, während sie sich an die amerikanischen Gepflogenheiten anpassen und die Ineffektivität der bürokratischen Systeme erkennen, die ihnen helfen sollen. Wie bei Coming Home wird das Publikum nicht in einen Raum gebracht, in dem der Film rein lehrreich sein soll, sondern er wird ermutigt, das soziale Problem aus dem gezeigten Drama zu erkennen. Dies zeigt sich in der Frustration einiger Rezensenten, die behaupten, die Handlung scheine erfunden zu sein und sich nicht genug auf bestimmte soziale Themen zu konzentrieren. Dieser besondere Aspekt der sich wandelnden Form des sozialen Problemfilms ist weitgehend auf den Wunsch des Publikums zurückzuführen, sowohl unterhalten als auch mit einer gut formulierten Geschichte gesättigt zu werden.

Ein weiteres Beispiel, in dem dies greifbar wird, ist die sich ändernde Darstellung zurückkehrender Veteranen. Die Auswirkungen des Krieges auf die amerikanische Gesellschaft sind je nach Situation und nationalen Gefühlen der Zeit fließend. Dies wird offensichtlich, da sich Filme nach dem Zweiten Weltkrieg oft auf die Rückkehr der Veteranen in die Heimat konzentrierten, das Familienleben und die Unterstützung des Ehepartners sowie die Enthüllung der Fähigkeit des Menschen, Böses zu begehen, aufzeigten, was zu Streifzügen führte, um diese Probleme anzugehen. Dann schuf die feministische Bewegung in Vietnam, kombiniert mit nationalen Gefühlen des Bedauerns, sowohl hyper-maskuline Filme, die den Horror der Schlacht darstellen, als auch die Not der zurückkehrenden Veteranen und einen eher formelhaften Ansatz der Erzählung statt eines didaktischen . Die aktuelle Ära konzentriert sich also auf den internationalen Konflikt im Nahen Osten, der in den USA eine ideologische Spaltung geschaffen hat. Der Film über soziale Probleme hat sich angepasst, um diese Gefühle durch Filme wie Green Zone (2010) zu erfassen , die die Idee falscher Motivationen für den Eintritt in den Krieg gegen den Irak thematisieren .

Relevanter für das Genre des sozialen Problemfilms ist jedoch die Idee zurückkehrender Veteranen; Während die Behandlung von Veteranen auf dem Bildschirm gezeigt wurde, geht das gegenwärtige soziale Problem darüber hinaus und geht eher in die Psyche der Soldaten selbst und in die Systeme, die ihre Situation verewigen. Dies geschieht durch die Darstellung des Krieges als Sucht, einer anderen Art von sozialem Problem – eine Art und Weise, die Filme des 20. Jahrhunderts nicht berücksichtigt haben. Dies ist der Fall in The Hurt Locker (2009), das ein Team zur Entsorgung von Sprengkörpern im Irak darstellt. Obwohl er vor Ort in Jordanien gedreht wurde, Nicht-Schauspieler einsetzte und sich auf eine kleine Gruppe von Menschen konzentrierte, steht der Film viel mehr im Einklang mit den jüngsten sozialen Problemfilmen, da er sich auf Charakterisierung , Geschichtenerzählen und Filmstilisierung konzentriert, um seine soziales Thema mehr als reine Predigt. Der Film ist sowohl filmisch als auch viszeral und verwebt Aspekte des Krieges in einem dokumentarischen Stil, der dem Einsatz von Sound und technologischen Fortschritten gegenübergestellt wird, um eine intensive, einhüllende Erzählung zu schaffen. Auch hier soll der Zuschauer das alltägliche Privatleben des Protagonisten im Vergleich zu seiner Erfahrung auf Tour sehen, wo er mehr zu Hause zu sein scheint. Der Film beginnt mit einem Zitat, das Krieg mit einer Droge gleichsetzt, und endet mit dem Zurücksetzen des Zählers der „Tage auf Tour“ des Protagonisten auf 0 statt rein motivierte Soldaten. Diese Szenen zeigen eine spürbare Verschiebung von der Aussage, dem Publikum zu sagen, wie es sich fühlen soll, indem der Monolog beendet wird, um das Problem darzustellen und das Publikum es selbst interpretieren zu lassen.

Fernsehen und soziale Medien

Mit der Entwicklung neuer Technologien wie dem Fernsehen war es unvermeidlich, dass Sendungen zu sozialen Themen sichtbar wurden. Von Dokumentarfilmen für soziale Gerechtigkeit bis hin zu öffentlich-rechtlichen Sendungen zu lokalen Themen kann auf das Fernsehen auf eine Weise zugegriffen werden, die für Filme nicht möglich ist. Bestimmte Programme wie The Biggest Loser adressieren ein spezifisches soziales Problem wie Fettleibigkeit in einer Umgebung, die als Realität dargestellt wird. In Wirklichkeit ist das Ganze jedoch ziemlich geskriptet. Die Teilnehmer verzichten auf ihr Recht, ihre eigene Geschichte zu kreieren und werden darauf trainiert, zusammenzubrechen, nicht eine gesunde Methode, um Gewichtsverlust anzugehen. Diese Pseudo-Realität ist insofern problematisch, als sie ein gewisses soziales Problem darstellt, zusammen mit einer praktikablen Lösung, wie Ernährung und Bewegung, aber sie spricht nicht die kulturellen Probleme und systematischen Faktoren wie billiges Fastfood in Armutsgebieten an.

Der Aufstieg der sozialen Medien hat zu einer Transformation vieler etablierter Systeme wie Werbung, Nachrichten, Proteste, Kampagnen und Kontakt mit anderen Kulturen geführt. Die Möglichkeit, sich sofort mit einem stattfindenden Ereignis zu verbinden und etwas sofort mit der Öffentlichkeit zu teilen, hat zu einer neuen Entwicklung von Netzwerken geführt, auf die per Mausklick zugegriffen werden kann. So wie diese anderen Aspekte des Lebens beeinflusst wurden, so ist auch die Idee des sozialen Problemfilms. Die Möglichkeit für Benutzer, über YouTube aktuelle Videos von Ereignissen aus der ganzen Welt zu erhalten, macht es für filmische Darstellungen schwieriger, die didaktische Einheit zu werden, die sie sein müssen, um in das Genre zu passen. So wird es beispielsweise bei einer Suche nach Filmmaterial aus dem Irakkrieg mit über 100.000 Ergebnissen schwierig, ein Realitätsgefühl darzustellen, in das sich der Betrachter rein beziehen kann, wodurch der künstlerische Einfluss des Filmemachers deutlicher wird. Dies in Kombination mit der Entwicklung des Nachrichtenprogramms über das Fernsehen hat eine Art Umfeld geschaffen, in dem der gesellschaftliche Problemfilm gezwungen war, seine Form zu ändern, der mehrheitlich didaktische Ansatz war nicht mehr zufriedenstellend, da die Menschen Zugang zu aktuellem Filmmaterial haben, daher die Implementierung einer tieferen Charakterisierung und reichere Erzählungen wurden in den zeitgenössischeren Einträgen in dieses Genre relevant.

Beispiele

Soziale Themen, die von diesem Genre berührt werden, können sein:

Siehe auch

Verweise

Literaturverzeichnis

  • Roffman, Peter und Jim Purdy. Der Film über soziale Probleme in Hollywood . ISBN  0-253-12707-6
  • Sloan, Kay. 1988. The Loud Silents: Ursprünge des sozialen Problemfilms . University of Illinois Press. ISBN  0-252-01544-4